Por GASTV | Septiembre, 2021

Galería Pequod Co. presenta Aura significa soplo, exposición individual de Ana Navas que reúne cuatro series de obra recientes, producida durante su estancia en la Fondation Fiminco, París, además de una pintura sobre linóleo realizada ex profeso para la muestra.

Durante los últimos años, el trabajo de Navas ha tomado como punto de partida las múltiples interpretaciones, apropiaciones, lecturas e interacciones que experimenta el arte moderno bajo los campos del diseño, la moda y la mercadotecnia, así como sus inserciones en la vida cotidiana. Recurriendo a distintas estrategias de producción como la traducción, la apropiación y la copia, su obra se interesa por los procesos de circulación en los que se inscriben objetos e ideologías y, principalmente, por lo que ocurre –a la manera del teléfono descompuesto– en ese tránsito.

En Aura significa soplo, Ana Navas realiza distintos actos de disección material: aplana formas, desarma vitrinas, descompone imágenes y despedaza elementos de utilería. Es a través de estas disecciones que emprende un ataque contra las formas originales de un objeto y provoca que desaparezcan para revelar su «aura», aquello que las envolvía: imaginarios como lo moderno, el buen gusto, la elegancia, lo civilizado, lo primitivo detrás de estos objetos.

Es gracias a esos movimientos sutiles, suaves y vaporosos —como el soplo que desarma poco a poco a un objeto— que se resignifican conceptos inmateriales a través de la materialidad.

Con la curaduría de Fabiola Iza, el denominador común entre las más de veinte piezas exhibidas es una exploración, cargada de humor e ironía, sobre cómo se conforman distintos sistemas y agrupaciones para ordenar al mundo.

Hasta el 25 de noviembre de 2021 con cita previa.

Foto: Cortesía Pequod Co.

Por GASTV | Septiembre, 2021

El Museo de Arte Carrillo Gil (MACG) presenta Juan José Gurrola. Todo está perdido, exposición que esboza la importancia que Gurrola tuvo como introductor de nociones neovanguardistas durante la segunda mitad del siglo pasado en distintas generaciones de creadores mexicanos.

Gurrola se valió de estrategias de diversas vanguardias del siglo XX (dadaísmo, patafísica, Mallarmé, Duchamp, etc.) para deglutirlas y convertirlas en repertorio de su propia trayectoria. Como buen hacedor de teatro, lee e interpreta y sus interpretaciones crean. Así, sus obras replantean la noción binaria de periferia-centro y permiten desplazamientos continuos.

Todo está perdido se encamina en un sentido doble: primero como una actitud ante el estado actual de las cosas en el que los totalitarismos mentales niegan la posibilidad de otros discursos y sus disidencias. Segundo, a la posición de desapego que Gurrola tuvo en vida y que complica el relato de su propia genealogía. Del acto teatral aprendió que todo es fugaz y que solo el cambio permanece.

Hasta el 06 de marzo de 2022.

Foto: MACG

Por GASTV | Septiembre, 2021

Materia de Dibujo/Drawing Issues ha desarrollado durante los últimos diez años un importante acervo bibliográfico especializado en libros de dibujo y su relación con otros campos del conocimiento, así como de la historia y teoría de las artes, cultura visual y arte contemporáneo.

En colaboración con Espacio Cabeza, espacio artístico con base en Guadalajara, presenta No existe tal cosa como una biblioteca. Capítulo I: Paisajes particulares. Exposición colectiva que vincula este acervo bibliográfico con producción artística contemporánea que interpela el sentido de la biblioteca, la lectura y los libros.

Además de las piezas de sitio específico, la exposición se desdobla entre actividades, presentaciones y talleres paralelos. Además de recibir donaciones públicas para ampliar el acervo bibliográfico.

La biblioteca es un proyecto de largo aliento, público, colaborativo y sin fines de lucro. Parte de la necesidad de compartir espacio e ideas, de poner en común a los libros entre distintos tipos de público y comunidades artísticas, con el objetivo de extender el acceso a múltiples conocimientos, autores, y temas.

Con obra de Karian Amaya, Jorge Méndez Blake, Javier M. Rodríguez, Cynthia Gutiérrez, Carlos Ranc y Sayuri Sánchez.

Hasta el 11 de diciembre de 2021.

Foto: Luisa Fernanda Gutiérrez | Cortesía Cynthia Gutiérrez.

Por GASTV | Septiembre, 2021

El Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey (MARCO) presenta Materia estética disponible, primera revisión curatorial de la práctica artística de Miguel Calderón (Ciudad de México, 1971) correspondiente a tres décadas de trabajo.

A través de un recorrido por tres núcleos temáticos, la muestra establece un diálogo directo con temas complejos de la sociedad mexicana: la violencia, el sexo y las dinámicas de los distintos estratos sociales, siempre haciendo gala del humor e ironía que acompañan el discurso del artista.

Con la curaduría de Taiyana Pimentel y Mariana Mañón, la exposición reúne 53 obras entre instalaciones, películas, esculturas, dibujos y fotografías fundamentales en el desarrollo de la trayectoria de Miguel Calderón.

Foto: Cortesía MARCO.

Por GASTV | Septiembre, 2021

La Bienal Tlatelolca presenta Una vasija dentro de un cántaro, primera sección expositiva que reúne la producción final de su serie de residencias artísticas de investigación-producción desde 2019.

La fase expositiva se divide en tres secciones, mismas que integran la unidad habitacional, más una serie de presentaciones para el espacio público que conectan el espacio físico, cultural y simbólico de Tlatelolco.

A los artistas, a diferencia de otros generadores del conocimiento contemporáneo, se les permite «crear» pistas, esto es producir y transformar imágenes, objetos, materia o textos que no están necesariamente vinculados a la noción de «verdad», sino a la idea de conciencia. La Bienal Tlatelolca procura cuestionar cómo se diseña la historia y cómo diseñamos la propia, cómo nos hacemos conscientes de nuestro propio rumbo.

Una vasija dentro de un cántaro procura entender la cultura como un eco que resuena en otro, un contenedor habitado por muchos continentes, lo que ha derivado en la construcción del mundo contemporáneo. El proyecto ve en el territorio Tlatelolca la oportunidad de intercambiar y cruzar, desde la figura del tlacuilo prehispánico, múltiples voces en un escenario con profunda carga simbólica para quienes habitamos las fronteras culturales de México, al tiempo que cuestiona la idea de una cultura e historia única y hegemónica.

Con obras de Balam Bartolomé, Antonio Bravo, María Cerdá Acebrón, Dulce Chacón, Arturo Hernández Alcázar & Juan Pablo Villegas, Mazenett & Quiroga, Antonio Monroy, Victoria Núñez Estrada, Erik Tlaseca, Roberto Tondopó y Laura Valencia Lozada.

Hasta el 12 de octubre de 2021 con previa cita.

Foto: Jorge Guadarrama | Cortesía: La Bienal Tlatelolca.

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Studio visit | Balam Bartolomé | Antonio Bravo | Dulce Chacón | Antonio Monroy

Por GASTV | Septiembre, 2021

Fundación MARSO presenta Aquelarre, exposición que muestra el trabajo de 27 artistas cuyos imaginarios y prácticas han sido informados por el arquetipo de la bruja y sus atributos como una identidad femenina subversiva.

Para la ocasión, la bruja funciona para crear espacios para la celebración y el conocimiento de la otredad, de personalidades y prácticas no normativizadas ni totalmente naturalizadas. Las artistas truquean, alteran, camuflajean, ​modifican apariencias​, juegan con lo que consideramos normal.

Para su tercera y última entrega Aquelarre. Capítulo III: revelar lo oculto, se integra el trabajo de Cannon Bernáldez, Chantal Peñalosa, Claudia Peña Salinas, Fabiola Menchelli, Galia Eibenschutz, Interspecifics, Lourdes Grobet, Marilá Dardot, Tania Candiani, Valentina Díaz y Virginia Colwell.

De manera paralela, se puede ver como parte del programa público Preludio nupcial, cuento de Daniela Tarazona; y Magia morada: estrategias feministas de resistencia por medio del arte, conferencia de Karen Cordero Reiman en compañía de artistas invitadas.

Exposición disponible en formato digital en el sitio web de Fundación Marso.

Foto: Biblioteca Maldita (2007), de Marila Dardot | Cortesía Fundación MARSO.

Por GASTV | Septiembre, 2021

El Museo de Arte Carrillo Gil (MACG) presenta Pintura de percusión, sesión performática de arte sonoro de Viviana Martínez en colaboración con Cesar Ratts.

Este ejercicio de pintura performativa responde a la recuperación de las prácticas de acción directa realizadas en las marchas feministas, en las que las protestantes identificadas como bloque negro intervienen paredes, inmuebles, mobiliario urbano y vallas de seguridad con pintas de grafiti, fuego e incluso la destrucción por medio de golpes con martillos, tubos o el mismo cuerpo de las manifestantes, gesto visual y sonoro de gran impacto para quienes presencian esas intervenciones.

Por otro lado, el soporte de las pinturas —que en este caso se utiliza como instrumento sonoro de percusión— responde a la materialidad propia de las marchas haciendo referencia a las vallas metálicas de seguridad impuestas por el Estado en el espacio público.

Sábado 11 de septiembre de 2021, 16:00 hrs.

Foto: Performance 5 minutos de odio, Viviana Martínez, Galería Unión 2021, por Eduardo Cabrera | Cortesía de la artista.

Por GASTV | Septiembre, 2021

SOMA México presenta Teoría de la generación espontánea, exposición colectiva que concluye el trabajo de la generación 2021 del Programa Educativo SOMA.

Cada una de las piezas surge de intereses conceptuales, críticos, formales y matéricos tan diversos como los contextos de los que cada artista proviene: Jonathan Cerón, Andrea Ferrero, Laia Giol, Fernando González, Juan Carlos León, Enrique López Llamas, Elisa Malo, Cecilia Miranda, Alan Sierra, Kendy Rivera y Yorely Valero.

La muestra no parte de la pandemia como tema, pero es una condición transversal colectiva: vivimos y producimos desde este momento. Desde el pensamiento de que la práctica artística no se produce de forma espontánea sino en la discusión, el disenso y la diferencia; la exposición es el resultado de un diálogo que se articula de forma libre e impredecible desde una multiplicidad de saberes.

Hasta el 23 de octubre de 2021, previa cita.

Foto: Laia Giol | Cortesía SOMA México.

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Studio visit | Alan Sierra

Por GASTV | Septiembre, 2021

Como parte del primer Gama Week, Galería Karen Huber presenta Dibujar los contornos del fuego, de Jerónimo Rüedi. A través de una serie de pinturas y dibujos el artista profundiza su línea de investigación sobre la semiótica en el campo pictórico. ¿Cuándo deriva un gesto en signo? ¿En qué momento emerge significado?

Es ese juego constante entre imagen y lenguaje lo que abre un campo de experimentación, reflejado formalmente en su obra. Su búsqueda de distintas superficies y texturas crea atmósferas con profundidades enigmáticas. El artista busca reducir la pintura a su forma más esencial, logrando un personalísimo imaginario de gestos que habitan un terreno ambiguo, donde el acto de representar trata más de «intentar decir» que de «decir».

Rüedi articula una serie de marcas que suscitan conexiones no lineales en la mente del espectador. En consonancia con el pensamiento lírico de Deleuze, estas constelaciones de signos no operan desde lo textual, sino que se basan en ritmos, tensiones y distribuciones. No producen ideas lógicas o leyes, sino que convocan a sensaciones, percepciones y ensambles, abriendo la posibilidad a otras formas de generar conocimiento.

Hasta el 23 de octubre de 2021.

Foto: Galería Karen Huber

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Studio visit | Jerónimo Rüëdi

Por GASTV | Septiembre, 2021

Como parte del primer Gama Week, Galería Karen Huber presenta Un lugar para sí misma, de Lucía Vidales, quien a través de su obra muestra un interés particular por el cuerpo, ya sea yacente, en movimiento o en relación con otros. Cuerpos ansiosos, doblados, rotos o fragmentados parecen salir, o quizá hundirse, en espacios profundos y ambiguos.

Vidales describe su sentido del color como liminal y polivalente. La cualidad fluida de sus obras enfatiza ese imaginario visual tan suyo, que a simple vista parece solo un mundo onírico pero que también refleja la trágica consecuencia de imaginarios históricos, particularmente coloniales, que siguen acechando a los cuerpos femeninos y creando narrativas paradójicas.

Este cuerpo de obra en particular, toma como punto de partida la idea de la Malinche, mujer con un papel único en la historia, hasta cierto punto liminal como su obra: una mujer que no se ajusta a los estándares de las sociedades prehispánicas, pero tampoco a los de la colonia, creando con ella misma un lugar nuevo, un lugar para sí misma. Su figura, en un espacio intermedio entre el mito y la realidad, está siempre rodeada de malentendidos y problemáticas. Este ser paradójico se relaciona con algunas figuras representadas en las pinturas, figuras que tienden a lo animal, cuerpos que fluyen, que eligen no ser ni de aquí ni de allá.

Hasta el 23 de octubre de 2021.

Foto: Galería Karen Huber.