Archivo para el julio, 2017

Entrevista | Antonio Vega Macotela

Posted by

Por Jerónimo Rosales | Julio, 2017

Antonio Vega Macotela me abre la puerta y me invita a pasar. Su departamento, en un quinto piso, es caluroso y sugiere que hagamos la entrevista en la terraza, a pesar de que las nubes anuncian la proximidad de una tormenta. Cuando salimos empieza a llover. Regresamos adentro y mientras me instalo, él se mueve rápido por el departamento, acomodando algunas cosas y cuidando de no tropezar con otras. Se disculpa conmigo, me dice que estaba durmiendo y que no sabía a qué hora sería mi visita.

Su rostro acumula muchos desvelos, ha trabajado como loco los últimos meses y apenas planea darse un descanso. «Me voy de vacaciones una semana», dice, «todo esto ha sido una chinga». Macotela habla sin pausa y con mucha seguridad, golpea las frases de una manera particular, como si estuviera convencido de que lo que dice es real. No especula ni divaga, ríe y sonríe poco, no hay poesía en sus palabras, hay hechos.

Durante la entrevista, su teléfono se ilumina constantemente. Está chateando con informáticos involucrados en Molino de Sangre. «Ahorita que lleguemos a ese tema te explico qué tienen que ver ellos en todo esto», me comenta. Cada tanto interrumpe su discurso para responder a los mensajes, teclea algunas palabras, deja su teléfono sobre la mesa y retoma la conversación sin perder jamás el hilo.

Me llama la atención que detrás de Molino de Sangre se percibe una investigación histórica, política y económica sobre los territorios de la colonia española en el nuevo mundo ¿Cuándo te interesó este tema y porqué?

Me interesa la historia, pero en relación al presente. Específicamente me interesa la economía y el estudio del valor. Para que algo valga, algo tiene que ser sacrificado, la idea judeocristiana del valor exige el sacrificio. Se le llama molino de sangre a aquellos molinos que se propulsan con trabajo físico. Los molinos de viento utilizan el viento, los de agua el agua, pero los molinos de sangre se instalaban en lugares donde no había otro recurso y operaban con el trabajo de animales o humanos.

En principio, me interesó el molino de sangre de Bolivia por su ubicación, la ciudad de Potosí estaba a cuatro mil metros sobre el nivel del mar y de ahí salió la mayor parte de la plata que hubo en Europa. En segundo lugar, me enfoqué en su historia, era muy difícil de operar. Por la altitud a la que estaban, lo hacían humanos, esclavos negros principalmente, porque los animales morían en aquellas condiciones. Me interesa la transformación de la carne del esclavo y del conquistado —de quien ya no es sujeto sino objeto— en la cara del rey, que se imprimía en la moneda, el resultado del trabajo. Entendamos que toda moneda es un instrumento de estado para demostrar su territorio.

Me interesa la forma en que creamos el valor. El molino de sangre es una metáfora de cómo sigue funcionando el sistema económico. El capital se produce a través del sacrificio y la transformación de recursos naturales o humanos, el único fin del capital es reproducirse a sí mismo. El capital es como la plaga gris (grey goo), una hipotética máquina nanotecnológica apocalíptica cuyo propósito es reproducirse a sí misma comiéndose todas las cosas que encuentra a su paso. El capital es muy parecido, el dinero, en tanto tecnología humana, es el común denominador de cualquier cosa, es decir, cualquier cosa se puede traducir en dinero. La tragedia de esto es que, como en el caso del Rey Midas, el dinero sólo sirve para los humanos; no puede ser reintegrado a la naturaleza de ninguna otra manera, es decir que nos estamos comiendo el mundo con el fin de transformarlo en capital.

Al igual que el arte, la economía funciona como un sistema de abstracciones. El molino de sangre funcionaba como eso, abstraía la carne del esclavo en monedas, en dinero, en un instrumento de estado, un instrumento simbólico de poder. Actualmente, el sistema económico sigue funcionando así, pero ahora son los bancos centrales los que transforman el mundo en capital.

¿En qué momento decidiste que Molino de Sangre sería la pieza que presentarías en documenta? Cuéntame sobre el proceso de selección.

Fui invitado en 2014 por Adam Szymczyk, director artístico de esta edición. Estuvimos planeando por algún tiempo lo que haríamos. Fue un proceso largo, pero la idea de hacer Molino de Sangre fue cobrando forma en 2015, cuando Eduardo Thomas, Nina Höchtl y Erick Beltrán generamos la parte teórica del proyecto. A principios de 2016 empezamos a construirlo, con ayuda de Relojes Olvera, en Puebla, y para la parte digital me apoyé con el equipo de Creative Chain, en España.

Molino de Sangre se instaló afuera de L’Orangerie, espacio donde hay muchos instrumentos mecánicos producto de invasiones y de la colonización. Adam Szymczyk pensó que la pieza funcionaría muy bien en ese contexto. Fue instalada sobre cimientos de concreto para darle estabilidad, la estructura mide 7 metros de altura y la parte donde se opera está a nivel del suelo, arriba están las ruedas y el sistema que acuña las monedas.

El gesto del esfuerzo físico ha sido una constante en tu trabajo. En un aspecto formal y procesal, ¿cómo funciona la pieza y de qué manera se activa?

Este no es el molino de sangre que existió en la época de la colonia, este es otro, que construimos para documenta y evidentemente no está impulsado por esclavos ni por animales, sino por turistas y visitantes. El significado cambia y por lo tanto, produce diferentes cosas: por cada moneda metálica que acuña, Molino de Sangre crea una criptomoneda.

De acuerdo con algunas notas publicadas, tenía entendido que Molino de Sangre crea Bitcoins.

No, eso dicen porque no conocen el tema de las criptomonedas. Una criptomoneda o cryptocurrency no necesariamente es una Bitcoin, pero la Bitcoin sí es una criptomoneda. Sin embargo, existen muchísimas criptomonedas. La criptomoneda es dinero que no está producido por un banco central, sino por individuos particulares desde sus computadoras.

Al poder de procesamiento más el gasto de energía se le llama Hash Power. El poder que inviertas y la energía que gastes definirá la cantidad de criptomonedas que vas a obtener o «minar». Para minar criptomonedas necesitas un poder de procesamiento muy grande. Por eso si te quieres poner a minar Bitcoins con tu computadora Pentium, mucha suerte, minarás 0.0001 Bitcoins en un mes.

Ahora bien, ¿porqué una moneda de a peso tiene valor?

No sabría cuál es la respuesta correcta, pero diré que tiene valor porque se lo asignamos.

Exactamente. Una moneda de a peso tiene valor porque todos estamos de acuerdo que eso vale. ¿Cómo creas acuerdo entre un grupo de personas para decir que algo vale? Allí es donde entra en juego la Blockchain.

Blockchain es como un notario público: registra todos los movimientos y crea un nuevo «bloque» cada determinado tiempo. Este bloque señala todos los movimientos que se hicieron durante ese período: cuánto dinero se creó, cómo se movió, cómo se gastó. A diferencia de los bancos normales que tienen información privada que no comparten con nadie, la Blockchain te permite ver en tiempo real cómo se están moviendo las criptomonedas y cuántas hay en cada cuenta. Lo único que no sabes es quién posee cada cuenta.

Cuando minas criptomonedas, todos los usuarios conectados a la Blockchain llegan a un consenso y acuerdan que gastaste cierta cantidad de Hash Power y por lo tanto obtuviste una fracción determinada de criptomonedas. En el caso de la Bitcoin, la cantidad de dinero que se puede minar es finita, hay un tope máximo de 21 millones de Bitcoins. Creo que ahora van por los 10 millones, cada hora se crean 10 o 15 de ellas y cada una vale tres mil dólares más o menos, pero cuando lleguen al límite no se podrán minar más Bitcoins.

Así funciona el sistema de criptomonedas, es capitalista pero tiene otro giro, no centralizado.

¿Tú tienes Bitcoins?

Sí, por ahí tengo mi cuentita. Porque de hecho la necesitamos para este proyecto.

¿Cuántas Bitcoins tienes en tu cuenta?

Eso no lo voy a decir. Esa es la capacidad que tiene la Bitcoin, podemos saber dónde está el dinero pero no quién lo tiene. Lo que es importante porque la privacidad de la gente tiene que ser respetada.

Entonces, Molino de Sangre no genera Bitcoins…

No, Molino de Sangre crea una criptomoneda llamada Theio. El nombre es la unión de theo que significa sagrado, sangre, sacrificio y Tio, que es el dios de la mina en Bolivia.

Por cada moneda metálica que se acuña, Molino de Sangre crea una criptomoneda. Estas monedas metálicas son como el gold standard, el patrón oro, que antes de la década de los setenta era lo que sostenía cada moneda.

Los visitantes operan el molino, el molino acuña una moneda metálica que cae por un embudo. Cuando cae, pasa por un sensor que la registra y manda la señal a dos computadoras —que también están en el molino— para que empiecen a minar Theios. Tenemos un bot que nos avisa cada vez que se crea una criptomoneda. Por ejemplo, justo ahora llevamos acuñadas 4,300 monedas metálicas y 4,279 Theios minados. La cuenta de los Theios va un poco atrasada porque minar monedas digitales es tardado y requiere mucho Hash Power. De hecho, el bot también nos indica la temperatura de cada máquina porque minando criptomonedas los procesadores de una computadora están trabajando al máximo.

Originalmente las computadoras que minan los Theio iban a estar lejos del molino, pero nuestros asesores tecnológicos dijeron que esa idea era poco elegante, pues el objetivo era que el molino mismo minara las monedas.

Por lo general cuando produces una criptomoneda generas millones de monedas, nosotros vamos a producir muy poquitas, porque sólo produciremos durante la documenta. Vamos a producir 30,000. Como habrá pocas criptomonedas esperamos que cada una sea muy cara.

¿Cuál es el promedio de monedas que Molino de Sangre genera por día?

Podríamos producir dos o tres mil al día, si quisiéramos. Pero el problema es que tenemos muy pocos cospeles, que son las monedas de metal en blanco, sin acuñar. De hecho ahora voy a mandar una carga de otros cuatro mil cospeles.

¿De qué son las monedas?

De aluminio, pero no importa el metal, la creación del valor no depende de eso, incluso si fueran de plástico o cartón. Estas monedas tienen valor porque en tanto fueron producidas en documenta son infalsificables, hay un consenso sobre su valor. No importa el material de las monedas, la idea es aprovechar todo el sistema institucional de documenta para extraer valor.

Los turistas que activan el molino y generan la moneda además de quedarse con la monedita metálica…

No se quedan con nada.

¿Ni con la monedita?

No, ni con la monedita. Es muy chistoso porque hay colas de turistas deseosos de mover el molino y lo único que ven son los engranajes moviéndose y la moneda acuñada cayendo por un tubo transparente a una caja fuerte y listo. No se quedan con nada.

¿Qué pasa con las monedas metálicas?

Caen por el embudo y se depositan en una caja fuerte. Cuando acabe documenta voy a destruir públicamente los sellos que acuñan las monedas y un notario las va a contar, luego las llevaremos al Deutsche Bank o al banco de Kassel para que estén ahí guardadas para siempre. Así los inversores que compren Theio sabrán que su inversión estará respaldada con las monedas metálicas creadas en documenta.

Tu propuesta para documenta es generar valor a través de un molino de sangre impulsado por turistas voluntarios ¿No has tenido problemas con alguna institución?

Hasta el momento no, pero ya veremos qué sucede. Cualquier cosa que pase generará una discusión. Finalmente documenta crea valor para la propia institución, para los artistas y para Kassel.

¿Qué sucederá con las criptomonedas producidas por Molino de Sangre?

Cuando se crean criptomonedas es común hacer algo que se llama ICO o Initial Coin Offer. La ICO es poner una parte de las criptomonedas en el mercado para su preventa, ahí los inversionistas las compran a un precio más bajo. Por lo general una ICO exitosa vende el equivalente a nueve millones de dólares. Nuestra ICO empieza pasado mañana, por lo que pronto empezará la especulación financiera.

¿Y cuáles son tus pronósticos para la ICO?

No tengo idea, es la primera vez que hago esto.

¿Qué harás con el dinero de la ICO?

La primera idea fue darles las ganancias a los mineros, pero sería demasiado paternalista, y dárselo a documenta sería una chingadera.

Pensamos que lo mejor sería convocar a un cónclave que reúna a un representante de cada equipo que formó parte del proyecto. Este cónclave definirá el destino de la pieza y lo que haremos con el dinero. Mi idea es que sea una reunión de gente del sur.

Escogí la palabra cónclave porque tiene relación con la historia de Kassel. Después de la Segunda Guerra Mundial, en Kassel se reunieron los banqueros nazis con los banqueros estadounidenses y juntos delinearon la nueva economía alemana. El nuevo marco, el Deustsche Mark, fue creado allí. Pero el cónclave que nosotros vamos a organizar no será de banqueros nazis ni aliados, sino de gente del sur que intervino en la creación de Molino de Sangre.

No sé a dónde nos llevará el proyecto. Hay cosas que puedo controlar y cosas que no, por ejemplo, todavía no sé cuándo sucederá el congreso, aunque espero que sea en un par de meses. Me gustaría que la sede fuera México, pero eso depende de cómo nos vaya en la ICO. También me gustaría invitar a algún representante de documenta, podría ser Anette Kulenkampf, Paul Preciado o Adam Szymczyk.

En esta ocasión documenta también sucede en Atenas, capital de un país muy golpeado por la crisis económica ¿Te hubiera gustado presentar Molino de Sangre allá? Pienso que en Grecia el gesto podría tener un desdoblamiento distinto.

No, lo que me interesa es extraer valor de los alemanes, no de los griegos. Y por eso la pieza está emplazada enfrente de L’Orangerie, sitio en el que se juntan a cenar coleccionistas y gente importante. Ahí fueron los presidentes de Alemania y Grecia a inaugurar documenta, justamente ambos crearon la primera criptomoneda de Molino de Sangre, hicieron el primer Theio. Creo que son los primeros presidentes que hacen una criptomoneda.

Son todas mis preguntas ¿Hay algo más que quieras añadir?

Quisiera hablar de los colaboradores, Creative Chain y Relojes Olvera, que no han recibido la atención que merecen.

Creative Chain es un grupo de profesionales informáticos que tienen varias empresas, en una de ellas cambian Bitcoins por dinero común: euros, dólares, pesos… y tienen varias empresas de seguridad informática. Viven en medio de las montañas de Castellón, en España. Ahí se juntan y hacen varios productos y experimentos, crean bots y un chingo de cosas. Creative Chain no tiene una agenda política como tal, son piratas en el sentido más romántico de la palabra y prestan sus servicios a quienes quieren.

Por su parte, Relojes Olvera produjeron la escultura del molino. Creo que son los únicos que lo pudieron haber hecho en el mundo, se dedican a hacer relojes monumentales y están en Zacatlán, Puebla. El fundador es un señor que empezó desde cero, con un taller muy pequeño y herramientas caseras, ahora producen a nivel internacional. Ellos reconstruyeron, a partir de planos antiguos, el molino de sangre de Potosí. Son una maravilla.

Foto: Antonio Vega Macotela, Molino de Sangre. L’Orangerie,Kassel, Alemania. 2017 | Cortesía de LABOR y el artista.

Interludios Caminata: Taller Tornel

Posted by

Por GASTV | Julio, 2017

El próximo jueves 13 de julio, Taller Tornel estará a cargo del siguiente recorrido de Interludios Caminata.

Se tratará de un recorrido un tanto desordenado por el barrio de San Miguel Chapultepec, en el que buscarán detenerse en algunos puntos geográficos a través del azar del destino y reconociendo las cosas que suceden en la colonia: contexto histórico, arquitectura, botánica, escondites, galerías, encrucijadas urbanas, cafés, fondas, modernidad y talleres.

Los puntos a visitar serán el edificio multifamiliar moderno en la calle Juan Cano, el templo Hare Krishna en Tiburcio Montiel, la casa con fachada diminuta en Ceballos y la cerrada de Protasio Tagle.

Taller Tornel se trata de un espacio de amplio espectro que ha generado comisiones especificas, colaboraciones arquitectónicas, producción de piezas de arte con múltiples artistas, talleres educativos en universidades y museos, exposiciones, revistas, objetos útiles y decorativos y mantenimiento de colecciones privadas.

Para inscribirte en la caminata es necesario escribir a interludios@liga-df.com con tu nombre completo y un número de contacto.

Foto: Taller Tornel.

Insurrecciones, de Viviana Martínez

Posted by

Por GASTV | Julio, 2017

La galería Apollinaire del Centro Cultural Bretón en Guadalajara, presenta Insurrecciones, de Viviana Martínez. Muestra que incluye pinturas, esculturas, archivos impresos e instalaciones que hablan sobre las diferentes estrategias que utilizan algunos grupos de insurrección y rebeldía ante la forma en que ejerce el poder el Estado.

La artista muestra cuatro hechos sociales de la historia contemporánea de nuestro país en los que la rebeldía estuvo cerca de la criminalidad, en un intento de invertir los valores imperantes: el “Tlajomulcazo”, una represión realizada a los asistentes de una fiesta electrónica en 2002; el arresto de 39 globalifóbicos durante la cumbre de jefes de estado de 2004 en Guadalajara; las manifestaciones y detenciones que tuvieron lugar durante la toma de poder de Enrique Peña Nieto en 2012, así como la represión que se suscitó en las manifestaciones que exigían respuesta frente a la desaparición de 43 estudiantes de Ayotzinapa.

Con sus obras, Martínez invita al espectador a preguntarse ¿Qué posibilidades tenemos de imaginarnos una nueva forma de organización social? ¿Podremos huir de la violencia que vivimos día a día ¿Deberíamos enfrentarnos a los otros para defender nuestros derechos y nuestras aspiraciones?

Insurrecciones, de Viviana Martínez estará abierta hasta el 14 de julio 2017.

Foto: Cortesía de la artista.

Sam Durant en Miércoles de SOMA

Posted by

Por GASTV | Julio, 2017

Sam Durant (Seattle, 1961) es un artista cuya obra se desarrolla en medios digitales y en escultura. Su práctica aborda problemas sociales, culturales y políticos del mundo contemporáneo. A través de referencias a la historia de Estados Unidos, busca explorar las relaciones entre cultura y política expresados en movimientos sociales, tales como manifestaciones y demandas de derechos humanos.

Una de sus obras más importantes es Scaffold, escultura interactiva y arquitectónica, recientemente exhibida en el Walker Art Center Sculpture Garden. La pieza está compuesta por las representaciones de siete horcas utilizadas en ejecuciones significativas para la historia de Estados Unidos. La reacción de la población local de Dakota, le permitió al artista percatarse sobre que “la historia no es una abstracción y el arte no es representacional o simbólica; es material y espiritual, real y presente”.

Sam Durant estará el próximo 12 de julio en Miércoles de SOMA para hablar sobre los orígenes, el desarrollo y los proyectos que tiene para esta pieza en particular.

¿PARA QUÉ?, en PARQUE Galería

Posted by

Por GASTV | Julio, 2017

PARQUE Galería presenta ¿PARA QUÉ?, exposición colectiva en la que participan Beatriz Olabarrieta, Enrique López Llamas, Juan Caloca y María Sosa. Cada uno de los artistas responde a través de sus obras a la pregunta: ¿el arte para qué?

El texto de sala, redactado por el filósofo Luciano Concheiro, deja en claro la cuestión a través de la cual se articula la exhibición: “Cuando ya todo se descompuso; cuando vivimos —literalmente— rodeados de muertos; cuando unos cuantos individuos poseen más que la inmensa mayoría de la sociedad en su conjunto; cuando la especulación y la espectacularización dominan; cuando las obras de arte funcionan como activos financieros y sus nuevos espacios son los puertos francos libres de impuestos, zonas extraterritoriales y de tránsito, o las mansiones amuralladas: cómo no preguntarse una y otra vez, insistente y obsesivamente: el arte, para qué? . para qué?. para qué? . para qué? . para qué? . para qué?, . para qué?, . para qué?, . para qué?”

Frente a ello, Beatriz Olabarrieta aborda el tema del tiempo; Enrique López Llamas señala el papel del artesano ante el del artista y la complicidad inherente en el consumo y producción de objetos simbólicos; Juan Caloca pone en evidencia la pérdida de la soberanía nacional; por su parte, María Sosa, visibiliza a los pueblos indígenas mexicanos.

La exposición se inaugura el 13 de julio  y permanecerá abierta al público hasta el 15 de septiembre de 2017.

Imagen: Cortesía PARQUE Galería.

Interludios Caminata: ATEA

Posted by

Por GASTV | Julio, 2017

El próximo viernes 7 de julio, ATEA (Arte, Taller, Estudio, Arquitectura) realizará el recorrido correspondiente dentro del ciclo Interludios Caminata. En esta ocasión, se visitará el barrio de La Merced, uno de los más antiguos de la Ciudad de México: durante el Imperio Mexica fue conocido como barrio de Teopan (el lugar del dios) y durante la época colonial como San Pablo Teopan.

ATEA es una plataforma multidisciplinaria de producción y experimentación que invita a la reinvención de imaginarios comunes dentro del espacio urbano. En La Merced, un barrio estigmatizado por medios de comunicación como un espacio peligroso y de prostitución, ATEA busca destacar los procesos de producción y cuestionar los modelos actuales de consumo a través de exhibiciones, talleres, residencias, prácticas e investigaciones de carácter artístico y arquitectónico.

La caminata comienza a las 16:00 hrs. y tendrá como punto de partida Metro Merced. Para participar, envía nombre completo y número de contacto a: interludios@liga-df.com

Christian Becerra y Alberto Odériz en Luis Adelantado

Posted by

Por GASTV | Julio, 2017

Galería Luis Adelantado presenta Que se haga justicia aunque se derrumbe el cielo, de Christian Becerra (Ciudad de México, 1985) y La inexplicable roca de Alberto Odériz (España, 1983).

En su muestra, Becerra reflexiona sobre las implicaciones de la migración y utiliza el valor simbólico de los documentos oficiales como punto de partida para su propuesta gráfica. A través de collages, el artista mutila y resignifica cientos de documentos oficiales como papel moneda y pasaportes. Las creaciones finales se contraponen con testimonios de secuestro de migrantes del sur del país y tienen referentes en elementos gráficos emblemáticos, como los escudos de las Fuerzas Especiales del Ejército Mexicano, los escudos de la Policía Federal y otros elementos simbólicos de carácter histórico e ideológico.

Por su parte, en La inexplicable roca, Alberto Odériz muestra series escultóricas, dibujos y collages. El artista también incorpora objetos encontrados y materiales ensamblados, con lo que pone en evidencia una intervención que vuelve a significar al objeto. Su trabajo tiene como premisa que las primeras obras humanas no fueron construidas o creadas, sino encontradas. El primer acto creativo fue reconocer la singularidad de algunas obras de la naturaleza; el segundo, subrayarlas mediante una escultura, una pintura, un ritual o una peregrinación.

Ambas exposiciones individuales se inauguran el 13 de julio de 2017.

El pase de diapositivas requiere JavaScript.

Foto: Cortesía Luis Adelantado.

Cristina Paoli y Amor Muñoz en MUCA Roma

Posted by

Por GASTV | Julio, 2017

El Museo Universitario de Ciencias y Arte (MUCA Roma) presenta las exposiciones Rótulos México, de Cristina Paoli, y Yuca_Tech / Oto_Lab: Energía hecha a mano, de Amor Muñoz. Ambas muestras reflexionan las implicaciones del cruce entre oficios, como el de rotulista y artesano, con disciplinas como el diseño gráfico y el arte electrónico respectivamente.

Cristina Paoli (Ciudad de México, 1980) centra su investigación en lo que el oficio de rotulista aporta a la historiografía del diseño gráfico en México. Para esta muestra, contará con la colaboración de seis maestros rotulistas quienes compartirán sus conocimientos a través de impartir un taller que tiene como objetivo realizar una obra colectiva.

Por su parte, Amor Muñoz (Ciudad de México, 1979) busca generar empoderamiento social en diferentes sectores, a través de un proyecto artístico interdisciplinario de corte social y utilizando recursos low tech. Es el caso de su colaboración con artesanas de Yucatán, quienes ahora utilizan principios básicos de ingeniería electrónica para sus producciones. Como parte de su exposición, Muñoz impartirá un taller de cocinas solares abierto al público en Huerto Roma Verde.

Rótulos México y Yuca_Tech / Oto_Lab: Energía hecha a mano se exhiben hasta el 29 de octubre de 2017 en MUCA Roma.

Foto: yuca-tech.tumblr.com

Studio visit | Dulce Chacón

Posted by

Por Esteban King Álvarez | Julio, 2017

Lo primero que veo al entrar al estudio de Dulce Chacón (México, 1976) es una cámara antigua, de grandes proporciones y carácter escultórico. Una portentosa estructura de madera detiene un fuelle que ostenta de un lado un gran lente y del otro, un marco para colocar las viejas placas. Sobre éste, observo una inscripción que anuncia el nombre del modelo y fabricante: se trata de una cámara NOBA, confeccionada en Monterrey por Espino Barros e Hijos en los años cincuenta o sesenta. En la conversación, me entero que el aparato perteneció a la abuela de la artista y luego a su madre.

Desde la generación del bisabuelo, toda la familia de Chacón se dedicó a la fotografía comercial. Si no fuera por el advenimiento de la Polaroid y las fotografías instantáneas, ella habría heredado el negocio. Ahondando en su linaje fotográfico, no deja de sorprenderme que su abuela, en una época donde las impresiones a color existían sólo en las novelas de ciencia ficción, se haya dedicado a colorear con óleo fotografías en blanco en negro para trasladarlas al universo cromático.

Curiosamente, lejos del tiempo de los estudios fotográficos y las cámaras antropomorfas, en una época bombardeada por imágenes y en la cual es asunto cotidiano cargar con una cámara móvil en el bolsillo, Chacón realiza casi la misma operación que llevaba a cabo su abuela, pero en un proceso inverso: pinta y dibuja imágenes fotográficas (que dejan entonces de ser fotografías) como una manera de ralentizar y pensar las imágenes en el mundo contemporáneo.

A lo largo de su carrera, la artista se ha dedicado, sobre todo, a los ámbitos pictórico y dibujístico. Por lo general, sus obras provienen de referentes visuales que circulan en Internet, periódicos o libros impresos. En el cuarto donde trabaja, me va mostrando sobre un restirador distintas piezas. La primera serie pertenece a dibujos en los que aparecen extraños artefactos para amplificar el sonido. Se trata de dispositivos de diferentes magnitudes desarrollados en el siglo pasado para escuchar aviones a distancia. Antes de la invención del radar, la solución para escuchar más lejos fue construir orejas más grandes. Esto derivó en máquinas excéntricas, hoy obsoletas, que parecen tomadas más de una novela gráfica de ciencia ficción que de la historia europea del siglo XX.

Precisamente, el imaginario de la ciencia ficción permea todo el trabajo de la artista. Sus primeros acercamientos ocurrieron gracias a directores como Kubrick y Ridley Scott, así como a la amplia gama cinematográfica de viajes extraterrestres y mundos futuros. Al igual que el David Bowie de Space Oddity, Chacón es una entusiasta de las misiones Apollo y la literatura de J. G. Ballard. Sin embargo, de entre todos, prefiere a Stanislaw Lem —el autor, entre otras, de Solaris; esa novela espacial y fantasmagórica que Tarkovsky llevó al cine de forma deslumbrante. Gracias a la experiencia de los países socialistas, Chacón me comenta, Lem desarrolló una capacidad distópica radicalmente diferente a la de la mayoría de autores de ciencia ficción en lengua inglesa.

Ahora bien, aunque este género es ineludible en su trabajo, sus dibujos se mueven en un terreno pantanoso, donde la añeja y cada día más inoperante distinción entre “realidad” y “ficción” muestra toda su pobreza. Como los dibujos Localizadores de sonido, trabajos donde aparecen astronautas, naves espaciales y aviones, muchas veces en medio de explosiones o como parte de una paisaje post-apocalíptico, parecen tomados del imaginario sci-fi. Sin embargo, la mayor parte de las imágenes provienen de fotografías históricas que circularon profusamente en los medios de comunicación.

Cuando le pregunto por la técnica que utiliza, Dulce se alegra y saca de un cajón una caja que contiene a su vez numerosas cajitas cuidadosamente diseñadas y adornadas con ideogramas orientales. Dentro de cada una hay una barra de tinta rígida, y cada barra tiene una forma diferente y un relieve ornamental propio. En detrimento de la tinta líquida, que resulta en acabados brillantes, Chacón utiliza la japonesa Sumi-e porque permite generar superficies opacas y de cualidad mate, que provocan una sensación de profundidad. De igual forma, esta técnica le posibilita jugar con los accidentes, pues el resultado preciso de cada aplicación tiene algo de azaroso, perceptible solamente cuando la tinta está seca. Al observar de cerca los dibujos, me doy cuenta que el Sumi-e les da un efecto cinético mucho más natural a los armatostes espaciales que atraviesan la atmósfera, surcan las nubes o son víctimas de una explosión.

Junto con los dibujos, la artista me muestra Zenith, un libro que editó recientemente con S-ediciones. Se trata de un proyecto narrativo que traslada a dibujos el video que documenta el salto que hizo el paracaidista Felix Baumgartner desde la estratósfera, en el año 2012. El brinco, que en su momento fue el evento transmitido en vivo por Internet con mayor número de espectadores, fue registrado por numerosas cámaras de foto y video. Junto con los aparatos ubicados en tierra, el suceso fue grabado desde un helicóptero y a través de dispositivos ubicados dentro y fuera de la cápsula desde la que Baumgartner, con traje de astronauta, se arrojó al vacío. Además, el paracaidista llevaba 7 cámaras Go-Pro en diferentes partes del cuerpo que permitieron obtener perspectivas inimaginables. Se observa, por ejemplo, el casco que va en picada hacia la curvatura de la tierra, o uno de sus pies que apunta hacia la masa obscura del espacio. Los dibujos de Chacón, publicados en formato editorial, permiten meditar sobre los cambios radicales que conllevan las tecnologías de la visión e invitan a reflexionar sobre imágenes espectaculares que han sido vistas por 20 millones de personas en Youtube.

Al final de la visita, volvemos a quedarnos un rato platicando junto a la cámara NOBA. Chacón me explica que el aparato todavía funciona. A diferencia de la vertiginosa obsolescencia de los dispositivos fotográficos actuales, esta NOBA de mediados del siglo pasado seguirá funcionando por varias décadas más. En ese momento me termino por convencer de que el aparato, que sigue capturando mi atención y robándome la mirada, funciona como una especie de síntesis de las preocupaciones centrales de su obra: los cambios tecnológicos, la imagen fotográfica y la ciencia ficción.

Si hubiera que cifrar en un solo signo el trabajo de Dulce Chacón, ese signo sería la cámara NOBA que reposa paciente, portentosa, en la sala de su estudio.

Para conocer más del trabajo de Dulce Chacón.

Imágenes de obra: Cortesía de la artista.

Expandir los espacios del arte. Helen Escobedo

Posted by

Por GASTV | Julio, 2017

El Museo Universitario Arte Contemporáneo (MUAC) presenta Expandir los espacios del arte. Helen Escobedo en la UNAM (1961-1979). Se trata de un ejercicio curatorial realizado por Elva Peniche y Clara Bolívar a partir de un trabajo de investigación documental sobre la obra de la artista Helen Escobedo (Ciudad de México 1934–2010).

La exposición se enfoca en la faceta de Escobedo como gestora cultural dentro de la UNAM, a cargo de dependencias de la Dirección General de Difusión Cultural, como el Departamento de Artes Plásticas y el Departamento de Museos y Galerías. Desde estos espacios, la artista realizó una intensa labor en la programación de exposiciones internacionales, en la promoción de arte nuevo y en dar prioridad a prácticas artísticas latinoamericanas. También apostó por difundir el performance y el arte conceptual, expresiones no usuales en ese entonces en México.

Los documentos seleccionados por las curadoras estarán en diálogo con obras de la colección del MUAC integradas durante la gestión de Escobedo y con materiales audiovisuales provenientes de la Filmoteca, Radio Universidad y del Instituto de Investigaciones sobre la Universidad y la Educación (IISUE) de la UNAM.

Expandir los espacios del arte. Helen Escobedo en la UNAM (1961-1979) estará en exhibición hasta el 29 de octubre de 2017.

Imagen: MUAC.