Por Adriana Melchor Betancourt | Marzo, 2019

En 2017, exhibiciones como Radical Women: Latin American Art, 1960-1985 o We Wanted a Revolution: Black Radical Women, 1965–85 presentadas en Los Ángeles durante la iniciativa del Getty Pacific Standard Time LA/LA, fueron contundentes esfuerzos para escribir otras historias de arte, marginadas, particularmente en el contexto de Estados Unidos.

Recuerdo que en el Coloquio Internacional El museo foro. Espacios museales para un mundo intolerante —organizado por el Museo Universitario Arte Contemporáneo (MUAC) y la Escuela Nacional de Conservación, Restauración y Museografía (ENCRyM)— Cecilia Fajardo-Hill compartió su experiencia al armar, junto con Andrea Giunta entre otras colaboradoras, el proyecto que les llevó ocho o siete años ver materializado.¹ Contaba lo difícil que fue convencer al comité de ese entonces, así como los múltiples obstáculos para concretar esta importante tarea.

La publicación que acompaña la muestra y reúne la investigación es una joya de valor historiográfico, misma que el Museo Hammer acaba de compartir en su página de internet.

En 2016, el Museo Universitario Arte Contemporáneo (MUAC) expuso Si tiene dudas… pregunte. Una exposición retrocolectiva de Mónica Mayer, bajo la curaduría de Karen Cordero. Misma que reunió la producción individual y colaborativa de una de las artistas más importantes del arte feminista en México. Asimismo, otro esfuerzo sustancial por revisar y descolocar las narrativas hegemónicas de la historia del arte es el libro Eclipse de siete lunas. Mujeres muralistas en México, de la investigadora Dina Comisarenco, publicado en 2017 por Artes de México.

Y ya para situarnos en el presente año, en el marco del Festival Tiempo de Mujeres del 08 al 17 de marzo sucedieron múltiples eventos que reflexionaron sobre la producción artística feminista y/o sobre la mujer y lo social. Por ejemplo, el proyecto curatorial de Elizabeth Ross Estirando el tiempo: o cómo no caer en la histeria, en el Museo del Metro; la exposición Madres, organizada por la revista Hysteria y Liz Misterio para el Faro del Oriente; y Tú de mí/yo de ti curada por Manuela García, Fernanda Barreto, María Cerdá Acebrón y Carla Rippey en el Museo de la Ciudad de México.

Cabe destacar que en este último se presentan también las muestras Silvia González de León. Una caja oscura 2008-2018, Kinderwunsch: Niños y deseo de la fotógrafa Ana Casas Broda y Aurora Reyes. Una vida en el arte 1908-1985, primera exponente feminista del muralismo mexicano. Finalmente, otra importante revisión historiográfica fue Las superocheras, en el Museo Universitario del Chopo.

En este extenso marco se sitúa Podría ser (una flecha). Una lectura de La Colección Jumex, cuyas curadoras Catalina Lozano y Maria Emilia Fernández señalan que se articula por constelaciones, es decir, por relaciones temporales entre obras de artistas mujeres que desarrollaron «estrategias conceptuales y formales» que cuestionaron y trastocaron no sólo nociones patriarcales sobre lo femenino, sino también los cánones tradicionales que dictaban los modos de producción en el arte.²

Constelaciones. Máquinas miméticas y mundos visuales, Percepción encarnada, Paisajes políticos, Afectos, Cuerpos y Espejos, articulan las secciones expositivas. Dos de las intenciones de esta iniciativa son: «re-balancear la predominancia de visibilidad de artistas hombres en el canon producido por la historia del arte occidental…» y cuestionar sobre cómo estos ejercicios curatoriales «pueden tener un impacto institucional sobre la forma en que el museo opera».³ 

A través de la noción del inconsciente óptico de Walter Benjamin, que refiere a la creación de imágenes producidas a partir de procesos como el de la fotografía o el del cine, y que a su vez estas imágenes técnicas producen nuevos procesos de subjetivación, las obras de la muestra están atravesadas. Del primer núcleo, Constelaciones. Máquinas miméticas y mundos visuales, destaca la pieza Woman with a Camera (2009) de Anne Collier, una proyección continua de 19 diapositivas de 35 mm con cuadros de la película Eyes of Laura Mars (1976), protagonizada por Faye Dunaway.

Estas imágenes secuenciales muestran a una mujer detrás del lente de una cámara. Cuando el proyector avanza la diapositiva, el encuadre cambia poco a poco para revelar la mirada femenina que está detrás y en control de la cámara. Collier se apropia de representaciones de mujeres con cámaras, fotografías encontradas en anuncios y portadas de revistas; confrontando el medio como un espacio en el que se ejercen relaciones de poder y en donde la mujer, otra vez, es objeto de la mirada y consumo masculino.

No dejo de cruzar el título de la pieza con otro icónico título de la historia del cine, Man With a Movie Camera (1929) del cineasta soviético Dziga Vertov. Escribo este título en el buscador y me arroja una serie policiaca estadounidense con un nombre similar. Me es imposible no pensar que, aunque pueda parecer arbitrario, estos títulos evocan una producción audiovisual construida desde un canon y desde un sujeto específico masculino.

Aunque no lo haya encontrado enunciado en alguna entrevista a Collier, me parece que dicha pieza también podría estar a tono con otras de la exposición que directamente discuten y desmontan obras afamadas como la Fuente y La novia desnudada por sus solteros, conocida como El gran vidrio, de Marcel Duchamp o 4’33’’ de John Cage. Respectivamente, Sherri Levine, Hannah Wilke, Pauline Brody y Renate Lorenz se apropian de estas obras tan reputadas en la historia del arte occidental para revertirlas desde la crítica feminista.

Hannah Wilke Through The Large Glass (1976) es el registro de un performance que Wilke realizó en la década de los setenta. La artista se desnuda detrás de la pieza de Duchamp y es desde sus gestos, cuerpo y mirada que subvierte la representación violenta que el mismo título sugiere. Así también, con Silent (2016) instalación y video de Broudy y Lorenz, quienes invitan a la compositora transexual Aérea Negrot a interpretar en una primera parte la pieza más reconocida de Cage, para luego trastocarla con una canción que irrumpe en el espacio público, más específicamente en la Oranieplatz, un sitio de protesta para refugiados entre 2012 y 2014.

La obra reflexiona sobre el silencio como mecanismo represivo pero también como estrategia de disidencia y protesta. En esta misma línea se encuentra Sin título, de Rosemarie Trockel, pieza que cuestiona la técnica y los materiales que han definido —desde la academia de artes occidental— qué es la pintura y han delimitado, despectivamente, las fronteras entre el arte popular y las «bellas artes». Trockel utiliza el tejido, el cual monta sobre un bastidor para construir este señalamiento y jugar con las construcciones sobre forma y fondo.

Podría ser (una flecha) reúne piezas importantes de artistas mujeres que, para quienes han seguido las lecturas de la Colección Jumex, no sabíamos que estaban en sus bodegas. Uno de los objetivos del equipo curatorial, de acuerdo al texto introductorio del cuadernillo, es ver de qué manera estas decisiones influyen en la institución, en este caso el Museo Jumex. Y esto podría ser una premisa para otros recintos museísticos, espacios de exhibición, programaciones culturales e incluso académicas.

Ya no sólo basta cumplir con cuotas de género o con la inclusión de ciertos discursos dentro de sus programas de exposiciones. Hay que reflexionar sobre cómo es que estos ejercicios trastocan la estructura que sustentan nuestras instituciones y las dinámicas sociales bajo las que operamos sus colaboradoras.

¿Es que los mecanismos de legitimación de obras se modificarán?, ¿cómo cambiarán sus planes de adquisición?, ¿las dinámicas de la oferta y la demanda en el mercado serán diferentes, al respecto de la brecha salarial?, es decir, ¿los precios de las obras de mujeres artistas se regularán?⁴ ¿Será otra la percepción de los materiales y técnicas utilizadas en las artesanías? ¿Cómo impactará en el departamento de servicios educativos e incluso en el administrativo?

En la universidad en la que tuve mi primera formación como historiadora del arte los estudios de género y la teoría feminista eran impulsados fuertemente. Hoy quisiera saber cómo ha permeado esta currícula en su organización y estructura, y qué modificaciones se han propiciado a raíz de esto.

Sin duda hay avances, pero seguimos atentas a que estas apuestas en las programaciones no sólo sean cosméticas o un objetivo palomeado para un programa gubernamental de cultura. Mientras continúen los feminicidios y las denuncias a través de #MeToo porque el sistema jurídico de nuestro país es incapaz de defendernos, habrá que continuar trabajando más fuerte —en marabunta— para tomar más espacios de representación. #SeVaACaer

Foto: Woman with a Camera (2009), de Anne Collier.

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¹ El/la otra: historias no oficiales en el museo – Cecilia Fajardo-Hill, en línea 26 de marzo de 2019. Disponible aquí.

² Catalina Lozano. Podría (ser una flecha): Una lectura de la colección Jumex. Cuadernillo #16, Museo Jumex, 2018, p. 5.

³ Ibíd.

⁴ Taylor Whitten Brown. «Why is work of Female Artists Still Valued Less Than Work by Male Artists?». En línea 14 de marzo de 2019, disponible aquí.

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Adriana Melchor Betancourt estudió la licenciatura en la Universidad Iberoamericana y es maestra por la Universidad Nacional Autónoma de México, ambos grados en historia del arte. Ha colaboradora en distintas publicaciones dedicadas al arte contemporáneo y al diseño, entre ellas Ediciones Transversales, Caín, La Tempestad, Código y Blog de Crítica. Actualmente trabaja en la Sala de Arte Público Siqueiros e imparte clases en la Universidad del Claustro de Sor Juana.

Por GASTV | Marzo 2019

Galería RGR presenta συν χρόνος, exposición colectiva que reflexiona sobre la continuidad formal y discursiva de la abstracción geométrica en el arte.

El título refiere a vocablos en griego antiguo que dan pie al término de sincronía: la simultaneidad de hechos y fenómenos. Bajo esta premisa, el curador Daniel Garza-Usabiaga conjuga obra de artistas modernos claves en el desarrollo de la no-figuración junto con piezas contemporáneas.

La exposición reflexiona sobre cómo más allá de las diferencias generacionales, de escuelas, técnicas y formatos entre cada artista, existen puntos en común o aristas a partir de las cuales las 15 piezas exhibidas se unen y dialogan entre sí.

Con obra de Eduardo Terrazas, Elias Crespin, Carlos Cruz-Diez, Victor Vasarely, Patrick Hamilton, Paul Muget, Francisco Salazar, Manuel Mérida y Jesús Soto.

Hasta el 25 de mayo de 2019.

Foto: Pieza de la serie Posibilidades de una estructura, subserie Cosmos (1974-2013), de Eduardo Terrazas.

Por GASTV | Marzo 2019

Taller 138 y Salón Silicón presentan A propósito: una revisión del Archivo Pecanins, exposición que parte de una interpretación libre de piezas de la colección en diálogo con obras contemporáneas.

La selección del Archivo Pecanins integra a Sergio Aragonés, Helen Escobedo, Josep Guinovart, Francisco Icaza, Kazuya Sakai y Pita Amor; cuyas obras dibujan paralelismos en relación con las piezas de Circe Irasema, Natalia Millán, Antonio Bravo, Lucas Lugarihno, Vicente Razo y Apolo Cacho.

De esta manera, A propósito: una revisión del Archivo Pecanins contrasta las diferencias temporales y contextuales de las obras, pero también sus similitudes.

A partir del 04 de abril y hasta el 10 de mayo de 2019.

Foto: Semáforo, de Helen Escobedo | Cortesía.

Por GASTV | Marzo 2019

El Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey (MARCO) presenta Punto de partida, exposición colectiva que —bajo la idea del pensamiento mestizo— muestra una lectura del arte contemporáneo internacional concebida desde México y su particular contexto histórico y geográfico, a partir de la Colección CIAC.

CIAC reúne obras de distintos lugares y contextos, distribuidas en cinco núcleos: identidad, territorio, economía, pedagogía y comunidad.

El mestizaje no se limita o reduce a dos posturas antagónicas que se confrontan, sino que genera una síntesis y la consecuente aparición de una tercera vía: la de lo híbrido, lo difuso, lo mezclado. El mestizaje, entendido como una forma de pensar, está fincado en un movimiento de cosas en donde no hay categorías absolutas ni cerradas, sino una multiplicidad de representaciones.

Punto de partida reúne más de 50 obras de 39 artistas como Tunga, Francis Alÿs, Leonor Antunes, Abraham Cruzvillegas, Mario García-Torres, Cindy Sherman, Fritzia Irízar, Damián Ortega, Superflex, Hélio Oiticia, Tomás Saraceno y Bruce Nauman.

Hasta el 28 de julio de 2019.

Foto: Untitled (the disappearance of the symbol), de Fritzia Irízar. 

Por GASTV | Marzo 2019

Kurimanzutto presenta Clave intermedia, de Sofía Táboas, conjunto de obra que traduce ejercicios pictóricos y gráficos en esculturas. La artista se enfoca en estudiar las propiedades estéticas de materias naturales y artificiales cotidianas, además de indagar en la posibilidad de extraer algunas teorías pictóricas de su medio habitual.

La teoría del color marca la pauta para la producción de varias de las obras en la exposición, al mismo tiempo que parte del interés particular por las zonas intermedias que separan el espacio interior del exterior: puertas, rejas, ventanas, vitrales, mallas, cortinas y umbrales.

En su conjunto, Clave intermedia continúa con las investigaciones sobre las cualidades de la materia que Táboas ha realizado a lo largo de su carrera. Así, aborda las relaciones entre paisaje, arquitectura y escultura a través de ejercicios relacionados con la pintura.

Hasta el 04 de mayo de 2019.

Por GASTV | Marzo 2019

Parallel Oaxaca presenta Efímero Eterno, de Moisés García Nava (Oaxaca, 1980). Exposición que reúne obras inéditas derivadas de la yuxtaposición escultórica de percepciones físicas del espacio desde la óptica del cuerpo humano. El cuerpo, entendido como dibujo y espacio de producción es resultado del desdoblamiento existencial y metafísico, individual y místico de tiempos, materialidades y escalas.

Las construcciones escultóricas de García Nava activan desplazamientos en formas de rotación y movimiento, su interés en narrativas radiales construye sistemas de valor donde la memoria material de un cuerpo se descubre por su ausencia.  La instalación escultórica amalgama madera, piedra, vidrio, tierra, metal y papel, elementos que simbolizan la experiencia habitual y el mundo natural.

El cuerpo performativo del artista se inserta evocando la gravedad, tanto física como simbólica. Los gestos escultóricos conectan la idea de tránsito entre lo microcósmico, lo humano y lo universal.

Hasta el 29 de marzo de 2019.

Foto: Cortesía Parallel Oaxaca.

Por GASTV | Marzo 2019

Museo Amparo presenta Portadores de sentido. Arte contemporáneo en la Colección Patricia Phelps de Cisneros, exposición colectiva que reúne piezas de 70 artistas de 16 países de América Latina y el Caribe adquiridas por la colección entre 1990 y 2015.

La muestra se centra en los diálogos entre la colección de arte contemporáneo y temas como arte moderno, arte colonial, artistas viajeros del siglo XIX y objetos etnográficos de la cuenta del río Orinoco.

De esta manera, la exposición despliega a cada artista como pensador analítico y sensible de su entorno que, junto con sus obras, es portador de sentido.

Con piezas de Laura Anderson Barbata, Juan Emanuel Echavarría, Jac Leirner, Feliciano Centurión, José Bedia, Amalia Pica, Oswaldo Terreros, Jonathan Harker, Federico Herrero, Suwon Lee, Eduardo Navarro, Iosu Aramburu, Mario García Torres, Pia Camil, Anthony Aziz, Jessica Lagunas, Fernanda Laguna, Nadín Ospina, entre más.

Hasta el 22 de julio de 2018.

Foto: Poema Volcánico, de Eduardo Navarro.

Por Elena Piedra | Marzo, 2019

Es un día seco. Una mujer de rostro impasible se para sobre las puntas de sus pies para tender al sol lo que parece ser una prenda interior. El pastoso olor a tierra húmeda de sangre viaja con las pocas ráfagas de viento que cruzan la hacienda El Rosario. Lo que la mujer sostiene en sus manos como ofrenda al cielo no es una camiseta ni el calzoncillo de ella o de alguno de sus hijos; es un trozo de cabra, son las tripas de una de las 140 que han muerto en la matanza anual de Santa María Xochixtlapilco. Es un día seco, uno de los quince en que los ríos se tiñen de rojo y la gente amamanta, duerme y ríe, echada en el petate, junto a los cuerpos de los animales muertos.

A partir de En el nombre del padre, 1992

Graciela Iturbide (México, 1942) se acerca a las cosas y a las personas desvistiéndose de significados y preconcepciones. Su mirada no juzga, pero imprime en la imagen una sombra de emoción interna que, al tiempo que permite al ojo espectador sorprenderse con lo conocido, lo nubla con sus propias inquietudes y obsesiones.

Desde el pasado noviembre, el Palacio de Iturbide presenta Cuando habla la luz, exposición que reúne 270 piezas de la fotógrafa mexicana, quien lleva más de 50 años haciendo espejo en los rostros, rituales y paisajes en México y el mundo.

Entre lo artístico y lo documental

De familia conservadora y formación católica, Iturbide ingresó a los 27 años al Centro Universitario de Estudios Cinematográficos. Ahí conoció al fotógrafo Manuel Álvarez Bravo y se acercó al trabajo de W. Eugene Smith, Josef Koudelka, Henri Cartier Bresson e Hiroshi Hamaya. Durante los años 70, comisionada por el Instituto Nacional Indigenista, viajó por el país retratando poblaciones y documentando las costumbres y paisajes de diversas comunidades indígenas.

Fue esa tarea etnográfica la que la llevó a su gran tema y le tendió puentes hacia el otro, hacia las expresiones y tradiciones al margen de la cultura hegemónica; la misma que, además, alentó su soltura para entrar en sintonía con las personas a quienes fotografía, cualidad que brilla en la complicidad y fuerza lograda en sus retratos.

Al margen del registro y el testimonio, Iturbide experimentó con la cámara y la composición de sus fotografías alcanzando un estilo que puede reconocerse lo mismo en vistas desoladas de Baja California, Tennessee o Japón.

Las imágenes abren la puerta a sus cavilaciones y deslizan la mirada del público observador hacia su interior. Es la impresión de su esencia —o autoría— la que cubre de belleza el cuerpo de un hombre en vestido de flores (Magnolia, Juchitán, 1986), la que lava de violencia la escena de un niño dormido junto a una cabra desangrada (El sueño, La Mixteca, 1992), la que ante una joven se pregunta sobre la vejez y la feminidad (Quince años, Juchitán, 1986) y en una feria enfatiza el tránsito de la vida hacia la muerte (En casa de la muerte, 1990).

Graciela Iturbide permanece en sus fotografías, en el marco de situaciones tan reales que lindan con el terror y la fantasía; en la captura de símbolos o alegorías tan cotidianos que han dejado de ser visibles; en el revelado de rostros francos que dan cuenta de otras formas de ser. Ahí está ella, siempre, con su voz reptante, susurrando emociones al oído del espectador y obligándolo a mirar lo que no sabía que estaba allí.

De lo exótico al orgullo

Muchos han dicho que, en la fotografía, uno busca fuera lo que lleva dentro, y puede ser la sinceridad de Iturbide la que encuentra motivos en desenvoltura y libertad. Lejos de la visión exótica del mundo indígena y de la representación estereotípica de las tradiciones, sus protagonistas y escenas han creado un imaginario particular de las costumbres e identidades culturales.

Algo en su trayectoria y formación conservadora le forjó una fascinación horizontal que mira las esencias y la ha dejado conocer la cultura y las tradiciones, desde sí misma y no desde las visiones preconcebidas de la historia nacional, el cempasúchil y los atados de alcatraces. Así, también, su participación en la realidad que transmite le ha conferido la potestad de crear simbolismos íntimos —pájaros, angelitos, lagartos y serpientes—, y su vivencia en carne propia de los lugares y las personas un entendimiento particular de cada grupo: los seris, evanescentes nómadas del norte; y las mujeres juchitecas, leyendas rotundas del sur.

La muerte, la desnudez femenina, la homosexualidad, la identidad indígena; en las poses y las miradas de quienes Graciela Iturbide retrata no existe la vergüenza ni la modestia. Siempre la actitud orgullosa que amenaza la concepción del mundo de la mayoría —un mundo de culpas, tabúes y jerarquías—, siempre en complicidad con la sombra de ella misma en el cuadro.

La belleza de sus fotografías, en la fuerza de los lugares y las personas mismas no busca la aceptación de nadie, no busca acatar las convenciones. Sin embargo, por inquietante o terrorífica que puedan resultar, en todas es innegable la calidad del trabajo técnico de la artista.

Entre la tradición y la modernidad

Otro de los valores de la obra de Iturbide surge de su obsesión por los ritos y las tradiciones. Desde la venta en el mercado hasta la noche posterior al rapto de una joven, sus fotografías reparan en la vitalidad de las costumbres y su voz reza la tergiversación del sincretismo original.

En Los que viven en la arena, colección sobre los seris, su lente revela un grupo indígena que, en sus últimos tiempos de nomadismo, recorre el desierto de Sonora, llevando consigo una pluralidad de influencias que hace pensar en las antiguas culturas del norte pero también en una condición fronteriza reciente.

La mezcla de las creencias originarias con la adopción de figuras modernas da lugar a fotografías que, además de resultar casi fantásticas, quitan la máscara al mundo real y lo muestran en su eterna ambigüedad: la vida y la muerte (Novia muerte, Chalma, 1990), la belleza del dolor (Duelo, Chiapas, 1975), lo aterrador de la inocencia (Primera comunión, Chalma, 1984), el acuerdo sobre la violencia (La felicidad, La Mixteca, 1992) y sobre la sensualidad (Rosa, Juchitán, 1979).

Graciela Iturbide hace espejo en imágenes de vírgenes vampiresas, ángeles enterrados o santos lagartos y da luz a la teatralidad de los ritos que, de una u otra manera, forman parte de la cultura y vida cotidiana de la población. No tiene pudor en mostrar la matanza de cabras de la Mixteca ni la carne de una mujer bañándose a jicarazos. No hay drama, ni tragedia, solo es. Un mundo real, crudo pero maravilloso, que se contrapone cada tanto a la idea de civilización que abandera el discurso dominante.

Su fotografía provoca, da vértigo y despierta una lujuria que amenaza desde adentro. Uno mira lo que no sabía que estaba y reconoce en sí mismo la ambigüedad y el sincretismo —medio idólatra, medio religioso; medio racional, medio animal; medio vivo y medio muerto—.

La obra de Iturbide es huella de su deambular por la alteridad. Conducida por sus obsesiones ha andado entre las creencias, las fiestas, la maternidad y la matanza. Su quehacer recuerda constantemente que los rituales son alegorías de la vida, que la concepción del mundo se sostiene en redes de significados y representaciones que no son más que eso.

A través de sus fotos el público espectador entiende que lo otro también lo integra; que el cuerpo es barro y la negrura del vello negro, un túnel de deseo; que cualquiera puede reconocerse en la cotidianidad de un día, en el acto mínimo de las risas, de la violencia y la muerte; que como las raíces de un árbol constriñen la casa, la naturaleza aplasta cualquier intento de irle en contra y que eso, es lo que único que rige la realidad.

Cuando habla la luz hasta el 12 de abril de 2019.

Foto: En el nombre del padre, Graciela Iturbide | Hydra + Fotografía.

Por GASTV | Marzo 2019

Carta Blanca presenta No tengo por qué estar de acuerdo con lo que pienso /o/ Moverle las caderas al presente con los ojos pestañeando desde los aeropuertos del futuro -o- Hay que saltar del corazón al mundo, proyecto de Joe Villablanca (Chile, 1971) y Felipe Mujica (Chile, 1974).

Ambos artistas junto a Diego Fernández son fundadores de Galería Chilena en 1997, espacio independiente nómada y comercial que tuvo como objetivo abrir mercado para una nueva generación de artistas. Bajo esta idea, el proyecto recorrió la ciudad de Santiago por dos años y medio, adaptando espacios no convencionales para el arte.

Aunque las obras de Mujica y Villablanca difieren en el uso de soportes, comparten el interés por la poética de lo precario y efímero. Para el espacio en la Ciudad de México, ambos artistas saturan el espacio y presentan un grupo de Pinturas Hemisféricas (2018), pintadas con las manos sobre cartón que desenvuelven paisajes, personajes, objetos, escenarios y ornamentos, además de piezas individuales a manera de una breve retrospectiva.

Hasta el 06 de abril de 2019.

Foto: Arriba como ramas que un mismo viento mueve (2014), exposición de Felipe Mujica en el Museo Experimental El Eco.

Por GASTV | Marzo, 2019

Celda Contemporánea, espacio expositivo de la Universidad del Claustro de Sor Juana, presenta Flujo Mundo, de Roberto Rébora (Guadalajara, 1963). Exposición que, bajo la curaduría de Daniel Garza Usabiaga, reúne producción reciente y una selección de piezas antológicas de los últimos veinte años de trabajo.

Desde su práctica artística, Rébora se ha interesado en la visión social de la realidad que le rodea y en la que se desenvuelve. Por ejemplo en la serie Media Star, ejercicio plástico que materializa la energía electromagnética del ciberespacio y el reflejo de la atención que exigen los medios de comunicación virtuales hoy en día.

Actualmente ese mismo trabajo lo ha llevado hacia la identificación de la individualidad del ser en el flujo continuo de la virtualidad de las redes. Inquietud de la que se desprende Flujo Mundo, producción que da continuidad a la búsqueda del individuo dentro de la invasión diaria de redes sociales y dinámicas digitales.

Por otro lado, Roberto Rébora es fundador de Taller Ditoria, editorial reconocida por su producción artesanal desde la tradición tipográfica.

Hasta el 20 de mayo de 2019.

Foto: Cortesía Celda Contemporánea.

Por GASTV | Marzo, 2019

Arredondo \ Arozarena presenta Cómo aprendí a robar (Un capítulo sobre mis lecciones de dibujo), de Daniel Monroy Cuevas (México, 1980). Exposición individual cuyas escenas surgen de la breve estancia de Sergei Eisenstein en México, de los dibujos que el cineasta le regaló a su amigo Gabriel Fernández Ledesma y que eventualmente se resguardaron en la Cineteca Nacional.

Estos dibujos desaparecieron del lobby en 1982, donde se encontraban en exhibición permanente. Las reproducciones de Monroy Cuevas no son fieles, son imágenes negativas, falsos facsímiles, recreaciones de una memoria apócrifa.

A primera vista, la línea de estos dibujos contrasta con la sobriedad de las producciones cinematográficas del soviético: un trazo, desinhibido, crea figuras que flotan en un espacio líquido, cuerpos polimorfos, envueltos en situaciones complicadas y aleatorias, por no decir obscenas. Obscenas, no en el sentido de indecencia, sino porque suceden fuera todo lo que inaugura el mito de Eisenstein, generalmente asociado con el folclorismo genérico, el moralismo oficialista y el nacionalismo masculinista de Emilio «El Indio» Fernández.

Ahora, en la obra de Monroy Cuevas, estos dibujos reaparecen en una suerte de imagen negativa, grabada sobre un fondo oscuro; un extraño facsímil, calcado de otro facsímil, derivado de un «original» sumergido en un mar de misterio: una pista del universo censurado del cine.

Hasta el 04 de abril de 2019. 

Foto: SOMA México.

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Studio visit | Daniel Monroy Cuevas

Por GASTV | Marzo, 2019

Desde marzo de 2018, Casa Equis funciona como espacio independiente y galería artística abierta a distintas actividades expositivas que incentivan el coleccionismo de arte contemporáneo en la Ciudad de México.

Bajo la dirección de Diego Beyró y Carleti López Traviesa, Casa Equis ha llevado a cabo 14 exposiciones individuales, 7 mercados de arte, 5 residencias de artistas y una feria de arte.

Recientemente, la galería expandió su espacio a dos salas, una acondicionada para mostrar obras destinadas a venta, y otra abierta a exposiciones individuales y multidisciplinarias de artistas emergentes.

Abierta de martes a domingo en Doctor Enrique González Martínez 7A, Santa María la Ribera.

Foto: Cortesía Casa Equis.

Por GASTV | Marzo, 2019

Galería de Arte Mexicano (GAM) presenta Conciencia sagrada, de Carlos García-Noriega Bueno (México, 1983), un cuerpo de esculturas en el que las formas y los planos mutan en un gesto utópico orientado a generar una emoción más cercana al espíritu del público espectador.

Conciencia sagrada abre un diálogo entre opuestos entre las esculturas estructurales que cobran materialidad a través de principios arquitectónicos y que, más que objetos determinados, son lugares y detonantes de relaciones.

Hasta el 24 de abril de 2019.

Foto: Cortesía de GAM.

Por GASTV | Marzo, 2019

Secretaría de Cultura organiza el Festival Tiempo de Mujeres, el primero de distintos encuentros multidisciplinarios e intergeneracionales para promover los derechos culturales de las ciudadanas. En este margen, el Museo de la Ciudad de México presenta cuatro exposiciones.

Silvia González de León. Una caja oscura 2008-2018 incluye más de cincuenta imágenes que evocan ambientes íntimos, retratos, naturaleza y escenas urbanas, así como distintos elementos que la artista ha usado a lo largo de este proyecto de diez años, a través del soporte de cámaras estenopeicas.

Ana Casas Broda expone Kinderwunsch, recorrido fotográfico sobre la maternidad, centrada en la memoria e identidad, la muestra explora la experiencia, el cuerpo y las acciones personales de la autora. Por su parte, Aurora Reyes. Una vida en el arte 1908-1985 es una retrospectiva con más de cien obras en dibujo, pintura, fotografía, video, archivo y reproducción de murales de la conocida primera muralista feminista en México.

Tú de mí, yo de ti, es un ejercicio curatorial colectivo a cago de Fernanda Barreto, María Cerdá Acebrón, Manuela García y Carla Rippey, que fortalece las relaciones entre diferentes generaciones y producciones bajo un ejercicio horizontal. Algunas de las artistas reunidas son Eunice Adorno, Yolanda Andrade, Fernanda Barreto, Wendy Cabrera, Dulce Chacón, Sofía Echeverri, Ana Gallardo, Daniela Libertad, Sofía Táboas, Laureana Toledo, Lucía Vidales y Pamela Zeferino.

De manera paralela Galia Eibenschutz, Bárbara Foulkes, Gabriela Galván, Trini Ibarra, Nadia Lartigue, Geni Thalia y Pilar Villela realizarán activaciones performáticas en torno a la muestra.

Hasta el 28 de abril de 2019.

Foto: Marea, de Laureana Toledo | Cortesía del Museo de la Ciudad de México.

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Studio Visit: Galia Eibenschutz | Dulce Chacón | Lucía Vidales