Por GASTV | Julio, 2016 

La 32 edición de la Bienal de  Sao Paulo se llevará a cabo del 10 de septiembre al 11 de diciembre en el Pabellón Ciccillo Matarazzo de la ciudad brasileña. Bajo la curaduría de Jochen Volz en colaboración con un equipo conformado por Gabi Ngboco (Sudáfrica), Júlia Rebouças (Brasil), Lars Bang Larsen (Dinamarca) y Sofía Olascoaga (México), el título de la exposición, Live Uncertainty, enmarca los conceptos que se buscarán explorar a través de la obra de más de 80 de artistas internacionales.

En medio de un acceso y exceso vertiginoso de información, la incertidumbre y la entropía prevalecen frente a un caos mediático y un contexto marcado por las crisis social, política y económica. Así, la bienal busca partir de estas nociones para reflexionar en torno a las condiciones de vida actuales y las posibilidades que puede ofrecer el arte contemporáneo para albergar las incertidumbres diarias.

Live Uncertainty contará con la participación de 82 artistas de 33 países, que fueron invitados después de un proceso de investigación que comenzó en 2015 con el objetivo de presentar trabajos que proyectaran y especularan sobre las condiciones de una vida en incertidumbre. De acuerdo con Jochen Volz, con la selección de artistas se busca “comprender la diversidad, observar lo desconocido y cuestionar lo que asumimos como conocido. Vemos los diferentes conocimientos de nuestro mundo como un complemento y no como una exclusión”.

Entre los artistas participantes se encuentran Anawana Haloba (Zambia), Bárbara Wagner (Brasil), Carla Filipe (Portugal), Carlos Motta (Colombia), Carolina Caycedo (Reino Unido), Ebony G. Patterson (Jamaica), Eduardo Navarro (Argentina), Em’kal Eyongakpa (Camerún), Felipe Mujica (Chile), Francis Alÿs  (Bélgica), Hito Steyerl (Alemania), Iza Tarasewicz (Polonia), Koo Jeong A (Corea del Sur), Maria Thereza Alvez (Brasil), Naufus Ramírez-Figueroa (Guatemala), Pierre Huyghe (Francia), Rachel Rose (Estados Unidos), Susan Jacobs (Australia), Víctor Grippo (Argentina) y Mariana Castillo Deball (México), entre otros.

Imagen: Montaje de la obra de Bené Fonteles para la 32 a bienal de Sao Paulo. 08/07/2016 © Pedro Ivo Trasferetti / Fundación Bienal de Sao Paulo.

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La nostalgia que produce el pasado inmediato posee un toque personal: hay objetos asociados a avances tecnológicos que, si bien no existen más, remiten irremediablemente a pasajes familiares y cotidianos, así como a espacios hogareños que narran, sin forzarlo, las historias de los individuos. Son este tipo de emociones las que se generan al mirar las piezas de Gabriel de la Mora que componen la muestra Sound Inscriptions on Fabric.

De la Mora trabaja con objetos encontrados y recontextualizados, como fotografías antiguas, daguerrotipos, suelas de zapatos e incluso cascarones de huevo, los cuales, desde su nuevo emplazamiento y disposición, construyen significados alternos, que oscilan entre su origen y un estatus de contemplación y revelación.

En Sound Inscriptions on Fabric, 55 pares de pantallas de bocinas son removidos de sus cuadros, extendidos y reenmarcados. Las formas que cada pantalla de tela posee son el resultado del polvo y la tensión que se generó en cada una de esas bocinas, así como las transmisiones y canciones de las cuales fueron portavoz. Sus ecos y retumbes terminaron por materializar siluetas y dibujos geométricos, los cuales adquieren una nueva vitalidad en esta exposición.

Durante la muestra se presentarán dos performances a cargo de la artista Thessia Machado, quien vincula en sus piezas performáticas las artes sonoras y el dibujo.

Gabriel de la Mora. Sound Inscriptions on Fabric se presenta en The Drawing Center, Nueva York, EU, hasta el 2 de septiembre de 2016.

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Imagen: The Drawing Center.

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La aparición de bienales en diferentes ciudades del mundo es cada día más recurrente; su existencia responde a la necesidad de reflexionar desde diversas manifestaciones artísticas acerca de las problemáticas que atañen a dichas zonas de emplazamiento, ya sean éstas políticas, geográficas o sociales.

Este 2016 será el primer año que se realice CURRENT:LA Public Art Biennial, una bienal que pretende enfocarse en los problemas y acontecimientos específicos de la ciudad de Los Ángeles, California, los cuales resuenan en otras megalópolis del orbe. A través de sus discursos artísticos, busca profundizar las conexiones entre individuos y comunidades. Sus programas públicos, más allá de desarrollarse en una locación designada, serán itinerantes y se distribuirán por distintos puntos de la ciudad, para así activar la vinculación de los vecindarios y barrios angelinos.

La primera edición lleva por nombre CURRENT: LA WATER, la cual se abocará a obras y proyectos que se concentren en el agua como tópico, desde todas sus aristas: su escasez, conservación, usos y perspectivas  para el futuro próximo. Las obras participantes serán emplazadas al aire libre, entre las cuales se hallan las de Teresa Margolles (México, 1963) y Gala Porras-Kim (Colombia, 1984). Otros artistas participantes son Rirkrit Tiravanija, Edgar Arceneaux, Mel Chin, Candice Lin, Lucky Dragons y Kerry Tribe.

El equipo curatorial de la primera edición de CURRENT: LA WATER está compuesto por Ruth Estévez, Rita González, Karen Moss e Irene Tsatsos.

CURRENT:LA WATER se lleva a cabo en la ciudad de Los Angeles, California, EEUU, del 16 de julio al 14 de agosto de 2016.

Gala Porras-Kim, «Suppliment to Ballona Discovery Park Informative Signs.»
Imagen: Teresa Margolles, «La Sombra.» | Foto: Panic Studio LA.
Fuente: www.linktv.org

Imagen: Current LA WATER.

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Históricamente, la seda se ha constituido como un elemento polisémico investido de poder; sus características, técnicas de fabricación y valores están vinculados con circuitos comerciales, travesías extenuantes, secretos en su manufactura y un elevado costo que la posiciona como un objeto de deseo y lujo. Con pleno conocimiento de esta gama de connotaciones, el artista finlandés-alemán Matti Braun (1968) trabaja la seda como un soporte que silenciosamente remite a tránsitos humanos, tiempo y diásporas.

La galería OMR presenta la muestra individual de Matti Braun, SOL BO, hasta 9 de septiembre de 2016. Esta exposición se compone de 19 pinturas sobre seda, colgadas a muro, y una alfombra de arena que recubre todo el suelo de la galería. Las obras pictóricas muestran diversos degradados de color, los cuales, en su sutilidad, dan cuenta del tiempo en dos fases: aquél invertido en su realización y el que se fija como indicador de tiempo transcurrido. Por su parte, la arena en el piso es testigo del paso de los visitantes, los cuales dejan registrada, de manera efímera, su huella. Estos tránsitos entre piezas aluden a los viajes, tanto los históricos como aquellos que remiten a las dinámicas de globalización e inmigración actuales.

SOL BO es la tercera entrega de la trilogía que compone este proyecto de Matti Braun; la primera de ellas, Bo Lak, se mostró en Esther Schipper Johnen Galerie en Berlín, mientras que Lak Sol se exhibe actualmente en Kunstverein Heilbronn, también en Alemania. En cada una de ellas las piezas expuestas fueron similares, pero la arena varió de procedencias. Para SOL BO, ésta provino de las costas de Veracruz.

Matti Braun SOL BO se presenta en la galería OMR del 16 de julio al 9 de septiembre de 2016.

Imagen: Fb Galería OMR | Foto: jacobojc.

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Desde el 9 de julio y hasta el 23 de octubre, The Fruitmarket Gallery en Edimburgo presenta su exposición de verano con esculturas completamente nuevas de Damián Ortega. La serie está enfocada en cómo las diferentes fuerzas de la naturaleza (aire, agua, fuego y tierra) actúan de forma independiente pero también en relación con la raza humana.

Para esta muestra, los materiales jugaron un papel importante: la mayoría de las piezas están hechas principalmente de arcilla, considerado por el artista como el más elemental de los materiales. La selección de este elemento le ha permitido realizar ondas, esculpir icebergs o mostrar la erosión en un río a través de una secuencia realizada en ladrillo. Los resultados proyectan la capacidad escultórica tanto de la naturaleza como de la mano humana, al tiempo que muestra como el paisaje se ha dado forma por sí mismo y cómo se ha transformado por intervención del hombre.

Ortega presenta una nueva escultura conformada por una serie de herramientas que van desde las más primitivas hasta las más actuales o sofisticadas. El proyecto resulta una suerte de “archivo” con piezas que por su tratamiento técnico parecen haber sido encontradas en una excavación arqueológica. Aquí, la dualidad entre hombre y naturaleza también se hace presenta: mientras la serie celebra la habilidad que separa al humano de los animales, es también una observación crítica de los objetos que nos han permitido manipular el mundo a nuestro beneficio.

Imagen: e-flux.

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Después de la Ciudad de México, Guadalajara es una de las principales ciudades del país con una escena importante y activa de arte contemporáneo. En la década de los 90 cobró un impulso con el desarrollo de iniciativas curatoriales y educativas que tienen eco en las dinámicas actuales. Una nueva propuesta en el panorama es tan solo un ejemplo: Ladera Oeste es un espacio de arte independiente y sin fines de lucro fundado recientemente por el artista Jorge Méndez Blake y la curadora Geovana Ibarra.

El pasado 10 de julio inauguró con su primera exposición que reunió obra de artistas de generaciones y lenguajes tan diferentes como Vito Acconci, Santiago Borja, Pia Camil, Alejandro Cesarco, Edgar Cobián, Fiona Connor, Claire Fontaine, Karl Holmqvist, Runo Lagormarsino, Nicolás Lamas, Fernando Palomar y Allen Ruppersberg.

Jorge Méndez Blake estudió arquitectura en el Instituto de Estudios Superiores de Occidente, pero su práctica se ha desarrollado en el campo del arte. Es uno de los artistas más relevantes de su generación, su trabajo se ha presentado en espacios nacionales e internacionales como el MACG, la Fundación/Colección Jumex, la SAPS, el Stedelijk Museum Schiedam de Ámsterdam, la Zacheta National Gallery en Varsovia o el Museo de Arte Latinoamericano en Los Ángeles, entre otros.

Por su parte, Geovana Ibarra es curadora independiente. A lo largo de su carrera ha trabajado para proyectos como la Colección Charpenel, la Oficina para Proyectos de Arte (OPA), Central de Arte, así como en el Museo de Arte Raúl Anguiano y el Museo de Arte de Zapopan.

Foto: Facebook Ladera Oeste.

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Con el objetivo de generar un espacio alternativo al formato de exposición de las bienales o los eventos relacionados con el montaje de obras, la Primera Bienal Internacional de Obra Chiquita (BIOCH) se llevará a cabo en la Ciudad de México en septiembre. Su principal apuesta es recibir obra de formato pequeño y en escalas tradicionales, diferente a lo que convencionalmente se muestra bajo la categoría de arte contemporáneo. Además, busca otra forma de economía en términos de producción y exhibición.

Para arrancar con sus actividades, la BIOCH lanza una convocatoria a artistas jóvenes de entre 20 y 30 años de edad interesados en presentar obras de pequeña escala: 10 x 10 cm en el caso de obras bidimencionales (incluyendo proyecciones) y 10 x 10 x 10 cm para obras tridimensionales. Tanto la temática como la técnica son libres y se podrán aceptar intervenciones in situ siempre y cuando se respeten las dimensiones admitidas.

La fecha límite de registro es el 5 de agosto. Los artistas seleccionados por un jurado integrado por miembros ajenos al comité organizador de la Bienal serán notificados vía correo electrónico y públicamente el 29 de agosto. La primera exposición de la BOCH tendrá lugar en Nixon y se premiarán los tres primeros lugares durante la inauguración.

Para registrarse en la convocatoria es necesario enviar una hoja de registros con datos personales y una serie de documentos requeridos. Ambos se pueden consultar en la página web de la Primera Bienal Internacional de Obra Chiquita.

Imagen: Primera Bienal Internacional de Obra Chiquita.

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El filme comienza con una leyenda que revela tanto el procedimiento como las fuentes de Guy Debord: se han usado fragmentos de varias obras cinematográficas preexistentes desde un quiebre con su contexto original, así como un nuevo orden. Producciones de ficción de John Ford y Orson Welles acompasan visualmente la lectura de La Sociedad del espectáculo, la adaptación cinematográfica de la obra de mismo título del situacionista Guy Debord.

Guy Debord (1931-1994) fue un teórico político francés y miembro de la Internacional Situacionista. En esta obra, publicada en 1967, Debord discute la manera en la que la representación, desde las políticas capitalistas, se ha apropiado de la vida social, posicionando el espectáculo como terreno de juego en el que se gestan las relaciones humanas, ya no entre pares sino con las mercancías.

La sociedad del espectáculo se inscribe en un momento historiográfico conocido como la Historia social del arte. Fechado alrededor de la década de 1970, esta manera de hacer historia consistía en enfocarse en la cultura popular contemporánea, los medios masivos de comunicación, los planteamientos, desarrollos y alcances de la modernidad, y el arte como una forma más de imaginería de entre otras posibles. Hubo estudios sobre la comunicación visual, el diseño gráfico y el papel de los medios después de la Segunda Guerra Mundial, tópicos ausentes de las agendas de la alta cultura de la época. En ese entonces, la oferta cultural se vio multiplicada con la mercantilización capitalista, lo cual tuvo efectos en los campos de los estudios visuales, los cuales fueron forzados a ampliar sus objetos de estudio y a modificar sus jerarquías y cánones.

Seis años después de la aparición del texto, Debord se adentró en el lenguaje cinematográfico para transponer La sociedad del espectáculo. Formada por clips y material documental, la película muestra escenas sumamente contrastantes, que van desde la guerra y las estrategias armamentistas, hasta campañas publicitarias, de moda, imágenes y secuencias de mujeres hipersexualizadas y sueños aspiracionistas, sólo alcanzables a través de un poder adquisitivo desmedido. A casi 40 años de la aparición del libro, cabe preguntarnos: ¿qué tan vigentes son estas reflexiones en nuestro reino de las imágenes? Probablemente, su relectura resuene y arroje luz sobre nuestro contexto, así como otorgue pistas de resistencia.

Mira la película completa:

Imagen: www.revistaliber.org

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Localizada en el este de los Países Bajos, en los bordes del río Rin, se encuentra Arnhem, una ciudad con poco más de 150,000 habitantes. En ella, se lleva a cabo el proyecto Transmute 24.

Transmute 24 es el nombre del proyecto artístico coordinado por BiOP. Al percatarse del abandono del edificio KKN24, en el 2014 el artista logró obtener el permiso de utilizar las instalaciones de esta edificación en el olvido y transmutarla a partir de intervenciones artísticas, las cuales conviven con la naturaleza reinante, los recuerdos del sitio original y las nuevas prospectivas simbólicas del espacio en cuestión.

El KKN24 forma parte de la ex base militar Buitenplaats Koningsweg. Su estructura es la de un cuartel para dormir. Cada uno de sus 39 cuartos albergaba a 4 soldados, hospedando así en su momento a 156 militares. Mientras llega la fecha de la demolición de esta base, son varios los artistas que se apropian de sus espacios para crear piezas site-specific.

Entre los invitados figuran Ronald de Ceuster, Mathijs Lieshout, Naamloozz, Gijs Verhoofstad, Anke van den Brink, Dennis Gunsing/HPBK, Heimprofi Burger, Paulien Wittenrood, z\w\a\r\t magazine, Jacques Blommestijn, Rob Sweere, Wicher Hupkes, Saskya Kamps, Juan Caloca, Marjoke van de Plassche y Mark Kramer.

Las visitas al edificio se efectúan casi todos los sábados. Para más información puedes revisar las fotografías del KKN24 o el sitio web de Transmute 24.

Imagen: robsweere.com

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Han pasado 471 años desde que se escribió el texto La relación de Michoacán. Tal como su nombre lo indica, más que apegarse a un afán literario, este escrito tenía como intención dar cuenta de lo que atañía y caracterizaba al territorio michoacano: sus caminos, su flora y su fauna, las costumbres de sus habitantes y sus modos de vida. Esta recopilación servía como registro tanto histórico como político, una herramienta más para el dominio español representado por el Virreinato.

La distancia temporal no impidió que el artista Noé Martínez retomara La relación de Michoacán y se haya propuesto a usar ese texto como guía de viaje en diversos territorios del estado michoacano. Durante sus recorridos, se percató que no fue él el primero en darle un uso activo a este documento. De hecho, durante la década de 1980 sirvió como un texto reivindicativo para los grupos indígenas de la zona, con el cual reafirmaron su identidad.

Otro de sus descubrimientos fue el Taller de Investigación Plástica (TIP), un colectivo artístico militante afiliado a la organización campesina Unión de Comuneros Emiliano Zapata.

Un acto antes de un concepto es el resultado de la concreción de las notas del viaje, documentación, bibliografía, entrevistas y trayectos realizados por Noé Martínez. Son cuatro los ejes de la muestra, representados por alegorías zoomorfas y propias de la flora de la región: la calabaza representa las imágenes políticas; el pez se aboca a lo transitorio, como los eventos políticos; el árbol tiene que ver con los vínculos y ramificaciones con otros grupos similares durante los años 70, y la piedra, que evoca las utopías y los elementos fundacionales.

Las superposiciones temporales de todos estos acontecimientos acaecidos en Michoacán activan a través de las piezas de Martínez los conceptos de arte, política y participación. Las obras de Un acto antes de un concepto son esculturas, videos y documentos fotográficos.

La exposición Un acto antes de un concepto podrá visitarse hasta el 10 de septiembre de 2016 en Parque Galería.

Imagen: Facebook Parque Galería.

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A partir de hoy 11 al 14 de julio de 2016, se llevará a cabo el curso Introducción al arte contemporáneo, impartido por María Minera en la Galería Emma Molina, en Monterrey, Nuevo León.

No es secreto para nadie la dificultad implícita en poder asir el concepto de arte contemporáneo. En parte porque éste es móvil, dinámico y nomádico. Sus límites tienden a ser difusos, lo cual se presta a una serie de malentendidos e interpretaciones que, o bien suelen ser muy extensivas en sus consideraciones, o desacreditan toda manifestación artística contemporánea por igual sin que ésta sea procesada por un pensamiento crítico.

Al enfrentarse a las obras, exposiciones y demás derivados de la escena artística contemporánea, los espectadores se preguntan acerca del surgimiento del arte contemporáneo, de las herramientas que deberían tener en mano para lograr interpretaciones acertadas y para discernir entre lo que es y no es arte. Si bien estos planteamientos poseen cierto nivel de complejidad, lo que pretende este curso es brindar guías tanto históricas como interpretativas para que haya un encuentro renovado entre el público interesado y las obras.

María Minera es crítica e investigadora independiente mexicana. Su trabajo ha sido publicado desde hace casi 20 años en medios como El País, Letras Libres y La Tempestad, entre otros. Asimismo, sus investigaciones han aparecido en publicaciones como Drawing: The Bottom Line(S.M.A.K., 2015), y En esto ver aquello (Museo del Palacio de Bellas Artes, 2014), entre muchas más. Actualmente se desempeña como docente de SOMA.

Para mayores informes, escribe a cacotem@gmail.com 

Foto: SOMA.

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La semana pasada, la galería mexicana LABOR anunció que el artista Yuri Pattison se incorporará a las filas de los artistas que representa.

Pattison es un artista nacido en Dublin, Irlanda, en 1986. Es desde su contemporaneidad y punto de enunciación que desarrolla su trabajo: la mayor parte de sus exploraciones y prácticas artísticas apuntan, critican y analizan las implicaciones políticas de las tecnologías y el cómo ha cambiado nuestra concepción de las imágenes a partir de la aparición de internet como soporte, vehículo y contenido. El video, la escultura y los medios digitales (net art) son algunas de las técnicas de las que se vale Pattison. En la actualidad, sus temas de interés se centran en producciones online y offline, así como las tácticas para compartir información y archivos, y los conceptos de producción en la era de la economía digital.

Entre las exhibiciones de Yuri Pattison destacan sus shows individuales Architectures of Credibility (2015), en Helga Maria Klosterfelde Edition, en Berlin, y Free Traveller (2014), Cell Projects, Londres. Este año, Pattison se hizo acreedor del Frieze Artist Award, motivo por el cual producirá una instalación durante la feria de arte Frieze London, en el pabellón Frieze Projects.

En la página web de Yuri Pattison puedes conocer más acerca de su obra.

Imagen: Frieze.

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En la sección About de la página Border Destroyer, aparecen dos textos, uno en inglés, otro en español, ambos distintos. El escrito en inglés dice:

» I am the writer formerly known as Heriberto Yépez and I am building this new site.

I define myself as a post-Mexican writer, a post-national writer in general.

I was made in Tijuana. I am a persona non grata for, at least, two literatures.

The purpose of my writing is to destroy myself including everything.»

Border Destroyer es un proyecto editorial que se autodestruye en todos los niveles concebibles: desde fronteras temáticas, editoriales, gremiales, comerciales, de legitimación y autorales. Es así como Heriberto Yépez presenta su plataforma más reciente. Él se asume como un escritor no sólo incómodo para distintos cánones, sino para editores y lectores alineados a nacionalismos y políticas neoliberales. En un formato bilingüe, Yepez se propone publicar textos de diferentes temas, principalmente que versen sobre poesía, otras manifestaciones literarias, cultura, arte y las relaciones de poder que las tensionan.

Hay cartas críticas contra posturas que se alinean a los intereses el Estado, ensayos e investigaciones sobre Ulises Carrión y escritos que denostan, con justa razón, prácticas poéticas racistas como las de Vanessa Place. Casi todos los artículos son descargables en pdf dede la web de Border Destroyer.

*Otros proyectos editoriales: Manifesta Journal | Revista CIA | T-E-E | Revista La que arte | CURA | Salon Kritik | Revista nini | Kaja Negra | Hidra + Libros | Foro de Editoriales Impresas | Editorial Cascajo | Taller de Ediciones Económicas | Gato Negro | Catálogo Contemporáneo | Ediciones Acapulco | Ediciones Transversales | Sexto Piso | Tumbona Ediciones | Biblioteca Aeromoto | La Caja de Cerillos | Novela gráfica | Sur + Ediciones

Imagen: Border Destroyer.

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Por primer año, el SITAC trasciende su formato de tres días para desplegar el seguimiento en una segunda y tercera fases: Nodos, y la continuación de «Nadie es Inocente», la cual se llevará a cabo el 30 de septiembre y el 1 de octubre en la Universidad de las Américas, en Puebla.

La serie Conversatorios Puebla-Cholula se compone por tres encuentros dialógicos entre gestores culturales de dicho estado que abran espacios de reflexión sobre las relaciones de la política, la cultura y los circuitos artísticos. El resultado de estas charlas está encaminado al encuentro venidero.

La primera reunión tuvo lugar el 16 de junio en una casa privada en Cholula, Puebla. En esta ocasión se dieron cita José Luis Cortés Santander, Carlos Arias y María de Lourdes Fuentes. En dicho encuentro, se abordó la relación entre el Estado y la cultura, en donde, a diferencia de la capital mexicana, es el gobierno local quien absorbe las funciones de mecenas cultural, por sobre la iniciativa privada.

El reconocimiento de la inexistencia del mercado del arte en Puebla fue un denominador común entre los asistentes a la charla, quienes apuntan, por tanto, que los artistas jóvenes sólo hallan herramientas para consolidarse desde el discurso oficial. Además de la necesidad de formar relaciones con artistas consumados para alcanzar el reconocimiento, no hay una promoción visible de arte contemporáneo.

Otro de los temas a discutir fue la cultura del beneficio común. Éste se entiende como aquello que hace el Estado para que como ciudadano te sientas más cómodo en tu entorno. Al respecto, la comunidad artística siente que este beneficio común se ve condicionado a partir de una dinámica plagada de solicitudes y peticiones por apoyos. Asimismo, se habló de los diversos espacios independientes que han existido en Puebla; éstos se constituyen desde la autogestión, y funcionan como una alternativa a participar de las prácticas estatales. A pesar de que su presencia es fundamental, no terminan por vincularse de forma sólida. Es por ello que los participantes en este encuentro concluyeron que el circuito artístico poblano se halla desarticulado.

Imagen: SITAC.

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La galería Luis Adelantado presenta Un vacío edificado, muestra del artista mexicano Allan Villavicencio. Una reflexión sobre la pintura, sus problemas representacionales y matéricos forman parte de la práctica de Villavicencio, quien en su obra realiza operaciones que ocultan y destacan ciertos rasgos por sobre los otros: «¿Cuando vemos una imagen, qué estamos dejando de ver?».

El cuerpo de obras de Un vacío edificado apuntala la idea de la ciudad, así como su visualidad: obstrucciones, fracturas e invasiones de espacio se manifiestan en pinturas, objetos encontrados, esculturas e intervenciones. Villavicencio pone en el blanco la crítica de la naturalización del acaparamiento del espacio común desde el estandarte de lo privado, régimen bajo el cual habitamos todos y acerca del que muy poco reparamos en nuestros tránsitos diarios.

Desde su totalidad, Un vacío edificado termina por desbordarse y confundir los límites de la urbe y el espacio expositivo: se convierte en una muestra que resuena en nuestra cotidianidad y que, a su vez, inserta anormalidades que desvelan su monstruosidad.

Allan Villavicencio es un artista mexicano que  explora las obstrucciones viales y sitios urbanos. Entre sus exposiciones destacan Incitatus (2016), en la Celda Contemporánea, espacio de la Universidad del Claustro de Sor Juana, y Capital Flight, en Chalton Gallery, en Londres.

Un vacío edificado de Allan Villavicencio se presenta en la galería Luis Adelantado a partir del 14 de julio de 2016.

Imagen: Luis Adelantado.