Proyectos Monclova presenta Nubada, de Alejandra Venegas. Exposición vinculada a su visión sobre los fenómenos naturales, el clima y la estacionalidad de la zona alta de Xochimilco, lugar donde vive y trabaja.
Durante sus recorridos, Venegas observa con detenimiento el lenguaje de las plantas y animales que la rodean, motivos de sus relieves: semillas que brotan de la tierra, plantas, flores, chapulines y otros animales de la zona, además de la lluvia, el sol y su influencia en la transformación del paisaje. Además de figuras ornamentales como el espiral que simboliza expansión y crecimiento.
La muestra integra una serie de bloques de madera de distintos árboles como nogal, xiloxochitl, huanacaxtle, banak y cedro rojo, sobre los cuales la artista talla relieves con herramientas tradicionales: gubias y mazo. Venegas usa el color de manera instintiva y pinta cada relieve con gouaches en ciertas áreas, añadiendo vibración y simbolismo a las piezas.
Para la artista, la talla es un proceso de hallazgo de aquello que cada bloque de madera encierra: cada relieve es el resultado de ese desvelamiento. Esculpir la superficie permite revelar la memoria de la naturaleza, sus percepciones y testimonios; descubrir el color, el aroma, la textura y la dirección de las vetas y nudos de la madera es parte importante de su relación con el material.
Proyectos Monclova presenta Hay una palabra para nombrar la hora de la noche en silencio, exposición que integra por primera vez en México la obra pictórica y una serie de dibujos del artista mexicano Martín Soto Climent.
La exposición, cuyo título hace referencia a un estado meditativo para ser más perceptivos al entorno, incluye pinturas, dibujos y paneles realizados con materiales que tienen una fuerte carga simbólica. Por ejemplo, el carbón, mineral que le permite explorar el monócromo y hallar otras posibilidades del color. De esta experimentación material nacen sus piezas monocromáticas color negro, en las que hace uso de algunas técnicas propias del dibujo y la pintura, como la superposición de capas, esgrafiado, dripping y pinceladas suaves.
Soto Climent también se sirve del grafito para hacer dibujos sobre lienzo o madera cargados de sensualidad, líneas curvas que evocan formas orgánicas y aluden a la vida. También se halla el erotismo en las piezas producidas con medias rasgadas, un material que remite al cuerpo femenino y que ha sido utilizado anteriormente por el artista para formar dípticos, trípticos e instalaciones completas.
SOMA presenta Estiramientos <3, exposición colectiva de la décima generación que egresa del Programa Educativo SOMA (PES), espacio para desarrollar el pensamiento crítico que les permite continuar con su formación y repensar su práctica.
Estiramientos </3 parte de la idea de que ningún cuerpo vivo es inerte, es el movimiento lo que nos hace fluir hacia otros lugares y la creación puede figurar como un constante flujo que, de ser detenido o pausado, también cambia. Con piezas de doce artistas, que se enfrentaron a la virtualidad y distancia impuestas por la pandemia, la exposición tiene como motor el encuentro presencial y la posibilidad de experimentar el cuerpo y sus tensiones.
Participan Aileen Gavonel Arenas, Aimée Suárez Netzahualcóyotl, Alonso Galera, Andrea Guízar Jurado, Carla Cànovas, Diana Barquero, María Méndez, Óscar Formacio, Reyna Alcantar, Sergio Chavarria, Sergio Valdivia y Sofía Acosta-Varea. Con la curaduría de Ana Derrumbe.
Art Latinou presenta Neo Geometrismo, exposición colectiva sobre la experimentación entre el color, la forma y las líneas que en conjunto marcan un equilibrio entre lo sensual, lo emocional y lo racional.
Las obras seleccionadas comparten una extrema simplificación de elementos geométricos, colores sólidos y estructuras dinámicas. La lectura y relación de las piezas comprende la individualidad creativa y discursiva de cada artista. Éstas tienen una expresividad clara y disciplinada que reflejan en sus formas geométricas la objetividad de la naturaleza, el misticismo oculto detrás de las figuras simples, la armonía comparable a la de una composición musical, en conjunto son capaces de mimetizarse con las formas arquitectónicas del edificio.
Con la curaduría de Josué Morales, la muestra refleja las diferentes leyes matemáticas del universo y muestra posibilidades infinitas de configuraciones.
Participan Andrés Rangel, Andrea Sotelo, Claudia Luna, Alexander Witges y Pablo Zamudio.
Hasta el 07 de octubre de 2022 en galería 69 El Cubo.
Imagen: Bloques de Ciudad. Configuración Ordinaria XXII, de Claudia Luna | Art Latinou
Guayaba es una plataforma online que reúne un catálogo de cine que propone nuevas lecturas de cómo sentir y narrar en clave latinoamericana. Para agosto, Guayaba integra cinco películas para reflexionar gracias a las sutilezas de cómo nuestra identidad individual se entremezcla con la memoria colectiva, el amor a los ideales y ese entorno que va mutando con el paso del tiempo:
Dopamina (Colombia, 2019). Ópera prima de Natalia Imery Almario que documenta cómo transitar las heridas familiares a través de pequeños actos de amor en la cotidianidad del hogar. Cuidar el jardín, hacer ejercicio, cocinar o zambullirse en la piscina son las acciones que van hilando una larga conversación sobre el pasado militante de sus padres, la libertad de ser una misma y los miedos detrás de aceptar la orientación sexual de su hija. ¿La metáfora? La dopamina, como la hormona que facilita la comunicación neuronal.
Victoria (Colombia, 2020). Película que busca representar un discurso humano y diferente sobre los combatientes guerrilleros de las FARC que dejaron las armas con el acuerdo de paz de 2016. Su discontinuidad narrativa también permite identificar cómo el problema de la violencia en Colombia ha moldeado a la mujer, madre y exguerrillera protagonista.
En medio del laberinto (Perú, 2019). Salomón Pérez logra narrar el amor en tiempos de skate en una ciudad poco adaptada al deporte callejero, como Trujillo en Perú, sin caer en melodrama o sentimentalismos clásicos.
Los paseos (Argentina, 2022). Esteban Tabacznik habla de la idealización en el amor, tanto de pareja como de una la arquitectura de la hermosa pero áspera ciudad de Buenos Aires. Al volante de un solitario Diego va conversando con Belén, una inmigrante paraguaya, y entreteniendo a una señora mayor que padece alzhéimer y que Belén cuida.
Vivir allí (Chile, 2018). El desierto de Atacama, en Chile, es el protagonista de los paisajes que este documental va revelando en planos principalmente panorámicos. Filosófica desde la raíz, ese «allí» se desdibuja entre los restos de una vida que apenas persiste. Sin embargo, las sutilezas de este film estrenado en el Festival de Valdivia logran posicionar su temática más allá de lo convencional, no es un documental indigenista, tampoco medioambientalista.
Las películas pueden verse desde la plataforma de Guayaba, aquí.
Galería laNao presenta Paisaje Póstumo, exposición en la que Cecilia Barreto y Hugo Robledo ensayan paisajes cuya aprehensión no despliega la promesa de ningún futuro, sino un presente desarticulado en el que los signos de su construcción aparecen como los signos de su propia devastación (nitidez, claridad, perspectiva, mesura.)… Un paisajismo cuyo proyecto está vacío. Condición de la vida actual: sin futuro, operación de un frenético presente sobre su mera inercia. Y aún sus paisajes…
La noción de paisaje implica siempre la construcción de un sentido de habitación; nuestra interacción con él excede el campo de la experiencia visual y se articula en relaciones de poder ya no solo sociales sino planetarias, en las que se pueden leer algunas condiciones y disposiciones fundamentales de la vida cultural, o de su muerte.
De esta manera, la noción de paisaje cobra un sentido más allá del ejercicio de un extractivismo visual para llevarlo a uno de producción del sentido de habitación, sentido ontológico que hoy comporta una profunda crisis. Si el paisaje siempre representó el alcance epistemológico del proyecto de habitación del mundo ¿Cómo proyectar(se) en un mundo que ya no alcanza?
Estamos ante una pintura crítica, más no por distante para el análisis, sino por partícipe de la crisis, una pintura que se sitúa en la conciencia de su condición bidimensional: la ilusión superficial y el proyecto de mundo que ésta implica. En la conciencia de este binomio lo habitamos como un paisaje póstumo.
Hasta el 01 de octubre de 2022.
Imagen: Miedo a la noche, 2022, de Hugo Robledo | Galería laNao
Galería laNao presenta Al tiempo del abraso, exposición colectiva resultado de la primera residencia de Cobertizo en colaboración con laNao. Siete artistas en su disposición frente a las derivas que conforman la colectividad latente que integra esta muestra.
Cobertizo, ubicado en Jilotepec, Edomex, es un proyecto de residencias artísticas que abre un lugar para la producción artística en México y convoca las posibilidades creativas siempre con la disposición a encontrarse. La intención es detonar diálogos comunes que se tornen preguntas personales, vínculos, que transformen las cosas. En el encuentro de los diversos procesos creativos es posible generar modos que nos recuerdan el origen colectivo y potencien las poéticas singulares.
La exposición quiere albergar un abrazo, detonarlo, un incendio y habitarlo. A ritmo personal, tiempo sin horas. Al tiempo del abraso.
Participan Alma Saladín, Andrea Bores, Chavis Marmól, Néstor Jiménez, Marco Rountree, Miriam Salado y Tania Ximena.
Hasta el 01 de octubre de 2022.
Foto: Munición Salvaje, 2022, de Miriam Salado | Galería laNao.
Durante el mes de julio, Proyectos Monclova inauguró The Zone, la nueva entrega de la investigación que Raúl Ortega Ayala (Ciudad de México, 1973) realizó en la zona de exclusión de Chernóbil, Ucrania, entre 2013 y 2018. La muestra da continuidad a la línea de investigación que el artista exhibió hace dos años en Aotearoa, Nueva Zelanda, presentando un cuerpo de obra inédito que, sorpresivamente, se resignificó ante la invasión que el territorio ucraniano ha enfrentado en los últimos meses.
Al ingresar a la nave principal de la galería, el público espectador es recibido por una imagen mural que evoca la monumentalidad de los espacios vistos por el artista. A los costados, se muestra una serie de fotografías que en conjunto se nombran como Field-Notes (Notas de Campo), las cuales dan cuenta de las cotidianidades que se desarrollaron en el sitio, y que se interrumpieron de súbito el 26 de abril de 1986, cuando la explosión de un reactor en la central nuclear de Chernóbil bañó de radiación a un área total de 5,200 kilómetros cuadrados. En el espacio contiguo, se proyecta el video titulado The Zone, from the series From the Pit of Et Cetera, que recupera los testimonios de cuatro antiguos residentes, tanto el día del accidente como de las semanas, meses y años subsecuentes.
Desde un plano geopolítico, el cuerpo de obra se inserta dentro de las discusiones sobre las dinámicas de poder causadas por la energía, en un momento donde Rusia ejerce presión sobre Europa por el suministro de gas natural que recibe. En el ámbito creativo, Ortega Ayala sugiere una examinación de la memoria colectiva para reflexionar sobre los eventos que las sociedades deciden recordar u olvidar. Para ello, tomó como punto de partida las narraciones difundidas por los medios de comunicación durante casi cuatro décadas, evidenciando una distribución desigual y políticamente dirigida de los hechos.
Ante la escasez de una historiografía que aborde los efectos del accidente nuclear en la población, Ortega Ayala propuso una serie de imágenes que constituyen una alegoría de la percepción del socialismo utópico en nuestro presente. Estas fotografías también nos enseñan las maneras en que los elementos domesticados por la modernidad —como la maleza, la luz, el agua y el viento— se vuelcan hacia nosotros para apropiarse de las infraestructuras y tecnologías desde donde desarrollamos nuestras vidas. Este proyecto no se enfoca en los vestigios de las civilizaciones remotas, sino más bien en los residuos que va dejando nuestro tiempo histórico:
«Estar en un lugar tan reconocible, totalmente abandonado, era como ver mi realidad pero en ruinas. Fue muy impresionante percatarme cómo el entorno va tomando los espacios por completo. Porque la naturaleza no tiene un orden racional, no respeta las estructuras, sino que se va moviendo orgánicamente y va carcomiendo los espacios de manera diferente».
Los cinco años que abarcó el trabajo de campo permitieron al artista reconocer los cambios que Chernóbil experimenta en el día a día. Incluso logró identificar las variaciones que el silencio y el paisaje presentan con la transición de las estaciones. Frente a estas apreciaciones, surgió el planteamiento de cómo transmitir la escala de la desolación que ahí se experimenta. La solución fue la obra Field Note 24-03-14-120 mm 156 (Wallpaper, Pripyat, Chernobyl), con una escala que supera los siete metros de largo y los cinco de altura, y que fue colocada sobre el muro principal de la galería para generar una acción inmersiva entre las personas visitantes. Al enfocarse en la desolación y los escombros de estos ambientes domésticos y urbanos, Ortega Ayala paradójicamente evidencia la esencia humana que los posibilitó:
«Me interesaba que las fotografías tuvieran una conexión directa con los habitantes, con esas personas. Y que los espacios vacíos no fueran enclaves abandonados, sino que fueran lugares que señalen su pertenencia a alguien; que estuvieron enlazados con una persona».
Si el fotomural de la nave se convierte en un eje de la exposición por su escala, la película lo hace por su profusión. The Zone muestra en poco más de 36 minutos las impresiones de cuatro ex residentes de Chernóbil. Desde este recurso, el autor logra una aproximación mucho más íntima del suceso, que difiere con el tono aséptico que los hechos han cobrado a través de las décadas: «Podríamos hablar que en esta obra existen cinco personajes: las cuatro personas y la ciudad. La ciudad es una presencia silente que va revelando su degradación a través del tiempo y a través del desuso».
Con una voz en off y mediante descripciones solemnes y cargadas de emoción, los protagonistas rememoran la incertidumbre de los primeros días de la evacuación, la expectativa por regresar, la decepción al no hacerlo, las muertes, las secuelas de la radiación, y la pérdida de la fe en el sistema ideológico que les fue concedido.
Entre los argumentos recopilados por la secuencia, uno de los más poderosos fue mencionado por Natalya Panteleevna, quien para 1986 era madre de un recién nacido. La mujer recorre los edificios donde vivió, se rió y se enamoró, mientras cuenta cómo en el inconsciente colectivo de sus habitantes, Chernóbil era una ciudad llena de flores, niños, y gente feliz: «Si la ciudad tuviera un corazón, estaría roto». Por su parte, Vladimir Tarasov, un profesor de educación física, evoca las canchas de juego y las bancas que fueron escenario del fin abrupto de las infancias en esa ciudad, pero también del optimismo que el régimen comunista había construido. También menciona cómo existe una tendencia por olvidar el pasado, por más violento y traumático que sea: «Ya no siento la misma nostalgia».
La modernidad en ruinas propuesta por Ortega Ayala arroja un imaginario que se caracteriza por representar la revancha de las fuerzas que la modernidad subordinó, así como el florecimiento de una naturaleza marcada por la radiación. En otras palabras, es un paisaje del antropoceno. Al mismo tiempo, hace énfasis en el historial de migración forzada que ha marcado a la sociedad ucraniana: desde los pogromos hasta la diáspora que incluso ha alcanzado nuestras fronteras, derivado de la actual invasión rusa.
Desde los carruseles, los mosaicos colapsados, los muros raídos y los muebles deteriorados, Ortega Ayala nos muestra que todos los órdenes políticos caen en crisis y se acaban, independientemente de la robustez y longevidad que puedan alcanzar. En un momento marcado por la inconformidad, la desigualdad, la descomposición social y el desprestigio de las instituciones, quizá la pregunta que debemos formular no es si nuestro estado de las cosas va a caer, sino cuándo:
«Chernóbil me hizo reconocer lo efímero que pueden ser los sistemas de poder. Un sistema [como el soviético] que parecía infalible, que parecía que nada lo podía tirar, de un día para otro dejó de serlo. […] Me hizo darme cuenta que todas estas estructuras tienen fecha de caducidad, y los dispositivos que aparentemente son la solución a nuestros problemas también son falibles. Comprendí que quizás no deberíamos poner toda nuestra fe en la tecnología. Es una herramienta, más no el fin para resolver nuestros problemas».
Actualmente, Ortega Ayala continúa su trabajo desde el formato de la nota de campo, con el fin de indagar cómo reaccionan los medios físicos y sus habitantes a contextos de catástrofe, exilio o abandono inminente. Las locaciones abarcan diferentes latitudes e idiosincracias: desde el norte africano, hasta las islas del Caribe y el Occidente de México.
Materia Abierta presenta su tercera edición, programa independiente de verano sobre teoría, arte y tecnología en la Ciudad de México. Desde la reflexión sobre las éticas del presente y el futuro, el encuentro busca cuestionar las fuerzas políticas, económicas e ideológicas que condicionan la producción cultural contemporánea y favorecer otras formas de acción y conocimientos.
Con la curaduría de Sara Garzón, el programa se desarrolla bajo el título La rebelión del coyote. Invitación a realizar un viaje de regreso a la tierra. Por medio de la invocación del Huehuecóyotl, deidad azteca conocida como el viejo coyote, se abrirán formas de relacionabilidad, reciprocidad y mutualidad entre los mundos naturales, ancestrales y humanos.
Con el apoyo de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), el Museo Universitario Arte Contemporáneo (MUAC), Casa del Lago UNAM, la Cátedra Extraordinaria Max Aub Transdisciplina en Arte y Tecnología, y la Cátedra Olivier Debroise, el programa público integra una serie de conferencias y un concierto a cargo de Camae Ayewa (Moor Mother).
Descarga el programa completo de actividades aquí.
Hasta el 27 de agosto de 2022.
Foto: Cortesía del artista y de Gaga Fine Art, Ciudad de México y Los Ángeles.
El Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey (MARCO), en colaboración con Laboratorio Arte Alameda (LAA) y el Fondo Artístico de Helen Escobedo, presenta Helen Escobedo: Ambientes totales, una amplia mirada contemporánea a una de las pioneras de la instalación en México.
A finales de los 60, la artista transitó de las técnicas tradicionales a la creación de esculturas habitables, obras inmersivas, efímeras, desafiantes al canon, con discursos críticos o cargadas de humor. Desde esta perspectiva, la exposición revisa el período de producción de 1969 hasta 2010.
En total la muestra reúne 108 obras entre pinturas, collages, dibujos, maquetas y esculturas a lo largo de cuatro ejes temáticos: Habitando la geometría, Paisajes verticales, Contra monumentos a lo cotidiano y Los mojados. El recorrido analiza la relación entre el ser humano con la arquitectura, el hogar, el museo, la naturaleza y la política social.
Para Helen Escobedo, el arte era concebido como una «ambientación total», término que refiere a la idea de obras artísticas habitables, conformadas por ambientes abstractos basados en la geometría y que son activados una vez que el espectador hace uso de los mismos.
El Museo Espacio, ubicado en Aguascalientes, presenta Multitud en renta: DEMO, video instalación de Juan Obando y Yoshua Okón que trata el fenómeno del Astroturfing, enmarcando sus repercusiones y cuestionando sus mecanismos de simulación.
¿Cuántas de nuestras opiniones personales sobre algún asunto de interés común son el resultado de un análisis bien informado y cuántas de ellas son resultado de la manipulación de nuestra percepción a través de los medios? ¿Podemos discernir entre información fiable e información que ha sido «sembrada» para orientar nuestra postura política?
Se dice que el ámbito político es el lugar predilecto para la mentira, que se sostiene haciendo uso de medios potentes y eficaces como el Astroturfing —práctica de uso extendido en la democracia moderna en la que se gestionan manifestaciones públicas artificiales que se hacen pasar por reales utilizando multitudes de actores que interpretan a activistas y a quienes se les prohíbe revelar que son contratados— con el objetivo de ofrecer una impresión espontánea y genuina de apoyo popular hacia una agrupación política, un individuo o incluso, un producto.
El uso de dicho artificio escénico y sus efectos en la opinión pública y la vida política despertó el interés de Yoshua Okón y Juan Obando, quienes investigaron la espectralidad de la operación financiera del Astroturfing y su oferta de servicios en «renta de multitudes» a la medida para los fines políticos deseados.
Con la curaduría de Magalí Arriola y a través de múltiples canales de video, la exposición abre un acercamiento detallado al proceso de realización de la «manifestación» comisionada, complementándose con gobelinos que reproducen los carteles que anuncian el reclutamiento de personas y un contenedor móvil que sirve para almacenar distintos accesorios, elementos de utilería y otras formas de registro.
