La Tallera presenta Todos los siglos son un solo instante, de Cynthia Gutiérrez (Guadalajara, 1978), exposición que propone reflexionar sobre el peso del tiempo sugerido por la edad y dimensiones de las rocas volcánicas, así como explorar las capas de memoria depositadas en los textiles, los procesos artesanales y los muros del espacio expositivo.
A través de su obra, Cynthia Gutiérrez se ha centrado en preguntarse críticamente acerca de las cualidades de la memoria y permanencia características de la escultura. De esta manera, la muestra incluye tres producciones nuevas: una instalación de 12 rocas de recinto volcánico intervenidas con textiles, un desbordamiento monumental de fragmentos de piezas de barro y una serie de calas estratigráficas en las paredes de la sala.
Todos los siglos son un solo instante toma su nombre de un verso incluido en el poema Piedra de Sol, de Octavio Paz, publicado en 1957. A partir de esta referencia, el proyecto curatorial —a cargo de Michele Fiedler y Silverio Orduña— propone conectar varias temporalidades que corresponden a la historia nacional y a la historia de Cuernavaca.
La muestra se completa con reconfiguraciones, remontajes y obras anteriores de la artista que persisten en el cuestionamiento de un tiempo que, aunque sólido, invariablemente se ha desvanecido.
Foto: Así comienza una montaña (2019), de Cynthia Gutiérrez | Cortesía La Tallera.
Como parte de las celebraciones en torno a su décimo aniversario, el Museo Universitario Arte Contemporáneo (MUAC) presenta la exposición Ai Weiwei. Restablecer memorias, bajo la curaduría de Cuauhtémoc Medina y Virginia Roy.
La propuesta genera un acierto al establecer vínculos entre México y China —país de origen de Ai Weiwei (Beijing, 1957) y lugar desde donde ha desarrollado una gran parte de su activismo en contra de las estructuras totalitarias que gobiernan su sociedad— desde una plataforma curatorial. Aún cuando las similitudes entre ambos países son evidentes, se trata de un tópico poco frecuente en nuestro panorama cultural. Quizá porque las audiencias de ambas naciones no conciben la idea de que lugares tan divergentes tengan puntos de convergencia.
Al igual que China, México comprende un territorio con una ocupación humana antiquísima. Ambas culturas son el resultado de procesos de evolución e intercambios durante milenios: fueron escenario para la fundación y caída de imperios, campo de batalla para la conformación del orden geopolítico neocolonial, así como lugar de gestación para los primeros movimientos revolucionarios del siglo XX.
De igual forma, la inserción de ambos países en la economía de mercado trajo consigo el sentimiento generalizado entre sus élites de que las bases milenarias sobre las que fueron construidos constituían un impedimento para el progreso y la emancipación social. Lo que incitó una destrucción de tejidos urbanos, obras de arte y dinámicas de convivencia que se equiparó —o incluso superó— al daño ocasionado por las potencias europeas desde el siglo XVI.
La premisa de la exposición es unir «la desolación que deja la destrucción de nuestras reliquias culturales —nuestro pasado— y la violencia bárbara perpetrada contra los jóvenes —nuestro futuro—», levantando un puente entre la eliminación consciente y sistemática de la memoria constructiva en China tras su despegue como potencia mundial y la desaparición de los 43 normalistas de la Escuela Normal Rural de Ayotzinapa en septiembre de 2014. Sin embargo, la relación entre la pérdida del pasado y la memoria colectiva no queda del todo resuelta, y en ocasiones es difícil entender por qué ambos discursos están reunidos bajo un mismo espacio expositivo.
Una de las primeras piezas en exhibición es Salón ancestral de la familia Wang (2015), que por sus dimensiones se convierte en un referente visual a lo largo de toda la muestra. Se trata de una instalación realizada durante una de las etapas más represivas en la trayectoria del artista, que si bien impresiona por la belleza de sus figuras intervenidas y por el ambiente atemporal que de ella se desprende, no cumple su objetivo de abrir un debate entre el público local sobre los factores que intervienen en la preservación o destrucción de hitos con cargas históricas o simbólicas relevantes.
Esta obra se presenta en un momento de gran inestabilidad para el patrimonio mexicano: los terremotos que sacudieron al centro y sur del país en septiembre de 2017 y que trajeron consigo un saldo de más de 850 templos e iglesias dañados; la construcción del Tren Maya sobre la península de Yucatán, el cual conectará a lugares emblemáticos de aquella civilización como Palenque y Calakmul para activar la economía, sin un conocimiento real sobre las consecuencias que el megaproyecto traerá en materia de preservación cultural y medioambiente en el largo plazo; o la disneyficación de centros urbanos como San Miguel de Allende, derivada de la voracidad de plataformas que prometen un turismo «auténtico» como Airbnb, convirtiendo a las comunidades y sus legados en un artículo de consumo para las audiencias globales.
Hubiera sido interesante que el discurso curatorial generara un énfasis mayor y abordara estos u otros eventos similares como punto de partida para generar una reflexión sobre el valor de los espacios construidos donde transitan y hacen su vida los espectadores.
Por otro lado, a diferencia del planteamiento que la agencia británica Forensic Architecture presentó en este mismo recinto hace un par de años, en esta ocasión el recuento de los hechos y su proyección estética fueron menos acertados. Para empezar, en lugar de abordar un tema que ya ha sido apropiado por la ciudadanía en varias ocasiones, tanto Ai Weiwei como el equipo curatorial pudieron aprovechar para exponer temáticas menos exploradas que de alguna manera evidenciaran las proximidades de las locaciones comparadas.
Iniciativas como la investigación ciudadana que el artista fundó en 2011 tras el terremoto que asoló a la provincia de Sichuán —la cual evidenció la red de corrupción en torno a la construcción de la infraestructura educativa en la China continental, misma que durante el sismo cobró la vida de por lo menos 5, 385 estudiantes— pudieron utilizarse para tratar tragedias que han quedado relegadas en la nube de información que nos inunda día a día, como el derrumbe del Colegio Enrique Rebsámen o el incendio de la guardería ABC.
Ayotzinapa se presentó de nueva cuenta no como el producto de una investigación exhaustiva que arrojara nuevas luces para la comprensión del caso, sino como una conjunción de líneas de tiempo, archivos desclasificados y material audiovisual — como el documental To Be, que Weiwei realizó para esta exposición— cuyo universo termina por saturar a la audiencia. Resulta evidente que lejos de tener un conocimiento generalizado sobre el presente social y político de México, Ai Weiwei optó por retomar un tema de repercusión internacional que continua vigente, pero cuya inclusión en este foro resultó un tanto forzada.
Los retratos armados con LEGO no fueron más afortunados. Desde mi punto de vista, es necesario poner atención a las implicaciones simbólicas que ese material posee en el imaginario colectivo de nuestro país, y cómo lo que en una locación específica funciona en otra puede que no. Basada en la instalación Trace, que se presentó en el Hirshhorn Museum en 2017, las piezas LEGO contribuyeron en ese contexto a formar copias fidedignas de los rostros de personas bajo asilo político, emulando la baja definición de las imágenes que el artista obtuvo. Pero en el caso de los 43 normalistas, cuyos retratos en blanco y negro sí son nítidos, ese recurso no es aplicable.
El resultado fue la colocación de un friso que a primera vista parece más una cita al Pop Art warholiano que un homenaje a los ideales de una juventud que lucha contra la violencia sistemática y cuestiona las estructuras de poder. Es obvio que la intención de Ai Weiwei nunca fue banalizar el tema, pero el carácter lúdico de la materia prima utilizada para la traducción de estos retratos no forma parte de una resolución bien ejecutada en términos creativos.
Por otro lado, los elementos de apoyo en la exhibición son acertados. Al centro de la sala se encuentra un conjunto de planchas de porcelana a las que fueron adheridas cientos de boquillas de teteras fabricadas durante la dinastía Song (960-1279), mismas que han sido expuestas en otros espacios como la Marciano Art Foundation de Los Ángeles. Sin embargo, es la primera vez que el artista las presenta bajo un formato que a la distancia emula congregaciones, ya sea de objetos o de personas.
Lo que de manera individual podría constituir una reliquia o una especie de triunfo para la Historia, de manera colectiva expresan un aura diluida y la pérdida de su unicidad. De tal forma que los cacharros se transforman en una especie de alegoría a la erosión de la individualidad que las personas del mundo post-industrial experimentamos, la cual es agraviada por factores como las redes sociales y la sustitución del trabajo manual por las producciones en serie.
Las premisas retomadas en Ai Weiwei. Restablecer memorias resultan necesarias para un país cuyo diálogo entre tradición y modernidad se encuentra en tensión constante. Es una expresión hacia el Estado y su rendición de cuentas sobre un evento que se convirtió en parteaguas para el imaginario social. Pero a la secuencia le hizo falta ser más ambiciosa y vincular de manera profusa la producción del artista con los hechos que han definido la agenda política mexicana en los últimos años. La exposición medular de este año fue menos atrevida de lo que muchos esperábamos.
Ai Weiwei. Restablecer memorias se presenta hasta el 06 de octubre de 2019.
Imagen: Vanguardia.
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Fernando Pichardo Ríos es historiador de arte por la Universidad Iberoamericana. Ha trabajado como asistente de galería para The Peggy Guggenheim Collection en Venecia, Italia y en el Departamento de Artes Visuales de la Secretaría de Relaciones Exteriores. Actualmente redacta contenidos sobre patrimonio material e inmaterial para la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.
El Museo Universitario Arte Contemporáneo (MUAC) presenta Tierra Firme, primera retrospectiva de Jan Hendrix (Maasbree, 1949) que incluye su investigación técnica y visual sobre las posibilidades contemporáneas de la gráfica. La muestra además integra la visión que el artista ha construido sobre la importancia de la naturaleza en nuestra memoria social y personal.
Desde su llegada a México en 1975, Hendrix es una figura clave en la escena artística del país, desde entonces produce obras inspiradas en la estética de viajero y naturalista, incorporando una compleja trama de experiencias visuales y culturales.
Jan Hendrix construye un puente entre dos distintas tradiciones de pensamiento sobre la naturaleza: la holandesa y la mexicana. Como artista conceptual, es un elemento clave en la experimentación gráfica como practicante y productor del trabajo de múltiples artistas y transmisor e inventor de repertorios técnicos en relación con el uso de papeles y tintas.
Centro Cultural Border presenta De Cuerpo Presente. Fanzine Maricarmen: relectura y reescritura de un archivo, exposición colectiva en torno a la publicación surgida en Puebla en 2013.
El fanzine Maricarmen comenzó como una estrategia de cuerpo presente, es decir, de hacerse visibles en un cuerpo social donde todas las representaciones eran corporalidades políticamente correctas. Es así, que la exposición presenta este cuerpo/fanzine desde otros medios de circulación.
A través de fanzines, memes, videos y calcomanías, la muestra trae a presencia a todos los cuerpos vivos: maricas, lesbianas, trans, personas no binarias, asexuales. Presentar el cuerpo también es un ejercicio que las subjetividades en resistencia hacen constantemente: reclamar un espacio, ocuparlo, hacer gestos visibles a través de expresiones estéticas, ilustraciones, performances y fotografías.
El Museo Universitario del Chopo presenta El Toro y otros relatos, de Eduardo Sarabia (Los Ángeles, 1976). Exposición que toca distintos intereses y experiencias personales del artista durante su juventud: su búsqueda del quetzal, los campeonatos del equipo de béisbol Dodgers de Los Ángeles y el viaje a Rusia a sus 13 años.
La muestra integra un mural producido in situ, así como 20 tibores de cerámica con sus cajas de embalaje, mismos que evocan la altura del autor. Por su parte, el título deriva del beisbolista Fernando El Toro Valenzuela, referente personal en la infancia del artista. De esta manera, Sarabia recupera episodios autobiográficos y los enlaza con imaginería frecuentemente relacionada a la peculiaridad de su carácter fronterizo.
El Toro y otros relatos da continuidad a indagaciones en las que Sarabia se ha ocupado durante los últimos años y opera en esa intersección entre la memoria, los afectos personales, lo social colectivo y la complejidad sugestiva de las prácticas ilegales.
A partir del 04 de mayo de 2019.
Imagen: Promo exposición El Toro y otros relatos, de Eduardo Sarabia | YouTube
«Placebo es lo más cercano a hacer una exposición real. Picasso nunca tuvo que explicarle nada a un curador. Aquí no nos hizo falta porque hubiera sido una intrusión. Si algún valor tiene esta exposición, es que lo estamos haciendo fuera de la industria del arte». Raúl Cordero, artista visual.
Museo Palacio de la Escuela de Medicina presenta Placebo, de Raúl Cordero (La Habana, 1971) y Omar Barquet (Chetumal, 1979) , exposición que reúne nueve pinturas y dos intervenciones en los arcos y patios del edificio.
Las piezas parten de la pérdida de la representación visual y su encrucijada con la enfermedad, a la vez que abren múltiples lecturas sobre el cuerpo, el dolor y la ciencia.
En su producción, Cordero crea un alfabeto con puntos en pinturas, marcas que son sustituidas por focos que derivan en obras de texto. Por su parte, Barquet utiliza distintos soportes como la impresión digital, el collage y la pintura para explorar imágenes de archivo.
Casa Equis funciona como espacio autogestivo y galería artística abierta a distintas actividades expositivas que incentivan el coleccionismo de arte contemporáneo en la Ciudad de México.
En esta ocasión, prepara la primera edición de Me libro, una pequeña feria de editoriales y publicaciones independientes.
Participan Pitzilein Books, Alacraña, Malpaís, Zini Books, Rabia, La Duplicadora, Gold Rain, Esto es un libro, El molúsculo, Beibi Creysi, Macolen, Fauna Nociva, Fulgencio Pimentel, Brkn English y Mi Valedor.
Casa Tomada es un espacio cultural independiente que integra comunidad para el intercambio de ideas que hagan circular la cultura de una manera afable, a través de una serie de cursos, talleres, diálogos y mesas de discusión.
Para mayo, Casa Tomada prepara el siguiente taller, mismo que parte del objetivo de intercambiar ideas en un registro alternativo al circuito cultural de la ciudad.
Taller inicial de actuación a cargo del dramaturgo, director, productor y actor Pablo Mandoki. Durante cinco sesiones intensivas, se aprenderá a construir estímulos ficticios y a responder a ellos con verdad. El objetivo es adquirir herramientas básicas para construir la cuarta pared, el espacio ficticio, la observación y escucha, la improvisación y el trabajo con texto.
Sábados del 04 de mayo al 01 de junio de 2019.
Los costos, horarios e inscripciones se pueden consultar en el sitio web de Casa Tomada.
*Se otorgará 20% de descuento al mencionar a GASTV en la inscripción.
Laboratorio Arte Alameda presenta En el tiempo de la rosa no envejece el jardinero, primera exposición individual de Emilio Chapela (México, 1978) en el museo, misma que reúne obras ex profeso y de producción reciente.
A través de videos, esculturas, objetos e instalaciones, el artista propone una reflexión inmersiva y estética sobre las distintas medidas del tiempo y su relación afectiva entre el cuerpo, el cosmos, la tierra y la vida.
Bajo la curaduría de José Luis Barrios, la exposición es el resultado de tres años de trabajo en los que el artista ha indagado y establecido relaciones intrincadas con agentes «ajenos a lo humano» como ríos, montañas, astros y atmósfera en relación a la tecnología. Proyecto que derivó en sitios como el río Usumacinta y el volcán Iztaccíhuatl, creando así una reflexión sobre el medio ambiente tanto terrestre como astronómico.
Entre las piezas presentes se encuentra una videoproyección de gran formato, una videoinstalación inmersiva y una escultura adaptada al espacio expositivo.
Museo Jumex presenta Saâdane Afif: Los archivos de la Fuente, proyecto de largo aliento del artista francés en torno a la Fuente, de Marcel Duchamp.
Desde 2008, Afif ha coleccionado publicaciones, catálogos, guías y libros que reproducen una fotografía de esta pieza seminal. Las páginas que muestran el trabajo de Duchamp han sido arrancadas y enmarcadas para construir un archivo de la Fuente que terminará con la entrada 1001.
Gradualmente, Los archivos de la Fuente adquirió vida propia y comenzó a ser comentado, explicado o reseñado en una gran variedad de publicaciones impresas, usando la imagen de la Fuente de Duchamp como ilustración. Al integrarse en el proyecto, estas páginas conforman un archivo dentro del archivo.
A partir de 2004, Afif ha pedido a diferentes productores culturales que escriban letras de canciones inspiradas en sus obras de arte. A lo largo de los años, se han recopilado textos inspirados en Los archivos de la Fuente a cargo de Michel Blancsubé, François Bucher, Sol Calero, Thomas Clerc, Abraham Cruzvillegas, Natalie Czech, Sammy Engramer, Michel Gauthier, Arthur Gillet, Dominique Gonzalez-Foerster, Gabriel Kuri, Jonathan Monk, Émilie Pitoiset, Lili Reynaud-Dewar, Willem de Rooij, Kilian Rüthemann, Yorgos Sapountzis, Louis-Philippe Scoufaras, Sarah Ancelle Schönfeld, Jerszy Seymour, Michael Stevenson, Susana Vargas Cervantes y Athena Vida.
La exposición presenta una instalación que agrupa cuatro estanterías con 1067 libros del archivo en proceso, así como obras enmarcadas y las letras de canciones comisionadas.
A partir del 19 de mayo y hasta el 29 de septiembre de 2019.
Galería Enrique Guerrero presenta Malaise, de Daniela Edburg (Houston, Texas, 1975), exposición individual que integra instalaciones, videos y fotografías recientes que proponen conexiones entre la geografía de un cuerpo enfermo con los últimos respiros del Mer de Glace, paisaje glacial de los Alpes franceses en deshielo acelerado.
A lo largo de su producción, Edburg analiza aspectos que definen la naturaleza humana, en particular el mundo artificial que habitamos y su absurdo. La artista trabaja con escenarios ficticios que son extremos hasta el punto en que se vuelven contradictorios.
Galería Luis Adelantado presenta s.e.u.o. (salvo error u omisión), de Daniela Flores Arias (México, 1994), quien toma el accidente como punto de partida, siendo el faux pas un concepto que trae, literalmente, al plano real aquellas trampas del lenguaje. De manera que, a través de ese paso en falso, se puede imaginar la arquitectura como espacio mental, y al cuerpo como condición de posibilidad para aquellos escenarios posibles.
Salvo error u omisión es una locución lingüística recurrente que sirve para adelantarse al surgimiento de cualquier errata y, con ello, eximir al actante de cometer tal descuido. La exposición toma su título de dicha locución y se vale de la posibilidad del error para explorar la potencias discursivas de meter la pata.
Bajo la curaduría de Ana Gabriela García, la muestra propone dislocar la legalidad del plano, dar paso a la incertidumbre y proyectar otros espacios, otros momentos en la sala.
Museo Tamayo Arte Contemporáneo presenta Sunday, de Carsten Höller (Bélgica, 1961). Basándose en su entrenamiento profesional como entomólogo, el artista crea laboratorios que invitan a explorar los estados emocionales y psíquicos dentro del espacio museístico.
Los proyectos de gran escala de Höller continuamente refieren al placer de visitar parques de juegos y de diversiones. Para la exposición en México, el artista entrelaza lo familiar con lo ilusorio y hace uso de la arquitectura del edificio para montar Decision Tubes, una estructura en red y metal, suspendida delicadamente sobre el espacio central del museo.
Sunday exhibe también Upside-Down Goggles (1994), Double Neon Elevator (2016), Six Sliding Doors, y Giant Triple Mushroom, instalación encima del museo.
Por último, Höller rehace su pieza Two Roaming Beds (2015), que invita al público visitante a pernoctar en el museo en dos camas que deambulan por la sala a lo largo de la noche. Ambos huéspedes se lavan los dientes con Insensatus Vol. 1, (2014), una pasta dental que detona que visitantes tengan regresiones vívidas durante su sueño, dirigiendo estos hacia su infancia, su lado femenino o su lado masculino.
El Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (Fonca) abre sus primeras convocatorias dirigidas a la creación individual: Jóvenes Creadores, Sistema Nacional de Creadores de Arte y Creadores Escénicos.
Bajo líneas de operación que contemplan la descentralización, horizontalidad e inclusión en beneficio de los artistas, las comunidades y la sociedad en general, el Fonca continúa la misión de mejorar y reflexionar sobre su función frente a los nuevos tiempos y entender las dinámicas creativas.
La convocatoria Jóvenes Creadores, dirigida a artistas de entre 18 a 34 años de edad, incorpora la disciplina de Artes y tradiciones populares (artesanía, música, plástica, y rescate de la tradición). El objetivo es impulsar el proceso creativo y formativo en las disciplinas de Arquitectura, Artes Aplicadas, Artes Visuales, Danza, Letras, Letras en Lenguas Indígenas, Medios Audiovisuales, Música y Teatro.
Por su parte, el Sistema Nacional de Creadores de Arte es uno de los reconocimientos más importantes a los creadores mayores de 35 años, en las disciplinas de Arquitectura, Artes Visuales, Composición Musical, Coreografía, Dirección en Medios Audiovisuales, Dramaturgia y Letras.
Y la convocatoria Creadores Escénicos es dirigida a actores y actrices de cabaret, teatro, títeres, cine y video; narradores orales, cantantes, instrumentistas, directores y directoras de orquesta, coros y otros ensambles; bailarines y bailarinas de danza clásica, contemporánea, étnica, folclórica y tradicional; acróbatas, clown, malabaristas, equilibristas y artistas aéreos.
Con estas tres primeras convocatorias se beneficiarán a creadores jóvenes y artistas con trayectoria, quienes podrán dedicarse a la creación, producción y exhibición de su obra. Consulta las bases y el registro en Fonca en línea.
Fundación Marso presenta Accidentes Fronterizos, de Carlos Maciá y Nico Munuera. Exposición que invita a camina el alambre de la frontera. Por un lado, desde un acercamiento simbólico para entender la relación del pintor con su medio, y por otro desde su vertiente filosófica como oportunidad para la reflexión sobre el no lugar donde ha sido definida la identidad propia y la de el otro.
El concepto de la mirada sirve también como punto gravitatorio para esta exposición. Bajo la curaduría de Gregorio Cámara, ambos artistas españoles abren la muestra con dos videos: Maciá articula la mirada de el otro, mientras que Munuera reflexiona sobre la del yo, posicionándose cada uno a un lado de la frontera que define las identidades.
Una lengua es un territorio cuyos límites actúan como horizontes imaginarios. Parece obvio que para todo lugar hay un final, pero el interlocutor que es abyecto a esa lengua encontrará el límite de lo conocido en cualquier rincón de ese territorio, que no es el suyo. En este caso no hablaríamos de un interlocutor que intervenga en los usos del habla, sino en un aparente escucha inerme.
La percepción de un extranjero intentará hallar significado, por lo menos de los usos básicos —puerta, ventana, adentro, afuera, yo, tú, ellos— bajo lo que entiende como suyo. Y aunque la traducción no sea la más precisa, algode ese territorio/lengua ya no es tan indistinto. Curiosamente es la diferencia o la distancia lo que permite la correlación de elementos que pertenecen a diferentes usos.
Algo parecido ocurre en cuanto a las formas, las cosas y su percepción, que nunca opera de forma unidireccional. Esta idea permite pensar que la forma de las cosas es en realidad una imagen volátil de la materia, una inscripción porosa en el espacio. Julius Heinemann (Múnich, 1984) trabaja con estas borraduras. Los límites lingüísticos y el entrecruzamiento entre la pintura e instalación son el eje discursivo de Dinge und Undinge (o la forma de las cosas)en Proyectos Monclova.
Durante mi visita recorrimos la muestra mientras conversábamos acerca del texto Filosofía del Diseño, de Vilém Flússer, en el que se discute el término de «cosa» y «no cosa» en un conjunto de ensayos publicados en 1993. Disertación que fue motivo para el título de la exposición y como ejercicio de discusión teórica. La forma de las cosas no es traducción de Dinge und Undinge,1 sino que es un título completo que evoca la incapacidad de traducir literalmente.
Para esta ocasión, las inquietudes teóricas de Heinemann se desprenden en objetos encontrados como botes de pintura vacíos, canicas y trozos de madera, además de cuerpos pictóricos de trazos tenues que dan continuidad al fondo expositivo, como en las piezas Map, Leap o Geometry.
El cuerpo de obra resume el enfrentamiento del sujeto con los objetos, pues conforman una realidad siempre intercedida por el lenguaje y el territorio cercano. «Nosotros morimos de cosas, como problemas irresueltos; él, de no- cosas, como programas incorrectos. […] La irrupción de la no-cosa en nuestro entorno es un cambio radical, pero que no tocará la determinación fundamental de la existencia humana, el ser para la muerte. Ya se quiera entender la muerte como una cosa última o como una no-cosa».2
Flusser trata los procesos epistemológicos y fenomenológicos que operan en el acto de diseñar. El diseño es entendido como una serie de oscilaciones entre forma e in-forma. Diseñar es in-formar: darle forma la materia o naturaleza (vorhanden); lo in- formado, consta de esta naturaleza el sujeto transforma (zuhanden).
Dinge und Undinge(o las formas de las cosas) problematiza desde la pintura e instalación el resquicio o trazo comunicativo. A lo largo de las piezas, el artista explora las dimensiones del lenguaje en relación con referentes arquitectónicos y nociones de espacio, estructura y mundo. Los objetos expuestos refieren a ideas subjetivas sobre quien los encuentra, mientras que los trazos imprecisos de las pinturas evocan a todo aquello que el objeto o el mundo pierde mientras traducimos y abstraemos su forma. Me atrevo a decir que este trabajo aborda la disolución material de los objetos.
Ahora bien, valdría la pena preguntarse qué sucede con aquello que escapa de la forma o el diseño: qué depara a los resquicios de la materia con aquello que se escapa a lo transformado. Durante el acto de traducir es necesario asumir una borradura o vacíos, no sólo en la transcripción de una lengua a otra sino en traducir lo que es visto, sentido o recordado. El entendimiento está fraguado por una grieta difícil de resanar. No obstante, la forma de las cosas se compone de un cuerpo de imágenes que se elaboran a partir del encuentro con los objetos y, posteriormente, de su desencuentro intercedido por la memoria.
Heinemann define sus instalaciones como still life (naturaleza muerta), y siguiendo la argumentación de Guy Davenport en Objetos sobre una mesa: desorden armonioso en literatura y en arte, la categoría de naturaleza muerta dentro de la Historia del Arte refiere en primer lugar a la frugalidad de la vida: una canasta de fruta madura, una que viene de la tierra. En la abundancia adviene colapso y pérdida.
Una naturaleza muerta contiene el esquema interrumpido de objetos que mueren, y de esa manera condensan el advenimiento que dirige a la vida en la tierra a un inaplazable. Pero en el caso de Heinemann, estas instalaciones recrean más bien la cristalización del devenir de lo tangible, que en tanto cosa deviene en deshecho, y por lo tanto, olvido.
El desuso tiene aquí una impronta poética, pues volvemos a la pregunta, ¿qué ocurre con eso que se pierde? Los trazos o resquicios de lo visible se condensan en poesía. Gaston Bachelard lo formulaba de manera interesante: todos esos lugares, la arquitectura de la infancia, de la psique, el polvo y los objetos contenidos en espacios resguardados bajo la bóveda de lo cotidiano, no permanecen intactos ante lo que inevitablemente se pugna en la lucha por la memoria. Los lugares se atenúan, se alejan y regresan en forma de diferencia. Es la repetición la que permite elaborar un consenso comunicativo, un reencuentro precedido por lo que nos falta.
Dinge und Undinge(o las formas de las cosas) se presenta hasta el 27 de abril de 2019.
Foto: Proyectos Monclova.
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1 La «no-cosa» (undinge) es un vocablo común en la lengua alemana pero es un concepto inexistente en la lengua española. Entre varias acepciones refiere a algo «imposible» o a una especie de contradicción: una incoherencia en términos morales o que se contrapone a las leyes de la lógica. A su vez refiere, en manos del traductor, a la intangibilidad.
2 Vilém Flusser. Filosofía del diseño. Editorial Síntesis, p. 108.
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Andrea Raygoza estudia el último semestre de la licenciatura en Historia del Arte en la Universidad Iberoamericana. Sus intereses abarcan la lingüística, teoría de la historia y los vínculos entre lo simbólico y lo visual. Recientemente fue parte del equipo de gestión y coordinación cultural durante la Semana de Arte en la UI.
ESPAC invita a la presentación de Distancia Doble, publicación que se desprende de su reciente exposición homónima a cargo de Ana Bidart y Armando Rosales. A manera de «visita guiada», la presentación profundizará en los ejercicios de traducción del espacio de exhibición al espacio editorial.
La publicación se concibe como un libro dividido en tres partes: el primer cuadernillo con un extenso registro fotográfico de las piezas e intervenciones que integran la exhibición, así como textos de Esteban King Álvarez y Ana Torres Valle Pons. De igual forma, contempla dos cuadernillos en los que Ana Bidart y Armando Rosales han desarrollado proyectos artísticos a partir de la especificidad de las páginas impresas.
Para la ocasión, habrá ejemplares a la venta y se presentará el nuevo proyecto Múltiples ESPAC, una colección de ediciones limitadas que tienen la intención de asegurar la continuidad del programa editorial.
Sala de Arte Público Siqueiros presenta Gelitin Sincronizada Gelatin, muestra del colectivo austriaco Gelitin, grupo exponente de la estética relacional integrado por Wolfgang Ganter, Ali Janka, Florian Reither y Tobias Urban, caracterizado por trabajar con dibujo, pintura, collage, texto, fotografía, esculturas y grandes proyectos participativos en los cuales el público es invitado a activar la obra para formar parte de ella.
En la exhibición se muestra la relación de los artistas con su cuerpo, así como un acercamiento a lo coprológico. De manera paralela, la SAPS prepara Material fecal, programa público que funciona como plataforma de reflexión y acción para profundizar conceptos, ejercicios y prácticas vinculadas al grupo.
A cargo del colectivo Tráfico Libre de Conocimientos (TLC), Materia fecal es una serie de tres encuentros que buscan crear una analogía entre el sistema digestivo humano y la red urbana hídrica-alimentaria. Así, TLC invita a pensar la Ciudad de México como un ser vivo que se alimenta, procesa y excreta. El objetivo es reflexionar en torno a la producción, distribución, consumo y desperdicio de alimentos como un ciclo que incluye la red de drenaje metropolitano.
30mil.
Encuentro I
11 de mayo, 17:00 a 20:00 hrs | Cupo: 20 personas
En esta primera sesión se realizará un cóctel con comida recuperada de la Central de Abasto (CEDA) y mezcal. El encuentro busca detonar un diálogo en torno al consumo y desperdicio de alimentos.
Fase
intestinal. Encuentro II
18 de mayo, 16:00 a 20:00 hrs | Cupo: 20 personas
Durante el segundo encuentro habrá dos actividades. En la primera se guiará una sesión de masajes intestinales para mejorar la digestión. En la segunda se realizarán ejercicios de dibujo en relación con la materia fecal.
El río de
la venganza. Encuentro III
25 de mayo, 18:30 a 20:30 hrs | Cupo: 50 personas
Para la última sesión se proyectará el documental H2O que muestra la relación entre el sistema de aguas negras urbano y la cosecha de hortalizas. El cierre es una recapitulación de lo ocurrido y reflexiones de los temas vistos en el documental.
Las sesiones son gratuitas dirigidas a cooperativas de alimentos, productores y público interesado con registro previo en: saps.educacion@inba.gob.mx
