Archivo para el agosto, 2016

Venecia a la vista/Démosle otra pensadita, por Víctor Palacios

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Por Víctor Palacios | Agosto, 2016

“A lo que haz de hacer no digas cras, pon la mano y haz”.

 Refrán medieval.

En el Altar a la Patria, cada mes de agosto, acontece la misma acción; un escuadrón de hombres compuesto por civiles y militares arriba de manera cronométrica para realizar, durante varias semanas, diversas labores de mantenimiento: pulen, pintan, resanan, restauran, limpian, ajustan, tallan, pulen y repulen cada milímetro cuadrado del monumento inaugurado hace sesenta y tres años. De tal forma, para el 13 de septiembre, día en que se conmemora a los Niños Héroes y al General Felipe Santiago Xicotencatl, todo luce como esperado y la blancura del mármol ciega a su máxima capacidad. Los disparos y el discurso encuentran un digno y palpitante eco: ¡La patria se hace presente! Está ahí, coqueta y perene. Todo sigue igual y cada elemento de la maquinaria funciona con precisión; los estallidos, los pasos redoblados, el gel transparente, las plumas de las águilas, la melodía y las llamas. Los infantes brincan de empacho y el arte de Aragón y Tamariz aparece intacto en el horizonte. No hay, en sus alrededores, edificios “H” que le estorben ni pequeñas o monumentales demoras en las tareas programadas. Luce cual estrambótico merengue.

Imagino que el día 13 del mes de septiembre tiene un gran círculo rojo en el calendario de los militares pero también lo tiene el día 13 de agosto, jornada aproximada en que inician las labores señaladas. Existe una noción del tiempo y de lo que en un lapso determinado se puede realizar. Un mes, es un mes y durante un mes ciertas cosas se pueden hacer, y otras, por extraño que parezca, no. Rarezas.

Tic-tac, tic-tac, tic-tac.

¿Cuánto tiempo se necesita para concebir y realizar adecuada y profesionalmente  un pabellón nacional en la célebre Bienal de Venecia? Está claro que para los funcionarios públicos encargados de gestionar dicha producción-representación la respuesta a la pregunta debe ser algo parecido a un rotundo y elocuente: “depende”. Está claro también que en sus calendarios este evento no ha merecido, desde hace ya varios años, una mancha escarlata pues, de una u otra forma, las cosas siempre acaban saliendo…y la administración de la cultura y las artes no tiene porque ser precisa ni rigurosa sino caprichosa, azarosa e inexacta. Si no hay prisa no hay chiste ni adrenalina. ¿Cuál es tu prisa? Si entre más apresurados estemos mejor nos la pasamos todos y hasta mejor nos acaban saliendo las cosas, ¿no?

¡Si algo tenemos, es tiempo!

La situación y la inoperatividad de los responsables involucrados en determinar quien o quienes representarán a México en la próxima edición de la Bienal de Venecia es tremendamente penosa e inverosímil. ¿Qué sucede en sus cultas cabezas? ¿Por qué son incapaces de echar a andar el proyecto a tiempo como lo hacen muchos otros países? ¿Qué tipo de trabajo o pesquisa están haciendo ahora mismo para tomar una decisión sobre el futuro de este compromiso en puerta? ¿Qué esperan? ¿Dónde está el dilema, el conflicto? Una bienal se llama así porque es un evento que sucede cada dos años y, por ende, todos los involucrados saben de cuánto tiempo disponen para organizar su siguiente participación. No hay misterio, ni engaño ni interpretaciones subjetivas. Esto no es una cuestión de creatividad. El tiempo, según Usain Bolt, es algo concreto y cada milésima de segundo es igual a la otra. Exactamente igual.

¿Entonces? Tic-tac, tic-tac-tic-tac. ¿Sus salarios llegan a tiempo? ¿Qué tipo de aparatos utilizan en la Secretaría de Cultura para contar los minutos? ¿Cuál será la última fecha límite que se han impuesto para determinar quien o quienes serán los elegidos? ¿Cómo será el proceso en esta ocasión? ¿Qué lugar ocupa esta responsabilidad en su lista de pendientes? Espejos, espejitos plásticos por ambos costados. ¿Por qué no hacen su trabajo…a tiempo? El retraso -es ya-ya es- del tamaño de una gran nación.

Yo procrastino, tú procrastinabas, él procrastinaría… vosotros procrastinéis. Según Wikipedia la procrastinación es «un trastorno en el comportamiento que tiene su raíz en la asociación de la acción a realizar con el cambio, el dolor o la incomodidad». Procrastinar (lo sé, es una verbo de moda) es el habito de retrasar actividades que deben atenderse, sustituyéndolas por otras irrelevantes o… agradables. El trastorno de las autoridades en el caso veneciano es grosero, es bajo. La acción que deberían realizar se aplaza y se vuelve a aplazar en detrimento del proyecto que llegue a seleccionarse, sin ningún tipo de recato o explicación. Simplemente, hoy no y mañana tampoco. Desconozco si asocien al pabellón de México con el dolor o sea pura incomodidad lo que les lleva a la corrupta procrastinación. Por otro lado, la posibilidad de una transformación les debe aterrar. ¿Cambiar qué o para qué? No importa, el tiempo sigue su marcha y la logística… espérame tantito. Ahorita. Bacheo en 24 h. Eso sí me agrada.

El 12 de mayo pasado, justo a un año de la inauguración de la próxima edición de la Bienal de Venecia en 2017, en Revista Código publiqué un texto, en el que mencionaba ya la falta de cualquier acción encaminada a avanzar en el proceso de planeación y selección en torno al pabellón mexicano.

Tres meses y medio después de ello nada ha sucedido, nada se ha comunicado. Obvio. Ver a futuro. Hace quince meses y medio que se inauguró la bienal del 2015 y, desde entonces a la fecha, no se ha dado un solo paso. Hace aproximadamente 481 días que estamos en el mismo punto, en el mismo estado. Igualito. ¿Quién o quiénes son los responsables del estancamiento? Y volvemos a la pregunta inicial: ¿Cuánto tiempo piensan que se requiere para concebir y llevar a cabo un pabellón nacional? ¿Cuáles son las condiciones básicas para ello? Me parece que ni siquiera lo han pensado. Además, si ya se ha hecho en chinga y no ha estado tan mal, porque modificar esa inercia positiva.

Está claro que lo importante no es el arte, ni los artistas, ni los curadores, mucho menos el público o los ciudadanos que, gracias al pago de impuestos, hacemos posible la existencia de un pabellón mexicano en la citada bienal. No, lo que importa es mantener el presente estado de mediocridad, que nadie escuche el despertador y que los funcionarios tengan el tiempo que ellos determinen adecuado para tomar la decisión que les parezca conveniente. ¿Otro cafecito? Sabios. No se vayan a equivocar, a arrepentir. Eso sí sería horrible… son muchos millones… de mexicanos a los que vamos a representar. Nos volvemos a reunir después del puente del 15 y ora sí ya nos decidimos. Démosle otra pensadita. Hay futuro.

Al final, siempre habrá alguien que, aunque ya se haya hecho de noche, se lance cual nayarita Escutia y nos represente… de la mejor manera posible. Si otros países inician su planeación con más de un año de anticipación es muy su bronca. No la nuestra. Cada pueblo tiene sus usos y costumbres. ¡Ya lánzate! ¡Lánzate, cabrón! ¡No seas cabrón y lánzate! Ahora sí ya casi no tenemos tiempo. Tic-tac-tic-tac-tic…

Si solitos no van a reaccionar… habría, tal vez, que hacer algo en lugar de seguir esperando heroicas instrucciones a destiempo. ¿No será que ya también estamos algo contagiados, amaestrados o trastornados? Pasivos lamentos y complicidad silenciosa. No hay pretextos, ni cambio de administración, ni falta de experiencia, ni falta de presupuesto, ni grandes reformas por experimentar. Bella escuela. Vacilada tras vacilada te vas haciendo cada vez un chongo.

Mi propuesta para el próximo pabellón de México en Venecia, disculpen el madruguete, es construir un didáctico y contemporáneo Altar al Procrastinador Institucional; una estructura monumental y permanente (de sitio específico) que sólo requiera una buena barrida y una cariñosa pulidita un mes antes de cada inauguración ¿Un mes? ¿Qué es? Además de económico, duradero y funcional éste tendría la ventaja de ser un foro abierto a todo tipo de expresiones y medios artísticos en donde el tiempo y su estúpida soberbia, poco a poco, dejarían de existir.

¡Cras, cras, tras!

Posdata: “Procrastinar es un hábito, y no solo de perezosos o dejados. Procrastinan también los hiperactivos que evitan las decisiones importantes refugiándose en despachar nimiedades”. Gabriel Zaid.

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Víctor Palacios es Historiador del Arte por la Universidad Iberoamericana. Desde el año 2012 es Jefe de Artes Visuales de la Casa del Lago Juan José Arreola (UNAM). Ha trabajado como asiste curatorial en el Museo Tamayo, en la Sala de Arte Público Siqueiros y en la Bienal Manifesta 5. De 2005 a 2007 laboró como curador independiente en Barcelona. Asimismo se desempeñó como curador en jefe del Museo de Arte Carrillo Gil y curador del Museo de Arte Moderno. Es cofundador Materia de dibujo / Drawing issues. Actualmente es colaborador de la revistas Caín, La Tempestad y Art Nexus.

*El contenido publicado es responsabilidad del autor y refleja su punto de vista.

Dream Mantas, de Sam Durant

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Por GASTV | Agosto, 2016 

Para la segunda edición de Proyecto Líquido: Deseo, Alumnos 47 presenta la obra de Sam Durant Dreaming Mantas. El bilingüismo de su título hace referencia a un soporte intraducible, no por la inexistencia de una palabra equivalente en el inglés, sino por el simbolismo intrínseco e indisociable actualmente en ese objeto: las mantas que utilizan los diferentes cárteles del país para dejar mensajes, pero también aquellas que circulan en manifestaciones y actos políticos y de oposición convocados por grupos de activistas y organizaciones civiles.

La producción de Sam Durant, artista norteamericano nacido en 1961, ha estado constantemente atravesada por la denuncia y cuestiones políticas desplegadas en espacios públicos. En esta ocasión, a partir de la iniciativa de Proyecto Líquido: Deseo, Durant creó pancartas con mensajes vinculados tanto a amenazas proferidas por narcotraficantes, como su contraparte que surge del repudio y exigencia de justicia de grupos de civiles y activistas. Éstas se distribuirán y expondrán en diferentes sitios de la Ciudad de México, observables a partir del 25 de agosto.

Proyecto Líquido: Deseo surge en el año 2012 con la intención de investigar las formas e intercambios de afectos como «ejes de existencia»; su primera fase se centró en el concepto Miedo, dando paso en 2016 a la fase Deseo. Para esta edición, serán 12 artistas invitados a intervenir la capital mexicana y pensar cómo es que se articula el deseo en su cartografía y prácticas sociales. Ale de la Puente, Interspecifics, Bettina Wenzel, Wen Yau, Pablo Helguera, Noé Martínez, Erick Meyenberg, Profesor Mayeski y La Luminosa Resistencia, Mariana Castillo Deball, Kimsooja y Tania Candiani completan el grupo de invitados.

Imagen: mxcity.mx

This Side Up

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Por GASTV | Agosto, 2016 

Fundado en el año 2006 por Cecilia Gandarias y Bruno Lara, This Side Up es una editorial y estudio de diseño español que, en sus diez años de trayectoria, ha publicado cerca de 50 libros. Éstos van desde producciones propias hasta comisiones, This Side Up ofrece los servicios editoriales de creación de proyectos, edición, diseño, maquetación, traducción, corrección, fotomecánica, control de impresión, encuadernación y distribución.

Afincado en Madrid, este proyecto editorial tiene un interés especial por los libros de artista y aquellos que versan sobre cuestiones artísticas. Entre sus publicaciones se encuentra el título de Pierre Cabanne, Conversaciones con Marcel Duchamp, aparecido en el año 2013, el cual incluye textos de Salvador Dalí y Robert Motherwell. Asimismo, también se enfoca en la edición de libros que destacan su escena local. Un ejemplo es el catálogo Diego Lara. Be a Commercial Artist. Lara fue un diseñador gráfico devenido en artista de renombre en España. Su trabajo abarcó la creación de portadas para editoriales como Turner, Seix Barral y Siglo XXI, hasta la fundación de diferentes editoriales independientes y una robusta producción artística en pequeño formato.

En el catálogo de This Side Up también se pueden encontrar títulos como Muestrario, una compilación del trabajo gráfico y obra en papel de José Antonio Suárez Londoño; José Dávila. Daylight Found Me with No Answer, el primer libro que reúne la obra de este artista contemporáneo, y diversos títulos del Museo Jumex, entre ellos Guy de Cointet (2013), El cazador y la fábrica (2013), y El cubo de Rubik. Arte mexicano en los años 90 (2013).

Conoce más sobre el trabajo de This Side Up.

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Foto: This Side Up.

Comunidades afectivas: empatía, salud mental e imaginación, por Aline Hernández

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Por Aline Hernández / @AlineHnndz | Agosto, 2016

En el libro Affective Communities: Anti-colonial Thought, Fin-de-Siècle Radicalism, and Politics of Friendship, la investigadora y profesora de Humanidades e Inglés de la Universidad de Brown, Leela Ghandi, lleva a cabo un importante análisis en torno a la formación de comunidades afectivas. A pesar de que la investigación está enfocada en una serie de utopías que tuvieron lugar en la época victoriana, hacia mediados de 1800, el estudio de estos ejemplos arroja luz para pensar en la actual importancia que pueden tener este tipo de comunidades también llamadas «espacios emocionales».

Se trata de un área poco problematizada. Quizá responda a la necesidad de recurrir a herramientas y metodologías de diferentes disciplinas con el fin de poder crear un espectro más amplio de comprensión, o bien, porque las emociones dentro del paradigma de las ciencias han sido descartadas frente al racionalismo —por más decimonónico que esto pueda parecer—. Lo cierto es que son escasos los trabajos de investigación que abordan este importante tema desde una perspectiva multidisciplinaria o interdisciplinaria.

Aún así existen ciertas publicaciones que se destacan por sus aportaciones como es el caso antes mencionado de Leela Ghandi. Otro ejemplo, es el libro Political Affect. Connecting The Social and the Somatic, de John Protevi, profesor de Filosofía y Estudios Franceses de la Universidad Estatal de Louisiana. En esta publicación el autor lleva a cabo un minucioso estudio de la relación entre los factores sociales y somáticos para plantear cómo nuestras mentes, cuerpos y condicionamientos sociales están intrínsecamente vinculados. Lo interesante de ambos casos, es que logran sentar las bases para replantearse el importante rol que juegan las emociones y las relaciones afectivas más allá de considerarlos como meros sentimentalismos, logrando de este modo, complejizar las experiencias y evidenciar la importancia que tiene el re-evaluar su papel en nuestras vidas, relaciones y construcción de espacios.

Por su parte, la periodista e investigadora Vanesa Saiz Echezrreta explica que si bien este enfoque ha sido vagamente abordado, tampoco ha pasado del todo desapercibido. De acuerdo a la autora:

«Durante la última década, se ha incrementado el conocimiento interdisciplinar sobre las emociones desde la neuro-biología, la psicología, la sociología, la ciencia política y la filosofía entre otras […] Las emociones se han mostrado como un elemento sugestivo y prometedor a la hora de comprender y explicar la acción colectiva y los movimientos sociales» (1).

A partir de esta premisa, Saiz plantea que esta perspectiva que ella denomina «giro emocional» no es simplemente un enfoque, sino la incorporación a las investigaciones de herramientas que permiten ampliar el conocimiento de las consecuencias y modos de incidencia que tienen los afectos, las emociones y los vínculos entre sujetos que a su vez acompañan a movimientos sociales, comunidades, colectivos, comunas, etc. y que forman parte intrínseca de su creación, mantenimiento así como de sus luchas.

En los tres casos resulta interesante no sólo la predisposición de investigadores a incluir el estudio de las emociones entre sus marcos teóricos, sino también la conciencia de que el estudio e inclusión de éstas, logrará ampliar nuestro entendimiento sobre las posibilidades que el trabajo emocional y afectivo puede conllevar. Tomando en cuenta los estragos que han acarreado las producciones en masa de crisis, las emociones pueden además ser un factor fundamental para lograr tanto la existencia y reproducción de estos espacios y comunidades a largo plazo como su mantenimiento y sostén.

Saiz argumenta en este sentido que:

«[…] la idea de disposición afectiva remite a la posibilidad de acción, esto es, actúa como una guía u orientación para la acción colectiva, lo que presupone la existencia de un espacio de encuentro y contacto entre sujetos […] Si estamos abiertos a sentir un sentimiento —tenemos una disposición afectiva—, significa que existe un lugar que puede ser ocupado, una experiencia potencial (que podemos anticipar emocionalmente) y que puede transformarse en un acontecimiento o suceso presente» (2)

Esto abre preguntas no sólo en torno a las disposiciones afectivas y cómo éstas se cuidan —vinculadas con los espacios de salud mental o cuidado emocional—,  sino también al hecho de cómo procurarlas, o bien, producirlas en el marco de una guerra que está teniendo lugar y que opera principalmente a través de lo que la activista e investigadora Naomi Klein ha planteado como «doctrina del shock».

Si tal como menciona Saiz, la posibilidad de transformar el presente, y por tanto, incidir en la construcción de un otro futuro está directamente relacionado con la memoria afectiva, con los sentimientos y con la disposición afectiva, precisamente esta «cultura del shock» apela a bloquear dichas emociones, a doparlas o anularlas con el propósito de impedir acciones colectivas, construcción de vida en común o de espacios comunitarios.

El análisis realizado por Klein plantea que desde 1970, se ha puesto en marcha un modelo de carácter corporativista que apela a la «privatización radical de guerras y catástrofes». Éste busca; o bien aprovecharse de las catástrofes —como ocurrió en lugares como Nueva Orleans después del huracán Katrina, en Sri Lanka tras el terremoto del 2004, o el terremoto de Haití en 2010—; o bien crearlas para lograr, en palabras del economista Milton Friedman, que «lo que hasta entonces era políticamente imposible, se vuelva políticamente inevitable» (3)

Las crisis que derivan de estos ataques o catástrofes se vuelven entonces lucrativas oportunidades para el mercado y la inversión privada, quienes vinculados con las potencias y de la mano de organismos no gubernamentales y otros cómplices, orientan la situación en beneficio de las potencias y de los intereses corporativos representados por las multinacionales. Para ello recurren a estrategias como debilitar la economía interna, acrecentar el endeudamiento, generar escasez alimentaria, y por tanto, impulsar la pauperización de la población; acentuar mediáticamente la crisis humanitarias por la que atraviesa el país, además de que comúnmente dichas fuerzas de ocupación están directamente relacionadas con el alza de la violencia en los países donde se instalan, generando así otra justificación más por la cual «permanecer» (4).

Pero esta doctrina no sólo aplica para la privatización de catástrofes de grandes magnitudes, sino otro tipo de formas de represión, violencia y producción de miedo en menor escala. Podemos tomar como ejemplo la delirante Operación Piñata, puesta en marcha en España, que opera bajo una lógica cuasi medieval de persecución y cacería de brujas. En un artículo publicado al respecto, el autor menciona: «No explican, por supuesto, que se han permitido derribar puertas, incluso fachadas enteras, e invadir moradas sin permisos judiciales, o invadir barrios enteros para crear un sentimiento de alarma y terror que no existían antes. Es un paso más en la caza de brujas antifascistas que llevamos sufriendo en los últimos años» (5)

En oposición a estos mecanismos de represión existen también una gran diversidad de comunidades, colectivos y grupos de afinidad que trabajan para no sólo subsanar estos efectos sino para construir otras formas de estar en el presente. No se trata así de sólo una disposición afectiva sino de la puesta en marcha de un conocimiento en torno a las afectividades, de procesos de des-aprendizaje y re-aprendizaje.

Por ejemplo, el colectivo transdisciplinario Kunci Cultural Studies quienes a partir de este trabajo sobre lo afectivo y el estar-juntos, presentaron una serie de cápsulas resultado de una residencia que llevaron a cabo algunos de los integrantes del colectivo en Ifa Gallery Berlin. La idea era reflexionar sobre el concepto de ‘Numpang’ cuyos significados varían dependiendo de la situación.

Syafiatudina, una de las integrantes menciona en una de las cápsulas titulada Numpang as Politics of Sharing que ‘Numpang’, puede significar la acción de refugiarse o vivir temporalmente en un espacio que pertenece a alguien más; puede utilizarse para referir a una cosa que depende de otra cosa para que esta pueda existir o la acción de facilitar conocimiento y cuidado mutuo; puede ser también un gesto de amabilidad que muestra que estoy temporalmente utilizando el espacio del otro y creando ruptura en su tiempo y espacio, o puede ser utilizado como una forma de relacionarse ya que simboliza el hecho de que no existe entre dos o más personas un acuerdo previo y en este caso el concepto significa que la relación está ante todo basada en confianza y generosidad (6).

Kunci Cultural Studies es uno entre muchos, y cada quien ha creado y trabajado de acuerdo a sus necesidades. Resulta importante destacar que muchos de los colectivos y organizaciones que reciben financiamiento de la Red de Arts Collaboratory (7) están en muchos sentidos vinculados con este trabajo y aprendizaje afectivo y emocional. La organización Centre Soleil d’Afrique (8) al Norte de Mali, por ejemplo, ha trabajo este aspecto desde la recuperación del espacio que ellos denominan «La Ceremonia del Té». De acuerdo a la organización, esta ceremonia:

«Es un momento al que consagramos tiempo, como mínimo 45 minutos a 1 hora; es una buena ocasión para crear un verdadero espacio de compartición y comunión entre las personas. Durante los «Grins» de té, todos los temas que conciernen a la sociedad, sobre todo la juventud, se debaten libremente, sin moderador ni orador».

En el marco del Festival Africano Artístico de Imágenes Virtuales (FAIVA, por sus siglas en francés), procuraron nuevamente este espacio para discutir sobre las dificultades por las que atraviesa el país, sobre todo en los aspectos y consecuencias que conciernen al fortalecimiento del también llamado ‘integrismo o extremismo religioso’, —mal llamado yihad—. En este sentido explican que «Teniendo en cuenta la crisis desastrosa que impactó a toda la populación, el pueblo tiene necesidad de comprender aquello que ocurrió con el fin de reconciliarse para la instauración de una paz durable».

Muchos de estos impulsos o necesidades por trabajar lo emocional suelen encontrar sus antecedentes en las condiciones sociales, económicas y políticas por las que se ven atravesados los individuos. Antonio Damasio precisamente explica que, en medida que las emociones son formas corporales que experimentan los individuos como reacción al mundo en que viven, el trabajo con estas no es simplemente una forma de alcanzar ‘neutralidad’ sino de procurar «bienestar, para crear la mejor situación en beneficio de su propia preservación y funcionamiento eficiente» (9).

En tanto que las emociones son reacciones corporales, si éstas son adecuadamente trabajadas pueden por tanto ayudar en la creación de entornos de mayor bienestar, además de que el trabajo de las emociones está directamente relacionado con la empatía, cuyo componente más básico es de acuerdo con John Protevi «(…) lo que conocemos como «contagio emocional», o un estado afectivo compartido: uno siente lo que la otra persona está sintiendo» (10).

Para finalizar valdría la pena mencionar que, el arte y la imaginación son formas indispensables tanto para procurar este contagio emocional como para idear formas de trabajar las emociones y sanarlas, además de crear comunidades afectivas que conciban la importancia de la apertura de espacios de salud mental frente a la imposición de guerras, diversas formas de violencia, represión, entre otros mecanismos que determinan muchas veces los modos en que vivimos, pero también los modos en que sentimos, por ende, nuestra reacción al mundo y nuestra disposición a construir presentes al margen de dicha guerra pero también para contrarrestar sus efectos.

Imagen: «Ceremonia del té» en Bamako llevada a cabo el 6 de noviembre de 2015, como parte de la 5 edición de African Festival of Art Virtual Images (FAIVA).

Referencias

1.ECHEZARRETA, Saiz Vanesa, «Disposiciones afectivas y cambio social», disponible en línea.

2. Ibíd.

3. KLEIN, Naomi, «La doctrina del shock. El auge del capitalismo del desastre», disponible en línea.

4. En relación a la ‘Doctrina del Shock’ y su aplicación, retomo ideas planteadas en el artículo «Capitalismo del desastre y ocupación humanitaria en Haití» el cual puede consultarse aquí.

5. SA, «Operación Pandora y Piñata, con ‘p’ de PP y propaganda», disponible en línea.

6. En torno a la traducción del concepto ‘Numpang’, puede consultarse el artículo «Traducir Numpang: Kunci Cultural Studies Centre en Ifa Gallery, Berlín», disponible en línea.

7. Arts Collaboratory es una red translocal que conformada por 23 organizaciones diferentes alrededor del mundo que se enfocan en prácticas artísticas, procesos de cambio social y trabajo comunitario más allá del campo del arte. Funciona como punto de encuentro, y Arts Collaboratory es en este sentido, un lugar donde las organizaciones pueden compartir conocimiento, colaborar en proyectos y construir soportes emociones juntos. Sobre las organizaciones que forman parte del ecosistema véase aquí.

8. Sobre la organización véase aquí.

9. PROTEVI, John, «Political Affect. Connecting The Social and The Somatic», University of Minnesota Press, London, 2009, pp. 26

10. Ibíd. pp. 27.

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Aline Hernández (México, 1988), su trabajo escrito explora temas como hegemonía, neoliberalismo, economía y su relación con el arte, así como formas de resistencia y cooperación. Forma parte de la cooperativa Cráter Invertido.

*El contenido publicado es responsabilidad del autor y refleja su punto de vista.

SRE: Secretaría de Recursos Editoriales

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Por GASTV | Agosto, 2016 

Secretaría de Recursos Editoriales / Sousa Rodolfo Ediciones es un nuevo proyecto iniciado en Buenos Aires, Argentina, que se suma a la oleada de movimientos que cada vez más apuestan por los proyectos impresos, tanto en México como en América Latina. Conformado por Tania Puente y Rodolfo Sousa, la iniciativa “apuesta por las publicaciones independientes en la ciudad”.

Así, cuentan con diferentes categorías: la Serie tiene un formato que reúne a jóvenes escritores, artistas visuales o diseñadores mexicanos inmersos en el trabajo editorial independiente, como Arturo Aguilar, Ixchel Ledesma, Rodrigo López, Julio María, Yaxkin Melchi, Roberto Poblete, Carlos M. Román, Jerónimo Rosales y Alfonso Santiago.

Las publicaciones de SRE también comprenden adaptaciones de publicaciones ya existentes, proyectos ex profeso y tiraje cortos.

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Imagen: SRE: Secretaría de Recursos Editoriales.

*Otros proyectos editoriales: Publicaciones LABOR | Librería kurimanzzuto | Publicaciones del El Centro de Arte Dos de Mayo | SubVersiones. Agencia Autónoma de ComunicaciónPublicaciones de Fundación Jumex | Contracorriente | Revista La que arte | CURA | Salon Kritik | Revista nini | Kaja Negra | Hidra + Libros | Foro de Editoriales Impresas | Editorial Cascajo | Taller de Ediciones Económicas | Gato Negro | Catálogo Contemporáneo | Ediciones Acapulco | Ediciones Transversales | Sexto Piso | Tumbona Ediciones Biblioteca Aeromoto | La Caja de Cerillos | Novela gráfica | Sur + Ediciones

World Press Photo 2016 en el Museo Franz Mayer

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Por GASTV | Agosto, 2016 

La imagen de un bebé entregado a un refugiado sirio a través del agujero de una barrera labrada de púas que separa a Serbia de Hungría es la protagonista de la exposición World Press Photo 2016 que se exhibe en el Museo Franz Mayer del 25 de agosto al 25 de septiembre. Esta fotografía tomada por el australiano Warren Richardson obtuvo el reconocimiento principal y acompaña en la exhibición a 50 ganadores de las diferentes categorías de la 59 edición de la muestra fotográfica, que este año reunió la participación de 8 mil fotografías de 5, 175 artistas provenientes de 128 países.

Entre los ganadores del concurso de fotoperiodismo más importante a nivel internacional, organizado por la fundación holandesa World Press Photo, se encuentran dos mexicanos: Anuar Patjane y Sergio Tapiro, quienes fueron premiados con el segundo y tercer lugar respectivamente en la categoría de «Naturaleza». Mientras Tapiro capturó en El poder de la naturaleza el momento exacto en el que un rayo y la fumarola de la explosión de un volcán se tocan casi por acto de magia, Patjane documentó el movimiento de las ballenas en la fotografía Ballenas que susurran. 

Otras imágenes mostradas son Las montañas olvidadas de Sudán de Adriane Ohaneisan, Placeres ocupados de Tanya Habjouqa, Marcha en contra del terrorismo en París Corentin Fohlen y Abuso sexual en ejército estadounidense de Mary F. Chabert.

Imagen: Museo Franz Mayer.

Ediciones Transversales, Serie 5

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Por GASTV | Agosto, 2016 

Desde 2013, Ediciones Transversales se ha dedicado a difundir y promover otras formas de circulación de movimiento que escapan a la inmediatez y velocidad auspiciada por Internet, a través del impreso, al tiempo que preserva el ejercicio artesanal del trabajo editorial. A casi un año de haber presentado su última edición, este 1 de septiembre lanzará su serie 5 en la biblioteca pública Aeromoto con la presencia de su editor y diseñador Alfonso Santiago y algunos de sus colaboradores.

La nueva serie se compone de siete cuadernillos: «Mapas de resistencia», de Andrea García Cuevas, «Vanguardia y traducción. Las palabras chinas están vivas y son plásticas», de Esteban King Álvarez, «La gente sin historia», de Jerónimo Rosales Acosta, «Plagio libertario (leyendo a Fernando Gamboa)», de Mauricio Marcin Álvarez, «Fetiches», de Pamela Ballesteros, «La obra está destinada a morir», de Romina Belén Rastelli y «Creatividad y trabajo. Una historia de innovación en las artes», de Rubén Ojeda Guzmán.

Ediciones Transversales es un proyecto editorial independiente que ha recogido ensayos, textos críticos, transcripciones de conferencias, textos gráficos e ilustraciones de autores como Christian Gómez, David Miranda, Adriana Melchor Betancourt, Enrique Arriaga, Silverio Orduña y Ana del Castillo.

Imagen: Ediciones Transversales.

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Festival OFFF México 2016

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Por GASTV | Agosto, 2016 

El Festival Internacional de Arte y Creatividad OFFF celebra su quinta edición en México, el 30 de septiembre y 1 de octubre en el Polyforum Siqueiros, con un programa que incluye a los animadores más importantes del cine actual, diseñadores gráficos que han marcado la identidad visual de nuestro país, ilustradores que han transformado la forma de comunicar noticias en la era de las redes sociales, así como agencias creativas y de diseño digital internacionales.

LAIKA, el estudio de animación detrás de películas como Coraline y la puerta secreta (2009), ParaNorman (2012) y más recientemente Kubo an the two strings, será una de las cartas fuertes este año, con la presentación de una conferencia y un taller informal. Otro de los grandes nombres que participarán es el diseñador estadounidense Lance Wyman, reconocido por haber creado las identidades visuales de los Juegos Olímpicos de México 1968, del Sistema de Transporte Colectivo Metro, del Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey así como el logotipo del Memorial de Tlatelolco.

Gavin Trance, artista y creativo; Territory, agencia creativa; Joshua Davis, artista, diseñador y tecnólogo; Kiran Gandhi, música y feminista que formó parte de la banda de M.I.A; Materia, dúo dedicado a las técnicas analógicas y digitales, formado por Susi Sie y Remo Gambacciani; Mr. Kone, director de arte e ilustrador; Outro, estudio de diseño; Pictoline, organización de noticias visuales; Sawdust, Jonathan Quainton y Rob Gonzalez especialistas en tipografía; Sie, videoartista; Vasava, estudio de diseño; y Waltz Binarie, estudio creativo de animación humana en diseño digital, también conforman el programa.

Durante los dos días, OFFF ofrecerá una serie de talleres con los diferentes invitados a los que se podrá acceder con precios razonables y mediante inscripción previa en la página oficial de Festival OFFF.

Imagen: OFFF México.

Octava edición de Design Week Mexico

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Por GASTV | Agosto, 2016 

La octava edición de Design Week México se celebra a lo largo de una semana en medio de un momento vibrante para el diseño en México, que en los últimos años ha visto crecer una variedad de diseñadores, propuestas y actividades de gran calidad. Del 5 al 9 de octubre la plataforma dedicada a difundir esta disciplina creativa, presentará una agenda de exposiciones y proyectos que reunirá a arquitectos, diseñadores industriales y gráficos, interioristas, estudiantes y aficionados. Además, contarán con Alemania y Jalisco como país y estado invitado, respectivamente.

Emilio Cabrero, director de Design Week México y director general de World Design Capital 2018, comenta: “Para DWM organizamos, curamos y reunimos exposiciones y eventos de alto perfil dedicados al diseño con arquitectos y diseñadores de renombre nacional e internacional, compartiendo su visión y experiencias mediante la creación de una red de gran alcance para todos aquellos interesados en aprender y explorar las posibilidades que la cultura del diseño aporta al futuro.”

Entre las actividades que se presentarán durante una semana, destacan la exposición dedicada a uno de los diseñadores mexicano-estadounidense más relevantes del siglo XX, Don Shoemaker, que se presentará en el Museo de Arte Moderno junto a la exposición de otro grande de las artes visuales: el artista japonés-argentino Kasuya Sakai, a quien se le atribuye la introducción de la abstracción geométrica a México.

Por su parte, los jardines del Museo Tamayo serán la sede del Proyecto Tamayo DWM, que está ocasión constará de una instalación temporal creada por el arquitecto alemán Nikolaus Hirsch. El Foro Chapultepec recibirá el simposio Creativity for Change (7 de octubre) en el que profesionales, académicos y escritores, como Christoph Korner, Estudio de Arquitectura Alemán GRAFT; Jennifer Dunlop, Jefa de Arquitectura y Diseño del SFMOMA; John Zeppetelli, Director del MACM; y Jonh Bela, Intituto Gehl, establecerán diálogos y debates en torno al impacto social del diseño.

El domingo 9 de octubre se llevará a cabo la EXPO Design Week, mientras que del 7 al 23 de octubre, Design House presentará diferentes intervenciones a una casa de estilo neocolonial en la colonia Polanco. Pero para aprovechar la gran oferta que ofrece la ciudad, DWM ofrece la Ruta del diseño, que lleva a los visitante a recorrer por camionetas propuestas de diseño y arte por la colonias de Polanco, Lomas de Chapultepec, San Miguel Chapultepec, Roma y Condesa.

Como parte de las actividades al aire libre, la calle Julio Verne en Polanco recibirá Diseño Contenido, que promueve el trabajo de diseñadores mexicano jóvenes en 20 contenedores. Además, estudiantes de diseño y arquitectura participarán en la sección Estructuras Efímeras.

Finalmente, para establecer un punto de encuentro entre Alemania y Jalisco, DWM presenta la plataforma Visión / Tradición, un programa de residencias para jóvenes diseñadores de Alemania y México que podrán trabajar en colaboración artesanos de Jalisco. El resultado se presentará en la exposición Territorio Inédito, que se montará en el Museo Tamayo.

Imagen: ArcaTv.

Entrevista | Daniel Garza-Usabiaga, la implicación del Archivo Barragán / Parte II

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Por Pamela Ballesteros | Agosto, 2016

Como continuación de la conversación en torno al archivo Barragán, desde su experiencia, Daniel Garza-Usabiaga precisa cuestiones extra artísticas respecto a políticas de conservación patrimonial así como de derechos de reproducción.

Temas adyacentes a The Proposal que han quedado fuera de revisión pública y con los que se desmonta el proyecto de Jill Magid.

Platícame de tu visita en el archivo Barragán, del espacio y sus condiciones de conservación, ¿puedes decir algo sobre el catálogo razonado?

Conocí la Barragan Foundation como visitante en abril del 2015. Me gustaría decir que no soy el primer mexicano en entrar a lo que se ha denominado el “bunker” [1]. Varios arquitectos, académicos y funcionarios públicos lo han hecho y creo que no tendrían problema en aseverar esto. Aunque invoque imágenes de un lugar inhóspito, el “bunker” es el espacio que ha sido acondicionado para guardar el archivo bajo condiciones ideales de conservación. Me parece que la fundación cuenta con el presupuesto para garantizar la salvaguarda de este archivo por años y me imagino que las cuestiones de conservación y restauro están cubiertas por el equipo del Vitra Design Museum, una institución que protege los archivos tridimensionales y documentos de Charles Eames, George Nelson y Verner Panton, entre otros. Muchos de los cuales no fueron adquiridos sino donados por estos personajes o sus familiares que, seguramente, sabían en dónde dejaban su legado.

Además del “bunker”, existe un área de trabajo con oficina y biblioteca. No puedo dejar de subrayar que lo que aquí se denomina como “el archivo” es en realidad un centro de estudios en activo. No es que el archivo de Barragán este guardado y cada 10 años entre una persona por algo, no es así, los investigadores están trabajando diariamente. La directora de la fundación es Federica Zanco, pero ahí han trabajado historiadores e investigadores comprometidos y cuya labor es reconocida internacionalmente, como Emilia Terragni, actualmente Directora Editorial en Phaidon Press, e Ilaria Valente, Directora de la Facultad de Arquitectura del Politécnico de Milán.

Para el proyecto Luis Barragán. La revolución callada, la Barragan Foundation aglutinó un equipo internacional de académicos que incluyó investigadores mexicanos del Instituto de Investigaciones Estéticas de la UNAM, entre ellos Louise Noelle; investigadores que laboran en universidades en el extranjero, como Luis Carranza; académicos internacionales especializados en la obra de Barragán, como Keith Eggener; además de teóricos claves para el entendimiento de la arquitectura moderna y contemporánea como Kenneth Frampton. El resultado de esta colaboración fue el libro de ensayos que se publicó a la par de la exposición y que es una de las publicaciones más serias sobre el personaje en cuestión. Lo vuelvo a repetir: aunque la ficción de Magid se haya centrado en un personaje, la directora de la fundación, quien pareciera guardar el archivo en un calabozo, la Barragan Foundation es un centro de estudios serio, con resultados y productos de investigación sobresalientes y que actualmente se encuentra activo y trabajando.

En este sentido, asombra que un académico participe en lo que aparenta ser un acto poco amistoso formulado a través de una demanda de repatriación irracional. En su nota, publicada en el periódico Excélsior, Cuauhtémoc Medina prefiere omitir la colaboración de la Barragan Foundation tanto con el museo en el que labora como con el instituto de investigación al que está afiliado; en cambio, optó por participar en el proceso de desinformación alrededor del costo del derecho de reproducción del legado de Barragán. Del mismo modo, sorprende que utilice su cargo institucional para salir a la defensa de un proyecto artístico con una clara vocación comercial, especialmente cuando no ha utilizado la misma plataforma para expresarse sobre asuntos políticos y sociales realmente graves que han sucedido en el país desde que ocupa su cargo en el MUAC.

Si en verdad existiera cierto interés patrimonial en el trabajo en Barragán, antes de pedir la repatriación del archivo a través de un anillo, se pudo haber invitado de manera cordial a alguno de los investigadores de la fundación para hablar de lo que han hecho desde 1996. Que platicaran, por ejemplo, de los resultados del proyecto Luis Barragán. La revolución callada o de los proyectos de exposiciones con los que han colaborado en distintos museos alrededor del mundo, entre los más recientes se encuentra Latin America in Construction: Architecture 1955–1980 en el MoMA de Nueva York. Esto pudo haber sido una solución razonable, pero el proyecto de Magid no tiene mucho de razón. Aquí valdría la pena preguntar a todas las instituciones que han estado involucradas, en México y Estados Unidos, en los últimos años, ¿por qué optaron por la psicomagia en vez de entablar un diálogo con un centro de investigación con historiadores profesionales?, ¿por qué se optó por la desinformación sistematizada? Esta actividad también compete a la prensa. Por ejemplo, Alice Gregory en el artículo que escribió para la revista The New Yorker enfatiza y propaga la duda sobre que el catálogo comentado de la obra del arquitecto que prepara la Barragan Foundation no existe; algo que demuestra que su ejercicio periodístico se encuentra completamente sesgado. De nueva cuenta, si se quiere saber sobre el estado de esta investigación se invita a la fundación en cuestión a hablar sobre el desarrollo del proyecto y no se rumora, se siembra la duda o se inventa.

Como una nota sobre lo que puede representar un catálogo razonado: Este tipo de investigación sienta las bases para un correcto entendimiento del archivo, garantizando su adecuado estudio no sólo para nosotros, sino para las generaciones de nuevos investigadores. Es un trabajo muy minucioso y exhaustivo que, en lo personal, no se me antojaría hacer. Hay investigadores que dedican toda su vida y carrera académica a desarrollar un catálogo razonado, y éste no es una publicación acelerada que se tiene que mandar a imprenta porque “bajaron” los recursos para su impresión, porque se tiene que tener antes de que salga el presidente, secretario, director, rector en turno o porque es un regalo corporativo de navidad.

En contraste, la presión e indignación mediáticas por su regreso me resultan una contradicción porque aquí son ausentes muchas políticas concretas de carácter patrimonial y que se han reflejado en otros campos, como la arquitectura y el arte público. En el caso de Barragán tampoco han existido movilizaciones efectivas que impidan el deterioro o derribo de sus obras.

Pensemos en un escenario en el que el archivo encuentra posibilidades de regresar al país, ¿qué sucedería, en consecuencia, ante la falta de estas responsabilidades? 

Obviamente se le debe preguntar a Jill Magid, así como a sus colaboradores, si tenían todo listo para recibir el archivo en caso de que la fantasía se hubiera vuelto realidad. Si no es así, esto demuestra la irracionalidad de la demanda. ¿Por qué? Porque ningún académico o institución serios que tengan bajo su custodia un archivo o legado lo entregarían si las nuevas condiciones de resguardo no fueran, como mínimo, las mismas. ¿O acaso la lógica era pedirlo y ya luego, si nos lo dan, veríamos qué hacer con él? Como sabemos, esto es una fórmula conocida en este país que siempre equivale a desastre. Adquirir un archivo no es simplemente el método de intercambio —ya sea un anillo o miles de millones de dólares—, es contar con suficiente presupuesto para garantizar su resguardo y conservación por años, tener una política clara en cuanto a derechos de reproducción de imágenes, entre otras cosas. Adquirir un archivo sin contar con un mínimo de garantía es un tanto irresponsable. Ante esto, las preocupaciones patrimoniales que supuestamente motivan éticamente este proyecto parecieran ser más una simulación, una farsa o un fraude.

Si el proyecto de Magid fuera serio en este aspecto, no se hubiera limitado a transformar las cenizas de Barragán en un diamante y ofrecerlo como prenda a cambio del regreso del archivo a México. Hubiera contemplado, antes de hacer esto, un espacio adecuado que cumpliera con las condiciones de resguardo y conservación que tiene actualmente en Suiza, un presupuesto para garantizar su salvaguarda por mucho tiempo —digamos 20 años que es lo que tiene, hasta la fecha, en la Barragan Foundation— y presentar una política clara sobre derechos de reproducción. Menciono estas tres cuestiones porque no tenerlas es problemático en más de un sentido. El inmueble acondicionado es lo más evidente y no merece explicación, sin archivo físico no se puede resguardar un archivo documental. No tener presupuesto para garantizar su conservación a largo plazo también pone en riesgo su integridad, existen instituciones en el país que adquirieron archivos en épocas de bonanza y que posteriormente dejaron de tener los mismos ingresos, imposibilitando la conservación y conduciendo al deterioro de documentos. Finalmente, contar con una política de derechos de reproducción clara también es fundamental, en especial si se trata de un personaje como Barragán, que ha gozado de una visibilidad trepidante en los últimos años a nivel global.

Es interesante este tercer punto sobre las políticas de derechos, que trasciende los valores artísticos, es decir, el legado de Barragán cobra interés ya no en el terreno simbólico sino como marca.

La Barragan Foundation tiene exactamente eso, una política puntual que no da pie a dudas ni discrecionalidad y cuyas estipulaciones se pueden consultar en línea, como se indica en su página a través de ProLitteris, la sociedad de derechos de autor de gran prestigio internacional que los representa. Las políticas estipulan detalladamente cómo funcionan los derechos de reproducción. La Barragan Foundation, por ejemplo, no acepta compromisos comerciales —como sería el uso de la obra de Barragán en parte de publicidad— de manera determinante y ha sido coherente con esta postura durante 20 años. La propuesta de Magid, en relación a esto, no ofrece nada ¿O la idea detrás de su “propuesta” era que una vez que el archivo estuviera en México se liberarían los derechos de reproducción del legado de Barragán? ¿En verdad? Si este es el caso resulta un sinsentido ya que una buena parte de los recursos para mantener y conservar el archivo tendrían que venir exactamente de esto: de los derechos. Al menos que Magid ya tuviera listo un mecenas que financiara su mantenimiento y operación de por vida, que es justo con lo que cuenta ahora el legado del arquitecto bajo el resguardo de la fundación suiza. Sin derechos, también, no puede haber un control sobre los usos que se le pueda dar al legado del arquitecto. Si es posible hacer cualquier cosa con sus cenizas ¿Qué no se podría hacer con su legado?

¿Por qué deben de existir este tipo de estipulaciones? Muy sencillo, porque de otra manera el archivo es una carta abierta para los malos manejos patrimoniales, la discrecionalidad y otros vicios legales. De nuevo, esto es particularmente delicado en relación a Barragán que, como mencioné, es actualmente un referente global, una situación muy distinta a lo que era el arquitecto tapatío en 1996 cuando el archivo fue adquirido por la fundación suiza. Las recientes campañas publicitarias de empresas como Nine West o Louis Vuitton, realizadas en la Cuadra San Cristóbal, demuestran otro tipo de interés por el trabajo de Barragán que resulta antitético a los principios de un centro de estudios: la arquitectura como escenario ideal para la promoción de mercancías. El proceso legal emprendido por la Barragan Foundation, a través de la Sociedad de Derechos de Autor ADGP (afiliada a ProLitteris) en contra de Louis Vuitton, por ejemplo, demuestra una política clara y una acción determinante a favor de un buen manejo patrimonial del legado del arquitecto, mismo que evita su comercialización banal. Esta postura es piedra angular de cualquier fundación respetable. Pensemos, por ejemplo, en la Fondation Le Corbusier, ¿cuándo se ha visto que alguna de las construcciones de este arquitecto sirva como fondo para publicidad de alguna mercancía desde que fue constituida? Nunca, así de simple, aquí no puede existir discrecionalidad. El interés de compañías como Louis Vuitton en la imagen de Barragán delata un hecho ante el cual no se puede mostrar ingenuidad.

Básicamente, este archivo puede ser altamente redituable al tener el potencial de operar como una máquina para hacer dinero. No tener una política clara sobre los derechos de reproducción así como de la imagen del arquitecto y su legado, bajo este panorama, resulta muy problemático y se anticipa como desastre. Especialmente en un país que es considerado internacionalmente como severamente corrupto. Esta carencia de un marco legal, representa una incongruencia en relación a los intereses patrimoniales que supuestamente acongojan a Magid y, además, permite que todo su proyecto se preste para generar una serie de malentendidos. De acuerdo a la artista, ¿quién sería el beneficiario de los ingresos del archivo de Barragán? ¿Su galería? ¿Alguna institución en específico? Estaría muy bien que comentara qué pensó acerca de esto.

Carecer de estos factores: un edificio, presupuesto y política de derechos, demuestra cómo el proyecto de la artista, en relación a su interés por lo patrimonial, es un fraude. Puede ser que yo esté completamente equivocado. Si este es el caso, sería fantástico que Jill Magid ofreciera una visita guiada a las instalaciones de la próxima Fundación Barragán en México, acompañada de sus colaboradores, y nos mostrara los sistemas de conservación de los documentos, nos explicara un poco de su fideicomiso, su programa de estudio, la manera en la que se aplicará el presupuesto, etc.

Continuando con el proyecto de Magid, el protagonismo del anillo puso en duda pública el trabajo de la Barragan Foundation como institución académica, además de señalar y condenar severamente el trabajo de una persona —su directora— respecto al control del archivo y sus derechos. Sin embargo, es un objeto que se desprende de un cuerpo de obra mayor que también revisaste en Suiza, ¿cómo funcionan las demás piezas que integran The Proposal?

Aunque el anillo de compromiso es una especie de pieza culmen dentro del proyecto, que actualmente se exhibe en St. Gallen, existen otras piezas que se exhiben en esta muestra. En el Kunts Halle Sankt Gallen también se exhibe un tapete hecho con flores similar al que se muestra en Ex Voto en LABOR, así como el video de la exhumación de las cenizas que también se proyecta en esta galería. En éste, se ve como se abre la cripta, se toman las cenizas y, a cambio, se deposita un caballito de plata que corresponde al peso del material que se ha retirado. La artista recurre a la estrategia del juego de equivalencias que se ha vuelto prácticamente un lugar común o cliché en algunos proyectos de arte contemporáneo, donde se intercambian pesos, nombres, identidades, etc. La alusión a los muertos, especialmente a un mexicano, a través de la ofrenda de flores y a Barragán con un caballo es de un simplismo que produce escozor. Posteriormente, hay una sala donde se exhiben varios documentos en vitrinas y finalmente el espacio en el que se muestra el anillo a la par de la carta que la artista escribió a Zanco detallando su propuesta de intercambio. El acceso entre estos dos ambientes replica una de las puertas de la casa particular del arquitecto cuya altura, según se dice, corresponde a la altura de Barragán; un dato que además de ocioso es falso. Esto lo digo desconociendo la altura del arquitecto, algo irrelevante para cualquier historiador, pero pensando que es ilógico que un arquitecto diseñe una puerta que, para cruzarla cada vez, es necesario agacharse.

Algunas piezas pueden ser utilizadas para demostrar problemáticas del proyecto de Magid, de su proceso de producción y de los argumentos que lo sustentan. El video, por ejemplo, sirve para ver cómo este proyecto, y sus defensores, imaginan consensos. Uno es “la familia”, Barragán no formó una familia, es decir, no se casó ni procreó. Su familia, sus padres y hermanos, están muertos. Los que sobreviven, por lo tanto, son los descendientes de su familia. Aunque esto es muy evidente parece que necesita clarificación. Desconozco el número de descendientes de la familia Barragán Morfín pero puedo imaginar que suman varias decenas. En el video, y en esta trama, parece que la “familia” se resume en una persona: el sobrino Hugo Barragán. En las imágenes no aparece una “familia” sino él, un señor de edad avanzada y visiblemente enfermo. Aunque un gran número de otros descendientes de Barragán han reprobado públicamente lo acontecido con las cenizas del arquitecto, los defensores e ideólogos de este proyecto siguen sosteniendo la fantasía de la “familia”, sorprendentemente y con el mismo afán con el que reclaman, se crea otro consenso imaginado que justificó y sustenta el trabajo de Magid: el de una nación que reclama el archivo de su único galardonado con el premio Pritzker. Hay que repetir mentiras todas las veces que sea posible hasta que se vuelvan verdad. Este proceso se vuelve particularmente fácil en un país con una cultura de medios que no se preocupa, al parecer, en revisar y analizar críticamente sus fuentes.

La sala que exhibe documentos emitidos tanto en Suiza como en México también sirve para discutir un escenario problemático. El valor de exhibición de los objetos —desde arte hasta mercancías— se basa, en gran medida, en la desaparición de su proceso de producción, es decir, en el espacio de exhibición o el aparador de una tienda no hay lugar para la historia de los objetos. En este sentido, en la sala opera una extraña homologación entre documentos legales y contractuales elaborados tanto en México —exhumación— como en Suiza —la producción del diamante—, como si los dos casos fueran lo mismo o hubieran representado lo mismo. Según datos de Transparencia Internacional, por ejemplo, México cumple con el 44% de las medidas destinadas en control de corrupción mientras que Suiza cunple el 96%. La realización de procesos legales en México, como sabemos, puede durar de uno a mil días dependiendo del poder, el dinero o las influencias con las que se cuente. Ante este contexto local, y considerando que Magid es una artista interesada en sistemas de poder y procesos legales, creo que sería oportuno solicitar claridad sobre el ejercicio del financiamiento, especialmente si proviene de instituciones o de centros de estudios en el extranjero, para la realización de este proyecto que involucró trámites poco convencionales. Opino que este es el tipo de asunto que en verdad nos debería de interesar y no tanto la repatriación de un archivo que se encuentra en Suiza.

En relación a esto último, al proyecto se le ha dado valía por evidenciar dichos «sistemas de poder”, pero ¿esto le da el carácter de radical?

Desconozco cuál sea el fin del proyecto de Magid, me imagino que eso se verá en la exposición que se presentará en el San Francisco Art Institute, por lo pronto sólo se puede especular. Me cuesta trabajo creer que un centro de estudios serio, aquí o en el extranjero, represente un sistema de poder al que hay que vencer cueste lo que cueste —históricamente esto sólo sucede durante periodos muy críticos de un país donde lo que impera y se busca fomentar es la desinformación y la ignorancia por todos los medios—, sobre todo si se considera que la Barragan Foundation funciona de manera muy similar a cualquier otro instituto con una vocación parecida, es decir, que guarda e investiga archivos de artistas o arquitectos locales o internacionales. Si un centro de estudios de este tipo puede ser visto como un sistema de poder pues entonces hay decenas esparcidos por el mundo, muchos de ellos en Estados Unidos. Bajo este escenario, la pregunta que hay que formular sería ¿por qué se escogió a Barragán más allá de una infantil historia sobre compromisos entre distintas personas?

También desconozco si el proyecto de Magid guarde un revés inesperado y la película que se estrenará tenga como última intención documentar y estudiar un “sistema de poder” local, que permite y consigue resultados que para la mayoría de las personas parecen inverosímiles o imposibles, como la transformación de la cenizas de Barragán en un anillo o, como ha sucedido en la historia reciente de México, la aparición y desaparición de cadáveres por medios mágicos o espiritistas, por ejemplo con Francisca Zetina “La Paca” en 1997 o con la niña Paulette en el 2010. A diferencia de los dos últimos casos, el “sistema de poder” al que aludiría The Proposal no sólo involucraría funcionarios públicos, sino también galeristas, curadores y directores de museos tanto en México como en el extranjero. Si este fuera el contenido del documental, sí se me antojaría verlo. Pero no creo que éste sea el objetivo del proyecto de Magid.

Independientemente del fin que pueda tener el proyecto de Jill Magid, creo que los medios que se han empleado para conseguirlo —ya sea la repatriación de un archivo, una película reveladora o una pieza de arte contemporáneo— no han sido adecuados. No creo que la esfera del arte deba considerarse libre de implicaciones éticas, esto sería un error, obviamente. La ficción que sostiene el cuento de hadas de la artista, la historia de un anillo mágico a través del cual nos regresarán un archivo, asunto que creo sólo importa a un porcentaje ínfimo de personas en este país, esconde en el fondo mucho oscurantismo, mucha opacidad, una misoginia muy particular ejercida tanto por hombres como por —muchas— mujeres, una postura anti-intelectual aguda, poca sensibilidad y mucha banalidad, además de demasiada desinformación y mentiras. Yo no veo nada de radical en todo esto, más bien lo opuesto. The Proposal de Jill Magid, además de ser un completo fraude en sus intenciones patrimoniales se sustenta y contiene una propuesta regresiva y reaccionaria disfrazada de cuento de hadas.

Imagen: The Dinner, Museo de Arte de Zapopan, Guadalajara, México, 19 de julio de 2014 | San Francisco Art Institute. 

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[1] El denominado “bunker” es en realidad un Luftschutzraum, un espacio que es obligatorio construir por ley en Suiza en cualquier edificación (casas, escuelas, empresas, fábricas) a partir de la posguerra y que por lo general se utiliza como bodega.

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Daniel Garza-Usabiaga cursó una maestría y doctorado en Historia del Arte en la Universidad de Essex, Inglaterra. Posteriormente realizó un postdoctorado en el Instituto de Investigaciones Estéticas de UNAM. Se desempeñó como curador en el Museo de Arte Moderno de la ciudad de México y como curador en jefe en el Museo Universitario del Chopo. Recientemente estuvo a cargo de la dirección artística de Zona Maco, además de ser curador independiente.

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Pamela Ballesteros es periodista y gestora cultural. Se desempeñó en las áreas de comunicación y difusión en el Antiguo Colegio de San Ildefonso y el Museo Universitario del Chopo. Actualmente escribe en diversas publicaciones digitales e impresas y es editora de la revista digital de arte contemporáneo GASTV.

Publicaciones LABOR

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Por GASTV | Agosto, 2016 

Como parte de sus proyectos, la galería LABOR cuenta con una colección de publicaciones que abordan el trabajo de sus artistas desde la presentación de obra hasta el análisis de su producción. Lo mejor: los proyectos están disponibles para consultar libremente en línea.

Algunos de estos trabajos: Conecta los puntosde Ernesto Mallard y Pedro Reyes, en el se presenta un diálogo entre ambos artistas a manera de entrevista y que, a su vez, devela el diálogo creativo y el interés de Reyes por la obra de Mallard; o Laser/Disc/Scratch/Destruction, de Raphael Montañez Ortíz (Editado por Pedro Reyes), es un repaso por la obra de Montañez a partir del concepto que aborda en sus acciones: la destrucción.

Otros de sus títulos son Método de Interacción * Orden aleatorio, de Nicolás Paris, On Hospitality, de Etienne Chambaud, 50 metros de distancia o más, de Irene Kopelman o La verdad divina, de Jorge Satorre.

Foto: LABOR.

*Otros proyectos editoriales: Librería kurimanzzuto | Publicaciones del El Centro de Arte Dos de Mayo | SubVersiones. Agencia Autónoma de ComunicaciónPublicaciones de Fundación Jumex | Contracorriente | Revista La que arte | CURA | Salon Kritik | Revista nini | Kaja Negra | Hidra + Libros | Foro de Editoriales Impresas | Editorial Cascajo | Taller de Ediciones Económicas | Gato Negro | Catálogo Contemporáneo | Ediciones Acapulco | Ediciones Transversales | Sexto Piso | Tumbona Ediciones Biblioteca Aeromoto | La Caja de Cerillos | Novela gráfica | Sur + Ediciones

Librería kurimanzutto

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Por GASTV | Agosto, 2016 

Kurimanzutto es una de las galerías más importantes de México. Entre sus proyectos destaca la difusión de proyectos editoriales que se encuentran a disposición en la librería de su espacio. Su plataforma de exhibición editorial está enfocada en difundir el trabajo de los artistas que conforman su plantilla, a través de catálogos de obras, libros de artista, libros para dibujar, investigaciones teóricas, obras gráficas o proyectos especiales que nacen de las propuestas de los propios artistas.

Algunos de sus títulos destacados son Los dos amigos (2006) de Abraham Cruzvillegas & Dr. Lakra, que documentó el diálogo y los procesos creativos de ambos artistas que han sido amigos y colegas por más de 20 años; Caca Grande (2010), de Carlos Amorales un libro para niños que cuenta la aventura de una pequeña gatita de caca; el catálogo de la exposición Panamericana (2010), que abordó los conceptos de identidad y cultura panamericanos; Primitive (2011), de Apichatpong Weerasethakul, que documenta una de sus exposiciones más importantes presentada en el New Museum de Nueva York; o Never Odd or Even Vol. 2 (2011) de Mariana Castillo Deball, que es un antología de forros de libros inexistentes acompañado de contribuciones de autores como Mario Bellatin, Abraham Cruzvillegas, Adriana Lara, Pablo León de la Barra y Antoni Muntadas, entre otros.

Fundada en 2008, la librería de kurimanzutto cuenta con más de 200 títulos a la venta, así como colecciones de poesía, ensayo, discos de vinilo y material audiovisual. Colabora con editoriales independientes y muestra el catálogo de la editorial Alias.

Recientemente, kurimanzutto libros abrió su tienda en línea, con más de 200 títulos disponibles entre monografías de artista, publicaciones especializadas y ediciones limitadas.

Foto: bom dia books.

*Otros proyectos editoriales: Publicaciones del El Centro de Arte Dos de MayoSubVersiones. Agencia Autónoma de ComunicaciónPublicaciones de Fundación Jumex | Contracorriente | Revista La que arte | CURA | Salon Kritik | Revista nini | Kaja Negra | Hidra + Libros | Foro de Editoriales Impresas | Editorial Cascajo | Taller de Ediciones Económicas | Gato Negro | Catálogo Contemporáneo | Ediciones Acapulco | Ediciones Transversales | Sexto Piso | Tumbona Ediciones Biblioteca Aeromoto | La Caja de Cerillos | Novela gráfica | Sur + Ediciones

Traducción | No hay alternativa: El futuro es la autogestión / Parte II

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Por Stephan Dillemuth y Jakob Jakobsen, Agosto, 2016 | Traducción: Ching Shih Traducciones, María José Chávez y Aline Hernández.

Recuperar la Autogestión

La primera parte de nuestro texto ‘No Hay Alternativa: EL FUTURO ESTÁ EN LA AUTOGESTIÓN’ (TINA1, por sus siglas en inglés), fue primero publicada en el 2005, un período en el que ‘los espíritus animales’ de la acumulación rampante estaban aún ebrios de su propio sentido de infalibilidad. En aquel momento, no podíamos dejar de notar un exceso de confianza y arrogancia similar en la actitud de las clases políticas, directivas y profesionales que avanzaban hacia las capas más profundas de las instituciones culturales y educativas.

Por ello nos sentimos inseguros respecto a aceptar una invitación para especular sobre la autogestión, extendida por un órgano de control que recientemente había reivindicado su postura en cuanto a su tendencia y discurso. La organización en cuestión, el Instituto Nórdico de Arte Contemporáneo (NIFCA, por sus siglas en inglés), se tornó vulnerable cuando la programación de corte progresista, por la cual había ganado reconocimiento internacional, perdió sincronicidad respecto a los cada vez más limitados y estrechos intereses de sus patrocinadores políticos. Sin mayor consulta, en el 2006 el Instituto fue cerrado y sus financiamientos fueron redirigidos a una organización ‘más controlable’, sin oposición pública o protesta significativa alguna.

En TINA1 buscamos re-pensar la autogestión, un término que había ganado fuerza como medio para encubrir reestructuraciones organizativas, lidiar con la crítica y realzar trayectorias profesionales. El texto buscaba devolver la autogestión a su léxico rebelde y revolucionario, confrontándola también con los términos ‘auto-ayuda’ y ‘espíritu emprendedor’, con los que se había comenzado a confundir, y cuya tendencia era estabilizar y ampliar la hegemonía institucional en vez de cuestionarla.

Eso fue en el 2005 —un mundo lejano— antes de que las contradicciones sistémicas empezaran a tornarse más pronunciadas y explotadas con tal frecuencia y con tal violencia y fuerza cegadora que los espíritus animales se desvanecieran, la imagen del eterno crecimiento fuera devastada y para la mayoría, fueran ahora ruinas las que circundaban.

La Resurrección que viene

En medio de un periodo de lucha intensa, de violencia y revueltas sociales, ¿quién necesita de economistas y comentaristas para recordarnos que esta es la peor crisis financiera que hemos atravesado, aún más aguda que la última? ¿Tan aguda como la de la década de los 90, 80, 70, y la segunda mitad de los años 20? ¿No está todo el tiempo alrededor de nosotros la evidencia? En las intensidades de las luchas laborales y los suicidios de los trabajadores en China y el Sureste de Asia, en la ulterior desposesión de los pobres en EU, o en los efectos punitivos de las medidas de austeridad impuestas por doquier, particularmente en aquellas economías neoliberales Europeas alguna vez vistas como ejemplares, tales como Grecia, Italia y España.

Por décadas, las catastróficas consecuencias con las que ahora lidiamos fueron diferidas al aumentar la rápida expansión y contracción del mercado, auge y caída. Aquí la crisis jugó un rol fundamental en el seductivo y sincopado ritmo de la ‘destrucción creativa’. La caída fue aplazada al ser vendida como auge -lo cual sin duda dejó ver una cierta creatividad. Una fórmula de proporciones casi redentoras fue divisada para cubrir el desastre, mientras que la supuesta necesidad de la desinhibida expansión del libre mercado podía sostenerse sancionando incluso el saqueo global más descarado. En conjunto, nuevas formas de desplazamiento, maniobras, embrollos y re-inventos, de fenómenos problemáticos, por decirlo de otro modo, permitieron que todo —incluso la deuda y la pobreza— continuara sirviendo a la acumulación capitalista.

Una temprana respuesta al colapso financiero del 2008 fue el eslogan ‘No pagaremos por su crisis’, que más tarde dio paso a la enunciación más mordaz ‘El Capitalismo es Crisis’. Esto destacó el hecho de que los más vulnerables no sólo están pagando un caro precio por la crisis, sino que la crisis está implícita en un sistema donde tal violencia y tal destrucción forman plenamente parte de su reproducción. En este punto debe hacerse una distinción entre crisis económica e ideológica. La primera es parte integral de la lógica de acumulación capitalista, que en su modo neoliberal ha sostenido que los ‘libres’ mercados tienden hacia la regulación de sí mismos y pueden por lo tanto inferir crisis como una manifestación temporal de dicho principio. La segunda es consecuencia de la primera: una ruptura en la creencia del capitalismo compuesta por profundas crisis sociales. Las clases medias más establecidas, por ejemplo, han sido arrojadas a la duda de sí mismos, habiendo perdido el sentido de hegemonía global y las seguridades materiales que durante décadas dieron por sentadas. Los pobres del mundo, mientras tanto, están como siempre siendo empujados aguas abajo.

Es esta congruencia de las crisis económicas ideológicas la que ha exacerbado la miseria por doquier —y, con ello, evocado fuerzas revolucionarias potenciales que aparecen ahora en las superficies. Conforme las cifras de los recientemente empobrecidos y proletarizados continúan aumentando, las clases medias precedentes se sientan cachete con cachete junto a aquellos cuyas esperanzas de escapar alguna vez encarnaron.

¿Pero podría decirse que esta recomposición es parte de un proceso revolucionario más generalizado? En cambio, lo que vemos es que las resurrecciones de tendencias zombies que están por venir, son plenamente compatibles con la lógica capitalista: nacionalismo, populismo, xenofobia y una obsesión con la seguridad —con el ser flanqueados por la propaganda, la vigilancia, el régimen dictatorial y/o estructuras tipo mafia.

La austeridad disciplinaria es presentada como una acción correctiva necesaria, una respuesta de emergencia a las crisis económicas y al colapso de los mercados globales. Si ello fallara en convencer, siempre está la historia de algún ‘sector público gastando de más’ y ‘viviendo a lo grande’ —un despilfarro popular para justificar el sacrificio colectivo. Después de todo, ‘estamos en esto juntos’. Estas narrativas son típicas de los exiguos intentos del capitalismo por legitimar sus excusas.

Bajo las ruedas

En las décadas recientes hemos visto una contigua integración de las dinámicas mercantiles y la cultura. Hemos atestiguado el continuo ascenso de las Industrias Creativas. Éstas prometían la liberación de los trabajadores alienados de Marx hacia un proceso de autonomía y autorrealización creativa. Mediante la creatividad exhalada por las manos y los corazones, otorgarían al capitalismo un rostro humano. Los artistas, con su idealismo, flexibilidad y entusiasmo, guiarían ‘su triunfante procesión alrededor del mundo’. Las esperanzas de este espectáculo fueron dobles: fortalecerían las creencias en la nueva fórmula capitalista y disfrazarían el hecho de que, como tantas otras cosas, la riqueza producida bajo el signo de la creatividad es el producto de una proliferación de especulación, de una creciente deuda. Y mientras tanto, bajo los engranajes de la procesión, talleres clandestinos, trabajo de menores, privatización de los comunes y el resto de desastres que acompañan la guerra de los ricos versus los pobres siguen sin debatirse.

 Como trabajadores del sector educativo y cultural, debemos reconocer que lo que pasa por crítica y politización, particularmente dentro de la comunidad del arte contemporáneo, ha probado ser aún más cínico que temido. Imitando las estrategias de la administración corporativa, las instituciones artísticas han adoptado la retórica de la responsabilidad social y la ética de gobernanza con el objetivo de parecer progresivas.

Bajo el disfraz de tendencias artísticas como la estética relacional o el nuevo institucionalismo, y de agendas estatales como la inclusión social, los privilegiados continúan con sus danzas nupciales. Las agendas políticas fueron despolitizadas, la lucha fue removida de la política mientras que las glamorosas instituciones se vestían como centros comunitarios y las corporaciones como casas de caridad. Aunque esto pudo no haber convencido del todo a los progresistas y reformistas radicales, ellos fallaron en exponer un proceso más profundo de des-estructuración, de vaciamiento organizativo y consolidación de las relaciones de poder existentes.

 Con el reciente colapso económico y la crisis ideológica del capitalismo, las ramas más progresivas del panorama institucional cultural se adentraron en un vacío, demostrando tanto pánico como parálisis. En algunos casos las superficies institucionales se tornaron más porosas y abiertas, mientras que en otros, se congelaron y contractaron aún más, tornándose aún más rígidas y conservativas. Bajo el peso del movimiento de ‘Occupy Wall Street’, el espacio Artist Space en Nueva York demostró, por ejemplo, cómo ambos procesos pueden ocurrir simultáneamente. En este caso, la administración apoyó al inicio su propia ‘ocupación’ por artistas-activistas. Pero el progresivo escenario ideal de participación ‘desde abajo’ se tornó de pronto indeseable cuando la ‘falta de demandas claras’ fue tomada como el motivo por el cual se hizo un llamado a la seguridad y se desalojaron a  los ocupantes del inmueble.

En 2008, una violencia y confusión institucional similar marcaron el escenario de la 28 Edición de la Bienal de Sao Paulo, en la cual la planta baja de la masiva muestra permaneció abierta para ‘la comunidad’. Cuando el grupo de graffiti urbano pixadores entró al espacio con sus latas de aerosol, como pudo esperarse, fueron desalojados forzosamente por la seguridad y la policía. Esta no era la ‘participación’ adecuada. Los estudiantes de la Universidad de Berkeley que ocuparon Wheeler Hall en 2010 no corrieron con mejor suerte: aunque la Administración no se enfrentaba más que a ‘una sentada pacífica’ llamaron a la policía del campus, quienes utilizaron gas pimienta para echar violentamente a los estudiantes de su hogar institucional.

Cuando los antagonismos no son eficazmente negociados o suprimidos, las instituciones tienden a manejar un bajo perfil ya sea reproduciendo la narrativa estatista de que la crisis es una anomalía que puede superarse, o rebuscando silenciosamente métodos para no ser cortadas o cerradas.

Si podemos estar seguros de algo en este momento, es de esto: para nosotros no habrá fianza. De hecho, es aún peor -comunidades, casas, espacios de trabajo y organizaciones han sido llamados para facilitar la nueva fase del desarrollo del capitalismo. La pregunta es: ¿qué haremos al respecto? Lo cual sólo es interesante en la medida en que es lo mismo que preguntar ¿qué podemos hacer al respecto?

Esto es, mientras permanecemos sujetos a un sistema engranado que tiende a exprimir dinero hasta de los escombros que produce, la tarea, desde nuestro punto de vista, es recordarnos a nosotros mismos que estos escombros pueden ofrecer una entrada relativa pero significante: a saber, un sentido esclarecedor de que no hay futuro neoliberal por construir, que ya no estamos obligados a competir como individuos por un pedazo del mundo del libre mercado. Con este telón de fondo, podemos determinar a aquellos en el sistema del arte por su posición y por lo que tienen que ofrecer en la preparación de una sociedad post-capitalista.

Carrera hacia el abismo

Sigue siendo urgente examinar cómo las instituciones aprendieron a exigir a sus sujetos (trabajadores, estudiantes, consumidores) a aceptar menos (salarios, recursos, apoyos) al tiempo que debían pagar más (cuotas y trabajo voluntario). Esto incluiría la intensificación del ‘vaciamiento’, donde las instituciones subcontrataron amplios sectores para cubrir su oferta de actividades, la base de su programación cultural que continúa legitimando su existencia. Y más recientemente, la retórica de la ‘des-institucionalización’ que, apartada de su contexto original vinculado con la salud mental y el cuidado de la comunidad, ganó aceptación entre los profesionales del arte como parte de una pragmática respuesta institucional a las agendas de austeridad.

El falso modo de consulta asociado con este discurso se han generalizado, demostrando que una mayor ‘apertura’ a fuerzas externas (y críticas) puede mitigar el impacto inmediato de la disminución de los fondos y huecos en la programación al asegurar participaciones gratuitas en todos los aspectos, desde los contenidos hasta el desarrollo estratégico organizativo. A modo de ejemplo, el Instituto de Arte Contemporáneo en Londres, al borde del colapso a finales de 2009, reunió representantes de la «comunidad artística crítica» para asistir a The Reading Group, un foro de discusión sujeto a invitación. Las preguntas de partida, aunque generalizadas, poseían claramente una función estratégica: ¿Qué trabajo podemos llevar a cabo?, ¿cómo podemos encontrar formas alternativas para pensar la producción y el trabajo? y ¿cómo podemos actuar colectivamente?

¿Cómo empezamos entonces a relacionar el impacto material de la ‘carrera hacia el abismo’, que podemos ver en todas partes —todos compitiendo todo el tiempo contra todos— con lo que aparentemente es una necesidad personal y al mismo tiempo institucional y, en efecto un deseo, por cooperar, trabajar juntos y autogestionarse? Para contrarrestar esta aparente inexpugnable dinámica, debemos continuar definiendo las características y patrones medulares del sistema, especialmente mientras estos evolucionan y cambian. ¿Tenemos alguna otra opción que aliarnos con esta ira explosiva que se ha desencadenado en las calles, dirigida de forma tan incisiva a los sitios simbólicos de conocimiento, riqueza y poder?

¿Qué rol juegan las instituciones académicas y culturales durante este periodo de acelerados cambios? Dada la actual escala de recortes y devastaciones, estos lugares, donde algunos de nosotros trabajamos, estudiamos, respiramos, plantean una decisión poco envidiable: ¿Apelamos a la autogestión, rompemos con la relación y luchamos contra ella entre las ruinas y aceleramos el proceso de colapso y destrucción? ¿O nos inclinamos por formas más tradicionales de oposición, ralentizamos el proceso en búsqueda de un refugio en medio de la violenta tormenta? Estas preguntas nos persiguen hasta las ruinas, un devastado paisaje donde los términos pueden haber cambiado, pero la lucha, que permanece como lucha de clases, continúa. 

Mientras nos adentramos en las ruinas, ¿pueden el sistema del arte, sus instituciones y la producción artística, por ejemplo,  jugar un rol en el des-aprendizaje del capital? ¿Pueden figurar en un proceso más amplio de des-educación y des-aprendizaje? ¿Pueden contribuir a la salida, al movimiento hacia fuera del capitalismo? ¿Pueden aquellos en el sector cultural y educativo ubicar nociones de colectividad y comunismo más allá de la especialización que continúa imponiendo el modo capitalista de producción? ¿Pueden estas luchas vincularse, ampliarse? ¿Pueden contribuir a espacios post-capitalistas, des-especializados que posibiliten formas de producción cultural y compromiso, en su sentido más salvaje?

 Aquellos con la necesidad de dar continuidad a la autogestión lo harán en relación con los tiempos y ritmos de sus respectivas luchas. Algunos de nosotros nos autogestionamos porque todavía nos es posible y no tenemos otra opción, mientras que otros lo hacen para sobrevivir, para resistir. La autogestión está sujeta a una forma dominante de organización sólo con el fin de diferenciarse de ella. Bien se trate de los trabajadores en las plantas de producción o de artistas-revolucionarios en otros sitios, el deseo de autogestionarse está ante todo atrapado en la contradicción de que tanto afirma como rompe con el orden dominante. Si aceptamos entonces que la autogestión sirve a un propósito y punto específico de cualquier lucha, podríamos también preguntarnos: ¿En qué punto es posible trascender la autogestión? ¿Y cómo se vería esto?

Hacia las ruinas

No hay porque tener miedo a las ruinas, donde algunos de nosotros nos encontramos ya, porque podrían representar el fin de las relaciones capitalistas y la disolución de sus opacos cuerpos administrativos. Resulta difícil sentirse preocupado por los modos en que el término autogestión ha sido reasignado por aquellos para quienes la autogestión está sujeta a su aura de radicalidad con el fin de perpetuar su enfermizo poder. Los resultados deseados de la autogestión no son la afirmación del sí mismo, del individuo, de la institución -sino la negación de dichas relaciones.

Tome la fábrica (otra vez), ocupe las escuelas, colegios, universidades, hospitales, destroce las dictaduras administrativas, menosprecie las reformas, tome el transporte público, descarte la auto-ayuda, bloquee a los emprendedores, supere a los jefes, cancele cualquier contrato poco fiable, acabe con la autoría, vuélquese contra los directores, directivos, curadores, administradores, irrumpa en sus oficinas, libere sus ‘recursos’.

En todas sus formas, la autogestión es un proceso social necesario y básico cuya base inicialmente es un problema o condición, que después es abordado colectivamente. Es una herramienta colectiva, un medio para movilizar habilidades, experiencias, apoyos, recursos y conocimiento. Viendo hacia atrás (y hacia adelante), percibimos su rol en la formación de consejos democráticos (soviéticos, Räte[1], consejos), donde las políticas eran desarrolladas a partir de la fábrica, del jardín infantil, de los barrios —y donde las personas se reunían para organizarse práctica, artísticamente e intelectualmente.

Pero debemos señalar que la toma de decisiones y debates en torno a los procesos ejecutivos y legislativos pueden producir estructuras más amplias y complejas -una unión de consejos. Para poder ganar mayor impacto a través de diferentes experimentos en la autogestión, eventualmente será necesario unir fuerzas, organizarse y vincularse más allá de intereses específicos y singulares.

Emita peticiones imposibles, no realice exigencias, no diga nada, niegue todo, destroce los salones de clase, ponga el conocimiento social en práctica, reoriente aquellos años perdidos de educación, construya nuevas herramientas, socave y cuestione la normalización, destruya el populismo y el nacionalismo, dese espacio, opóngase a la reforma, a las negociaciones, a las explicaciones, no hay demandas en su lenguaje, grite, vocifere, baile, genere alborotos, rompa, joda, haga ruido, permanezca en silencio.

 Como hemos visto en luchas recientes, es necesario trabajar contra la tendencia de cortar procesos de autogestión de corrientes potencialmente revolucionarias para ganar tiempo. El contexto y las infraestructuras para esas conexiones están por doquier y en todo momento. ¿Pero cómo pueden conjuntarse de tal modo que sea posible mantener la ‘diferencia’, dar lugar a tensiones y antagonismos, y a que las disputas sean productivas? En el proceso de su propia negación, la autogestión debería de continuar cuestionando términos como el consenso, la unión, la solidaridad y la democracia.

Haga el intento, fluya, continúe moviéndose con otros, disfrute de los fracasos, de los campos, de la comunicación, la interacción es producción, rescriba la historia, redefina la identidad, des-aprenda la propiedad, haga demandas en otro lenguaje, redistribuya lo sensible, des-especilice, re-especiale, re-imagine el presente, socialice la depresión, cree nuevos diccionarios, vocabularios, léxicos, índices, catálogos, nuevos mapas. 

Continuar produciendo cultura, a pesar del predominio del capital y sus instituciones, no es un llamado a una utopía autocomplaciente, o un prepararse para una forma de vida separada de la producción y la creación de plusvalía. En cambio, significa probar nuevas formas de colaboración y desarrollar una diferente medida y comprensión del valor. Aquí la producción encarna la mutualidad, el estar juntos, nuevas relaciones sociales dinámicas, todo lo que continúa ocurriendo entre las ruinas, ayudando a acelerar la expansión de los comunes y una transformación total de las relaciones sociales.

Bloquee, deténgase, hágase a un lado, ataque, opóngase, desentierre, confronte, destruya, junte su mierda y entrañas, boicotee, total disenso, compras proletarias, pegue y huya, critique,  depúrese, encuentre camaradas inesperados, abrogue, destruya el dinero, vea cómo la mierda se viene abajo, baile entre las ruinas. 

Desestabilizar la restructuración capitalista es una tarea clave, continuar ampliando las grietas, bloquear cualquier intento de reformar lo que sea que sea posible. Debemos construir, proteger y defender las comunas y los comunes que serán base para la vida post-capitalista. Como hemos visto, la mayoría de los estados y sus instituciones pueden poner el interruptor en modo de emergencia sin previo aviso, desatando niveles de extrema violencia que son proporcionales sólo a su propio miedo -sin ninguna amenaza real. El nuevo combate está en marcha por todas partes —en el internet, en la calle, en la esfera pública y privada; todos están o bien en un estado de emergencia o amenazados por inminentes invasiones. Debemos mantener las alianzas y continuar desarrollando el lenguaje destructivo que moldee la salida.

Fusiónese, organícense, des-organícense, fluyan juntos, unan fuerzas, intercambien experimentos, experimenten con sí mismos, desháganse de ustedes mismos, lentamente, empiecen a sintetizarse, sincronizarse, enlazándose, dando forma a estructuras, jueguen con fuego, céntrense en los laboratorios de investigación, en formas convergentes de comunicación y colaboración, de anti-propiedad, no-propiedad, sin-propiedad, de no-propiedad, de educación no-patriarcal, de auto-educación, de co-educación, de experimento, arrojen por la borda su profesionalización, experimenten, no programen, abran a la fuerza los archivos, habiten historias, desentierren los huesos de los escombros, reanimen la larga larga memoria de las luchas políticas, victorias y derrotas, activen utopías conflictivas, lleven a cabo conocimiento onírico. 

FIN

Anthony Davies (Londres), Stephan Dillemuth (Munich), Jakob Jakobsen (Copenhague) Con el apoyo editorial de Pauline van Mourik Broekman (Londres), Febrero 2012.

*Agradecemos enormemente a Stephan Dillemuth, Anthony Davies y Jakob Jakobsen por permitirnos la traducción y publicación de su texto con el propósito de poder difundir materiales entre la comunidad interesada y enriquecer así los debates y reflexiones que actualmente tienen lugar. Finalmente, el proceso de traducción de este texto se vio alimento por una traducción previa que llevaron a cabo los compañeros de abstractpossible.org

Imagen: Cortesía de Commons Transition.

Colección de publicaciones descargables del CA2M

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Por GASTV | Agosto, 2016 

El Centro de Arte Dos de Mayo es uno de los espacios artísticos con una de las plataformas editoriales más completas para consulta en línea y más interesante en cuanto a contenidos. En su página web cuentan con una colección que incluye algunas de sus publicaciones generadas desde 2008, entre las que se encuentran catálogos de exposiciones e investigaciones teóricas y/o académicas.

A diferencia de los catálogos en otros museos, los del CA2M son verdaderas investigaciones de la obra de los artistas o el proyecto curatorial que, además de aportar material extra para abordar la muestra, se entiende como una extensión analítica y reflexiva de la misma.

Entre sus títulos destacan: Fetiches críticos. Residuos de la economía general (2010), de la exposición curada por El Espectro Rojo, Wilfredo Prieto. Amarrado a la pata de la mesa (2011) con textos de Ferran Barenblit, Gerardo Mosquera, Cay Sophie Rabinowitz y Jacob Frabicus; Estación experimental. Investigaciones y fenómenos artísticos (2011) con textos de Virginia Torrente y Pablo Martín Pascual; Lecturas para un espectador inquieto (2012) que incluye un serie de textos teóricos sobre asuntos recurrentes en el arte de las últimas décadas; PER/FORM_Cómo hacer las cosas con [sin] palabras (2014) con textos de Antonio Negri, Chantal Pontbriand o José Antonio Sánchez; o Entre el museo y la escuela. Aquí trabaja un artista 2014-2015 (2016).

Además  de poder consultarse en línea, todas las publicaciones están disponibles para descargar en PDF.

Imagen: CA2M

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SubVersiones. Agencia Autónoma de Comunicación

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Por GASTV | Agosto, 2016 

Bajo una premisa basada en la libertad de expresión y el periodismo ético, SubVersiones es una plataforma de comunicación que desde 2010 se ocupa de abordar información de corte social principalmente en México. Se trata de un medio en línea que lejos de generar contenidos masivos o de corte noticioso para alimentar en número su página, su línea editorial está definida por temas coyunturales que o son ignorados en los grandes medios o son abordados desde un enfoque parcial.

Sus categorías editoriales como Autonomía, Tomar la calle, Arte, Luchadoras, Migración, Seguridad, Ambiente, Justicia o Semillero comprenden reportajes, opiniones, crónicas o entrevistas de temas tan diversos como la violencia, la agroecología, el conflicto magisterial, cuestiones género y la ocupación de espacios públicos, entre otros.

SubVersiones está conformada por un colectivo de periodistas con sede en México. Comprometidos con la libre circulación de información, todos sus contenidos puede ser copiados, reproducidos y reutilizados bajo la licencia de producción de pares que promueve la defensa del software libre bajo la condición de dar crédito al autor y la fuente, distribuir el contenido bajo la misma licencia y no reproducir con fines comerciales, empresariales, políticos o económicos.

Imagen: SubVersiones | Fotografía: Bager / Tomada en İstiklal (la calle comercial que desemboca en Plaza Taksim) en enero de 2015.

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Publicaciones de Fundación Jumex

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Por GASTV | Agosto, 2016 

La difusión y promoción del arte contemporáneo es una de las principales misiones de la Fundación Jumex desde su establecimiento. La realización de exposiciones y la preservación de la colección de arte contemporáneo más importante de América Latina son sus principales estrategias, pero también, lo son el impulso y desarrollo de conocimiento a través del trabajo editorial. Los libros siempre han sido de su interés: la Galería Jumex en Ecatepec aún conserva una de las bibliotecas especializadas en arte contemporáneo más importantes del país. Y han conformado un proyecto de publicaciones que abordan las prácticas artísticas actuales desde la teoría y los libros de artista.

Aunque la mayoría de las publicaciones si bien parten de las propias muestras en la anterior Galería Jumex o el actual Museo Jumex para crear contenidos, sus proyectos está lejos de ser simples catálogos de obra o de exposición. Sus libros incluyen texto sed autores como Michel Blancsubé, Julieta González, Magalí Lara, Osvaldo Sánchez, Adriano Pedrosa, Nestor García Canclini, Patricia Martin, Patrick Charpenel, Roger Bartra, Guillermo Santamarina, María Minera y Cuauhtémoc Medina, por mencionar algunos.

Entre sus títulos destacan investigaciones como La invención de lo cotidiano (2009), que parte de la exposición homónima que se presentó en el MUNAL para abordar obras de diferentes épocas y corrientes que proyectan la representación del devenir cotidiano, An Unruly History of the Readymade (2008), que se presenta como una edición especial en caja con una serie de postales para crear una historia no-oficial del impacto del readymade en el arte; o El cubo de Rubik. Arte mexicano en los años 90, en el que el historiador y crítico Daniel Montero presenta una investigación exhaustiva sobre las condiciones y el contexto que hizo posible el empoderamiento del arte contemporáneo en México.

Otras publicaciones destacadas son Las ideas de Gamboa de Mauricio Marcín, Superflex: The Corrupt Show and The Speculative Machine o El cristal se venga. Textos, artículos e iluminaciones de José Luis Brea.

Imagen: The Side Up.

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3 artistas/1 departamento, 3 piezas / 0 engaños, en Los Ortodoxos

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Por GASTV | Agosto, 2016 

El 18 de agosto de 2016 fue la fecha que marcó el ingreso a la historia pública de Los Ortodoxos, un nuevo recinto de exposiciones de arte ubicado en la colonia Narvarte, en la Ciudad de México. Su surgimiento responde a un acto de camaradería y solidaridad frente a un momento de crisis, el cual quizá y desemboque, tal como ellos mencionan, en el establecimiento de un espacio independiente que se centre en la discusión y exhibición de arte en la ciudad.

Su muestra inaugural lleva por título 3 artistas/1 departamento, 3 piezas / 0 engaños, la cual, tal como dicta su nombre, está compuesta por tres piezas pictóricas, mismas que se localizan al margen de considerar la pintura o como un acto de resistencia o como un gesto romántico virado hacia la trascendencia. Por el contrario, como afirma Andrea Ferreyra, autora del texto curatorial, esta grupo de ortodoxia técnica: «Apuesta por una ironía y un ejercicio de humor».

La exposición no se limita únicamente a exhibir esperando a cambio la contemplación de los asistentes; impregnados del espíritu de camaradería que subyace a la creación de esta iniciativa, las obras serán subastadas en una rifa el día 30 de septiembre, con la intención de donar todas las ganancias para apoyar a la resolución de una crisis. Simultáneamente, con esta dinámica ejercen una crítica a los modos de circulación que dicta el mercado del arte.

Los boletos de la rifa tienen un costo de $100 y pueden ser adquiridos en el lugar de exhibición durante la muestra. El 30 de septiembre se anunciará al ganador durante la fiesta de clausura.

3 artistas/1 departamento, 3 piezas / 0 engaños  se presenta desde el 18 de agosto hasta el 30 de septiembre en Los Ortodoxos (Luz Saviñón 1911, int. 5, Ciudad de México)

Imagen: Fb Los Ortodoxos.

Preestreno: Te prometo anarquía, de Julio Hernández Cordón

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Por GASTV | Agosto, 2016 

Dos chicos skaters que sostienen una relación romántica venden sangre que consiguen de diferentes donadores a través de estafas; en una de las transacciones involucran a 50 donadores con una banda de narcotraficantes, será este momento en el que colapse su negocio y tengan que buscar la justicia por mano propia. Te prometo anarquía, película dirigida por Julio Hernández Cordón se ha convertido a partir de su estreno en una cinta de culto sin haber sido proyectada en las salas de distribución aún. Galardonada en el Festival Internacional de Cine de Morelia, y presentada en unos cuantos más fuera del país, este largometraje se ha posicionado como un punto de referencia para una generación, así como una forma particular de hacer cine.

El próximo 26 de agosto, a las 7 pm, el Cine Tonalá realizará una proyección previa al estreno de la película, en la que participarán en una ronda de Q&A miembros del elenco. Para culminar con el evento, habrá un coctel.

Imagen: Outnow.