Salón ACME presenta su octava edición como espacio de exposición y distribución para creadores que producen en México y el extranjero.
A través de su convocatoria abierta, Salón ACME muestra una selección de más de 50 artistas con propuestas que abarcan amplios discursos y disciplinas. Además de integrar una curaduría especial de Daniela Pérez con trabajos de Yucatán, estado invitado.
En esta edición, La Bodega AME reduce la cantidad de artistas para dar lugar a exposiciones con una línea curatorial más específica. Mientras que la sección Proyectos Invitados se integran nuevas galerías como Armen Daguer, de Guadalajara, y Daniel Benjamin Gallery y Chalton Gallery, de Reino Unido.
Por primera vez, se inaugura el Patio escultórico, destinado a mostrar propuestas de escultura o instalación in situ. Por su parte, sucede la primera edición de Los Perros Románticos, librería temporal de primeras ediciones y rarezas editoriales de arte moderno y contemporáneo latinoamericano.
Hasta el 09 de febrero de 2020 en Proyecto Público Prim.
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Foto: Proyectos Invitados OMR. Arista: TANAT. El proyecto Pasajes consiste en una escultura de granito vertical, como si se tratase de una torre de dos metros y medio de altura. | @salonacme
Guadalajara90210 presenta Geografía Relativa, exposición colectiva en colaboración con los alumnos graduados de escultura y medios extendidos de Virginia Commonwealth University School of the Arts (VCUarts).
Geografía Relativa trata el territorio de manera formal y poética, los límites geopolíticos y los vínculos entre distintas escenas artísticas. Lo que activa el movimiento de artistas de un país a otro y una producción in situ, que toma el espacio de exposición como punto de partida, abordando lo absurdo del concepto de fronteras así como los límites internos del cuerpo.
Participan Francheska Alcántara, Ian Gerson, agustine zegers, Nicole Levaque, Jordan Loeppky-Kolesnik, Kathryn Lien, C. Klockner, Wyley Duffey, McKeever Donovan, Evan Galbicka, Sandy Williams IV y Raul De Lara.
Del 08 al 12 de febrero de 2020 en Edison 137, PB, San Rafael.
Foto: Lotion in your lungs (2019), de Raúl De Lara | Cortesía guadalajara90210
Antes llamada Garash Galería, G. Sala Antena reabre como espacio expositivo, además de un programa de actividades que integra Seminarios de Transmisión, Archivo y Sala de Lectura; vías de trabajo que proponen la compartición de saberes de manera horizontal desde el pensamiento y las artes contemporáneas.
Como parte de su apertura, G. Sala Antena presenta la quinta edición de RRRéplica, encuentro de imprentas desobedientes, espacio para editoriales risográficas mexicanas e internacionales. Además del punto de distribuición, se invita a dialogar, exponer e intercambiar sobre los recientes levantamientos sociales en Sudamérica y las discusiones en torno al feminismo, a través de charlas y presentaciones editoriales.
Entre las editoriales presentes están Beibi Creyzi Press, Calipso Press, Can Can Press, Casa del Hijo del Ahuizote, Club del Prado, Ediciones Acapulco, Ediciones Hungría, Endless Editions, Fuck Zines, Gender Fail, Gold Rain, Issue Press, Other Forms, Pegacorn Press, Proyecto Relámpago y Tiny Splendor.
Del 31 de enero al 02 de febrero de 2020.
Foto: Catabunda II, de Kenneth Srivijittakar | Tiny Splendor.
Galería 123 presenta Notas sobre el despojo, de Manuela G. Romo (México, 1993), exposición individual que toma temporalmente el espacio para provocar una relación tensa entre fragmentos de materiales encontrados en las calles del Centro Histórico y pinturas que la artista ejecutó a partir del entorno, haciendo énfasis en la arquitectura de edificios específicos (Humboldt, El 123) donde «el espacio se vuelve más cómodo para la clase media, al mismo tiempo que precariza y desplaza a un sector marginal que ahí habita(ba)».
En este proyecto, la pintura se ha separado del bastidor y se le ha asignado una tarea específica: la de incidir en los objetos, operando de maneras muy diversas, a veces cubriéndolos, a veces como planos y otras veces abrazando la totalidad del objeto hasta ocultarlo a la vista.
Como parte del interés de la artista por problematizar el espacio público a partir de las imágenes y objetos, el próximo sábado 08 de febrero (17:00 h.) se prepara un conversatorio con Violeta Celis, Luis Felipe Ortega y Manuela G. Romo, en torno a las dinámicas públicas de la calle Artículo 123.
1mes | 1artista es un programa mensual de exposición y venta con el objetivo de ampliar el arte contemporáneo a nuevos públicos en el centro de la Ciudad de México.
Hasta el 29 de febrero de 2020.
Foto: Cortesía Galería 123.
Artículo con fragmentos del texto de sala escrito por Luis Felipe Ortega.
El Museo de Arte Carrillo Gil presenta Parasitage. Ruidos Negros, exposición colectiva que reúne el trabajo de diez artistas parte de la sexta edición del Programa BBVA-MACG, misma que reflexiona en torno a la imagen y la cultura contemporánea a través de pintura, dibujo y disciplinas híbridas.
Bajo la curaduría de Michel Blancsubé, el título de la muestra refiere a la noción de parásito, organismo animal o vegetal que se introduce en otro sistema de organización para vivir, cuyo proceso de simbiosis puede permitir un crecimiento mutuo. De esta manera, el curador hace una analogía tanto con el proceso de desarrollo de los proyectos como con el despliegue de las obras en el espacio de exhibición.
Se presentan Simbiosis programada: el cuerpo post-internet, de Anni Garza Lau; La manada del rebaño, de Elsa-Louise Manceaux; Algún día llegará la noche, de Erik Tlaseca; La sombra de las banderas, de Néstor Jiménez; Jamyajtsëm, de Octavio Aguilar; Condominios 72, de Rolando Jacob; Escuchar Jamapa, de Tania Ximena; Chasen Thajni: La casa de todos, de Ulises Matamoros Ascención; Caída libre de la letra A (Lecto _escultura No. A), de Víctor del (M)Oral Rivera; y Cómo devenir en animal en diez pasos, de Yanieb Fabre.
El Programa BBVA-MACG es una iniciativa interdisciplinaria que apoya el desarrollo, la producción y exhibición de proyectos de artistas jóvenes.
A distancia, la exposición está disponible a través del canal de Instagram, además de presentar una serie de conversaciones entre artistas e invitados especiales. Todos los miércoles, 18 h.
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Foto: Escuchar Jamapa (2018-2020), de Tania Ximena. Pieza en vídeo sobre el Río Jamapa que nace en el Pico de Orizaba y desemboca en Boca del Río, en el Golfo de México. El trabajo es un retrato de un espacio que cuenta la historia del río desde su origen hasta el presente de una manera antropomorfizada, es decir, cada uno de los actos que integran la historia será asociado a un personaje. | Cortesía MACG.
Ex Teresa Arte Actual presenta Escuchar es voluntad, muestra individual de Israel Martínez que reflexiona sobre las potencias y limitaciones de la protesta social, así como el devenir de lo político.
¿Qué posibilidades de un cambio social existen ante el actual sistema económico? ¿Cuál sería un acto de resistencia contra dicho sistema? Quizá la voluntad de escucha se convierte en una potente posibilidad de acción política, aunque ésta implique el silencio, o en todo caso, un sigilo que empuje a reflexiones y prácticas más certeras.
Bajo la curaduría de Amanda de la Garza, a través de un estudio de las diferentes capacidades del fenómeno aural, Israel Martínez busca resquebrajar la dicotomía entre ruido y silencio, por medio del sigilo, el susurro, la escucha colectiva e individual, y la voluntad de las personas ante las distintas presencias sonoras.
Como parte de la inauguración se llevará a cabo un performance a cargo de Elisa Schmelkes y el No Coro, quienes representarán en vivo una de las piezas que integran la muestra.
El Centro Cultural de España en México (CCEMx), a través de la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID) y Acción Cultural Española (AC/E), presentaLa cuestión es ir tirando, exposición colectiva que reúne el trabajo de artistas contemporáneos españoles.
La muestra propone arropar a una generación de artistas, nacidos entre finales de los 70 y principios de los 80, caracterizada por su irregular internacionalización. La cuestión es ir tirando incluye obras e instalaciones específicas, desde la pintura al performance, pasando por instalación, vídeo y fotografía.
Bajo la curaduría de Ángel Calvo Ulloa, participan Alain Urrutia, Alex Reynolds, Ana H. del Amo, Antonio Ballester Moreno, Belén Rodríguez, Carlos Maciá, Damián Ucieda, Diego Delas, Elena Alonso, Fermín Jiménez Landa, Fernando García, Irene Grau, Irma Álvarez-Laviada, José Díaz, Juan López, Julia Spínola, Laia Estruch, Leonor Serrano Rivas, Marc Vives, Miguel Ángel Tornero, Miren Doiz, Misha Bies Golas, Nacho Martín Silva, Nuria Fuster, Patricia Gómez & Ma. Jesús González, Taxio Ardanaz y Víctor Jaenada.
Laboratorio de Arte Alameda presenta Actos de dios, de Pablo Vargas Lugo (México, 1968), instalación de video en la que el artista utiliza el lenguaje cinematográfico para reflexionar sobre el concepto de la fe bajo distintas miradas.
Actos de dios explora la relación entre lo profético y lo inesperado. Tres proyecciones en bucle dan tres ediciones distintas de las mismas tomas que se basan en algunos episodios relatados por los Evangelios desde diferentes perspectivas: secuencias incompletas e inconclusas, tomas eliminadas, y escenas en las que contratiempos parecen ser la norma.
Filmada en Cuatro Ciénegas, Coahuila, la pieza yuxtapone el tiempo geológico y la narración bíblica, haciendo de la naturaleza una protagonista más de la historia. Con la curaduría de Magalí Arriola, Actos de dios trata de la necesidad de encontrar una historia que encaje con las imágenes que surgen cuando los Evangelios se salen del guión.
La obra fue originalmente exhibida en el pabellón de México durante la 58ª Muestra Internacional de Arte Bienal de Venecia. Su presentación en LAA continúa la revisión y re-significación de una de las narrativas fundacionales de Occidente, para ponerla en perspectiva dentro de un contexto político y social que trasciende el ámbito de las creencias personales.
Desde el 2000, el Patronato de Arte Contemporáneo (PAC) se mantiene como una iniciativa de la sociedad civil que promueve el desarrollo y reflexión de la producción artística contemporánea en México.
A lo largo de dos décadas, el PAC ha apoyado más de 240 proyectos artísticos, entre espacios independientes, programas curatoriales, proyectos educativos, publicaciones y revistas especializadas. Además de impulsar la proyección internacional del arte mexicano con la participación de proyectos en el extranjero, como el Pabellón Oficial de México en la Bienal de Venecia, dOCUMENTA 13, la 8ª Bienal de Berlín, la XIII Bienal de la Habana y la X Bienal de Liverpool.
Por su parte, en el 2002 el PAC lanzó uno de sus programas más reconocidos: el Simposio Internacional de Teoría sobre Arte Contemporáneo (SIT_AC), evento internacional de difusión, intercambio y pensamiento sobre las prácticas artísticas. Y que, desde 2016, tiene un desarrollo continuo a través de una serie de actividades diseñadas a partir del intercambio con diferentes regiones del país (SIT_AC Nodos) como Guadalajara, Monterrey y Puebla.
A lo largo del 2020, el PAC realizará distintas actividades para celebrar dos décadas de trabajo que pueden seguirse a través de sus redes sociales
Foto: Detalle de Objetos incómodos (2012), de Mariana Castillo Deball para dOCUMENTA 13.
El museo de Arte Carrillo Gil presenta Abusos de las formas, exposición colectiva que propone una lectura sobre las maneras y procedimientos mediante los cuales el arte moderno y contemporáneo se ha apropiado de saberes manuales, técnicas artesanales, iconografías populares y prehispánicas para incorporarlas en sus creaciones.
Las apropiaciones que acontecen pueden simplificarse y etiquetarse como extractivistas y coloniales, pero el asunto es complejo dado que las transferencias han ocurrido con contagios mutuos, a veces abusivos, a veces procurando relaciones de equidad, transmisiones libertarias, influencias críticas y emancipaciones.
Con la curaduría de Mauricio Marcin, se integran setenta obras en escultura, instalación, objetos, pintura y textil. Participan Eduardo Abaroa, Francis Alÿs, José Benítez, Juan Caloca, Mariana Castillo Deball, Isaac Contreras, Miguel Covarrubias, Francisco Cruz, Abraham Cruzvillegas y Felipe Ehrenberg. Así como Mathias Goeritz, Jorge González, Thomas Glassford, Xavier Guerrero, Sheila Hicks, Ulrik López, Antje Majewski, Carlos Mérida, Jonathan Miralda, Nuria Montiel, Object Notes, Ana Pellicer, Clara Porset, Sandra Rozental, María Sosa, Diego Teo, Eduardo Terrazas, Germán Venegas y Andrés Villalobos.
Hasta el 03 de mayo de 2020.
Foto: Still Abusos de las formas | Museo de Arte Carrillo Gil.
El Centro Cultural de España en México (CCEMx), en colaboración con Arróniz Arte Contemporáneo y Acción Cultural Española, presenta Stories, de Almudena Lobera (España, 1984), propuesta que plantea otra manera de visitar una exposición de arte, modificando la lógica de la ubicación de la obra, el espacio y el público espectador.
En este caso, la exposición será la que se mueva mediante una cinta móvil paralela al perímetro de la planta de la sala, desplazándose en un movimiento continuo con una muestra de piezas ubicadas en ella, mientras que el público visitante tendrá que detenerse frente a una ventana para dejar que la exposición pase sin moverse de su ubicación.
Con museografía deLanza Atelier, este proyecto investiga sobre la percepción, la representación y el lugar del espectador en la sociedad contemporánea. Cada pieza es una obra autónoma, pero que tendrá cierta conexión con la que la antecede y la que la sigue, para mantener una narrativa cronológica que permita esa lectura lineal que propone la artista.
«Deseo de escribir, deseo de escribir, repetido y repetido«. Anita Brenneren Avant- Garde & artists in Mexico
Deseo de escribir
Anita Brenner (Aguascalientes, 1905-1974) fue, ante todo, escritora. Antropóloga de formación y periodista de oficio, la vida de la autora de Idols Behind Altars es relevante para la historia de México no solo por su contribución en el estudio de producciones culturales, tal como su trabajo en torno a la cerámica y el barro en Culhuacán, sino también por su estudio de la incipiente historia del arte en México.
A pesar de ser poco «afamada», se han realizado tareas importantes para el conocimiento y difusión del trabajo de Brenner. Tal es el caso de la historiadora Karen Cordero y el fotógrafo Pablo Ortiz Monasterio, curadores de la muestra Anita Brenner. Luz de la modernidad en el Museo Nacional de Arte (MUNAL) en la Ciudad de México. La exposición, parte de FotoMéxico 2019, no es propiamente sobre fotografía, pero muestra buena parte de la producción artística en pintura, grabado, fotografía y cine de la primera mitad del siglo XX.
La crítica María Minera pone énfasis en la relevancia de la obra de la hidrocálida Brenner para la historia de la fotografía en México, pues el llamado «Renacimiento mexicano» no solo estaba vinculado al muralismo, sino también al florecimiento de todas las artes.1 Es necesario no perder de vista que Brenner comisionó imágenes a fotógrafos cuyo trabajo tuvo una salida editorial.
La exposición cuenta con piezas del Archivo Anita Brenner resguardado por la Colección Ricardo B. Salinas Pliego, así como de la Colección del Museo Nacional de Arte-INBAL. El recorrido inicia con fotografías en distintos formatos desde la infancia de Brenner hasta su vida adulta en 1970, las piezas van de fotografías de estudio en tarjeta postal a instantáneas. El resto de la muestra se integra con imágenes de autores como Tina Modotti, Edward Weston, Agustín Jiménez, Manuel y Lola Álvarez Bravo, Kati Horna, Héctor García, Doris Heyden, Marilú Pease, Nacho López, Luis Márquez Romay, Gertrude Duby Blom y Yukio Futagawa,2 éstos últimos representativos de la fotografía etnográfica y antropológica.
Más allá de mostrar la relación de Brenner con sus contemporáneos, Luz de la modernidad revela el compromiso de la antropóloga con la escritura como ejercicio creativo, por ejemplo, este fragmento que pudiera provenir de su diario y en donde es evidente que su pensamiento gira en torno a la escritura como modo de vida, pero también, como herramienta para una construcción de conocimiento:
I am a writer. I am called a successful writer because editors and publishers know me an my work. Yet with this reputation and equipped with a university training which gives me the highest academic standing, I in 1933 cannot find a way to live that will produce the two satisfactions that I seem to need. One, the security that my work will feed, clothe, shelter me and keep me intellectually alive providing a surplus for recreation and study. Two, the sensation that I am participating in and contributing to a common effort. I do not have the first because I write without security.3
El interés de Brenner por la escritura no solo fue un deseo por vivir de este trabajo, sino también una búsqueda personal por pensar el lenguaje, por escribir de manera cotidiana en sus múltiples diarios. La investigadora Marcela López Arellano identifica la principal actividad de escritura de Brenner entre 1955 y 1972, sobre todo, lo que concierne a su labor en periódicos y revistas. Sin embargo, también resalta los diarios que realizó entre 1925 y 1930, en los cuales se lee a una Brenner ocupada en su estilo para redactar, las lecturas que realizaba a la par de su trabajo y sus estudios, sus momentos de escritura al día, sus gustos y pensamientos en torno a ciertos libros. Incluso es posible encontrar los momentos en los que comienza a colaborar al lado del periodista estadounidense Ernest Gruening, quien estuviera trabajando en su libro Mexico and Its Heritage (1929).
Ser escritora
Entre enero de 1926 y junio de 1927, Brenner viajó por el interior de la república mexicana registrando información comisionada por Gruening. En este periodo relató en sus diarios lo relativo a la investigación que realizaba, así como sus experiencias de viaje.4 No es extraño que años después comenzara a trabajar sobre su propio libro en torno a las artes y la cultura mexicana: Idols Behind Altars: Modern Mexican Art and Its Cultural Roots, publicado en 1929 en Nueva York.
En 1926, durante su estancia en México, Brenner contrató al fotógrafo estadounidense Edward Weston para realizar cuatrocientas fotografías sobre la Ciudad de México, imágenes que posteriormente servirían para ilustrar Idols Behind Altars, ensayo sobre la historia, cultura y artes que abarca desde la época prehispánica hasta la obra muralista en la primera mitad del siglo XX.
En esta publicación, la autora retomó el estudio de las culturas mesoamericanas, la conquista, la época virreinal, da un salto al Churriguerresco y llega a la obra de José Clemente Orozco, Diego Rivera y David Alfaro Siqueiros. Idols Behind Altars no es un estudio dividido en orden cronológico, ni de acontecimientos en el arte mexicano, se trata de una escritura experimental que maneja saltos temporales y temáticos siempre dirigidos a la búsqueda de la esencia mexicana en el arte:
The need to live, creating with materials; the need to set in spiritual order , the physical world; the sense or fitness- these are components of an artist’s passion, and these are the Mexican integrity.5
Ser antropóloga
Hacia la década de 1930 fue creado el Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH), que daría lugar posteriormente a la Escuela Nacional de Antropología e Historia (ENAH) en la que se formarían las próximas generaciones de antropólogas en nuestro país. La época de oro de la antropología mexicana (1935-1965) fue un periodo principalmente dominado por hombres, tanto en el sector escolar como en el laboral. Las mujeres antropólogas desertaban de los estudios por distintas causas: matrimonio, maternidad y/o discriminación.6
«De hecho los hombres sí disponían de más tiempo libre que las mujeres que eran madres de niños menores. Fieles al orden del género dieron prioridad a sus responsabilidades domésticas y organizaron sus actividades profesionales de tal manera que no mermaran la vida familiar».7 Por otra parte, las mujeres que estudiaban en universidades estadounidenses a inicios del siglo XX se encontraban con una visión restrictiva de la feminidad.8
Entre 1920 y 1930, las universidades estadounidenses fueron bastiones de racionalidad masculina en los que se excluía a las mujeres.9 En este contexto, Brenner ingresa en 1927 a la Universidad de Columbia en Nueva York, en donde ya aceptaban mujeres, aunque no se permitía su entrada a ciertas clases. Es así como inicia sus estudios de manera formal en antropología, aunque años atrás ya mostraba su interés por esta ciencia.
El 10 de noviembre de 1925 escribió en su diario personal: «Estoy muy interesada en hacer un libro acerca del arte mexicano y, por ello, así como también para mi trabajo en antropología, necesito más información».10 Años más tarde se graduó con la tesis doctoral The influence of technique on decorative style in the domestic pottery of Culhuacan.
Brenner formó parte del grupo de mujeres que, tanto en México como en Estados Unidos, se desarrollaron en la antropología. A contracorriente de un sistema machista, Brenner, al igual que sus colegas, investigó y editó revistas en confluencia con su labor como escritora. El trabajo de investigación antropológica en Brenner fue fundamental para su continuidad en la escritura, sobre todo, le permitió vincularse con otros agentes de las artes y la cultura en México y en Estados Unidos.
Vale la pena revisar la documentación hemerográfica y fotográfica que se despliega sobre los núcleos expositivos de Anita Brenner. Luz de la modernidad, para identificar la relación entre la arqueología y el arte moderno mexicano. Además de las fotografías de Guillermo Zamora junto a la revista Mexico / this month, la obra de Weston a un lado de un ejemplar de Idols Behind Altars y fotografías de un hombre posando en una pirámide junto a un dibujo de Jean Charlot.
Sobre las antropólogas se exhiben fotografías con su respectivo pie de foto de Getrude Duby Blom y en las imágenes de Marilú Pease. La muestra Anita Brenner. Luz de la modernidad permite identificar dos aspectos de la vida de la antropóloga: su relación con la escritura y su sólida labor antropológica en los albores del primer cuarto del siglo XX.
Anita Brenner. Luz de la modernidad se presenta hasta el 23 de febrero de 2020.
Foto: «Anita Brenner consideraba que el turismo informado podría servir como un puente cultural para generar experiencias positivas». @MUNALmx
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1 María Minera, «How one woman helped invent modern photography» en Aperture, 18 de diciembre de 2019.
2 La exposición Anita Brenner. Luz de la modernidad explora facetas de la gran promotora del arte mexicano. Artículo disponible para consulta aquí.
3 Soy escritora. Me llaman escritora exitosa porque los editores me conocen a mí y mi trabajo. Sin embargo, con esta reputación y equipado con una formación universitaria que me da el más alto nivel académico, en 1933 no puedo encontrar una manera de vivir que produzca las dos satisfacciones que parezco necesitar. Primero, la seguridad de que mi trabajo me alimentará, vestirá, protegerá y mantendrá intelectualmente viva, proporcionando un excedente para la recreación y el estudio. Dos, la sensación en la que estoy participando y contribuyendo a un esfuerzo común. No tengo el primero porque escribo sin seguridad. Anita Brenner, ca. 1930
4 Marcela López Arellano, Anita Brenner. Una escritora judía con México en el corazón, p. 279
5 La necesidad de vivir, crear con materiales; la necesidad de establecer en orden espiritual el mundo físico; el sentido o la condición física: estos son componentes de la pasión de un artista y son la integridad mexicana. Anita Brenner, Idols Behind Altars, p. 31
6 Mary Rosaria Goldsmith Connely y Martha Judith Gómez, Las mujeres en la época de oro de la antropología mexicana: 1935- 1965, s/p.
PARQUE Galería presenta El templo del sueño: propuesta para una sociedad que duerme, primera exposición individual de Yollotl Gómez Alvarado (México, 1989) en la galería. Proyecto que tiene como punto de partida el estudio del sueño y su función social a lo largo de la historia.
La muestra parte de una investigación en curso sobre qué significa el dormir y la creciente ausencia del descanso en la actualidad, la deuda como insomnio y la amnesia onírica como resultado de un régimen que nos niega el descanso. Como resultado, Gómez Alvarado muestra el primer prototipo del Templo del Sueño, que integra el Laboratorio de sueño no. 1.
El Laboratorio es un dispositivo experimental que contiene siete entornos para el dormir colectivo, una escenografía que propone paisajes contemporáneos para estudiar sus efectos sobre los soñantes: grupos de personas que dormirán dentro del templo en distintas «sesiones de sueño», en la que la actividad onírica de los voluntarios será monitoreada y analizada por expertos durante el ciclo de la exhibición.
Paralelamente, el artista presenta distintos reportes plásticos de su propio sueño que integran piezas audiovisuales, escultóricas, sonoras y lumínicas. A través de esta instalación-laboratorio, Gómez Alvarado propone un «oficio del sueño» y dormir en grupo como una manera de reparar nuestros vínculos y, así, crear un imaginario colectivo.
Index y kurimanzutto presentan la cuarta edición de Index Art Book Fair, feria internacional de libros de artista. Plataforma que abre el diálogo sobre publicaciones de arte, arquitectura y diseño, proponiendo un espacio para la diseminación de ideas relacionadas con la producción y experimentación del medio impreso.
En esta edición, el eje de IABF es la publicación como ejercicio de cuidado de ideas y cómo el acto de publicar puede entenderse como una forma de cuidar, cultivar y «construir mundos». El libro (y por ende la edición independiente) es una práctica que persiste gracias a redes entretejidas de cuidado.
Bajo esta idea, el programa público invita al intercambio, la creación y el aprendizaje, a través de presentaciones de libro, paneles, talleres, lecturas, proyecciones y performance. Además de conferencias con Lilina Angulo, Sol Aréchiga Mantilla, MJ Balvanera, Tajëëw Díaz Robles, Donna Haraway, Macarena Herdández, Sunny Iyer y Nikima Jagudajev.
Durante cuatro días, IABF reúne múltiples editoriales independientes de arte de Europa, Asia y América, como Accattone, Alejandro Cartagena, Caja Negra Editora, Can Can Press, Club del Prado Ediciones, Ediciones Manivela, El Insulto, Esto es un libro Laboratorio Editorial, Gold Rain, Juan de la Cosa y RRD, entre muchas más.
Consulta la programación completa de actividades aquí.
A través de actividades en espacios e instituciones culturales, Las Artes Monterrey es una iniciativa que integra artistas, profesionales, coleccionistas y público interesado en explorar las artes visuales de Monterrey y su área metropolitana.
Por tercer año, se prepara PreMACO Monterrey, programa artístico previo al montaje de Zona Maco con el fin de ampliar la producción artística local, la vinculación de colaboración e intercambio, además de difundir el trabajo de artistas del noroeste del país.
La programación se extiende durante una semana en tres circuitos a lo largo de la ciudad con múltiples galerías, espacios independientes, centros culturales, instituciones y museos. Consulta todas las actividades por día aquí.
Durante la Semana del Arte en la Ciudad de México, Feria de Arte Material prepara su séptima edición con 78 galerías seleccionadas de 21 países. Desde el 2014, Material es una operación independiente, referencia para ferias de arte en América Latina como plataforma experiencial y experimental para el arte y las ideas contemporáneas.
Entre las galerías mexicanas participan LABOR, joségarcía ,mx, Lodos, Agustina Ferreyra y Lulu, además de Salón Silicón, rivera, NERI|Barranco, Janet40, Deslave y Galería MUY. Y por primera vez, se suman kurimanzutto y OMR.
Por su parte, entre los debuts de expositores internacionales, destaca The Serpentine Galleries y Whitechapel con obra de Pierre Huyghe, Luchita Hurtado, Carlos Bunga, Alex Katz, Matthew Barney, Pawel Althamer, Amalia Pica y Raymond Pettibon.
Este año, el programa de performance Immaterial se centra en apariciones, manifestaciones y la suspensión de la incredulidad, a través de cuatro obras comisionadas alrededor del espacio expositivo. Mientras que Listening Material es un nuevo programa que busca incorporar experiencias teóricas y prácticas al compartir colectivamente la experimentación del sonido y la música. Por su parte, la zona Reading Material estará dedicada nuevamente a editores independientes y distribuidores de libros de artistas, revistas, obra en papel y otras publicaciones relacionadas con el arte contemporáneo.
Del 07 al 09 de febrero de 2020 en el Frontón México.
Foto: Ciclos continuos (2019), de Iñaki Chávarri | Cortesía del artista y de SKETCH, Bogotá.
Los avances tecnológicos han respondido, de cierta manera, a la ciencia ficción, volviendo realidad gran parte de ella. Pero cuando John Perry Barlow y William Gibson crearon el concepto de ciberespacio, más allá de generar una idea se creó un malentendido, pues éste desató una ficcionalización de la realidad que ha resultado en la atribución de falsos valores y cualidades a las tecnologías digitales.
De la mano con las ideas promovidas por teóricos como Ray Kurzweil, la sociedad deshumaniza a la tecnología dotándola de un carácter divino, que en estado de latencia espera un despertar. En contraste, ideas como el Antropoceno (y Cuthulusceno de Donna Haraway) se oponen a creer que la tecnología y el supuesto advenimiento de la singularidad resolverá la crisis global que estamos atravesando.
La singularidad es imposible, sencillamente porque nada está conectado a todo, sino que todo está conectado a algo. Es en este sentido que, de acuerdo con Haraway, podemos hablar de un pensamiento tentacular, pues se trata de la vida vivida a lo largo de una cantidad infinita de líneas que crean conexiones, tal como lo hacen los árboles con sus raíces. En vísperas de la sexta extinción masiva, es natural que queramos trascender a través de las máquinas sensibles e inteligentes sobre las que teoriza Kurzweil, pues parecen retar el poder de creación y destrucción que tiene la tierra sobre la vida animal.
Stephen Craven / Enderbys Wharf: Repetidor de cable submarino / CC BY-SA 2.0
Pero la realidad del internet, que es el medio vital para el funcionamiento de la inteligencia artificial, es totalmente distinta a la que nos han dicho. El 99 por ciento de todo el tráfico de datos pasa por cables submarinos, y eso incluye el uso de internet, llamadas telefónicas y mensajes de texto. El internet es un lugar físico, que se posa sobre la tierra con el fin de perforarla para conectar sus territorios.
Mucho menos el internet y la tecnología tienen el don de la autopoiesis, pues detrás de ellos siempre hemos estado y estaremos los humanos. Así, podemos entender al internet como un producto telúrico y a la información que procesa como el petróleo digital. Un combustible líquido, militarizado y politizado, que presenta flujos, filtraciones, acumulaciones y que viaja a través de cables subterráneos e interoceánicos, hasta destilarse a través de nuestros dispositivos.
Pero esta realidad de cableado y flujos de información no es nueva, en 1854 se instaló el primer cable telegráfico transatlántico para conectar a Terranova con Irlanda. Y la realidad es que el internet y las nuevas tecnologías no han cambiado nada en el mundo, únicamente han acelerado nuestros procesos. Personalmente creo que no estamos yendo hacia una singularidad, sino a una multiplicidad acelerada, pues nuestra vida hoy se define por la velocidad con la que procesamos información.
No es una cuestión de corrientes políticas o ideológicas, sino más bien una realidad innegable. Usando un arduino UNO (que no es para nada una tecnología cercana a la empleada por la industria militar y los gigantes de la información) se puede encender y apagar un LED unas 15 mil veces por segundo. A grandes rasgos, esto quiere decir que dicho dispositivo es capaz de transmitir ese mismo número de señales en ese mismo rango a través de un cable de fibra óptica.
Los datos que se transmiten pueden ser falsos o verdaderos, al tiempo que pueden tener el fin de informar o de desinformar, y es aquí donde se vislumbra un gran riesgo: la velocidad con la que se transmiten. Aunque la aceleración no pueda superar la velocidad de la luz, sus consecuencias son una bola de nieve. Es por esto que entender al internet por lo que es en lugar de por lo que nos gustaría que fuera es fundamental, pues de lo contrario estamos envueltos en una niebla que nos impide diferenciar a enemigos de aliados.
El internet, igual que la tierra (Gaia), no es más que una fuerza que crea y destruye, y por eso es importante verlo como un producto telúrico y no como un producto extraído de la ciencia ficción. Sin información no hay inteligencia artificial, y sin humanos no hay información. Cada cosa que vemos en internet, sean datos, perfiles e incluso bots, son evidencia de la existencia humana. Detrás de todos siempre hay una persona, que muchas veces puede ser encontrada, o que se esfuerza por esconder su identidad.
Es natural que las máquinas desplacen la labor humana, y siempre lo hacen para bien. No hay necesidad de un neoludismo, sino más bien de reclamar la remuneración que debe tener la clase trabajadora dentro de la digitalidad. Por esto se vuelve urgente también la deficcionalización del internet y las nuevas tecnologías, pues el costo que estamos pagando, que es la desvalorización de nuestro propio trabajo, nos está sumiendo en una crisis que en un futuro será imposible de solucionar.
De la deuda pública a la deuda ética
Cuando hablamos de la economía digital, y en específico de las criptomonedas, es fundamental entender el problema que las mismas buscan solucionar. Se nos ha dicho que la riqueza de las naciones está respaldada en sus recursos no renovables, que son su fuente de riqueza. Esto es totalmente lejano de la realidad, pues nuestra economía está respaldada en deuda pública.
Durante nuestra lucha de independencia, Morelos introdujo el concepto de dinero fiduciario a México al acuñar monedas de cobre, en su mayoría de ocho reales, para financiar sus campañas. Mismas que constituían una promesa de pago en oro o plata que se cumpliría cuando se consumara la independencia. Así Morelos creó dinero por decreto, marcando la realidad del sistema bancario actual, el cual se volvió fíat en el 71 con el Nixon Shock.
Nuestro sistema bancario se integra de dinero fiduciario, pues incluso las reservas federales son solo deuda. No podemos canjear un billete por alguna materia prima que lo respalde porque no es más que papel. Igualmente, un depósito es meramente un apunte contable, y el valor metal de una moneda es muy inferior al que representa. Estos instrumentos son aceptados porque podemos intercambiarlos por otros instrumentos bursátiles o por algún tipo de bien.
Moneda fiduciaria de cobre de 8 reales acuñada por José María Morelos.
Cuando alguien contrae una deuda el sistema bancario crea dinero por decreto, y por lo mismo, cuando la liquida dicho dinero desaparece. Es terrorífico pensar que el dinero que tenemos está respaldado en deuda, y lo que es peor, que si la gente liquidara sus deudas de golpe, dejaría de existir dinero en circulación.
Así, lo único que nos dice la existencia de un billete o el dinero electrónico, es que un tercero (o nosotros) ha generado adeudo. Una vez que se entiende que el dinero se respalda de dicha manera, se vuelve coherente que el sistema financiero no muestre interés alguno por reducir las deudas de las personas (y los países). Por el contrario, se otorgan préstamos y créditos sabiendo que muchas veces quienes los contraen no podrán pagarlos.
De la misma manera en que se nos cobra una renta por utilizar un departamento, pagamos intereses cuando utilizamos parte de la deuda. Quién presta prefiere cobrar intereses y crear dinero en vez de facilitar su pago. Es por esto que existen penalizaciones cuando queremos liquidar un préstamo en un tiempo menor al establecido.
Dentro de la deuda no está contemplado que esta desaparezca, sino al contrario, que crezca más y más para que genere más dinero. Por eso a países como el nuestro, aunque pudieran liquidar su deuda externa, no se les permitiría hacerlo. Cuando un banco otorga dinero a través de una tarjeta de crédito en realidad no tiene nada que prestar. Tan es así que cada promoción que nos recompensa por depósitos a nuestras cuentas existe porque alguien necesita efectivo y el banco no cuenta con liquidez suficiente. Es por esto que el blockchain y las criptomonedas son algo maravilloso, pues nos permiten liberarnos de este esquema al generar capital meramente bajo el esquema de oferta y demanda, pero no todo son fresas con crema.
A grandes rasgos, el blockchain, que encuentra en BitCoin a su representante más popular, funciona bajo la acuñación de un número limitado de monedas en un plazo específico de tiempo. Entre más años tiene la criptomoneda más tiempo toma crearla, por lo que si su demanda sube, lo mismo ocurre con su valor. Esto en apariencia es maravilloso, hasta que incorporamos al panorama al maoísmo digital.
Mientras estemos acostubramos a fungir como mano de obra no remunerada, las criptomonedas hacen que una persona con una computadora prendida genere más dinero que el que alguien con estudios de maestría y postgrado puede obtener, devaluando totalmente el conocimiento de las personas.
Al día de hoy, los famosos mineros de BitCoins utilizan un hardware específico para acuñar las monedas, los cuales minan a través de cálculos computacionales extremadamente complejos. Los mineros reciben un problema matemático y el que lo resuelve más rápido obtiene una unidad. Para minar un Bitcoin o cualquier otra criptomoneda tu equipo debe estar permanentemente resolviendo los algoritmos que pondrán al límite la capacidad de procesamiento de su hardware. Cuanto más eficiente sea resolviendo esos cálculos, mayor será la recompensa. Por supuesto, el sistema operativo con el que funcionan la mayoría del hardware de minería es Linux.
Siendo que las criptomonedas están definiendo la economía en el s. XXI, pasamos del problema de la deuda pública al de la deuda ética, pues crear riqueza a través de criptomonedas está devaluando el trabajo y el conocimiento de las personas de una manera sin precedentes. Si no logramos cambiar esta realidad estamos condenados a caer en un peor error que el del s. XX.
Vale la pena preguntarse, ¿es en realidad algo malo el hecho de que Facebook genere dinero con nuestros perfiles? Personalmente opino que es maravilloso, pero mientras no ganemos dinero estamos siendo comprados y vendidos por los gigantes del internet. Lo mismo ocurre si la adquisición de conocimiento, que sí nos ha costado, no nos genera ingresos suficientes para una vida digna.
La solución no está en que el conocimiento no cueste, sino en que éste, que es la información con la que llenamos y nutrimos al internet, nos sea remunerado. Por lo mismo es urgente eliminar la ficción de lo que conocemos como cultura libre, que debe desaparecer para crear una cultura justa, pues tener una cultura libre significa tener una cultura que no es ni quiere ser remunerada. Un cambio radical es necesario, pues aunque el huachicol en línea nos permita obtener ganancias, es más un mecanismo de resistencia que una solución.
A diferencia del robo de combustible, el dinero que genera la ordeña de datos a través de internet no se compara con el que generan los gigantes del medio. Y cuando lo llegan a hacer, basta un pequeño cambio en las políticas de los sitios para terminarlo, como fue la desaparición del número de likes en publicaciones de Instagram. Esto no es una teoría de conspiración, sino un resumen de los hechos.
Cambiar nuestra cultura digital es urgente, y probablemente tenemos ante nosotros la última posibilidad de lograrlo. Así como Napster cayó dejando como herencia el modelo P2P, Bitcoin lo hará dejando al blockchain. Los gigantes del maoísmo digital como Linux, Google y Facebook ya controlan el internet y no lograremos cambiar esto. Teniendo conciencia de lo anterior, vale la pena enfocarse en aquello que sí podemos cambiar y buscar los caminos de transformación que puedan ser más efectivos.
Como parte del programa expositivo de la Semana del Arte, Feria de la Acción prepara su primera edición comoplataforma que reúne distintas disciplinas artísticas y curatoriales en diálogo con el público espectador, a través de mostrar los procesos creativos en tiempo real.
La feria se integra de dos pilares: un espacio curatorial —El Espacio—, que invita a propuestas jóvenes y establecidas a presentar propuestas de exhibición, mientras que el programa escénico —El Escenario— invita a trabajos efímeros y performáticos basados en el tiempo.
Con la curaduría de Víctor Palacios Armendáriz, se seleccionaron siete curadores que producirán una propuesta conceptual de la mano de catorce artistas. Participan Aldo Iram Juárez, con obra de Daniel Escamilla; COBERTIZO, con obra de Andrea Bores y Edgar Solórzano; Estudio Abierto, con obra del Colectivo Lalitho; Estudio Marte, con obra de Manuela García, Karen Cheirif y Joshua Jobb; neurotitan, con obra de Ko de Kok; Daniela Orozco, con obra de Gisela Guzmán, Elizabeth Flores y Alina Sánchez; y Pioneer Works + Radio 28, con obra de Z Behl.
Además del espacio de exhibición, la Feria de la Acción tendrá venta de productos únicos relacionados al diseño editorial e ilustración, así como a su producción y procesos.
Del 04 al 09 de febrero de 2020 en la Ex Fábrica de Harina (Primavera 106, Tacuba), frontera entre Miguel Hidalgo y Azcapotzalco. Costo de acceso: donación voluntaria.
Foto: Obra de Edgar Solórzano | Cortesía Feria de la Acción
