Archivo para el noviembre, 2017

Juan José Gurrola en Estancia FEMSA

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Por GASTV | Noviembre, 2017

La octava exposición Estancia FEMSA–Casa Luis Barragán presenta una pieza del artista mexicano Juan José Gurrola (México, 1935), reconocido principalmente por su trabajo en teatro y su incursión en diferentes campos y medios de arte.

A partir de la figura y leyendas del tratado de Bucarelí, Guarrola plantea Monoblock. La pieza está compuesta por un grupo de poemas, fotografías, un performance bilingüe y una escultura a manera de objet trouvé. Poemas y textos sin elocuencia: Monoblock se presentó por primera vez el 29 de noviembre de 1971 en la sala Manuel M. Ponce del Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México, en donde un refrigerador industrial sobre el escenario congelaba al monoblock albergado en su interior, simultáneamente, Tina French y Juan José Gurrola recitaron los versos de poemas que él escribió. Jan Kessler acompañó al sonido con pantomima. La escenografía fue de Bárbara Wasserman.

En esta ocasión, se reproduce parte del performance a la vez que se acepta la imposibilidad de ser fiel a ese primer acontecimiento en Bellas Artes. Gurrola se hace presente a través de los archivos sonoros que resguarda la Fundación que lleva su nombre.

El 01 y 02 de diciembre se presenta un performance en el que participan Tina French, Nora Manneck y Ariane Pellicer, en el que la arquitectura de Luis Barragán es escenario para dialogar con la pieza. Por su parte, la exposición estará abierta hasta el 28 de enero de 2018.

El día es azul, el silencio es verde, la vida es amarilla…

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Por GASTV | Noviembre, 2017

Museo Experimental El Eco presenta El día es azul, el silencio es verde, la vida es amarilla…, exposición que gira en torno a la relación epistolar y artística entre Yves Klein y Mathias Goeritz, quienes, desde visiones distintas, compartieron un contexto histórico y artístico. Al respecto de su relación, Goeritz escribe después de la muerte de Klein: “Aunque mi obra se parece a la suya, en su esencia intenta decir lo contrario. Es que los extremos se tocan”.

Simultáneamente, se exhiben piezas de Claudia Fernández (México, 1965) Gonzalo Lebrija (México, 1972), Andrea Martínez (Brasil, 1982), Yolanda Paulsen (México, 1963), Melanie Smith (Inglaterra, 1965) y Emanuel Tovar (México, 1974), mismas que dialogan con el espacio del museo diseñado por Goeritz y la obra de Klein desde diferentes perspectivas y medios.

La exposición explora la noción de un campo de acción en la producción artística más allá del momento histórico y sitúa el problema cromático, vital en la obra de ambos artistas, como sustancia poética para la generación de enunciados de artistas contemporáneos.

El día es azul, el silencio es verde, la vida es amarilla… permanecerá en Museo El Eco del 02 de diciembre hasta el 18 de febrero de 2018.

Foto: Time Out México.

Sungazing, de Rodrigo Alcocer Garay

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Por GASTV | Noviembre, 2017

Galería Proyecto H presenta Sungazing, de Rodrigo Alcocer Garay. Se trata de un proyecto fotográfico donde a partir de la recopilación de videos de amaneceres y atardeceres extraídos de Youtube y su proyección sobre película en negativo de gran formato, Alcocer de Garay produce un cuerpo de obra que, tomando como punto de partida uno de los sujetos más recurrentes en la producción fotográfica actual, contrapone las formas genéricas y masificadas, la instantaneidad y la aterritorialidad de la imagen digital con la materialidad, la escalaridad y los métodos y tiempos inherentes a los procesos químico/análogos de los soportes fotográficos tradicionales, además de la recurrente utilización de sus procesos particulares como estrategia de legitimación y constante replanteamiento de una técnica dentro de ámbitos múltiples de producción artística.

Las piezas resultantes de las largas exposiciones de estas salidas y puestas de sol (reales, mediadas y hechas accesibles por medios electrónicos), se rigen formalmente por los rastros deformados y amplificados de los distintos procesos de ampliación y transferencia de los píxeles de los videos fuente, hacia sus distintos soportes, cada uno haciendo evidente sus propias lógicas de procesamiento, edición y reproducción, buscando mirar desde distintas posiciones algo que está diariamente presente.

En Sungazing, el artista presenta más de 50 piezas que abarcan múltiples posibilidades de reproducción y materialización del medio fotográfico en la actualidad en diferentes formatos, soportes y tamaños.

Restauración de una pintura mural, de Tercerunquinto

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Por GASTV | Noviembre, 2017

Restauración de una pintura mural, de Tercerunquinto, forma parte de la serie de ejercicios en video sobre lo documental en el arte que el colectivo produjo en el año 2010. En particular, esta proyección retrata un equipo de profesionales en restauración y conservación de bienes artísticos que reparan una antigua pinta de campaña política del candidato presidencial del Partido Revolucionario Institucional (PRI) en las elecciones del año 2000.

La pinta estaba localizada en el exterior de una casa particular ubicada en San Andrés Cacaloapan, poblado perteneciente al municipio de Tepanco de López, en el estado de Puebla, México.

Dentro de este contexto, la película registra, en el sentido convencional o riguroso documental, eventos dados en la realidad. Sin embargo, en ocasiones también representa situaciones provocadas, e incluso, premeditadamente creadas por Tercerunquinto.

A partir del trabajo de los restauradores de la pinta política en la pequeña comunidad en Puebla, los artistas emprendieron una serie de proyectos por medio de algunos lenguajes cinematográficos que atraviesan y complejizan las nociones clásicas de ficción y realidad.

La proyección de Restauración de una pintura mural se llevará a cabo el próximo domingo 03 de diciembre 12h en el MUAC.

Foto: Sala de arte público Siqueiros.

Travesía de ocho siglos

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Por GASTV | Noviembre, 2017

Después de una pausa de 6 meses el Museo de la Ciudad de México reabre sus puertas al público con la exposición Travesía de ocho siglos, una retrospectiva de la obra de más de 183 artistas que han desarrollado su trabajo en la Ciudad de México.

Con la colaboración de investigadores y expertos en cada uno de los siglos que integran la muestra, se reúnen 500 piezas que abarcan desde la época virreinal hasta piezas de artistas contemporáneos como Carlos Amorales, Abraham Cruzvillegas y Rafael Lozano-Hemmer, además de los extranjeros Francis Alÿs y Vicente Rojo quienes han desarrollado la mayor parte de su producción en y en torno a la ciudad.

La muestra integra también piezas de José Clemente Orozco, David Alfaro Siqueiros y Gerardo Murillo “Doctor Atl”, abierta al público hasta el 01 de abril de 2018.

Imagen: México es cultura.

Chto Delat en el MUAC

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Por GASTV | Noviembre, 2017

Cuando pensamos que teníamos todas las respuestas, la vida cambió las preguntas es el nombre de la nueva exposición en el MUAC, en la que se presenta el trabajo del colectivo ruso Chto Delat (¿Qué hacer?).

El grupo se fundó en 2003 en San Petersburgo por artistas, críticos, filósofos y escritores de San Petersburgo, Moscú y Nizhny Novgorod. Un año después, comenzaron a publicar el periódico internacional Chto Delat. El objetivo del colectivo es generar propuestas para la sociedad rusa que incorporen la teoría política, el arte y el activismo.

La muestra está enfocada en el trabajo del colectivo en México: Zapatistas en Chiapas: #17, The New Dead End Street Summer School of Orientation in Zapatism (El nuevo callejón sin salida Escuela de verano de orientación en Zapatismo). En este proyecto los miembros de Chto Delat retoman la filosofía y prácticas comunitarias zapatistas y las integran al contexto ruso, con este ejercicio surgen las preguntas ¿Cómo podría ser una teología de la emancipación en Rusia? ¿Cuál es el papel de la cultura en un proceso de liberación y cómo se puede construir una autonomía de «buenas personas» en un mundo hostil?

Por otro lado, la exposición también presenta otras piezas del colectivo, entre ellas, el registro de obras de teatro, proyectos de arte, seminarios, campañas públicas, video, programas de radio, murales, periódicos y el trabajo en plataformas educativas. La obra creada por el colectivo explora el pasado reciente, el presente e inclusive posibles futuros de Rusia y el mundo, generan experimentos estéticos en los que son probadas las posibilidades del arte comprometido social y políticamente y de nuevo, cuestionan la importancia de la colectividad y hacía dónde nos puede llevar.

Cuando pensamos que teníamos todas las respuestas, la vida cambió las preguntas se presenta hasta el 22 de abril de 2018 en el MUAC.

Foto: This is tomorrow.

Encuentro Jóvenes Creadores

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Por GASTV | Noviembre, 2017

Durante este fin de semana, el Centro de las Artes de San Luis Potosí recibe a más de 140 creadores de todo el país, quienes promueven una serie actividades artísticas gratuitas, como parte del Encuentro de Arte número 105 del Programa Jóvenes Creadores de la Secretaría de Cultura, a través del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (Fonca).

En este encuentro, los becarios de la generación 2016-2017 presentarán el resultado del trabajo artístico realizado a lo largo de un año. Se trata de una plataforma de interdisciplina y redes de trabajo.

Arquitectos, artistas visuales, diseñadores, escritores, dramaturgos, coreógrafos, compositores y videoastas se darán cita en las distintas actividades, como la exposición Creación en Movimiento 2016-2017, en la que 59 becarios expondrán su trabajo en el Museo de Sitio, la Galería Principal y la Sala 2 del Centro de las Artes de San Luis Potosí.

De esta manera, se concluye el apoyo de la generación número 28 del programa Jóvenes Creadores.

Foto: Noticias SLP.

Please open hurry, de Amalia Pica

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Por GASTV | Noviembre, 2017

La obra de Amalia Pica (Argentina, 1978) se presenta por primera vez en Australia con la exposición Please open hurry. En su trabajo, Pica se ha interesado por explorar las formas de comunicación —verbal y no verbal— y la relación de ésta con el público.

Please open hurry está dividida en dos secciones, la primera dedicada a su obra más reciente: una escultura que surge de sus observaciones sobre las formas de comunicación y creación de herramientas de los chimpancés durante su residencia en el Gashaka Gumti National Park en Nigeria, en 2014. Simultáneamente, se presentan dos videos en colaboración con Rafael Ortega.

La segunda parte de la exposición está formada por las obras comisionadas durante su residencia en el Boulder Museum of Contemporary Art en Colorado, durante el 2017. Con estas piezas Pica continúa las investigaciones relativas al lenguaje y capacidades cognitivas de los chimpancés a la vez que explora la comunicación interespecies.

Please open hurry se presenta en el Institute of Modern Art de Brisbane hasta el 10 de Marzo de 2018.

Imagen: larmagazine.

Ricardo Nicolayevsky: dentro y fuera de cuadro

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Por GASTV | Noviembre, 2017

La Sala de Arte Público Siqueiros presenta dos nuevas exposiciones: Ricardo Nicolayevsky: dentro y fuera de cuadro y Nictinastia, de Johanna Unzueta.

La primera es una retrospectiva del artista Ricardo Nicolayevsky (México, 1961), reconocido principalmente por su obra cinematográfica. La exposición recopila obras desde los ochenta hasta el presente, además de sus trabajos en video se incluyen dibujos, esculturas, escrituras y la comisión de tres performances. Se presentan tres series fotográficas: Lost City, NYC 83 y Lost Portraits, en los que se retratan a diversos grupos de jóvenes de Nueva York y México bajo temas como el uso de drogas, la propagación del virus del VIH en los noventa y la autorepresentación de los cuerpos LGBTQ en el cine experimental mexicano.

Se exhiben también su proyecto literario Mamotreto, los videos Mexican Cinema for Dummies y La vie privée d’un artiste inconnu d’antan, así como una pieza escultórica.

Por otro lado, en la muestra paralela Nictinastia, Johanna Unzueta (Chile, 1974) reflexiona acerca de la historia del trabajo, los procesos, los materiales industriales y los movimientos sociales y culturales vitales del modernismo latinoamericano, así, toma como referencia la obra de Siqueiros para luego desarrollar un Proyecto Fachada en el que presenta un mural escultórico con los materiales artesanales de las sillas Acapulco. Con este proyecto además, la artista plantea una analogía entre la labor humana y la nictinastia vegetal.

Ambas exposiciones están abiertas a partir del 29 de noviembre y hasta el 01 de abril de 2018.

Foto: Almanaque Fotográfica.

Radical Women: Latin American Art, 1960–1985

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Por GASTV | Noviembre, 2017

La iniciativa Pacific Standard Time: LA/LA difunde e integra la obra de artistas latinoamericanos y chicanos en Los Angeles, considerando que gran parte de la población del sur de California está integrada por estos grupos.

Como parte del proyecto, se presenta la exposición Radical Women: Latin American Art, 1960–1985, con el propósito de visibilizar el trabajo de mujeres artistas de origen latinoamericano o bien, nacidas en Estados Unidos pero de ascendencia latina. La muestra está formada por más de 260 piezas fotográficas, video y otros medios experimentales entre las que se encuentran obras emblemáticas de Lygia Clark (Brasil, 1920), Ana Mendieta (Cuba, 1948) y Marta Minujín (Argentina, 1943), así como de artistas menos nombradas como Zilia Sánchez (Cuba, 1928), Feliza Bursztyn (Colombia, 1933) y Leticia Parente (Brasil, 1930).

Con un total de 116 artistas de 15 países latinoamericanos, Radical Women: Latin American Art, 1960–1985 es la primera genealogía de prácticas artísticas feministas y radicales latinoamericanas que busca reconocer el trabajo de las mujeres artistas, así como su importancia en el arte contemporáneo internacional.

La muestra curada por Cecilia Fajardo Hill y Andrea Giunta se exhibe en el Hammer Museum de Los Angeles hasta el 31 de diciembre de 2017.

Imagen: Hammer Museum.

Ecatepec. Sobrevivir la periferia, por Paola Eguiluz

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Noviembre, 2017

La periferia es la hermana incómoda de la ciudad. Es la zona alejada, violenta e incomprendida que deviene en meme en las redes sociales. Pero más allá del estereotipo marginal y la carga kitsch que se le atribuye, la periferia es una realidad que miles de personas experimentamos día con día y que —ya sea a manera de denuncia, sensibilización o simple oportunismo— se ha convertido en un tema recurrente en la producción artística reciente.

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“¡Ya valió verga, saquen sus carteras!”

Para José Fabián Estrada (México, 1988) alias «Perro», eso es Ecatepec: un asalto a las personas. En su libro, compuesto por catorce ilustraciones, Perro retrata la realidad de dicho municipio del Estado de México. Después de varios intentos por reunirnos acordamos, muy a nuestro pesar, vernos en el centro de la ciudad para hablar de la periferia. Una vez superada la ironía del sitio de encuentro, me platica que uno de los detonantes de la publicación fue un robo sufrido hace tres años en Ecatepec.

Al regresar de su trabajo a media noche, un par de sujetos lo despojaron de su celular junto con su mochila. “La gente no sabe lo que es bajarse del camión y tener que correr cuatro cuadras a su casa porque te pueden matar, violar o secuestrar. No imaginan lo que es correr para no morir, lo que es tener que llegar a un municipio en el que todos los días no vives, sobrevives”. La pérdida que más lamentó fue una libreta con treinta dibujos que había realizado mientras cursaba la licenciatura en diseño gráfico y la maestría en ilustración.

A principios de este año, Perro le propuso a Rodrigo Téllez, editor de Ediciones Hungría, retomar la idea del cuaderno y hacer una publicación. La portada del libro es un guiño a Llano en llamas, de Juan Rulfo. Una niña, tras ser violada, huye de su casa en plena lluvia y bajo una densa nube negra que emerge de la quema de pastizales. Una imagen recurrente de la adolescencia de Perro, en la que veía cómo realizaban las quemas controladas a lo largo de las avenidas. “Ecatepec está siempre en llamas. El Estado de México y el país siempre están ardiendo”, comenta. Ese recuerdo del fuego que no se expande es, para él, una alusión a la violencia que es controlada y dirigida por el mismo gobierno.

Todas las ilustraciones son inéditas a excepción de La ciudad y los gatos, el único dibujo que recreó de la libreta robada. La imagen es una estampa de Cuba en la que muestra las similitudes entre el país del Caribe y el municipio mexiquense. “Ecatepec va de lo micro a lo macro. Es sobre mi municipio, México y, a la vez, toda América Latina”. Recuerda que en su última noche de visita en La Habana, un cubano le dijo: “esto es el infierno, es preferible morir en cualquier otro lado que aquí”. Es curioso ver que salir de Ecatepec también es considerado como un logro.

Ha pasado un mes desde que Perro dejó Ecatepec. Ahora vive en el norte de la Ciudad de México y “es de lo más aburrido que he hecho en la vida, no hay perros muertos en las calles, las banquetas están limpias, pintadas de amarillo y tienen lucecitas”, señala. Piensa que lo que más tristeza le provocó al irse de su casa fue sentir que estaba traicionando a su realidad, “que era el que abandonó a su municipio y se fue de ahí porque le sacó. Porque no hay ni dónde cubrirse del sol, porque ni árboles tenemos”. Cuando platica esto en las presentaciones del libro la gente se ríe, “esto no es un chiste, es una realidad de la que muchos se están burlando y tomando a la ligera”.

La página central del libro, que en un inicio fue pensada como portada, aborda un tema del que es inevitable hablar y que encendió los focos rojos en Ecatepec: la violencia de género. Perro retrata una situación de la que fue testigo a sus catorce años y que lamenta por no haber actuado de otra manera más allá de llamar a la policía. Una discusión entre una pareja en un lote baldío dio lugar, minutos después, a esta escena: una mujer joven, semidesnuda, con mordidas, rasguños y con una contusión en la cabeza, abandonada en el suelo. “Años después, me di cuenta de que el primer desnudo que había visto en mi vida, era de una mujer que estaba a punto de ser asesinada por un cabrón”.

Perro reconoce que un libro no hará que los feminicidios y la violencia terminen. Por el contrario, su preocupación es que la publicación se haga atemporal: “no me deja nada tranquilo el saber que estoy haciendo un libro de este municipio y que las cosas el día de mañana, el mes o el año que viene van a seguir igual”. A pesar del panorama desalentador, el hecho de saber que la gente se siente identificada con el libro, lo comente en las redes y suba sus fotos, le da ánimos. Es una pequeña demostración de cómo es posible transformar el terreno de la precariedad en un sitio lleno de posibilidades para la creación.

Con un tiraje de apenas 300 ejemplares, Perro espera que “esos libros estén bien aprovechados y no los tengan güeyes que nada más los van a empolvar en sus libreros o a mamonear en la Roma, la Condesa o Coyoacán”. La idea es mostrar lo que está sucediendo en el municipio y las consecuencias de décadas de políticas fallidas reflejadas en cada dibujo. No debe sorprendernos el éxito que está teniendo el libro, lo que debería llamar nuestra atención es la falta de proyección de las propuestas artísticas provenientes de estas zonas.

Ecatepec es un libro que le rinde tributo al municipio más poblado de Latinoamérica, al sitio del que todos quieren escapar y nunca volver. Es una mención al penoso primer lugar de feminicidios en el país, es un homenaje a los grafiteros y a la gente que viaja más de cuatro horas al día para llegar a su trabajo o escuela. Es una publicación pensada en las personas que generan sus propias estrategias de supervivencia al interior de la periferia y que, además, tienen que lidiar con el estereotipo y las miradas de compasión o sorpresa al decirle a los demás dónde viven. Es una invitación para pensarse como parte de un todo, “es muy triste que nos vean como cosas raras, al final todos sufrimos el mismo gobierno y somos parte del mismo problema”.

Después de tres horas de charla y de pagar cuarenta pesos por un café que en Ecatepec nos costaría cinco, Perro insiste: “el libro es para que las personas lo intervengan, para que se atrevan a colorearlo, a desmadrarlo o a sacarle copias, aunque mi editor diga que no. Este libro no es mío, es de todos”. Es verdad que en la periferia se experimenta de otra forma la ciudad y tratar de explicársela a alguien que no la ha vivido es muy complejo. Sin embargo, el libro que nos presenta Perro es un fuerte ladrido a lo lejos que nos obliga a voltear hacia Ecatepec. Para él, definir la periferia sale sobrando “no sé qué signifique, solo sé que estoy al margen de todo, al borde, y estoy a punto de caer”.

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Imagen: Cortesía del autor.

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Paola Eguiluz (Ecatepec, 1986) es artista, curadora e historiadora del arte. Estudió Artes Visuales en la Universidad Autónoma de Querétaro y la maestría en Historia del Arte (Estudios Curatoriales), UNAM. Actualmente es coordinadora de exposiciones y actividades de formación en Local 21. Espacios Alternativos de Arte.

Animasivo 2017

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Por GASTV | Noviembre, 2017

Animasivo es una plataforma enfocada a fortalecer, difundir y fomentar la producción de la imagen animada en México a través de colaboraciones y proyectos incluyentes, además de promover el networking y la colaboración entre animadores nacionales e internacionales. El Festival de Animación Contemporánea de la Ciudad de México surge en 2008 y en su décima edición se consolida como un espacio de exhibición y difusión del trabajo de autores jóvenes e independientes, así como ser un espacio para la formación, producción e investigación de la animación en colaboración con otras disciplinas.

Su próxima edición se llevará a cabo del 29 de noviembre al 3 de diciembre, con la presencia de los artistas Chris Landreth, Pedro Rivero, Alexander Schellow y Juan Camilo Gonzalez, así como los proyectos nacionales Medusa Lab y LEC (Laboratorio Experimental de Cine), además de los artistas Guadalupe Sánchez Sosa, Carlos Carrera y Arcangelo Contantini, quien presenta Bakteria.org en Museo Tamayo.

Simultáneamente, Animasivo tendrá diferentes actividades, proyecciones, concursos y talleres como Animæntary, proyecto de investigación, difusión y exhibición para películas documentales de animación; y Gif me space, concurso de producción de gifs.

El festival tendrá lugar en diversas sedes como Museo Tamayo, CCEspaña, Goethe Institut, Cineteca Nacional, el Claustro de Sor Juana y la plaza San Jerónimo en el Centro Histórico, aunado a las actividades itinerantes en otros estados. En el sitio web de Animasivo se puede consultar la progrmación completa.

Imagen: Centro de Cultura Digital.

Convocatoria: Pabellón Kiosko

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Por GASTV | Noviembre, 2017

Fundación Alumnos47 fomenta la generación y el intercambio de conocimientos donde se exploran problemáticas actuales a través del arte contemporáneo, es por ello que convoca al concurso para el diseño del Pabellón Kiosko.

Pabellón Kiosko surge como una propuesta editorial y arquitectónica que explora las posibilidades artísticas de las publicaciones fuera de ellas. La iniciativa busca funcionar como punto de encuentro entre el público, la curaduría de publicaciones llevadas este año a la feria de publicaciones de arte I Never Read, las piezas comisionadas que surgirán de los proyectos editoriales y los diferentes proyectos de la fundación.

La convocatoria está abierta a arquitectos, artistas y diseñadores. La convocatoria completa y bases se pueden consultar en el sitio web de Alumnos47.

Foto: form.de

MUTEK, Festival Internacional de Creatividad Digital y Música Electrónica

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Por GASTV | Noviembre, 2017

MUTEK, Festival Internacional de Creatividad Digital y Música Electrónica, tiene como objetivo ser una plataforma para los artistas creativos y visionarios en el campo del sonido, la música, las artes audiovisuales y la tecnología inmersiva. La intención es promover un espacio de iniciación y descubrimiento para el público.

La catorceava edición de MUTEK plantea un propósito y una misión renovados. Bajo una constante autorreflexión el festival tendrá lugar en la Ciudad de México como un vehículo para experiencias multidisciplinarias. La trayectoria de los programas de este año tienen la intención de crear una narrativa distintiva y proveer una apertura hacia los lados más experimentales de la música electrónica y creatividad digital.

El Domo Digital, Auditorio Blackberry, Fábrica y Museo Tamayo son algunas de la sedes en donde las activaciones de MUTEK se llevarán a cabo del 22 al 26 de noviembre de 2017.

Imagen: MUTEK MX.

Picnic Arts Media 2017

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Por GASTV | Noviembre, 2017

Con el objetivo de resaltar la creatividad y talento mexicano, la cuarta edición de Congreso Picnic Arts Media (PAM) se enfocará en talentos emergentes. Así, diferentes creadores de disciplinas como la ilustración, diseño, fotografía, animación y pintura, se darán cita en este encuentro que celebra a la comunidad creativa nacional.

Dentro de los ponentes se encuentra la curadora Enriqueta Arias, la artista Paola Delfín, la ilustradora y artista gráfica Andonella, el estudio Cinema Fantasma, el diseñador gráfico Christian Pacheco, el ilustrador Alejandro Magallanes, el fotógrafo documentalista Pedro Valtierra y el artista urbano Seher One.

El evento es organizado por Revista PICNIC, misma que a lo largo de trece años ha sido una plataforma de apoyo y un medio de difusión para los nuevos talentos. Desde la primera edición de Congreso Picnic en 2014, han participado personalidades como el ilustrador español Joan Cornellá, el ilustrador francés Mcbess y el artista urbano NYCHOS, quienes compartieron sus experiencias dentro del ámbito creativo. Pictoline, Saner y Smithe son algunas de las propuestas nacionales que también han estado presentes.

Congreso Picnic Arts Media sucederá el 25 de noviembre de 2017 en el Lunario del Auditorio Nacional.

Foto: Masaryk tv.

Notas para una educación (económico-) sentimental

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Por GASTV | Noviembre, 2017

La articulación conceptual y formal de las obras reunidas en la exposición Notas para una educación (económico-) sentimental configura una crítica a sistemas económicos de producción y a la manera en que éstos generan necesidades emocionales en los individuos.

Curada por Julio García Murillo, el trabajo de siete artistas mexicanos constituye investigaciones, parodias y anotaciones críticas que visibilizan los continuos vaivenes de la economía, dando cuenta del agitado momento actual, donde el capitalismo contemporáneo ha permeado las esferas afectivas de la condición humana.

Con formaciones artísticas y perspectivas diversas, los artistas reunidos abordan aspectos de la economía global y hacen referencia a movimientos de la historia del arte. Proponen que el individuo construya o reconstruya su propia educación sentimental desde una visión crítica y con base en sus propios deseos y decisiones.

Participan: Cecilia Barreto, Omar Bocanegra, Miguel Camacho, Carmen Huízar, Andrea Medina, Natalia Millán e Israel Urmeer.

Imagen: Celoseda, de Natalia Millán, Youtube.

Delirios urbanos, en El cuarto de máquinas

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Por GASTV | Enero, 2018

El cuarto de máquinas presenta Delirios urbanos, exposición que explora, desde la visión de siete artistas, las maneras en las que se construye la ciudad.

La ciudad crece y se construye sobre valores capitalistas, dando prioridad a la plusvalía y especulación inmobiliaria que podría dejar de lado una verdadera integración urbana, además de la relación empática con sus contextos sociales y ambientales. Bajo este contexto, las piezas de Aníbal Catalán, Blanca González, Operación Hormiga + Jetro Centeno, Circe Irasema, Rolando Jacob, Jimena Schlaepfer y Daniel Ventura fueron creadas ex profeso para la exposición.

De esta manera, la propuesta curatorial de Josefa Ortega invita a reflexionar en torno a las situaciones que implican vivir las ciudades. En paralelo a la exposición, tendrán lugar actividades con Vicente Moctezuma Mendoza, Colectivo GeoComunes y un diálogo sobre el proceso de producción.

Delirios urbanos se presenta en El cuarto de máquinas hasta el 20 de enero de 2018.

Imagen: Cortesía El cuarto de máquinas.

Opinión | Re/vuelta, de Héctor Zamora

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Por Manuela García | Noviembre, 2017

La música de los gestos. Los primeros roces del metal en el hielo. Lento y bajo como una premonición. El sonido suave y casi imperceptible de la nieve que comienza a batirse. La fragmentación de gestos humanos que transforman la materia por medio de su fuerza de trabajo. Es también el sonido lento de una conspiración. Entre el desvaído de los primeros batidos que lento se mecen se divierte la imaginación pensando una revuelta que despierta desde abajo, el ritmo de una unidad que se pertenece. Cuerpos, el llamado de un coro que se organiza, se sabe. El sudor de quienes caminan por las calurosas calles al ritmo lento de las voces que los llaman.

Es una fiesta, una celebración, un concierto de palas, hielo, metal en la madera que amplifican la música de los días. Un momento que sube, nos agita, nos invita a ser parte de ese último eslabón de la revuelta. Baten y cobran. Pagan y viven. Los hombres de la mesa esperan con las palas de madera. Pasa el tiempo, se hace la música y la nieve. Las caras comienzan a cambiar. Sucede. Las sonrisas ya no corresponden a la licencia de cortesía. Se ha creado el momento, compartimos una felicidad. La presencia de otros y el suceder común como condición de posibilidad de lo que no se conoce. Una ficción verdadera. La construcción de un momento que genera un ritual social. Una cohesión que se adhiere a deseos íntimos. Imágenes oníricas que muchos compartimos durante la infancia. Montones de nieve derramada en un plato común. El mismo para todos. Sin prejuicios, sin divisiones. Ellos cantan nosotros comemos. Es como si al batir la nieve se calentara un poco el espíritu de los presentes. Como si la materia que se transforma fuese la nuestra. Elementos compuestos para que suceda un momento. Se suelta, se pone en escena pero no se actúa. Las vueltas de la cubeta en la barrica, los movimientos circulares. A veces se levantan los cantos, a veces se levantan los pueblos, pasa y pasa de nuevo un par de vueltas después.

El batir de la nieve en una composición musical que es segundo auditivo, marca el tiempo del proceso material que tiene un final en lo que se produce. Mirar el proceso es oírlo y dejarse mecer. Re/vuelta sucede y comparte su nombre con la primera exposición retrospectiva de Héctor Zamora en México, en MARCO de Monterrey. La geografía de las piezas se entrelaza. Algo se percibe de la presencia del sur del continente, el silbato del maestro Noel Pavón que basado en músicas populares de Nuevo León se ha dejado permear por la primera experiencia de Re/vuelta, REviraVOLTA, que tuvo lugar en Brasil hace un par de años, aunque nace en las calles de la Ciudad de México, donde el hielo se bate con barrica y cubeta. Muchos años de verlo habrán de consolidar esta idea. La fijaron para luego descomponerla, fraccionarla.

Hay una pieza a unos cuantos metros del lugar del performance, un ladrillo dividido en partes, se trata de 6, de la serie potencialidades. Una escultura que pone en evidencia el procedimiento de separación, desarticulación de la construcción hecha material. Se me ocurre que sería la escultura para comprender la construcción que ha sido llevada a cabo en Re/vuelta. La separación de las partes que ponen de manifiesto el conjunto completo. Como si en algún momento la división del ladrillo pudiera leerse como partitura de los golpes que lo hacen. A esta separación de lo mismo, viene además una concepción de una unidad heterogénea, pues en muchas ocasiones —y Re/vuelta no es la excepción— Zamora pone elementos contrarios dentro de la estructura que compone. Momentos en pugna dentro de sí mismos que intentan ser desatados. Se fracciona la cortesía, el momento utópico de comer en el mismo plato sucede con la misma proporción con la que nunca sucede en la vida diaria. En un país en que no todos comen lo mismo y menos del mismo plato. Donde las maneras de mesa existen como barreras inquebrantables de las clases sociales, la raza pone en evidencia la conquista y la dominación de los pueblos que ahora constituyen la clase trabajadora.

También es la dicotomía palpable entre lo que sucede afuera y lo que se permite en el museo. Siempre el encuentro de dos mundos que no corresponden pero cuyos elementos comunes se hacen evidentes cuando se echa a andar la experiencia, cuando se abre la corriente de las voluntades individuales que reaccionan a una situación determinada, orquestada, compuesta. La puesta en escena de una utopía para revisar nuestro presente.

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Imágenes: Cortesía del artista.