Por GASTV | Marzo, 2016 

La primera biblioteca pública de arte contemporáneo en la Ciudad de México está buscando donadores. Aeromoto abrió su espacio en 2015 y planea expandirlo con la finalidad de ampliar su acervo bibliográfico.

La propuesta busca cubrir las necesidades de los usuarios y poner a su disposición mayor cantidad de títulos difíciles de consultar y adquirir en nuestro país. Así, la biblioteca lanza una convocatoria para reunir fondos, al mismo tiempo que recompensa a los donadores con publicaciones de tiraje limitado y diversos objetos.

Aeromoto comenzó operaciones como un proyecto fundado por cuatro artistas, y desde entonces funge como el primer espacio público de consulta en temas de arte contemporáneo, así como en artes visuales, filosofía, teoría del arte y distintas disciplinas que conforman la cultura contemporánea. Además de la consulta libre, el espacio de Aeromoto se abre para talleres, charlas y presentaciones de libros.

Las donaciones se pueden realizar aquí.

Foto: Kickstarter.

Por GASTV | Marzo, 2016 

La Casa de la Primera Imprenta de América presenta la muestra colectiva Lecturas del desconcierto, organizada por Galería Metropolitana con la participación de más de 30 artistas.

Este proyecto —integrado por piezas en distintos soportes— utiliza como punto de partida el desconcierto, desarrollado por cada autor desde diversas acepciones. A través de obras con un lenguaje propio, los artistas crean una mezcolanza de sentidos que buscan retratar las fragmentación y el aislamiento de las sociedades contemporáneas.

Entre los participantes se encuentran artistas emergentes como Alejandra Contreras Estopier (México, 1980), acreedora de la beca Jóvenes Creadores y participante de la XII Bienal de pintura Rufino Tamayo; Ricardo Cuevas Martínez (México, 1978), que ha llevado su trabajo a países como Francia, Canadá, Alemania, República Checa y China; Hazael González Castillo (México, 1974), quien obtuvo la beca PAEA de la Academia de San Carlos y fue seleccionado por CUADRO para aparecer en Salón & Guía de Artistas Emergentes; y Rodrigo Ímaz muestra obras llenas de referencias ocultas que el observador va encontrando a través de analogías poéticas de la naturaleza y el mundo humano.

Galería Metropolitana es el espacio de difusión de arte contemporáneo nacional y extranjero de la Universidad Autónoma Metropolitana. El lugar que comenzó operaciones en la década de los 80 y ha contado con la participación de personajes como Miguel Covarrubias y Francisco Toledo.

Foto: Facebook Galería Metropolitana.

Por GASTV | Marzo, 2016 

V&S galery presenta hasta mayo su proyecto Narvarte y política, un programa en el que se invita a artistas mexicanos y extranjeros a realizar un trabajo de análisis en torno a la colonia —donde además se encuentra el recinto de exhibiciones—, y que tiene como tema central la desaparición en distintos niveles: la desaparición de la memoria, de las ideas, de los cuerpos, los discursos y los objetos, por mencionar algunos.

El programa está destinado a generar proyectos de acción en los espacios públicos y se encuentra dentro del marco de Proyecto Narvarte, Arte y Política en el espacio público (P.N.A.P).

Los artistas seleccionados participarán en el taller de producción y en su seguimiento posterior, además de pláticas con invitados especiales y una muestra colectiva de resultados que se presentará en la galería.

Además de exhibir obras emergentes, V&S galery busca acercar al público a la escena artística a través de pláticas, conferencias, talleres y cineclub.

Imagen: V&Sgalery/facebook.

Por Tania Puente | Marzo, 2016

Recluida por decisión propia en su habitación de la casa familiar, sin hablar con nadie y vistiendo de blanco día tras día. Así transcurrieron los últimos años de la poeta estadounidense Emily Dickinson. En el dormitorio de dimensiones reducidas, acompañada de una mesa de noche, un quinqué y una ventana, Dickinson produjo uno de los cuerpos de obra poética más importantes de la historia literaria occidental. Al igual que sus poemas, su vida privada ha detonado investigaciones y especulaciones que intrigan y ayudan a comprender las enigmáticas condiciones de producción de su legado literario. Para la inauguración de la nueva sede de la galería OMR, el artista mexicano Jorge Méndez Blake presenta la exposición Ventana poniente, un homenaje a la obra y procesos de escritura de Emily Dickinson.

El espacio y la escritura, dos de los temas más recurrentes en la obra de Blake, se manifiestan en Ventana poniente, a través de esculturas y una serie de pinturas de gran formato. 

La escritura es un acto que implica la presencia de un cuerpo, así como el ritual del escritor. El contexto de creación y, por tanto, el producto son influidos por el espacio circundante. En el caso de Dickinson, su diminuta mesa constreñía su espacio de escritura. No obstante, su producción literaria se desbordaba; a partir de los límites del espacio físico, Dickinson fue capaz de crear sin restricciones. El aislamiento y el hacinamiento sirvieron como catalizadores. De la compresión nació su vastedad literaria.

En Ventana poniente, Blake invoca las condiciones de producción de la poeta con Escritorio de Emily Dickinson, una escultura realizada en cemento, que replica su mesa de noche. Pesada e inamovible, se erige como punto de partida de la creatividad y un objeto fetiche, al cual se le rinde culto. Asimismo, un quinqué contra la pared recuerda la iluminación que acompañaba las noches de la escritora. Bajo la premisa de que permanecerá encendido durante el tiempo de exhibición, el humo de su llama dejará una huella en el muro blanco de la galería.

Además del acto físico de escribir, la espacialidad está en la disposición del texto. Aunque laureada y reconocida en nuestro presente, la obra de la poeta norteamericana no vio la luz sino hasta después de su muerte. De los casi 1,800 poemas que escribió, menos de una decena fue sujeta a publicarse en vida. Esto se debió tanto a motivos personales como a criterios editoriales destazadores, que interferían directamente con su puntuación característica: la utilización de guiones. Atípicos, los guiones en el trabajo de Dickinson trazan nuevas posibilidades de lectura. Tornan la obra más amplia y fluida, impiden un fin y le dan una cadencia particular. Para la serie Todos los guiones de Dickinson, compuesta por 6 pinturas de gran formato, Jorge Méndez Blake extrae meticulosamente estos signos del cuerpo poético de la autora y los agrupa en 6 constelaciones erráticas, que dan una sensación renovada de amplitud y reivindican el uso de esta marca.

Al centro de la sala, una montaña de piedras de mármol. Su título es La montaña que tomó el lugar de un poema (para Emily). En la acumulación de elementos y su transformación puede comprenderse el homenaje de Blake a Dickinson: los paisajes que la poeta observaba desde su ventana y que después traducía en textos poéticos, la vasta cantidad de escritos, la saturación de guiones, el inabarcable silencio que acompañó a la poeta hasta los últimos días de su vida. Los reducidos espacios de Emily Dickinson hallan nuevas dimensiones en Ventana poniente: se expanden, mutan, son presencia. Los sitios físicos y textuales que ella habitó son reimaginados. Sin la necesidad de usar palabras, éstos pueden leerse.

Foto: L’enfer Des Arts.

Por GASTV | Marzo, 2016

Además de mantener vigente la convocatoria del programa Jóvenes Creadores, la Secretaría de Cultura a través del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (Fonca) integra convocatorias en distintas disciplinas.

Una de ellas dirigida a músicos ejecutantes para integrar el cuerpo de instrumentistas del Centro de Experimentación y Producción de Música Contemporánea (Cepromusic). Otra más convoca a actores, actrices y creadores escénicos del país a participar para integrar el Elenco Estable y el Equipo de Coordinadores de Talleres Escenotécnicos de la Compañía Nacional de Teatro (CNTeatro).

Por su parte, el Encuentro de las Artes Escénicas (Enartes) invita a grupos y solistas mexicanos profesionales de Danza, Música, Teatro e Interdisciplina escénica a participar en la selección de coreografías, conciertos, obras teatrales y espectáculos escénicos interdisciplinarios. Además del apoyo  que ofrece el Programa de Creadores Escénicos, con la finalidad de incentivar el desarrollo de su quehacer artístico, promover sus actividades así como fomentar las interpretaciones de excelencia en las distintas manifestaciones escénicas.

Tales convocatorias están disponibles aquí.

Foto: Secretaría de Cultura.

Por Aline Hernández / @AlineHnndz | Marzo, 2016

Hace unos meses la curadora e investigadora Andrea Ancira, quien recientemente ha sido acreedora a la beca Pernord Ricard y quien actualmente se encuentra en París realizando una investigación que derivará en una muestra en torno al cieneasta y artista Teo Hernández, publicó el libro Ars machina: la inscripción de la máquina en el arte donde ahonda en las relaciones entre naturaleza, arte y sociedad a través de la obra de dos artistas mexicanos Ariel Guzik y Leslie García.

Andrea, háblanos un poco sobre el libro, de manera general sobre qué trata. Como mencionas, es resultado de un proceso de investigación y reflexión colectivo que dio inicio en el seminario que tuvo lugar en el Museo Universitario del Chopo. ¿Qué te llevó a querer concluir dicho proceso de este modo y por qué te acotas al trabajo de Leslie García y Ariel Guzik?

En realidad Ars machina no es la conclusión del seminario. Si bien ese espacio fue la plataforma que me permitió comenzar a pensar y discutir lo que después derivó en el libro, el seminario tuvo su propia dinámica y sus propios procesos, que de hecho, resultaron en otra publicación con colaboraciones de todos los participantes y que espero se publique este año. En el ensayo que presenté en ese primer momento apenas logré esbozar un posible planteamiento crítico en torno al encuentro entre el arte y la tecnología. Crítico, en el sentido en el que, a diferencia de otras reflexiones de corte tecno-romántico, buscaba centrarme en dilucidar las formas en las que el capitalismo atraviesa, toca o pauta las prácticas y los discursos artísticos contemporáneos a través de la tecnología. Por otro lado, me interesó enfocarme en las llamadas artes mediales porque al recurrir a la tecnología, no sólo como un medio, sino concediéndole un estatuto similar al de una pieza o al objeto que se exhibe, el papel protagónico que la tecnología juega en estas prácticas artísticas es más evidente que en otras. Sobre la selección de los artistas, ésta estuvo determinada, sobre todo, por su interés en el tema de la naturaleza. Desde que comencé la investigación me pareció fundamental abordar el tema de la naturaleza al pensar la relación entre arte y tecnología, sobre todo para pensar el problema desde la perspectiva de Heidegger, Marx y la lectura que Bolívar Echeverría hace de ellos.

Al inicio del libro, mencionas que se trata de “un proyecto que busca examinar la aceptación de los artistas contemporáneos respecto a la tecnología así como su acercamiento, a veces ingenuo y otras tantas profético, a los modos en que ésta puede transformar la experiencia”. Creo que este acercamiento, la posibilidad de que este acercamiento ocurra, está bastante condicionado en nuestro país, pues son pocos los espacios con las condiciones necesarias para albergar o mostrar este tipo de proyectos, además de que hay, digamos, relativamente pocos apoyos, si bien recientemente hemos visto cierta incursión de estas prácticas, ¿qué opinas al respecto?

Creo que, desde el punto de vista de la recepción, lo que dices es cierto. El trabajo ligado a este tipo de prácticas generalmente es difícil de exhibir por la deficiente infraestructura con la que se cuenta, eso es innegable. Sin embargo, yo me atrevería a decir que al estar tan vinculadas con ciertos tipos de investigación científica e ideas de “desarrollo” económico, el apoyo a este tipo de prácticas así como a la creación de espacios que las exhiben, tanto públicos como privados, ha aumentado considerablemente, sobre todo en las últimas dos décadas y en las ciudades más grandes del centro y el norte del país. Estas prácticas ya no pueden ser pensadas como marginales, de hecho ya son el centro de atención de muchos centros de investigación y fundaciones que financian este tipo de proyectos.  En la Ciudad de México por ejemplo, existen programas de licenciatura en nuevos medios (en universidades privadas), espacios como el Centro Multimedia, el Centro de Cultura Digital, becas de la Secretaría de Cultura dirigidas específicamente a este tipo de producción artística y museos como el Arte Alameda o el Ex-teresa, dedicados a apoyar y difundir este tipo de prácticas.  En ese sentido, el acercamiento artístico a la tecnología al que refiero no me parece que dependa necesariamente de la cantidad de espacios de exhibición y/o sus condiciones sino más bien de la manera en la que los artistas deciden aproximarse a una tecnología contradictoria que por un lado tiene la capacidad de abrir horizontes de inteligibilidad y mejorar las condiciones de existencia de la humanidad, pero que por otro, en su configuración capitalista, esta capacidad revolucionaria queda subordinada al capital. De manera que cuando logra hacer lo primero, esto sucede en un segundo plano o como corolario y siempre acompañado por el imperativo del mercado y la ganancia. Ese es el doble filo de la tecnología actual, su capacidad afirmativa y a la vez destructiva. Hay artistas que se enfocan en uno sólo de esos filos pero hay otros que la abordan desde su naturaleza compleja y contradictoria proporcionando elementos para imaginar una estructura técnica diferente.

Puntualmente, en relación a Ariel Guzik y Leslie García, ¿cómo ha sido este acercamiento y condicionantes de producción? El tipo de proyectos que ambos producen implican mayores costos así como estructuras específicas para poderlos desarrollar, ¿cómo han logrado esto? 

Ese es justamente el objetivo del libro, explorar o hacer un balance respecto a la forma en la que estos artistas se acercan a la tecnología, y lo hago a través de examinar sus procesos de producción: modos de trabajo, discursos y materiales, etc. La hipótesis del libro plantea que la manera en la que las piezas de estos artistas construyen y representan una idea romántica de la naturaleza— anclada en la poesía del paisaje del siglo XVIII— es un indicio que nos puede revelar algunos aspectos sobre cómo deciden acercarse a la tecnología. Hubiera podido elaborar también una reflexión desde la recepción de sus piezas pero en este caso me interesaba enfocarme sólo en el proceso de producción, en descifrar cómo éste podría develar algunos aspectos de la compleja y muy mediada dimensión cultural del capitalismo en la práctica artística de cada uno de ellos. De ahí que proponga reflexionar si  el trabajo de imaginar, diseñar y construir dispositivos sonoros que sirvan como mediadores entre el ser humano y su entorno de Leslie y Guzik podría categorizarse como lo que Timothy Morton ha denominado “poéticas ambientales”, prácticas artísticas que pese a la intención de impugnar  ideas románticas, idealizadas o dicotómicas de la naturaleza y de buscar restituir una idea abierta o no conclusiva de lo que es la naturaleza,  reproducen conceptual y formalmente una noción romántica y nostálgica de ésta. A través de resaltar las cualidades estéticas del espacio natural, de los procesos vitales, así como de los ciclos de la materia y de la energía por medio de la producción de ambientes—espacios materiales y físicos que se consideran envolventes pero a la vez intangibles—, las piezas de estos artistas evocan una noción arquetípica de la naturaleza. En el capítulo “Convergencias: naturaleza, arte y máquinas” explico y matizo la manera en la que me parece que esto se manifiesta en la obra de cada uno de estos artistas.

Andrea, en uno de los capítulos del libro explicas que “el desarrollo de biomáquinas de Leslie García así como las numerosas prácticas que se sitúan en la intersección arte naturaleza son un ejemplo claro de que la distinción e interacción entre los procesos naturales y/o culturales que constituyen la vida y la experiencia humana siguen siendo una preocupación fundamental en la actualidad”, ¿en qué sentido es que consideras que son una preocupación fundamental para la actualidad y cómo crees que repercuten o pueden hacerlo más allá del marco institucional o de los espacios de exhibición y experimentación convencionales?

El debate entre naturaleza y cultura no es nuevo, es una discusión que ha generado muchas preguntas respecto a la relación del ser humano y su entorno. Me parece que las prácticas que se sitúan en la intersección entre arte y naturaleza se incorporan a dicha discusión planteando o poniendo en juego distintas concepciones de naturaleza que nos invitan repensar los metabolismos y por lo tanto las fronteras entre el mundo físico y el orgánico, a repensarnos a nosotros mismos y nuestro contacto con el mundo.  Creo que la repercusión de éstas y otras prácticas artísticas no necesariamente opera en el marco institucional ni en los espacios de exhibición como comúnmente se piensa sino en campo de lo sensible, en su capacidad de fabricar o producir verdades o apariencias sensibles que pongan en crisis, que nieguen o trasciendan lo que se nos presenta en el capitalismo como real o natural.

Sobre el proceso de reproducción social, explicas que la máquina remodelada estéticamente, abre posibilidades de describir “no sólo una nueva técnica de producción de objetos, sino también otra relación con el entorno” lo cual implica aportaciones al proceso de reproducción social, ¿en qué sentido entiendes estas aportaciones al proceso de reproducción social y no crees que en cierto sentido tanto son aportaciones como es resultado de este proceso mismo de reproducción?

Cuando menciono que la máquina, remodelada estéticamente, podría mostrar una “nueva técnica” y una relación diferente con el entorno me refiero a lo que Benjamin denomina “segunda técnica o técnica lúdica” la cual se vincularía a aquellas prácticas artísticas cuya aproximación radical y crítica a la tecnología podría dar lugar a una auténtica politización del arte ajena a la manipulación propagandística y, más bien, anclada en la prefiguración de la liberación de la técnica: en la colaboración creativa entre el ser humano y la naturaleza externa e interna que, a pesar de ser posible con el advenimiento de la modernidad, ésta ha sido negada una y otra vez debido al avance y la consolidación de la modernidad capitalista. El desarrollo de esta técnica lúdica, resultado del encuentro de la imaginación artística y el desarrollo tecnológico, tendría repercusiones directas en el proceso mismo de reproducción y, aunque parezca confuso, las condiciones para que se desarrolle esta nueva técnica devienen de ese mismo proceso de reproducción social, digamos que esa nueva técnica es condición y resultado del proceso de reproducción social. Creo que una aportación o implicación fundamental de esa “nueva técnica” sería la posibilidad revertir el proceso en el que, desde el siglo XVIII, la máquina se convirtió en instrumento de escalvización orgánica del trabajador en lugar de un instrumento de liberación.

Al inicio, cuando hablas de la posibilidad de una máquina radical, me parece  que esto  se concreta hacia la mitad del libro cuando abordas los modos en que ambos están buscando desarrollar una relación comunicativa a través de lenguajes más allá del humano, ampliando como explicas, la noción que comúnmente se tiene de la comunicación, el lenguaje y la traducción. ¿En qué sentido consideras importante este tipo de esfuerzos para abrir otras formas de comunicación no-convencionales y poéticas? Creo que nuestra realidad, la fuerte crisis que han logrado institucionalizar merece la pena abordar en estos tipos de lenguajes en tanto que propician también otras formas de imaginar, ¿qué opinas al respecto?

Algo que descubrí y que me llamó mucho la atención a la hora de revisar el trabajo y el discurso de ambos artistas, fue que tanto para Leslie García como para Ariel Guzik parece existir un lenguaje universal a través del cual consideran posible establecer una relación comunicativa entre la conciencia humana y la de las plantas o la de los cetáceos. A pesar de la representación romántica que estos artistas reproducen de la naturaleza en sus piezas y/o de su acercamiento, a veces, ornamental a la tecnología, estos artistas exploran otros lenguajes que amplían la noción que comúnmente se tiene de la comunicación. Creo que me enfoqué en este punto por el interés que, desde hace varios años he tenido en la prefiguración de lo común en el arte y en la vida cotidiana.  El filósofo Stvaros Stavrides sostiene que una de las formas en las que el arte puede ensayar y generar formas de comunalidad es a través de lo que denomina “prácticas de comparación” y “prácticas de traducción”. Para Stavrides, la comparación— como una práctica de apertura a la diferencia y a la alteridad— y la traducción— como una práctica que te permite abrir canales de comunicación y la posibilidad de compartir experiencias que producen nuevos niveles de comunicación— son herramientas fundamentales para cuestionar colectivamente aquello que se nos presenta como dado. La idea de la traducción y la manera en la que la comunicación opera en las piezas de estos artistas, más como una especulación que como un hecho,  me pareció una forma productiva para pensar las potencialidad de imaginar aquello que todavía no es o que desconocemos con visas a proyectar o comprender el presente y lo que podría ser el futuro.

Para terminar, quisiera que más que hablar del libro quisiera que me hablaras del proceso, ¿cómo fue para ti la experiencia de adentrarte en este tipo de prácticas, en  qué medida modificó tu concepción  y relación con estas formas artísticas y cuáles crees que son los aportes que podría tener para el mundo del arte y el mundo científico en cuanto extradisciplinarias?

Fue un proceso interesante aunque con ciertos altibajos que indudablemente se ven reflejados en la estructura y en el tono, a veces ambiguo, del libro. Creo que uno de los aspectos que me gustaría seguir explorando es el vínculo entre la investigación y la producción artística o creativa. Intuyo que hay algo en los procesos creativos que producen un conocimiento de una naturaleza muy distinta al conocimiento que se produce con otro tipo de aproximaciones que posibilita si no obtener respuestas, al menos detonar procesos y otras preguntas que se alejan del conocimiento institucional, a veces tan estéril, rígido y subordinado al capital.  Pienso en la posibilidad de concebir, un poco en los términos de Benjamin, un conocimiento lúdico, y precisamente ése creo que podría ser uno de los aportes más interesantes de estas prácticas extradisciplinarias para el mundo del arte y el mundo científico.

La publicación se puede adquirir aquí.

Por GASTV | Marzo, 2016 

El Museo de Arte de Lima (MALI) presenta De, desde, en, entre, hacia, la octava entrega del programa MALI in situ que consiste en invitar a artistas de distintas latitudes para crear obras para espacios determinados dentro o fuera del edificio del museo. En esta ocasión participan Rita Ponce de León (Lima, 1982), el arquitecto Pablo Pérez Palacios (México, 1980) y la bailarina Joelle Gruenberg (Lima, 1976), quienes intervinieron el vestíbulo del museo con una serie de estructuras provisionales implementadas en este espacio de tránsito y acceso a las salas de exhibición temporal del museo.

Con esta propuesta los artistas buscan que los visitantes encuentren y reconozcan de una forma distinta a la habitual, la manera en la que se relacionan con el espacio del museo. En el marco de la exposición se realizarán talleres que buscan expandir el significado de la obra, hacer evidente el proceso de trabajo realizado así como la interrelación de disciplinas que se intersectaron para llevarla a cabo.

De, desde, en, entre, hacia , curada por Sharon Lerner, se presenta en el Museo de Arte de Lima (MALI) hasta el 19 de junio de 2016.

Imagen: Ser peruano.

Por GASTV | Marzo, 2016 

TEOR/éTica, un espacio ubicado en San José, Costa Rica, presenta la exposición Lo escrito, escrito está, donde los artistas participantes abordan la palabra escrita como un medio para desestabilizar los poderes hegemónicos. El texto se usa para crear retratos que hagan visible todo aquello relegado por la Historia o cuya representación ha sido tergiversada o negada. De esta manera lo escrito sirve para revertir significados o discursos ya inscritos, así como poner en evidencia los vacíos de la memoria colectiva.

Los artistas que participan en esta muestra son Javier Calvo, Mimian Hsu, Andrés Rangel, Marton Robinson (+inserción Colección VPR), Christian Salablanca, Guillermo Vargas (Habacuc) y Stephanie Williams, quienes en sus obras expresan miradas acerca de cómo se construyen los discursos dominantes y lo que implican. Las piezas presentadas no son únicamente frases sobre un soporte sino que también son una invitación a pensar sobre las omisiones y la retórica que conforman nuestra vida social dentro del lenguaje.

Lo escrito, escrito está, curada por Lola Malavasi, abrió en TEOR/éTica, Costa Rica, el pasado 16 de marzo y permanecerá abierta hasta el 25 de junio de 2016.

Imagen: Costa Rica Indie.

Por GASTV | Marzo, 2016 

La convocatoria anual para arquitectos y despachos del Museo Experimental El Eco, en colaboración con Buró-Buró, invita a desarrollar propuestas que resulten en una intervención en el patio del museo durante un periodo de tres meses, dinámica en la que se busca entrecruzar la arquitectura con distintas disciplinas. De esta manera, se presentaron cinco proyectos que fueron valorados en términos de discurso, estética, programa, seguridad y viabilidad.

Parque Experimental El Eco de la oficina de arquitectura ELHC-APRDELESP es la propuesta seleccionada, misma que plantea transformar el patio del museo en un parque público temporal. Se trata de una invitación para habitar este espacio institucional de manera cotidiana, en el que los visitantes participen activamente en la construcción de la intervención a través de establecer nuevas dinámicas de uso para un espacio de índole público.

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Imagen: Museo Experimental el Eco.

Por GASTV | Marzo, 2016

El Laboratorio Arte Alameda (LAA) presenta Tv-Frenia, videoinstalación de la artista visual Paulina del Paso en colaboración con el artista sonoro Héctor Ruiz, conformada por una serie de video-collages que exploran los estereotipos construidos en la televisión nacional sobre hombres y mujeres, ricos y pobres, buenos y malos. En este trabajo, la artista reflexiona y cuestiona los contenidos de ciertos programas de televisión que evaden la complejidad de la naturaleza humana, y de esta manera, anulan la posibilidad de generar un proceso analítico serio por parte del espectador.

La videoinstalación está hecha a partir de la proyección simultánea de cuatro videos, con un diseño sonoro a cuatro bocinas que explora los discursos clasistas, racistas y machistas que abundan en nuestra televisión nacional. Cada parte pone en evidencia un estereotipo diferente que dialoga con su opuesto.

Tv-Frenia de Paulina del Paso se presenta en el Laboratorio Arte Alameda (LAA), a partir del 17 de marzo 2016.

Foto: INBA.

Por GASTV | Febrero, 2016

El Museo Jumex presenta El orden natural de las cosas, exposición articulada con obras pertenecientes a la Colección Jumex, misma que presenta algunas claves que seguirá el programa curatorial en los años siguientes bajo la perspectiva del nuevo equipo de curadores. La intención de la muestra es mostrar el papel del museo de arte contemporáneo como un espacio donde los artistas pueden buscar formas de trascender el canon de la historia del arte y el circuito institucional-comercial.

Esta exhibición se basó en textos como Penser/Classer (Pensar/Clasificar) de Georges Perec y en museos concebidos por artistas, como el Musée d’art Moderne, Département des Aigles de Marcel Broodthaers. Las obras de la colección se presentan en el marco de un museo ficticio, organizado en divisiones taxonómicas, que a la vez que ordenan, cuestionan los criterios de clasificación. El museo pretende abordar la cultura, el entorno construido, la información y la tecnología, así como la relación entre arte y vida como campos de acción importantes en el arte contemporáneo.

La exhibición incluye más de cien obras de artista como Eduardo Abaroa, Darren Almond, Miguel Calderón, Mariana Castillo Deball, Minerva Cuevas, Sam Durant, Dan Graham, Candida Hofer, Jonathan Horowitz, Mike Kelley, Louise Lawler, Gordon Matta-Clark, Gabriel Orozco, Damián Ortega, Richard Pettibone, Laurie Simmons y Andrea Zittel, entre otros.

El orden natural de las cosas, curada por Julieta González y José Esparza Chong Cuy, se presenta en el Museo Jumex hasta el 8 de mayo de 2016.

Imagen: El Sol de México.

Por GASTV | Marzo, 2016

Swinburne University of Technology, como parte de la celebración por los cincuenta años del movimiento Fluxus —el laboratorio internacional de arte, arquitectura, diseño y música—, ha lanzado de forma gratuita una copia digital de The Fluxus Reader, un libro editado por el artista y diseñador Ken Friedman (Connecticut, 1949) que ofrece una visión exhaustiva del movimiento descrito como el más radical y experimental de la década de los sesenta. Fluxus ha desafiado el pensamiento tradicional sobre el arte y la cultura por más de medio siglo, los artistas que forman parte de este grupo fueron centrales en la creación de nuevas formas artísticas como el arte conceptual, la instalación, el performance y el video.

A pesar de su influencia, debido a la escala y alcances de este particular fenómeno, ha sido difícil explicarlo en términos históricos y críticos normativos. En esta ocasión, académicos y expertos de Europa, Estados Unidos y Australia participan para ofrecer un panorama más amplio sobre este importante movimiento artístico. Originalmente publicado en 1998, el libro se agotó por varios años hasta esta nueva edición en PDF.

Puedes descargar The Fluxus Reader aquí.