Archivo para el septiembre, 2018

Carteles del 68. París-México

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Por GASTV | Septiembre, 2018

Kurimanzutto NY presenta Carteles del 68. París-México, exposición que destaca los paralelismos tanto formales como de sentido entre los materiales visuales de ambos países durante las protestas estudiantiles.

Con la colaboración de Galería Caja Negra, el conjunto de 60 carteles originales es una revisión iconógrafica y conceptual del actuar de los estudiantes a 50 años de la matanza de Tlatelolco. Bajo este ejercicio, sus contenidos pueden ser vigentes o significativos al analizar el presente internacional, tanto socialmente como en lo que toca a su derivas artísticas.

Carteles del 68. París-México se exhibe hasta el 25 de octubre de 2018.

Imagen: kurimanzutto.

Biblioteca de la Tierra, de Marianna Dellekamp

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Por GASTV | Septiembre, 2018

Biblioteca de la Tierra es la biblioteca más grande del mundo. Tiene alrededor de 450 volúmenes, pero no es el número de ejemplares lo que la convierte potencialmente en la biblioteca más grande, sino la representación material de los elementos que conforman la misma Tierra.

Se trata de una pieza de Marianna Dellekamp que, desde 2008, incrementa con la recopilación continua y sistemática de tierras de diversos lugares del mundo. Cualquier persona puede contribuir al proyecto, convirtiéndose así en un esfuerzo narrativo colaborativo.

Dellekamp presenta las muestras de tierra en distintas cajas de acrílico, con formas semejantes a las de un libro, y en el lomo se inscriben los detalles de cada procedencia. La tierra contenida en cada tomo se convierte así en una especie de texto que, gracias a su origen, define aristas y lecturas con distintas cargas políticas, religiosas, sociales y sentimentales.

En su décimo aniversario, Biblioteca de la Tierra se instala en el Museo de Arte de Zapopan hasta el 14 de octubre de 2018.

Foto: mariannadellekamp.com

Studio visit | Marianna Dellekamp

Escuchar con los ojos. Arte sonoro en España, 1961-2016

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Por GASTV | Septiembre, 2018

Museo Tamayo presenta Escuchar con los ojos. Arte sonoro en España, 1961-2016 exposición que recorre los orígenes, la diversidad de trayectorias y la vitalidad del arte sonoro en España desde la década de los sesenta hasta el presente. A través de 200 piezas, entre obras y material documental, la muestra es una panorámica de la disciplina.

Escuchar con los ojos… plantea el desafío de mostrar y enfatizar el sonido desde todos sus aspectos artísticos: la resonancia del espacio sonoro y su relación con la arquitectura, el silencio y el límite de lo audible, la asincronía y los procesos rítmicos sonoros, la insistencia vibratoria del sonido y su sentir en el cuerpo, así como la obsolescencia de la tecnología y su relación con la memoria colectiva.

Hasta el 02 de diciembre de 2018.

Imagen: Sonic Field en Español.

Opinión | Africamericanos, la diáspora oculta

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Por Fernando Pichardo | Septiembre, 2018

Uno de los momentos más significativos de mi vida universitaria ocurrió hace cuatro años, cuando en clase de arte virreinal la maestra comentó que cerca del 60% de la población de la Ciudad de México en el siglo XVIII descendía de esclavos. La información me tomó por sorpresa, hasta ese momento daba por hecho que formaba parte de una sociedad eminentemente mestiza. Lo anterior confirmó una sospecha que tenía desde hace algunos años: mi cabello chino, mi nariz pequeña y labios prominentes se debían a que yo tenía sangre negra.

Tras indagar sobre el asunto y ante la perplejidad de por qué nadie en familia tenía una idea clara del tema, tuve la sensación de que a las generaciones que me antecedieron les fue arrebatada una parte de nuestro origen que por derecho nos pertenece. Era como si tuviera que reconstruir una parte de mi pasado desde su ausencia. Ante este contexto me surgió una serie de preguntas: ¿Cómo fue posible que pasaran tantos años para que me percatara de una parte tan fundamental de mi propia humanidad? ¿Por qué nadie en mi contexto cercano me había contado sobre este capítulo de la identidad mexicana? Si en verdad tenía ancestros que vinieron de África, ¿quiénes fueron y a qué se dedicaron en vida? ¿Cuándo y por qué dejaron de asumirse como negros?

De manera paralela a esta búsqueda he tenido la oportunidad de conocer cómo estas dinámicas de ocultación se asimilaron en otras regiones de América Latina. Recuerdo que durante mi estancia en Lima noté cómo la pigmentocracia ha alcanzado dimensiones urbanas, al comparar la precariedad y mala reputación de zonas afro como Rímac y el puerto del Callao, con el lujo y comodidad de barrios como Barranco y Miraflores, donde la mayoría de sus habitantes son de origen europeo. Hace unos meses en La Habana, Luis Manuel Otero y Yanelys Núñez me mostraron la vigencia de los sistemas coloniales en el pensamiento cubano contemporáneo, a pesar de los decretos contra el racismo que el régimen instauró tras el triunfo de la Revolución. Me enseñaron cómo los negros con estabilidad económica suelen casarse con mujeres blancas como símbolo de estatus que «limpia» el color de su descendencia, o que los mulatos con cabello rizado son menos atractivos por nacer con «pelo malo».

La diáspora africana se ha convertido en un asunto tan próximo para mí que me emocioné cuando supe que el Centro de la Imagen inauguraría Africamericanos, la exposición más extensa de su año. Pero también, tuve reservas al leer que la curaduría estaba a cargo de un equipo curatorial no afrodescendiente. Temía que se tratara de un intento por emancipar a la otredad desde una postura privilegiada.

Fui a la visita guiada por el curador Claudi Carreras, y aunque en principio tenía mucho escepticismo, sus propuestas me parecieron pertinentes y llenas de sensibilidad. Carreras ha estudiado la afrodescendencia en América desde hace más de quince años, cuando desde su residencia en Río de Janeiro descubrió por casualidad el proyecto fotográfico de Maya Goded en la Costa Chica oaxaqueña entre 1992 y 1993, como un homenaje a su tío Antolín, exiliado español que se enamoró de la región y falleció en un accidente aéreo cerca del pueblo de Juxtlahuaca. Tras viajar por países con una presencia fuerte de la diáspora como Perú, Venezuela, Guadalupe y Colombia, Carreras se percató que existían correspondencias entre las culturas afrodescendientes de Sudamérica y las de nuestro país. Entendió que todas responden a un antecedente en común.

Carreras trabajó durante dos años en conjunto con artistas visuales, investigadores y fotógrafos para integrar un proyecto que abordara el presente de la afrodescendencia, sus ideales y las problemáticas que enfrenta, más allá de los usuales acercamientos antropológicos. La exposición es una consecuencia del deseo de justicia histórica que en los últimos años se ha fortalecido en varias comunidades del continente, en sus palabras, «culturalmente hay una potencia. Se trata de una riqueza en América Latina que se ha intentado ocultar pero que ya no se puede. Está explotando por sí misma».

La exhibición se articula a manera de atlas, en donde cada sala presenta obra de un país específico. El recorrido inicia por México, pasando por el Caribe y los Andes hasta culminar en Argentina. Uno de los hilos conductores de la muestra es el mar y sus puertos, siendo el primer contacto con el Nuevo Mundo para millones de africanos desde el siglo XVI hasta finales del XIX. El mar ha formado parte del imaginario colectivo afrodescendiente, manifestándose en latitudes tan diversas como Kingston, Salvador o Puerto Príncipe a través de deidades superiores, externando la necesidad de ir a un más allá fuera de nuestro alcance. Además de las fotografías inéditas de Maya Goded, uno de los trabajos que mejor capturan esta esencia es Portobelo, diario íntimo realizado por Sandra Eleta en los años setenta donde capturó la ternura y dignidad que se desprende de los habitantes de ese rincón del Caribe panameño.

Las sierras también son un eje medular. Durante siglos su orografía y vegetación impenetrables acogieron a miles de esclavos fugitivos —conocidos como cimarrones—, permitiéndoles vivir una vida alejada de la explotación e incluso fundar poblaciones no alienadas a los órdenes imperiales, conocidas como quilombos. Sin embargo, con el paso de los siglos el aislamiento fue contraproducente al convertir a estas comunidades en focos de pobreza dentro de América Latina, susceptibles a la producción y distribución de drogas.

Una instalación del fotógrafo Hugo Arellanes resume de manera excelente lo que trato de decir. En ella recreó el universo que compone la costa sur de México a través de objetos de valor práctico o sentimental entre sus habitantes, como machetes para cortar la maleza o resorteras para cazar lagartijas. Durante la visita uno de los asistentes preguntó por qué incluyó una pistola, Arellanes respondió:

«Hay algo que ha pasado desde hace diez o doce años que es la violencia. En la Costa Chica ha llegado a tal grado que, por ejemplo, en Facebook me di cuenta de la cantidad de amigos que ya no viven ahí. ¿Qué hago en esos casos? ¿Los elimino? Lo hago también para recordar a mi hermano, quien murió asesinado por el narco. Es la forma que encontré de alertar a la gente sobre cómo las zonas afrodescendientes han sido tradicionalmente las más marginadas. Casi no llega la infraestructura, no hay agua potable, ni luz, por eso es tan fácil que grupos delictivos se apropien de ellas. Es difícil hablar de estos temas, pero si no se nombran es como si no existieran».

Africamericanos es acertada al exponer cómo la cultura de resistencia afrodescendiente se ha desdoblado en años recientes hacia nuevas causas. En una época donde hasta hace relativamente poco se creía que la lucha contra el racismo era obsoleta, la exhibición de archivos impresos y digitales no sólo devela la ubicuidad de la colonialidad en los territorios que examina, sino que también es validada por instituciones que en teoría luchan por erradicarla.

Uno de los casos más significativos son las fotografías solarizadas del Fondo Documental Afro-Andino, integrado por el fotógrafo afrodescendiente Juan García Salazar durante los años setenta y que hoy forma parte del acervo de la Universidad Andina Simón Bolívar. Los documentos fueron originalmente escaneados por una empleada de la biblioteca de 75 años que no conocía nada de fotografía, pero que por intuición sabía que valía la pena rescatar más de tres mil quinientos negativos del olvido. Carreras conservó las sobrexposiciones y fallas como símbolo de un patrimonio que durante siglos se ha intentado blanquear y diluir, pero que siempre ha encontrado aliados dispuestos a recuperarlo.

Salí del espacio con una sensación de tristeza e impotencia, pero también de mucha esperanza. Lloré un momento en la sala dedicada a la obra de Angélica Dass, tanto en esa propuesta como en otras se removieron muchas vivencias. Siendo alguien con piel morena, tus experiencias afianzan la certeza de que existe un problema de rechazo que en ocasiones es fortalecido por quienes lo padecen. Al igual que la historia de mis ancestros, nadie nunca me platicó de los eventos de la historia latinoamericana que tienen que ver con las violaciones sistemáticas a negras en Argentina, con las negras que amamantaron a los hijos de la burguesía peruana —niños programados a odiar a las mujeres que los criaron una vez que crecían— o con los tweets donde se confiesa que el único defecto de Brasil, nación bendecida por Dios, «es tener demasiados negros».

Por otro lado, me causa un poco de ruido que la mayoría de los fotógrafos convocados provengan de contextos criollos. A pesar de que Carreras asegure que algunos de ellos fueron negros por elección —como el caso del fotógrafo Pierre Verger, nombrado sacerdote en la religión del Candomblé de Brasil y rebautizado en Benín bajo el nombre de Fátúmbí— la realidad es que ninguno de ellos sabrá a fondo las dificultades y cicatrices de ser oscuro en una región donde el cuerpo determina la primera impresión sobre las personas, y en ocasiones la última. Quizás esto se deba a que durante generaciones ser negro no fue motivo de orgullo, sino de vergüenza. Si las políticas de subrogación en este país fueron tan efectivas, fue porque nos fue enseñado que nuestra historia no era lo suficientemente valiosa para ser compartida.

A lo largo de la exposición hay proyectos que fallan en dar voz propia a las comunidades que retratan, sin embargo, en conjunto los módulos logran el objetivo de fortalecer el lugar de quienes tenemos a África como abuela espiritual. Muestran los horrores que cinco siglos de sometimiento causaron, pero también, la belleza que desde esas heridas somos capaces de crear.

Así, Centro de la Imagen demuestra que en un presente saturado de estímulos visuales, una selección premeditada y bien dirigida le devuelve a las imágenes su potencia como herramientas de cambio social. Tal vez sea momento de desempolvar la figura del cimarrón y darnos cuenta que la lucha por su emancipación nunca cesó, evidencia de que el sueño por el reconocimiento de Africamérica continúa. Puede que los afrodescendientes ya no seamos vendidos o encadenados, pero somos discriminados, asesinados e invisibilizados. Muchos de nosotros aprendimos a detestar lo que somos.

Me quedo con estas palabras de Gustavo Esquina, autor de La unión de las costas, uno de los murales presentes en la exposición: «Hoy en día me siento bien dentro de mi propia piel. El recuerdo de mis antepasados se ha diluido en las aguas atlánticas que nos separaron de nuestras raíces para lograr una nueva consciencia, la que hace repicar el tambor no como un lamento, sino como un homenaje a todo aquel que esté dispuesto a celebrar la conquista de su libertad».

Foto: Tierra negra, de Maya Goded | Museo Amparo.

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Fernando Pichardo Ríos es historiador de arte por la Universidad Iberoamericana. Ha trabajado como asistente de galería para The Peggy Guggenheim Collection en Venecia, Italia y en el Departamento de Artes Visuales de la Secretaría de Relaciones Exteriores. Actualmente redacta contenidos sobre patrimonio material e inmaterial para la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.

Miodesopsias, de Pedro Noigandres

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Por GASTV | Septiembre, 2018

La Galería de Arte Mexicano se renueva e integra Sala GAM, una extensión del espacio expositivo destinada a expresiones disruptivas y contemporáneas de la pintura. Como exposición inaugural, Sala GAM presenta Miodesopsias, de Pedro Noigandres (Gales, 1967).

Se trata de una serie de sudarios y telas impregnadas de presencias —a veces reconocibles, a veces no— que figuran como retratos abstractos de realidades que alguna vez habitaron los materiales. De esta manera, el artista refiere a lo espectral como apariencia y sugiere una presencia que sólo puede intuirse, pero no verse.

Noigandres toma su apellido de la palabra Noigandres! inventada por el poeta Ezra Pound para refereirse a la imposibilidad de la significación y, por consecuencia, de revelar su propia identidad.

Hasta el 01 de enero de 2019.

Imagen: Cortesía Sala GAM.

22º Tour de Cine Francés

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Por GASTV | Septiembre, 2018

La 22ª edición del Tour de Cine Francés sucede en México con una selección de siete películas de origen galo acompañados de cortometrajes nacionales. Durante tres semanas, participan más de 70 ciudades del país.

Entre la filmografía se encuentra Cara de Ángel, El regreso del héroe y Gauguin, viaje a Tahití, además de Normandía al desnudo, Sin dejar huellas, Rodando hacia ti y Señor Sabelotodo. Por su parte, los cortometrajes mexicanos se proyectan previo a cada función, mismos que compiten por el premio La Palmita.

El Tour de Cine Francés es presentado por Sala de Arte Cinépolis y se exhibe en más de 100 complejos cinematográficos. Consulta cartelera en el sitio oficial.

Hasta el 18 de octubre de 2018.

Imagen: Gauguin, viaje a Tahití.

Oficio y materia, en Museo de Arte de Zapopan

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Por GASTV | Septiembre, 2018

El Museo de Arte de Zapopan (MAZ) presenta Oficio y materia, exposición colectiva que muestra el interés y la pertinencia en el campo del arte contemporáneo por las técnicas artesanales tradicionales, las prácticas populares, los materiales primarios regionales y los oficios ancestrales vinculados al campo.

La atención —supuestamente reciente— a conocimientos artesanales, en textiles, arcillas, pigmentos naturales y prácticas cuyo origen se encuentra en la tierra y en el medio rural, se puede entender de varias maneras. Los artistas reunidos provienen de diferentes entornos y celebran la destreza, el tiempo y esfuerzo empleado en el trabajo manual, reconocen la vigencia de los materiales endémicos y de los ciclos de la naturaleza, al tiempo que honran la influencia indígena y la sabiduría popular.

Al insertarse estas prácticas y técnicas artesanales al ámbito hegemónico del arte contemporáneo se subvierte la jerarquía arte/artesanía y se amplían los campos y la función del arte. Sin embargo, persiste la necesidad de cuestionar a los artistas y a los recintos museísticos como únicos agentes y espacios de visibilidad y legitimidad cultural de estas expresiones.

Participan Napoleón Aguilera, ektor garcia, Rodrigo González Castellanos, Carmen Huizar, Felipe Manzano y Nuria Montiel.

Hasta el 13 de enero de 2019.

Foto: Hun Hunab Ahpu, de Lorena Ancona.

Teníamos que hablar, de Iván Krassoievitch

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Por GASTV | Septiembre, 2018

Museo El Eco presenta Teníamos que hablar, de Iván Krassoievitch (México, 1980). Una disposición de elementos que el artista define como poemas sintéticos —como referencia al autor mexicano José Juan Tablada en su obra Un día… (Poemas sintéticos)—, un impulso de genuina fascinación por la relación entre abstracción, visualidad y lenguaje que teje un doble juego de lo sintético como aquello relativo a la síntesis y como aquello que es artificial: alfombras, pelo, pestañas, flores y plantas sintéticas, fieltro, tramos de tubería de CPVC, pelotas de esponja, etc.

De esta manera, Krassoievitch compone «poemas sin palabras» que responden a las características arquitectónicas del lugar: los objetos ocupan el espacio como si éste fuera una página, así, son capaces de poner de manifiesto la inestabilidad del espacio de exhibición.

Teníamos que hablar dialoga con la exposición paralela Geles Cabrera: primera escultora de México, que bajo la curaduría de Pedro Reyes revisa los procesos escultóricos de la artista mexicana. Siendo los primeros en suceder de manera profesional por una mujer en México.

Abiertas hasta el 18 de noviembre de 2018.

Foto: Cortesía del artista.

Casa Tomada: próximos talleres

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Por GASTV | Septiembre, 2018

Casa Tomada es un espacio cultural independiente que forma comunidad para el intercambio de ideas que hagan circular la cultura de una manera asequible, a través de una serie de cursos, talleres, diálogos y mesas de discusión. En el ciclo septiembre-octubre se llevarán a cabo tres talleres que parten del objetivo de intercambiar ideas en un registro alternativo al circuito cultural de la ciudad.

Conseguir una beca, imparte Mtra. Erandi Fajardo. Dirigido a artistas, gestores culturales y público interesado en conseguir apoyo económico de instituciones públicas o privadas a través de un proyecto. Durante cinco sesiones, los asistentes podrán trasladar una idea de producción artística a un proyecto para financiamiento con conceptos, lenguaje y estructura apropiados. Del 10 al 14 de septiembre de 2018.

Taller de guión, con María Fernanda García. Se trata de un primer acercamiento al lenguaje del guión y sus procesos de desarrollo, a lo largo de cinco sesiones con guionistas invitados se compartirán nociones generales para la elaboración de un guión, a través de elementos y ejemplos de cine y televisión. Del 18 de septiembre al 16 de octubre de 2018.

Crítica literaria, a cargo de Guillermo Núñez Jáuregui. Con el objetivo de dar un panorama teórico sobre el lugar que esta disciplina ocupa en un momento en el que predomina la imagen. El taller propone herramientas prácticas para redactar textos críticos y su posterior publicación en medios culturales o especializados. Del 19 de septiembre al 17 de octubre de 2018.

Los costos, horarios e inscripciones se pueden consultar en el sitio web de Casa Tomada.

*Se otorgará un 20% de descuento al mencionar a GASTV al realizar la inscripción.

Grupo Mira. Una contrahistoria de los setenta en México

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Por GASTV | Septiembre, 2018

Museo Universitario Arte Contemporáneo presenta Una contrahistoria de los setenta en México, exposición que propone la revisión del conjunto de artistas que trabajó entre 1965 y 1982 en el underground del activismo político: Arnulfo Aquino, Melecio Galván, Eduardo Garduño, Rebeca Hidalgo, Silvia Paz Paredes y Jorge Pérez Vega.

Bajo el nombre de Grupo Mira, el colectivo produjo arte dirigido a todo público, a través de formatos como el muralismo y la gráfica política, al tiempo de la neovanguardia, el conceptualismo y la crítica institucional.

Con la colaboración de los fondos personales de Arnulfo Aquino y Jorge Pérez Vega, del Centro de Documentación Arkheia y del MUAC, así como de centros de archivos y universidades en México y Estados Unidos, la muestra despliega más de 500 documentos y obras producidas por Grupo Mira para establecer una retrospectiva general sobre su influencia en el arte político.

Abierta hasta el 06 de enero de 2019 en el MUAC.

Imagen: MUAC.

Femme Gang: subvertir los muros, por Paola Eguiluz

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Septiembre, 2018

Cuernavaca es una palmera, una alberca, una barranca y un automóvil sin placas que te sigue en la calle mientras tres hombres abordo te chiflan, insultan y ríen.

Para las personas que se preguntan por qué seguimos hablando de violencia de género, la respuesta es simple: durante los primeros 200 días de 2018 se han cometido 39 feminicidios tan sólo en el estado de Morelos.[1] El acoso, las desapariciones forzadas y la impunidad continúan en aumento. En Cuernavaca, como en gran parte del país, el machismo está normalizado en todas sus manifestaciones, desde el señor de la tercera edad que viaja a tu lado en la ruta y te mira lascivamente hasta aquel que le quita la vida a una mujer.

Ante esta realidad, es importante continuar con la educación y sensibilización para erradicar el comportamiento social misógino. A través del wheat paste —recurso de bajo costo empleado en un inicio para pegar con engrudo propaganda y publicidad, popularizado en los últimos años en el arte urbano— cinco artistas que se definen como un grupo de mujeres dedicadas al vandalismo y a la vida de la calle, se han apropiado de la ciudad de Cuernavaca para exponer sus inquietudes.

La Femme Gang, colectivo formado en 2014 en la Facultad de Artes de la Universidad Autónoma del Estado de Morelos (UAEM), está integrado por Bunny (Texcoco), Santa (Cuernavaca), Black Wytch (Cuernavaca), Prism (Acapulco) y Mar de Lío (Ciudad de México). Quienes comenzaron a hacer intervenciones en la universidad y posteriormente surgió la necesidad de salir a las calles. Así, optaron por el wheat paste por la libertad que les da para experimentar con los detalles y porque es más práctico pegar algo terminado que hacer una pieza directamente en el lugar.

Niñas Dios, brujas, sirenas, vírgenes, cupidos y mujeres con cabeza de conejas emergen de muros, registros de teléfonos, ventanas, nichos abandonados y señalética. Los temas, decididos en consenso, atraviesan la religión, política, sexualidad, feminidad y distintas festividades o acontecimientos; como las pasadas elecciones presidenciales, para las que hicieron imágenes circenses aludiendo al espectáculo en que se convierte la política. Respetando su estilo y visión personal, cada integrante diseña distintas imágenes para posteriormente pegarlas en conjunto.

«Demostrar que somos fuertes, por eso salimos en la noche y nos vestimos como queremos. Se trata de empoderar a las mujeres y hacer que se sientan seguras con su cuerpo». Mar de Lío

La serie Musas nocturnas (2018) está pensada en relación al sitio donde se emplazaría: una calle del centro rodeada de hoteles de paso, en donde es sabido se ejerce la prostitución. Así como esta sutileza de hacer visible una situación de la que nadie parece querer ocuparse, Femme Gang aborda cuestiones relacionadas al cuerpo femenino y sus procesos fisiológicos. Copas menstruales y mujeres desnudas nos confrontan en el tránsito cotidiano. Para Bunny, el espacio público es mucho más atractivo: «en la calle te ve más gente que en un museo».

Las opiniones sobre sus obras están divididas, por un lado, la comunidad artística dedicada al arte contemporáneo las cuestiona desde parámetros conceptuales y formales. Por el otro, los grafiteros no toman en serio su trabajo por no pintar con aerosol: “nos menosprecian porque creen que somos niñas jugando a pegar cartelitos y stickers. Nos interesa que se escuche la voz de las mujeres y cambiar la idea de que el arte callejero sólo es para hombres. Nosotras también tenemos derecho de hacer», comenta Mar de Lío.

Pero más allá de la discusión de si lo hacen por moda o por convicción, lo urgente es pensar cuál es la relevancia de su quehacer. El hecho de que sean mujeres representando mujeres que se reapropian de la calle —que histórica y socialmente ha sido dada a los hombres—, implica subvertir el espacio y eliminar la barrera entre lo privado y lo público. Alienta a su vez a otras mujeres a salir y tomar los lugares catalogados como peligrosos.

Iniciativas como Tuit callejero, que por medio de hojas blancas de papel escritas a mano denuncia casos de mujeres desaparecidas y asesinadas, con detalle de fecha, lugar y circunstancias de los hechos; así como Grafemm, cuya postura es abiertamente política y comparten información proaborto y sobre desapariciones de mujeres en Morelos, son muestra de que Cuernavaca tiene necesidad de pronunciarse.

Aunque ellas no se asumen feministas sus obras tienen potencial de cambio. En el proyecto Mujeres arriba (2018) retomaron la estética de la época de las sufragistas acompañadas de frases como «Las chicas sólo quieren derechos humanos fundamentales» y «No estás sola», con la intención de investir de poder a las mujeres a la par que ellas mismas lo hacen al caminar juntas en la noche. Probablemente lo más loable de las Femme Gang es la totalidad del proyecto, la pega de las imágenes es una pequeña parte del todo: «somos un gang de mujeres que salen a patinar, somos una red de apoyo, salimos a beber, platicamos sobre nuestras preocupaciones y además hacemos arte», enfatiza Bunny.

Salir en conjunto no evita que el taxista se detenga a chiflarles, sin embargo, el estar unidas les brinda confianza. El trabajo de Femme Gang es un aliento para las que transitamos por las calles y vivimos el acoso. Sus imágenes son una compañía visual en el camino y un recordatorio para continuar verbalizando de todas las maneras posibles la misoginia ejercida contra nuestros cuerpos, acciones y pensamientos.

Imagen: Facebook Femme Gang.

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[1] Información disponible para consulta aquí.

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Paola Eguiluz (Ecatepec, 1986) es artista, curadora e historiadora de arte. Estudió Artes Visuales en la Universidad Autónoma de Querétaro y la maestría en Historia del Arte (Estudios Curatoriales), UNAM. Actualmente es coordinadora de exposiciones en el Museo Morelense de Arte Contemporáneo Juan Soriano.

Museo Animista del Lago de Texcoco

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Por GASTV | Septiembre, 2018

Muca-Roma presenta Museo Animista del Lago de Texcoco (MALT), proyecto que examina la historia del Lago de Texcoco a partir de su paulatino despojo.

Al margen del crecimiento urbano, desde la década de los 70 la cuenca del lago se ha convertido en un terreno baldío testigo de complejas disputas políticas, sociales, ecológicas e incluso geológicas. En este contexto, desde el 2015 Adriana Salazar (Colombia, 1980) ha recolectado más de 400 objetos entre restos materiales de proyectos fallidos y actos de abandono pertenecientes al suelo lacustre, reunidos en el MALT, así como el universo intangible de la cuenca englobado como Enciclopedia de cosas vivas y muertas.

Este museo abre lugar a otros saberes, temporalidades y prácticas que no han tenido cabida en las historias registradas sobre la cuenca central mexicana.

De manera paralela, se integra un programa público de la mano de Islario, proyecto editorial que propone 4 ejes temáticos de discusión en torno a la exposición: Cartografías de la región lacustre, Ecología geobiológica, Ecología social y Poder económico y político.

Hasta el 06 de enero de 2019.

Image: Arquine.

Art Basel Cities Week: Buenos Aires

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Por GASTV | Septiembre, 2018

Con el objetivo de explorar y expandir el ecosistema cultural de Buenos Aires, el programa artístico Art Basel Cities Week toma las calles porteñas con una exhibición de arte, eventos y actividades públicas.

Como exposición principal, Rayuela reúne obra de 18 artistas locales e internacionales distribuida en cinco barrios de la capital argentina, entre ellos Eduardo Basualdo, Pia Camil, Maurizio Cattelan, Leandro Katz, Ad Minoliti, Eduardo Navarro y Alexandra Pirici.

De manera paralela, las charlas públicas tienen como eje producir debates que generen pensamiento crítico contemporáneo a través de voces líderes de la comunidad académica, artística, de gestión e institucional de distintas partes del mundo. Suceden además activaciones, clases magistrales, así como reuniones de networking entre la escena artística local y el público visitante.

La semana artística culmina el 12 de septiembre de 2018.

Foto: Leandro Katz | Art Basel Cities.

Ruptura I. Colección Betsy Pecanins

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Por GASTV | Septiembre, 2018

Taller 138 presenta Ruptura I. Colección Betsy Pecanins, exposición que reúne 60 piezas seleccionadas de la colección homónima que originalmente perteneciera a la Galería Pecanins.

La colección fue adquirida con la idea de retomar a los artistas representantes del «Arte de la Ruptura» que transitaron por los muros de la Galería Pecanins, recito importante en el establecimiento del arte moderno y de vanguardias en México. Misma que se caracterizó por presentar arte contemporáneo y nuevas formas artísticas que la convirtieron en un centro precursor del llamado arte de ruptura, ante las tradiciones visuales que correspondían a la Escuela Mexicana de Pintura.

Ruptura I. Colección Betsy Pecanins es la primera de tres entregas con grabados, serigrafías y acuarelas de Arnaldo Coen, José Luis Cuevas, Helen Escobedo, Manuel Felguérez, Alberto Gironella, Gabriel Macotela y Kazuya Sakai.

Hasta el 30 de septiembre de 2018 en Taller 138, Santa María La Ribera 138, colonia Santa María La Ribera.

Imagen: La Jornada.

Julian Cording en 1mes | 1artista

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Por GASTV | Agosto, 2018

«Sí, la forma lo es todo. Es el secreto de la vida.[…] es la forma que crea no sólo el temperamento crítico, sino también el instinto estético, ese instinto inquebrantable que nos revela todas las cosas en sus condiciones de belleza».

Oscar Wilde en El crítico como artista

La galería 1mes | 1artista presenta Filament, de Julian Cording (Alemania, 1983). La obra del artista se caracteriza por un silencio que prevalece en cada pieza y que invita al observador a un momento de contemplación. Su exploración de la forma y de los materiales lo llevan a entretejer una poética visual guiada por el guiño de sus títulos.

Cording fusiona su formación como escultor dentro de un quehacer pictórico, a través de la sobriedad geométrica confeccionada a partir de un juego cromático resultado de la yuxtaposición de capas de color. La combinación de materiales permite observar las reacciones e incidentes entre sus elementos. La forma y el color rigen el plano, mientras que su transparencia y densidad dialogan en silencio.

1mes | 1artista es un programa de exhibiciones en el espacio-galería de El 123. La propuesta es impulsada por el estudio creativo DEAR y busca llevar el arte a nuevos públicos, además de dar visibilidad a artistas en un espacio de experimentación.

Filament permanecerá abierta hasta el 30 de septiembre de 2018.

Imagen: Cortesía del artista.

In tlilli in tlapalli. Imágenes de la nueva tierra: identidad indígena después de la conquista

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Por GASTV | Septiembre, 2018

El Museo Amparo presenta In tlilli in tlapalli. Imágenes de la nueva tierra: identidad indígena después de la conquista, ejercicio de interpretación/intervención a cargo de Diana Magaloni y Mariana Castillo Deball sobre los orígenes de la historia en México.

Para la muestra, el Patio Colonial del museo funciona como trasfondo en el que recrean el momento de la conquista y la transformación de la tierra para crear una nueva realidad cultural, observando el choque de ambas culturas desde la perspectiva indígena.

A partir de la investigación de Magaloni sobre el color y significado del pigmento en el Códice Florentino, Castillo Deball presenta una constelación escultórica, una serie de murales y, en colaboración con Tatiana Falcón, transforma el Patio Colonial en un jardín de plantas y minerales utilizados para la elaboración de pigmentos y tintes naturales basados en el texto. Le acompañan copias históricas de documentos indígenas, reproducciones facsimilares impresas y proyectadas, junto con mapas-pintura originales.

In tlilli in tlapalli. Imágenes de la nueva tierra: identidad indígena después de la conquista está abierta hasta el 12 de noviembre de 2018.

Imagen: Museo Amparo.

Gráfica del 68. Imágenes rotundas

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Por GASTV | Septiembre, 2018

El Museo Universitario Arte Contemporáneo presenta Gráfica del 68. Imágenes rotundas, muestra que abre por primera vez al público el acervo completo de la colección del MUAC.

Originalmente reunida por los integrantes del Grupo Mira y posteriormente donada al Patrimonio Universitario por Arnulfo Aquino, la selección incluye pancartas y carteles que conforman la memoria visual del movimiento estudiantil para evidenciar su importancia como herramientas críticas.

Acompañada de fotografías y documentación en video, Gráfica del 68. Imágenes rotundas retoma el espíritu de estos materiales y dialoga con una propuesta ex profeso del artista visual Alejandro Magallanes. Asimismo, la curaduría a cago de Amanda de la Garza y Sol Henaro vincula este universo estético con la revisión histórica del Grupo Mira —uno de los colectivos de arte político más relevantes de los años setenta— como parte del programa conmemorativo por el 50 aniversario del movimiento estudiantil de 1968 en México.

De manera paralela, el Taller de Estampa y Grabado Corazón Parlante, dará talleres móviles de gráfica en distintos puntos de la ciudad de manera gratuita.

Gráfica del 68. Imágenes rotundas puede visitarse hasta el 06 de enero de 2019.