Archivo para el marzo, 2015

Apuntes sobre dOCUMENTA 14 / Parte II, por Aline Hernández

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Por Aline Hernández / @AlineHnndz | Marzo, 2015

II. ¿Grecia como un experimento más de la unión monetaria europea?

La crisis griega, aunque parezca mostrar lo contrario, no surgió de la nada, sino que es resultado de una serie de procesos cuyo curso de gestación se extendió durante varios años. En este sentido, no fue entonces una crisis sin precedentes y frente a lo cual, vale la pena interrogarse de dónde viene esta percepción y debido a qué motivos es que se consolidó.

La entrada de Grecia a la Unión Europea implicó generar las condiciones para poder, precisamente, ser tomado en cuenta como un posible candidato. En este sentido, las cifras que de modo oficial se mostraban, tendían precisamente a validar esta dirección. Yiannis Kaplanis menciona que, entre algunos de estos puntos para ser considerados, había un crecimiento anual de la economía de un 4.2%, así como una reducción importante de la tasa de desempleo, que pasó de un 12% a un 8%. De acuerdo con Kaplanis, precisamente, mejoras de este tipo lograron que «En 2001, Grecia logró satisfacer gran parte de los criterios de ingreso (excepto el de la deuda pública) y entrar a la Unión Monetaria Europea (EMU), circunstancia que fue acogida por los partidos políticos. Entrar en un club de ricos como el EMU, llevó a las élites políticas y económicas de Grecia a celebrar, y mientras la mayoría de la población al inicio parecía compartir la euforia, pronto que se darían cuenta que, una vez más, eran ellos que tenían las de perder. La adaptación del euro significaba una gradual ecualización de los precios de la eurozona y como podemos ver a través de la última década, las tasas de inflación para países periféricos como Grecia, España y Portugal, eran más elevados que el promedio. Y aunque pudiera ser cierto que el promedio de salarios reales para dichos países se elevó en el mismo periodo, grandes sectores de la población terminaron peor que al inicio. El promedio de los sueldos reales no tomaba en cuenta la distribución de los salarios y las grandes injusticias prevalecían, al igual que aquella inflación, no significaba lo mismo para todos los grupos. Al ajustarse a estos factores, las ganancias de los trabajadores eran cuando mejor, mediocres, y no es sorpresa que un slogan común que la población utilizaba fuera «nos estamos convirtiendo en Europeos en términos de costo de vida pero no de salarios» (…) el gobierno griego implementó reducciones de salarios para que la economía pudiera ganar competitividad comparada con otros miembros, y por tanto, seguir a Alemania en una carrera al fono». (Yiannis Kaplanis, “An economy that excludes the many and an “accidental” revolt, en Revolt and Crisis in Greece: between a Present yet to pass and a future still to come, eds. Antonis Vradis and Dimitris Dalakoglou, Occupy London/AK press, 2011, pp. 218).

Esto da cuenta, por un lado, de las circunstancias a las que orillan a los países periféricos para poder ingresar a la Unión Europea. No se menciona, por el contrario que, en cuanto a bases reales, Grecia no estaba listo para ingresar. Las tasas de desempleo disminuyeron efectivamente, pero no a costa de generar empleos bajo condiciones medianamente dignas. Por un lado, las tasas fueron infladas, y por otro, los porcentajes de reducción ofrecidos se sustentaban en empleos precarios donde muchos de los trabajadores eran, en realidad, pasantes con trabajos a medio tiempo, sin salarios fijos cuando no muchos de ellos indocumentados. Yannis explica que «ha habido una política sistemática por parte de muchos gobiernos para cubrir posiciones orgánicas en el sector público y en los gobiernos locales contratando a jóvenes para sus programas de entrenamiento, muchas veces fundados por la Unión Europea, sin seguro y percibiendo salarios tan bajos como 500-600 euros. Los pasantes eran así empleados mediante contratos de corto plazo, mientras una proporción significativa se mantenía en los programas de pasantías. Dichos programas ofrecían de este modo una solución ideal para todos los gobiernos para el periodo a cubrir sus necesidades mediante los más bajos costos, y asimismo, reducir el desempleo.» (Yiannis Kaplanis, “An economy that excludes the many and an “accidental” revolt», en Revolt and Crisis in Greece: between a Present yet to pass and a future still to come, eds. Antonis Vradis and Dimitris Dalakoglou, Occupy London/AK press, 2011, pp. 219).

El mercado laboral logró así experimentar una notable precarización de las condiciones así como un desarrollo en las economías informales, mientras que para las versiones que pregonaban los medios oficiales, parecían estar efectivamente cumpliendo con los requisitos. Fue precisamente ahí cuando esta euforia compartida empezó a desaparecer. Por otro lado, que durante algunos años Grecia atravesaba por una suerte de auge económico, tampoco obedece en mayor medida a las condiciones reales. Los reportes oficiales nuevamente estipulaban que desde 1990, hasta el momento en que la crisis se desató, la economía griega estaba atravesando por un proceso de crecimiento del que daban cuenta los éxitos, y una vez más, esto fue modificado a conveniencia. El vasto crecimiento de la economía griega no estuvo realmente basado en desarrollo de políticas e inversiones desarrolladas con miras a ver resultados que los beneficiaran a largo plazo. Por el contrario, ha sido más bien planteado a que esto se debió en mayor medida a nuevos créditos, ampliaciones crediticias de los ya existentes, préstamos a la sociedad civil por parte de los bancos que se tradujo en un boom del mercado de bienes raíces, esto aunado a los préstamos que le fueron concedidos para poder albergar los Juegos Olímpicos de 2004. Paralelamente a ello, influyó la cantidad de inmigración que recibe la zona, situación que permitió a su vez mantener los salarios bajos dada la gran demanda laboral que experimentaban.

Los discursos de los medios oficiales, lograron así, erigir una imagen del país insostenible. El crecimiento de la economía, la aparente creación de empleos, la entrada a la Unión Europea, los Juegos Olímpicos que además implicaron una ampliación notable de la deuda (entre las cifras oficiales, se dice que costaron más de nueve billones de euros). Estos eran algunos de los argumentos sobre los cuales se sustentaba esta paradisiaca representación. En este sentido, efectivamente, hacia el exterior, el inicio de las revueltas puede ser visto como un evento sin precedentes, y no obstante, al acudir a cifras reales, es posible entrever de qué modo, el boom de la crisis en 2009 tuvo un proceso de gestación que paulatinamente fue generando las condiciones para que ésta tuviera lugar. Kaplanis explica precisamente en este sentido que, ante las circunstancias en las que estaban inmersos, la única vía posible era precisamente desatarla. Al respecto menciona que:

«La crisis economía crea un estado permanente de emergencia, y la oportunidad para el gobierno de aprobar reformas estructurales poco populares y medidas de austeridad que no hubieran sido aprobadas de otro modo. El primer ministro griego lo dijo concisamente en mayo del 2010, un día después de haber firmado el memorándum con la troika, ‘la crisis es una oportunidad’. Pero no fue únicamente una oportunidad para frenar la corrupción y la evasión de impuestos (como decían estar haciendo), sino también una oportunidad para desrregular los mercados laborales, reestructurar el sistema de pensiones, reducir las provisiones del estado de bienestar, así como expandir mercados privados a sectores como la energía, el trasnporte, la salud y la educación. Fue una reestructuración de clases que sirvió a los intereses del «gran capital», tanto el local como sus socios internacionales.»(Yiannis Kaplanis “An economy that excludes the many and an “accidental” revolt», en Revolt and Crisis in Greece: between a Present yet to pass and a future still to come, eds. Antonis Vradis and Dimitris Dalakoglou, Occupy London/AK press, 2011, pp. 226-227).

La crisis se volvió así un modo de gobernar pero también un terreno para los experimentos económicos a los que Grecia fue sometida. En este mismo sentido, el Comité Invisible menciona que «Si quieres imponer un cambio —aconsejaba Milton Friedman a sus Chicago Boys— desata una crisis. El capital, lejos de acobardarse ante las crisis, se ensaña ahora en producirlas experimentalmente. (…) Es sabido por todos que apenas después de haber sido nombrado, en 2010, el director de la Elstat, el instituto griego de estadística, se puso sin descanso a falsificar las cuentas de la deuda del país, para agravarlas, con el propósito de justificar la intervención de la Troika» (A nuestros amigos, Comité Invisible, edición impresa en el marco del Festival de las resistencias contra el capitalismo, La Sexta, pp. 22). Así, se torna evidente hasta qué punto no sólo Grecia fungió como una herramienta de experimentación, pero también hasta qué punto, los países como Alemania, dependen de la incursión de países periféricos como Grecia. La anexión de los llamados PIIGS (Portugal, Italia, Irlanda, Grecia y España) resulta en beneficio propio, la lógica pareciera ser sencilla: si un país está en crisis, otro debe de estar incrementando su poder económico y las cifras lo demuestran. Mientras los PIIGS o países periféricos generan mayores deficits, países como Alemania incrementan sus excedentes. En este mismo sentido, un análisis de los balances de acuerdos de comercio bilaterales darían cuenta hasta qué punto, es Alemania la que siempre lleva las de ganar. Por otro lado, y para terminar con este apartado, cabe mencionar que tras la crisis económica que se desató en 2009 y que forzó consecuentemente la firma del Memorandum de Cooperación con el FMI, la EBC y la troika, Grecia le fue otorgado un préstamo por 110 billones de euros por parte de los países del FMI y la EU, con una tasa de 5%, que si bien no es la más alta, nuevamente está generando ganancias a través de préstamos. Con la tasa de 5%, el monto prestado llegará a duplicarse en tan sólo 14 años.

Dicho préstamo, también sentaba una serie de condiciones con las que Grecia tenía que cumplir —recientemente, hemos podido constatar en las noticias, las presiones que está ejerciendo por su parte Alemania para ver finalmente estas condiciones puestas en marcha—. Al respecto, David Graeber ha explicado que «una nación en deuda debe de haber hecho algo mal, lo mismo que una nación con excedentes, debe estar haciendo algo bien. Nadie parece notar que no puedes tener una sin la otra, por lo que para un alemán, por ejemplo, el amonestar a Grecia por la supuesta irresponsabilidad fiscal del país, es el equivalente a un dealer de heroína amonestando a su cliente por haberse vuelto adicto en primera instancia.» (David Graeber, «The Greek debt crisis in almost unimaginably long-term historical perspective», en Revolt and Crisis in Greece: between a Present yet to pass and a future still to come, eds. Antonis Vradis and Dimitris Dalakoglou, Occupy London/AK press,  2011, pp. 229)

Foto: The Guardian.

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Aline Hernández (México, 1988), es curadora y escritora independiente. Ha publicado diversos cuentos como Demencia parafílica, Le Merlebleu Azuré y La Ventana, entre otros en medios como Revista Cartucho y el Periódico El Espectador. Asimismo ha participado en proyectos colaborativos como Pan para todos y Chicatanas. Su trabajo escrito explora temas como el neoliberalismo y el arte, crítica de arte, procesos de resistencia y comunitarios.

Opinión | El caso del edificio Escala

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Por Juan Manuel Luna Cuandón / @jmlcuandon | Marzo, 2015

Durante estas últimas semanas ha llamado la atención la adaptación cinematográfica del primer libro de la trilogía erótica de E.L. James 50 sombras de Grey, una película que rompió record en taquillas y librerías. Más allá del filme o la calidad literaria de la historia, un elemento de la adaptación al cine que llamó mucho la atención es el famoso departamento del protagonista.

Christian Grey, a quien la autora definió como alguien «absurdamente guapo y ridículamente rico», un hombre que refleja su estilo de vida en la ropa que viste, en su vida lujuriosa que practica y en el departamento que habita. Grey es el dueño del penthouse más caro del edificio Escala, dicho inmueble sí existe en la realidad en la ciudad de Seattle.

Desde que el libro salió a la venta en el 2012, el edificio aumento exponencialmente de popularidad, el teléfono del administrador no dejó de sonar de gente dispuesta a pagar grandes sumas de dinero por pasar una o dos noches en el famoso departamento. Desafortunadamente, para muchos, el cuarto rojo del dolor sí es ficticio.

Según en un conocido sitio de bienes raíces, el precio de venta de un condominio en la ciudad de Seattle ha subido alrededor del 10%, pero el precio medio de venta de los departamentos en el edificio Escala ha aumentado más del 75%, esto demuestra que la combinación de una buena publicidad, una dosis de erotismo y los bienes raíces son un excelente negocio.

Por otro lado, algunas escenas de la película muestran un lugar adaptado fielmente para el perfil de un personaje extravagante, marcas como Boca do lobo, Delightfull, Brabbu y Koket, revelan el gusto millonario que debe de poseer el protagonista. Cada pieza del mobiliario como mesas de madera maciza, lámparas, sillas, sofás y demás elementos del diseño interior en general, fueron seleccionados cuidadosamente para mantener un ambiente lujoso y a la vez provocador. La mayoría de las piezas que conforman el apartamento ya habían sido diseñadas previamente a la adaptación cinematográfica. Algunas de ellas tuvieron ajustes menores con el fin de encajar, de manera precisa, en el diseño del departamento de Grey. A simple vista se aprecia un lujo excesivo que se vuelve estéticamente agresivo e incitador.

Para aquellos fanáticos de la trilogía, se puede apreciar un recorrido virtual del apartamento aquí.

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Foto: Christian Greys Apartment.

Opinión | Nic Hessler y su grandioso pop

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Por José Carlos Martínez /@pepe_BTMX | Marzo, 2015

A principio de año, el originario de Oxnard, California, Nic Hessler, nos dio los primeros avisos de que traía algo importante entre manos, y con Soft Connections, demostró que todo eso era verdad. Aunque a los 23 años parece que aun eres joven, Nic ha reunido la suficiente experiencia para producir música increíble. Todo comenzó cuando tenía 14 años y empezó a escribir para lograr a los 18 años su primer contrato.

Soft Connections es el primer lanzamiento de Nic en solitario después de una larga batalla con la enfermedad autoinmune y poco frecuente llamada síndrome de Guillain-Barré. Hessler cayó enfermo en 2011 después de lanzar un par de sencillos bien recibidos por la crítica y justo antes de comenzar su gira. Ahora en buen estado de salud, en este material saca lo mejor de él.

De ojos brillantes y con ese pop elevado tan encantador se presenta Hessler. “I Feel Again”, es la pista que inicia todo, en donde nos muestra cómo el cantante tuvo que superar una parálisis musical en los últimos años en donde no se sabía nada sobre él. Con conexiones suaves, y mucho pop en su guitarra, así se desliza esta pista, parece la recuperación total de una persona después de sufrir una enfermedad debilitante.

Dentro del disco podemos encontrar ese romance tropical de los años ochenta en “Do You Ever”, hasta ese nostálgico indie rock que hoy en día nos encanta. Este material se teje entre géneros de diversas épocas, sonando libre de obstáculos y maduro, esto se nota a través de su sonido y sus letras. Guitarras cristalinas entrelazan lo mejor de esta producción. “Hearts, Repeating”, es una pista que alarga el disco, incluso podría ser la mejor canción del álbum.

Soft Connections tiene un fuerte elemento de cohesión a través de su tono, cada track destaca por si solo  gracias a su simplicidad bien lograda. El espíritu de Nic aparece en los teclados juguetones y esa soltura que entra esporádicamente, lo que lo convierte en un prometedor debut. Sin duda, este material vale la pena, y esperamos que no nos deje tantos años en espera para su próxima producción, será interesante conocer adónde llevará su sonido en un futuro.

Si tengo algo que reprocharle a Hessler en este disco sería el verlo ahondar más en elementos oscuros en su viaje dentro del molde pop.

Foto: Part Time Wizards.

Entrevista | Sho Trio

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Por Synthia Franco / @synthiafranco | Marzo 2015

Sho Trio es un ensamble honesto, comprometido con la música, al que no le importan las modas y que además es original, en el sentido de que su música es fruto de la creación espontánea y desinteresada.

Sandra Cuevas y Juanjo López se encargan de las composiciones, ella es la voz principal y los detallados sonidos de teclado; él pisa las cuerdas de la guitarra de forma gentil y muy expresiva, también canta. Hernán Hecht es el responsable de darle una especial ambientación con coros y la una delicada sección rítmica, además, realizó la grabación, mezcla, producción y diseño de arte, de los dos discos que han creado.

«Temporal» es el título de su primero, una recopilación de canciones enfocadas a la exploración del folk en conjunción con jazz, pop y algo de rock; éste consagró la amistad de la banda y les dejó una poco agradable experiencia en una disquera independiente. “Ser” -su segundo-, los impulsó a ser unos maestros de la autogestión: fue grabado en un estudio casero y con la ayuda de Fondeadora, consiguieron el presupuesto para la masterización, maquila, difusión y hasta un video.

Hace algunas noches tocaron en el Zinco Jazz Club, fue una velada íntima muy emotiva, en la que el sonido distintivo del ensamble -sin bajo-, lució brillante y cautivador. Para esta ocasión tuvieron un invitado de lujo: David Aguilar, un “cancionista” en cuyas composiciones asoman influencias de diversos géneros, como la balada, la música norteña, el bolero cubano, la trova y las canciones brasileñas de los 70´s. Los estilos del trio y de David se congregaron de manera natural y adecuada. Al terminar el recital, me acerqué a ellos en el camerino y les pregunté si me contestarían algunas curiosidades que tengo sobre sus gustos artísticos; todos aceptaron y luego les lancé mis flechas.

01—¿Cuál es el recuerdo musical más viejo que tienen?

Hernán: Mi padre poniendo discos de una danza que se llama Rikudim, es música hebrea y yo me quería meter debajo de la cama porque en ese momento me parecía terrible.

Sandra: Mercedes Sosa, mientras mi papá me llevaba al kinder.

Juanjo: Mi papá siempre estaba escuchando música clásica.

David: Mi papá, tocando el acordeón, él también es compositor entonces tocaba algunas canciones de su autoría o piezas populares que cantaba con mi mamá, boleros y eso.

02—¿A quién nombrarían como el “culpable” de que se hayan dedicado a la música?

Sandra: Mi hermano es músico también y tenemos una relación muy cercana y afectuosa.

Hernán: En mi caso no creo que haya un culpable pero mi mamá se ponía un poco el saco de que cuando ella estaba embarazada de mí, ella estudiaba música góspel.

Juanjo: A mi papá, porque como dije es un melómano y estar en contacto con tanta música desde pequeño, me despertó esa sensibilidad hacia este tipo de arte.

03—¿Cuál es su soundtrack favorito?

Hernán: Uno de mis hits de películas es la versión de un tema viejísimo que hizo Beck para “Eternal Sunshine of The Spotles Mind”, el de “Everybody´s got to learn sometime”.

David: El de “Amelie” de Yann Tiersen.

Juanjo: Uno que me mueve mucho es el de “Leaving las Vegas”, de Mike Figgis, él es el director y también hizo la música. También el de “The Legend of 1900”, que compuso Ennio Morricone.

04—Ahora al revés, ¿cómo sería una película sobre la que dijeran “le entro a musicalizar estas imágenes”?

Sandra: Yo definitivamente algo documental, algo así como Dead Can Dance musicalizando “Baraka”.

Hernán: Me gusta mucho la idea de crear música para contener una historia o una situación, me parece súper atractivo la amplitud de la música para transformarse en una perfecta compañía de todo, inclusive del silencio.

Juanjo: Una película como “El Árbol de la Vida”, que está protagonizada por Brad Pitt y Sean Penn.

David: Algún western, pero lo haría con guitarras eléctricas, tipo el soundtrack de “Dead Man” de Jim Jarmusch.

05—Y por último, ya que sus creaciones son folk con atmósferas que a veces evocan el movimiento de la naturaleza, ¿cuál es su momento favorito de la naturaleza?

David: Relámpagos.

Sandra: Luna llena.

Hernán: En el que la naturaleza nunca se detiene.

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Foto: Zinco Jazz Club.

Alexander Calder en Museo Jumex

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Por GASTV | Marzo, 2015

El Museo Jumex presenta en exhibición Calder: derechos de la danza, muestra histórica que retoma la trayectoria del escultor estadounidense Alexander Calder. Las piezas en exposición comprenden desde 1927 a 1975, periodo en el que el artista desarrolló pinturas, dibujos, joyería, maquetas, móviles, stábiles y figuras de alambre, piezas en las que se observa su constante fascinación por la escultura cinética.

Calder: derechos de la danza, curada por Alexander S. C. Rower, nieto del artista y la arquitecta mexicana Tatiana Bilbao, explora también la relación que el escultor mantuvo con México a través de Mathias Goeritz, quien influyó de manera importante para que participara en la Ruta de la Amistad, proyecto escultórico para los Juegos Olímpicos del 1968, donde surgió Sol rojo, escultura gigante elaborada por Calder que ocupa la explanada del Estadio Azteca.

Alexander Calder desafió las formas estáticas de la escultura y la convirtió en un arte dancístico y cinético, en Calder: derechos de la danza, se incita al espectador a formar parte de un ritual de movimientos y expresiones que desafían la gravedad.

La muestra permanecerá abierta al público hasta junio.

Foto: El Universal.

Apuntes sobre dOCUMENTA 14 / Parte I, por Aline Hernández

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Por Aline Hernández / @AlineHnndz | Marzo, 2015

«El estado de excepción, en cuanto figura de la necesidad, se presenta así —junto con la revolución y la instauración de facto de un ordenamiento constitucional— como una disposición «ilegal» pero perfectamente jurídica e constitucional», que se concreta en la producción de nuevas normas (o de un nuevo orden jurídico)»

Giorgio Agamben

I. Vámonos pa’Grecia o el peligro de convertir la realidad política y social en un escaparate más de consumo. 

El 6 de octubre del año pasado, se dio a conocer en un simposio titulado “dOCUMENTA 14, Kassel: Learning from Athens” en la Academia de Bellas Artes en Alemania, el nuevo proyecto de dOCUMENTA que tendrá lugar en 2017. En el evento, el director artístico Adam Szymczyk presentó a los miembros de su equipo así como las temáticas sobre las cuales tienen intención de trabajar. De acuerdo con Szymczyk, la nueva edición se dividirá entre Kassel y Atenas, en medida que las hostilidades hacia las medidas de austeridad, la crisis y los problemas de inmigración por los que está actualmente atravesando Grecia, merecen ser de algún modo revisitados críticamente. Al respecto, también mencionó que su interés por Grecia se debe a que no es un caso aislado, por el contrario, está experimentando muchas de las dificultades a las que se enfrenta actualmente Europa. Atenas, en este sentido, ejemplifica “los problemas actuales que se extienden más allá de la noción proverbial de crisis y que permanecen sin resolverse. Así, implica una oportunidad para abrir un espacio de imaginación, acción y pensamiento, en vez de seguir la trampa de la configuración neoliberal de desempoderamiento que se ofrece como una no-acción implícita en la no-elección de austeridad” (Comunicado sobre la nueva edición de dOCUMENTA que tendrá lugar en Atenas, disponible en red aquí). De acuerdo con Szymczyk, las razones de llevar dOCUMENTA a Grecia también radican en que los parámetros que llevaron a la creación de dOCUMENTA en Alemania ya no están en juego, y resulta por tanto, urgente encontrar esto en otro sitio. Finalmente, concluyó que mediante su desplazamiento temporal, la exhibición hará posible que mediante las estrategias artísticas, la realidad contemporánea sea pensada, pero no comprendida como un lugar de sufrimiento y miseria para muchos, sino como un sitio conformado por muchos individuos.

Desde que fue nombrado director artístico en 2013, Szymczyk ha estado desarrollando el proyecto así como al equipo que lo integrará. Entre algunos de los miembros ya anunciados se encuentran Pierre Bal-Blanc (director del Centro de Arte Contemporáneo de Brétigny); Hendrik Folkerts (curador de perfomance, cine y programas educativos del Stedelijk Museum de Amsterdam); Hila Peleg (fundador y director artístico del Foro documental de Berlín); Dieter Roelstraete (curador del Museo de Arte Contemporáneo de Chicago); Mónica Szewczyk (curadora de artes visuales del Centro de Artes Reva); y David Logan (Universidad de Chicago). En cuanto a la edición en Grecia, correrá a cargo de Marina Fokidis, escritora, curadora y fundadora del Kunsthalle Athena y de la revista South as a state of mind.

Frente a todo esto muchas dudas y cuestiones pueden ser planteadas. Basta recordar, a modo de ejemplo, el experimento que llevaron a cabo en la edición pasada donde lograron disponer al movimiento Occupy, en una suerte de vitrina exótica para el entretenimiento de los espectadores. Las polémicas que se desataron al respecto fueron muchas, entre algunas de las preguntas que surgieron resonó una que me parece bastante interesante para abordar la cuestión de la nueva edición: “Can protesters be curated?”, se dijo en alguna de las críticas en torno al proyecto y hoy me preguntó: ¿Puede la crisis, en este sentido, ser igualmente curada? Lo que surge, en primera instancia, no es tanto ya problema de autocomplacencia por parte del arte, con la que ya nos hemos familiarizado y que teóricos como George Yudice o Frederic Jameson, e incluso, Theodor Adorno, han tratado extensamente; sino hasta qué punto, movimientos de resistencia contra el capitalismo, son abiertamente expuestos ya para el entretenimiento de un público que los toma como lo que parecieran ser, una obra más. Algunas de las fotos que surgieron como parte de la crítica que generó la incursión del movimiento Occupy en dOCUMENTA 13, dan cuenta de ello. Un montón de curadores, galeristas y transeúntes, entre otros, observando atentamente al movimiento mientras éste se mantenía en los prados.

Ahora bien, no sólo surgen estas preguntas, sino a tono general, otro tipo de cuestionamientos que pueden llevarse a cabo. En un primer momento, tendríamos que elucidar ¿en qué medida es que este tipo de proyectos curatoriales parecen alimentarse de estas situaciones de emergencia social, política y económica? y ¿en qué medida es que cuando estos procesos al cruzar la brecha de la vida hacia la institución, son dispuestos para mero consumo? Irmgard Emelhainz, en su texto Neoliberalismo y autonomía precisamente explica que “acciones políticas sensibles” como ésta, buscan hacer visible lo invisible bajo la premisa de que dicho acto es político, y sin embargo, lo que representan es vago en términos políticos. El problema es que la brecha entre representación estética y política es hoy día más amplia que nunca” (Emmelhainz, Irmgard, Neoliberalismo y autonomía del arte, enero 26, 2014, Salón Kritik, disponible en línea aquí). Si bien no es un fenómeno nuevo —sabemos de la estrecha relación que guardaron muchos de los movimientos de vanguardia con la realidad política, de esa relación cruzada entre arte y vida que guió muchos de los procesos—, hoy las circunstancias han cambiado y no podemos eludir la relación que tienen muchos de estos eventos para con los procesos neoliberales a los que responde, en muchos sentidos, la actual industria cultural.

En cuanto a la autocomplacencia, tocaría de igual modo preguntarse por qué para dOCUMENTA, resulta necesario volcarse precisamente hacia estos fenómenos, aprender de ellos, cuando gran parte de las circunstancias que están generando las estructuras necesarias para que tengan lugar están siendo promovidas al interior mismo de su país y esto involucra, a su vez, otro tipo de análisis o varias perspectivas desde dónde comprender lo que ocurrió y tiene lugar en Grecia.

Foto: Graphite Journal.

Infiernos artificiales en el Museo Universitario del Chopo

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Por GASTV | Marzo, 2015

La obra de trece artistas, entre ellos Eduardo Abaroa, Juan Caloca, Isaac Cortes, Guillermo Santamarina, Mauricio Rocha y Lucia Torres integra la exposición Infiernos artificiales.

La muestra toma su nombre de un texto escrito por André Bretón en el que intenta explicar la experiencia del Dadá. En la misma línea que aquel movimiento vanguardista, Infiernos artificiales intenta evidenciar las características que la producción artística ostenta desde principios del siglo XX. De esta manera, la insubordinación, la inconformidad y el abandono de los valores tradicionales en los procesos creativos se manifiestan en la serie de piezas presentadas.

Los fanzines, fotografías, esculturas, instalaciones y pinturas no convencionales de los artistas participantes aluden a la crisis contemporánea desde diversos temas como la economía y la política. Por otra parte, la elección de estos soportes constituye también una forma de rebelión al aspecto formal de las obras.

Infiernos artificiales, bajo la curaduría de Daniel Garza Usabiaga, se exhibe en el Museo Universitario del Chopo, abierta al público a partir del 26 de marzo.

Visita el Museo del Chopo:

tps://www.youtube.com/watch?v=At6_tAg8ZYk

Foto: Amigos del Museo del Chopo.

Cajas armables para refugiados

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Por GASTV | Marzo, 2015

La Fundación Ikea está produciendo 10 mil refugios temporales flat-pack diseñados para los damnificados sin hogar a causa de conflictos y desastres naturales. La fundación suministrará a las unidades Better Shelter de la Agencia de Refugiados de las Naciones Unidas (ACNUR), distribuyendo estas estructuras a nivel mundial.

El diseño de este prototipo de casa para los refugios se dió a conocer en 2013 y desde entonces ha sido probado por 40 familias de refugiados en Irak y Etiopía, y se desarrolla en respuesta a su experiencia y necesidades.

Con una vida útil prevista de tres años, los refugios están diseñados para ser más resistentes y mejor aislados que en las tiendas tradicionales. Además de que son dos veces más grandes y tienen capacidad para cinco personas.

Las estructuras se construyen a partir de paneles de polímero ligero laminado con aislamiento térmico en un marco de acero. Los paneles, tubos, conectores y cables vienen en un kit en cajas de cartón como los muebles de Ikea, y toman cuatro horas para montar sin necesidad de herramientas adicionales. Un panel solar en el techo proporciona la energía suficiente para iluminar el interior después del anochecer.

La producción está programada para comenzar de forma inminente y los refugios podrían estar listos este verano.

Foto: Folio digital.

 

Francis Alÿs en la ciudad de México

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Por GASTV | Marzo, 2015

El Museo Tamayo abre la muestra Relato de una negociación: Una investigación sobre las actividades paralelas del performance y la pintura, la exploración individual más extensa de la producción artística de Francis Alÿs que parte del año 2000, y que integra pinturas y acciones fílmicas del artista belga-mexicano.

Los proyectos Don’t Cross the Bridge Before You Get to the River (2008), Tornado (2000-2010) y Reel-Unreel (2011) son los ejes de los cuales se articula la curaduría de la exposición a cargo de Cuauhtémoc Medina. En el primero, Alÿs reflexiona acerca de la migración y el territorio con imágenes filmadas en el mar del estrecho de Gibraltar, en Tornado presenta una recopilación del fenómeno natural y del caos que provoca en el campo mexicano, mientras que Reel-Unreel es una pieza en colaboración con Julien Devaux y Ajmal Maiwandi, que documenta a un grupo de niños de Afganistán.

Por su parte, la Sala de Arte Público Siqueiros presenta de manera paralela Hotel Juárez, nueva producción que Francias Alÿs desarrolló en Ciudad Juárez, de la mano de Alejandro Morales, Felix Blume, Julien Devaux y Rafael Ortega. Se trata de una práctica que propone estrategias de resistencia en un escenario de fuertes conflictos sociales, The Paradox of Praxis #5 y Children’s Games #15 componen la exhibición.

Con piezas de gran sencillez, el artista consigue poner en la mira la dinámica de las sociedades que observa, al mismo tiempo que permite la reflexión acerca de sus fenómenos políticos y culturales.

La exposición Relato de una negociación en el Museo Tamayo y Hotel Juárez en la SAPS estarán abiertas al público a partir del 26 de marzo. Acompañadas de un programa público de actividades como talleres, visitas guiadas, conversatorios y seminarios. Posteriormente Relato de una negociación itinerará al Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA), el Museo Nacional de Bellas Artes de La Habana y la Art Gallery of Ontario, en Canadá.

Foto: Youtube

Opinión | Forecast ColorLife Trends 2016 de Comex

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Por Victor Méndez / @vichoamino | Marzo, 2015

Comex, empresa mexicana dedicada a la producción de pinturas y recubrimientos para distintos materiales, se ha preocupado desde hace tiempo en presentar y desarrollar nuevas propuestas de color. Y en este sentido, reunió a un equipo multidisciplinario desde las principales áreas creativas para definir las tendencias de color que se verán el próximo año.

El Forecast ColorLife Trends 2016 forma parte del programa ColorLife Trends que busca investigar e innovar en propuestas de color. Este encuentro se llevó a cabo a principios del mes de marzo en la ciudad de San Miguel de Allende, en Guanajuato, y consistió en determinar, desde el debate de ideas, los colores que marcarán el futuro.

Durante tres días, 17 participantes se reunieron para fungir como expertos y compartieron la importancia que tiene el color en su área de especialización: diseño, arquitectura, arte, incluso gastronomía. Entre los convocados destacan: Alfonso Cadena, chef; Alejandro Gutiérrez, Mauricio Guerrero y Rodrigo Escobedo, socios fundadores de La Metropolitana; Ali Flores, fotógrafo; Marisol Centeno, diseñadora textil; Héctor Esrawe, diseñador industrial; y Jorge Tellaeche, artista; entre otros.

En esta primera fase se definen las tendencias de color para el 2016 y, además de la experiencia que cada experto tiene, se tomaron en cuenta factores sociales y culturales, factores esenciales para que algo pueda persistir como un comportamiento generalizado. Cada persona compartió imágenes, colores, texturas y materiales que podrían representar al año venidero. También influyeron las manifestaciones que hoy en día están muy presentes: la reconexión con la naturaleza y lo primitivo, la tecnología como premisa esencial para la comunicación entre las personas, y la asexualidad como la tendencia más importante en el mundo.

En una segunda fase, la información recolectada en el primer ejercicio, se plasmará en un libro, elaborado en conjunto con el Global Color Research, una agencia especializada en tendencias de color con base en Londres, y que además guió las sesiones en este encuentro.

Para este año, Comex realizó un evento igual pero en el 2014, en donde surgieron cuatro tendencias que ahora rigen y materializan los proyectos e ideas que los consumidores buscan hacer, y le dan rumbo a las industrias creativas dentro y fuera del país: Community, Balance, Liberty y Universe. Para más información, es posible descargar el libro de este 2015 aquí

Próximamente serán reveladas estas cuatro tendencias a través de nueve propuestas por cada una. En total: 36 tonos diferentes darán forma al futuro de color e integrarán la nueva oferta de color de Comex.

Foto: Comex.mx

Comunidad Vivex: Proyecto de vivienda de bajo costo

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Por GASTV | Marzo, 2015

Casa Caja es un prototipo de vivienda de concreto de bajo costo ubicada en Monterrey, diseñada y construida por sus propietarios con el apoyo de un proyecto de vivienda social sin fines de lucro dirigida por la oficina de arquitectura local S-AR.

El programa Comunidad Vivex, que fue iniciado por S-AR para combatir la escasez de vivienda social asequible y de buena calidad en México, apoya a los trabajadores de la construcción de bajos ingresos con empleo irregular —personas que S-AR emplea en su práctica regular— y ofrece una guía sobre cómo crear un hogar adecuado a sus necesidades individuales.

El objetivo de la organización es hacer que los beneficios de la arquitectura estén disponibles para aquellos que no pueden pagar con dinero, pero puede trabajar o construir sus propias casas. Cada familia debe poseer la tierra sobre la que se construyó la casa y es responsable de la mayor parte de la construcción, que se completa con la ayuda de familiares y amigos en una escala de tiempo que se ajusta alrededor de su vida laboral cotidiana.

Casa Caja ofrece una plantilla para el tipo de espacios que se pueden crear utilizando este proceso de diseño participativo, pero el formato es personalizable y se verá alterado en propiedades futuras. La estructura de dos plantas dispone de un área de estar, un dormitorio y comedor en la planta baja con ventanas de altura completa que dan a un patio lleno de grava. Complementado con dos dormitorios y una sala de estar en la parte superior.

El diseño es un proceso participativo donde la familia da ideas y comentarios acerca del diseño original creando una interacción. Los arquitectos son guías en el proceso, poniendo un poco de conocimiento y orden en un gran trabajo en equipo. El uso de materiales simples donados al proyecto por las empresas locales y la reducción de los costes laborales significa que las casas se pueden completar económicamente.

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Foto: ArchDaily.

Colección Lava de Peca Studio

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Por GASTV | Marzo, 2015

Peca Studio es una firma independiente de diseño ubicada en Guadalajara, Jalisco. Fundada por la diseñadora y arquitecta Caterina Moretti, y desde 2007 ha estado creando objetos y piezas decorativas que tienen la capacidad de iluminar cualquier entorno. Ya sea con sus propios diseños, diseños de colaboración, o las obras de artistas invitados, Peca sólo produce piezas de la más alta calidad.

Su último trabajo es Lava, en colaboración con Ana Saldaña, presentan un conjunto de tres placas hechas de piedra volcánica. La línea propone un equilibrio de materiales como la piedra volcánica con su complemento pulido. El diseño provoca una tensión entre el carácter salvaje de la piedra y su pacificación a través del trabajo artesanal.

Un corte superficial que se extiende a través de las tres bandejas, actúa como una barrera física entre las superficies gruesas y suaves, fomentando un sentido de unidad a través de las piezas. Además, incluye un candelabro de bronce pulido que evoca los orígenes del fuego y recrea nuestras raíces en una propuesta contemporánea.

Foto: El Comercio

Opinión | El cuento de la princesa Kaguya, de Isao Takahata

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Por Gustavo Ambrosio /@guskubrick | Marzo, 2015

El espíritu, ese concepto abstracto que ha llenado libros de teología, ha hecho romper cabezas a filósofos y ha dado pie a mitologías.

¿Es posible domesticar al espíritu? Convertirlo en un atascado de frivolidad, reglas y tradiciones crueles que sólo buscan crear divisiones, codicia y dominación. El espíritu que se domina y se cuadra es como una montaña arrasada, sin árboles ni aves que le canten. Pero aún, con la crueldad que el mundo y la vida han tomado como riel de movimiento tiene grandes momentos de amor, esperanza y felicidad que quedan en el recuerdo como las joyas más valiosas que las de un cofre o una corona. Ésta es, quizá, la mejor película del estudio Ghibil desde El viaje de Chihiro y corrió a cargo del encargado de la lacrimógena y tremenda La tumba de las luciérnagas, Isao Takahata.

La adaptación de este cuento tradicional japonés, sobre una pequeña princesa que nace de una rama de bambú, resulta un aire fresco para la animación, incluso del propio estudio, que combina la magia con la realidad de una forma dolorosa. Un contraste de la vida humana y la vida extraterrenal.

La historia de una dramaturgia poderosa se desarrolla sin decaer ni un segundo, construyendo situaciones que se hilan una a una, sin perder verosimilitud y que se da el lujo de combinar varios formatos narrativos: lineal, suspendido, onírico y simbólico.

La construcción de personajes está hecha casi milimétricamente. Me refiero a que cada uno tiene un papel fundamental en la trama. Y sin duda, el personaje principal alcanza cotas de desarrollo que son visibles, de la felicidad a la resignación, de la resignación a la infelicidad, y de esto último al perdón.

El trazo del dibujo es de un arte que encuentra en cada escena distitnos colores, líneas e impresiones. Por momentos arte abstracto, post impresionista y por supuesto, la emulación al dibujo tradicional japonés.

La banda sonora es una delicia que se acompaña de una de las canciones más humanas y terribles que se han hecho en años para el cine. Dolor y amor se combinan en una pieza brutal de música que nos hace recordar lo que dejamos atrás en aquel mundo de barroquismos civilizados, la naturaleza y los sentimientos.

Princesa Kaguya es una obra, maestra del cine. Sin más. Una pieza de arte en su estado más puro y que demuestra que en medio de la estercoliza cínica de la humanidad pueden surgir trabajos llenos de esperanza y verdad.

Foto: Gentokyo.

Savvy Studio presenta Anatole 13

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Por GASTV | Marzo, 2015

Arte contemporáneo, diseño y gastronomía en un solo lugar: Anatole 13. Este proyecto funciona de manera similar a su hermana, Córdoba 25, y también fue desarrollado por Savvy Studio para concentrar opciones de los rubros mencionados en un espacio común.

Casa Bosques Librería, por ejemplo, tiene a la venta una selección de ejemplares de arte hechos por editoriales independientes nacionales e internacionales; por su parte, la Galería Mexicana de Diseño vincula a productores de joyería, diseño textil, gráfico, ambiental, industrial y otras vertientes, y funge como escaparate de exhibición y venta, dándole prioridad a la escena mexicana. El proyecto AB, de Ana Cantú y Bernardo Domínguez, ofrece piezas únicas con valores estéticos comunes, realizadas por varios diseñadores y artistas.

La elegancia se materializa en la ropa y accesorios de Avery, que emplea materiales nobles y diseño aplicado para sus creaciones; por otra parte, la sofisticación presente en el ritual de beber té se puede experimentar en Tomás. Otros productos de la tierra, como quesos, jugos y dulces mexicanos se encuentran a la venta en Villa de Patos, un negocio familiar que integra lo mejor de la producción tradicional y la tecnología.

Este punto de encuentro está ubicado en Anatole France 13, Polanco.

Foto: Anatole 13.

Opinión | La historia desde abajo, de HBF

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Por Andrea García Cuevas / @androclesgc | Marzo, 2015

En octubre de 2012 un grupo de historiadores se reunieron en la Facultad de Geografía e Historia de la Universidad de Barcelona para realizar la primera reunión de un grupo basado en el activismo histórico, que hoy es conocido como History From Below (HFB). El proyecto convoca a historiadores, antropólogos, activistas, artistas, curadores, arqueólogos, archivistas independientes, y demás individuos o comunidades interesados en los relatos históricos, para conformar un red internacional que ofrezca una alternativa a los discursos oficiales y académicos desde donde se construye la historia.

Aunque el grupo no atribuye su fundación a un contexto social, político o económico en específico, resulta interesante reconocer el escenario que lo vio nacer. La idea surgió originalmente en 2011, a tres años de la crisis española que hasta hoy sigue dejando ver sus efectos. El Movimiento 15-M y las movilizaciones alrededor de Europa en oposición a los planes de austeridad (considerados absurdos por incluir sectores imprescindibles como la salud o la educación) definieron el panorama del fin de la primera década del siglo XXI. La atmósfera de agitación y oposición que sigue prevaleciendo, no sólo en España sino en los diferentes puntos cardinales, llevan inevitablemente a considerar la forma en que esos hechos son transmitidos y escritos.

Los objetivos de HFB están basados en el concepto de la Historia desde abajo, que tuvo sus inicios en la década de los sesenta cuando, desde la academia, historiadores como Christopher Hill, Eric Hobsbawm y Raphael Samuel definieran los propósitos de una perspectiva histórica que buscaba la reconstrucción de los hechos desde las clases comunes. Si bien Hobsbawn fue el principal representante de la corriente, HFB toma los principios de Samuel: “La historia es o tiene que ser una empresa colaborativa, una en la que el investigador, el archivista, el curador y el maestro, el entusiasta del “hazlo tú mismo” y el historiador local, las sociedades de historias familiares y los arqueólogos individuales, deben ser todos considerados como igualmente comprometidos”.

Así, promueven el interés público en la historia y buscan la construcción de los relatos históricos desde las voces que, en los hechos, construyen la historia pero que no necesariamente son consideradas para describirla. Su práctica es activista pero, sobre todo, es una forma de resistencia que busca promover alternativas radicales y la organización activa que devele la cara opuesta de las versiones dominantes (y de élite).

La verdadera apuesta de HFB es ser una plataforma o un archivo digital que dé espacio a grupos que, desde abajo, construyen relatos con su práctica y que no son tomados en cuenta. No se tratan de obreros, sectores vulnerables o clases reprimidas, sino de individuos o grupos relacionados con las ciencias sociales, el arte, la filosofía, los archivos o la misma historia. Es una minoría que, aunque cuenta con un nivel educativo considerable, es relegada por la naturaleza de sus disciplinas. Pensemos en el arte: si bien es una práctica de la que se ha hecho historia desde que Giorgio Vasari comenzó sus biografías de artistas, su historiografía no rebasa los márgenes del mismo arte. Así, vale la pena preguntarse, ¿acaso una obra, por sus cualidades estéticas y su discurso conceptual, puede ser considerada como un documento histórico válido más allá de la historia del arte?

Sí. Para HFB existen prácticas como las de los artistas que contribuyen a la construcción de otras perspectivas históricas que jamás formarán parte de historia oficial. Es el caso de grupos o artistas como Iconoclasistas (Argentina), Red Saunders (Inglaterra), Justseeds Artists’ Cooperative (Estados Unidos), Mariano Maturana (España) o Matthias Schmeier (Alemania), entre otros. Todos ellos han contado realidades desde el cómic, la gráfica, los mapas, los fanzinez y el arte.

La página web del proyecto funciona como un archivo en línea en el que se pueden consultar los materiales creados tanto por artistas, como por agentes de diferentes campos. Y aunque su desarrollo se encuentra en fase beta, HFB busca crear una red cada vez más activa y participativa. Visítala aquí.

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Foto: History from below.

Opinión | Soundscape Architecture

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Por Andrea García Cuevas / @androclesgc | Marzo, 2015

Escucha un edificio, ¿cómo suena? En medio del ruido o el silencio se escucha la presencia. Entre mármol, madera, o concreto, ¿qué eventos sonoros resuenan? Voces, murmullos, pasos, alientos, el tic tac de los relojes… un sinnúmero de sonidos. Pero no siempre son los mismos. ¿Acaso el “ruido” también es constitutivo de la arquitectura?

Cuando se habita un espacio significa ocuparlo en sus diferentes dimensiones: física, social, culturalmente, etc. Al habitar un espacio la presencia ocupa, se proyecta hacia el exterior. El cuerpo se extiende. Si bien habitar es un ejercicio principalmente corpóreo —casi performático—, el acto también es sonoro.

La arquitectura no sólo es una imagen; los sonidos también la definen. Así, aunque existen lugares comunes, o similares, todos suenan diferentes. Por ejemplo: ¿cuáles son los sonidos que caracterizan a un museo, a una estación central o al vestíbulo de cualquier edificio? Aunque lo sabemos, es un aspecto que suele pasar desapercibido.

El proyecto Soundscape Architecture está basado en esta premisa. La arquitecta Karen Van Lengen, en colaboración con el Instituto de Tecnología Avanzada para las Humanidades y el Departamento de Arquitectura de la Universidad de Virginia, ha desarrollado un programa para capturar los sonidos de diferentes espacios arquitectónicos que son icónicos o parte fundamental de la vida urbana. El objetivo: identificar/apreciar otros de los elementos (abstractos) que coexisten en los espacios de diseño.

Van Lengen ha registrado los sonidos de lugares como el Museo Guggenheim, la Biblioteca Pública de Nueva York, el Rockefeller Center, la Biblioteca Nacional de Irlanda o el Taj Mahal en India, y los ha transformado en datos duros, imágenes y animaciones. La información es publicada en el sitio soundscape.iath.virginia.edu, donde se pueden observar y escuchar videos de diferentes edificios así como los datos que arrojan sus sonidos. Se trata de un análisis de la configuración arquitectónica del lugar, la cantidad y tipo de usuarios, y los materiales de construcción, a través de la sonoridad.

La página presenta un cartografía en 3D (una calle virtual navegable) con los edificios hasta ahora grabados. Aunque aún está en construcción, se pueden consultar los datos de algunos lugares con tan sólo seleccionarlos en el mapa. Cada uno cuenta con tres diagramas: un dibujo que indica el volumen del espacio, un dibujo que indica los patrones de circulación y el número aproximado de visitantes presentes en el momento de la grabación, y un plano que muestra los materiales utilizados en la planta, el piso y el techo.

Además de la información, se muestran animaciones creadas a partir de sonidos específicos. Para lograrlo, Van Legen comisionó al artista Jim Welty una serie de dibujos hechos a mano que respondieran a sonidos particulares. Así, crearon patrones para representar el sonido de una campana en el Guggenheim, el de un aplauso en el Rockefeller Center, entre otros. Los trazos fueron posteriormente traducidos en animaciones  para crear “paisajes sonoros”.

El resultado es una base de datos de arquitectura sonora. Los materiales de Soundscape Architecture permiten comprender, “observar” y experimentar los espacios arquitectónicos desde una perspectiva diferente, al tiempo que que preservan un momento y activan la memoria.

Foto: Soundscape.

Pamela Rosenkranz en la 56 Bienal de Venecia

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Por GASTV | Marzo, 2015

La artista Pamela Rosenkranz fue seleccionada por su proyecto Nuestro producto para representar a Suiza en la 56 edición de la Bienal de Venecia, donde reflexionará sobre el ser humano a través de considerarlo líquido y conformado de materiales sintéticos. Su trabajo intenta confrontar la gran manufactura e ingeniería que representa la naturaleza humana.

Nuestro producto será curada por Susanne Pfeffer. La muestra estará acompañada por una serie de conferencias y eventos. Su trabajo plantea constantemente preguntas inquietantes y fundamentales sobre lo que significa el ser humano dentro del mundo contemporáneo. Además, apropia el color piel para plasmarlo en pinturas, esculturas e instalaciones. Por lo que parte de considerar al cuerpo como un material de producción, a través de estudiarlo e investigarlo desde el marketing, la medicina, la filosofía y religión.

Pamela Rosenkranz participó en la 5 Bienal de Berlín, tuvo una serie de exposiciones individuales en el Centre d’Art Contemporain Genève, y recientemente participó en la 9 Bienal de Taipei.

La 56 Bienal de Venecia tendrá lugar del 9 de mayo al 22 de noviembre.

Foto: Contemporary Art Daily.

Entrevista | Emilio Chapela

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Por Pamela Ballesteros / @apoteosis_ | Marzo, 2015 

Juan Villoro escribió en Hay vida en la tierra: “Internet no pertenece al inconsciente, pero se le acerca bastante. Es un vertedero de mensajes impulsivos, que se adelantan a la razón, donde la realidad y el deseo se confunden. Ahí las palabras no siempre tienen que ver con los hechos”. Mensajes digitales que el trabajo de Emilio Chapela (México, 1978) busca abstraer a través de instalaciones y videos, que evidencian la influencia que los medios tecnológicos han ejercido sobre distintos contextos.

En una época en la que tenemos el mayor acceso a la información, la intención de Chapela es presentar aproximaciones globales respecto al fenómeno de internet, sin emitir juicios de valor o conclusiones, para dar espacio a la reflexión para el espectador. Actualmente presenta la exhibición Nueva Comisión Internacional de Límites, en el Museo de Arte Carrillo Gil.

01—¿Cómo surgió tu inquietud de trabajar a partir de la tecnología, específicamente con el fenómeno que representa internet?

Creo que tiene que ver con dos aspectos principales, el primero es que estudié comunicación en donde sin duda había un interés evidente en el tema, y la otra razón es que me ubico en una generación en la que crecimos con computadora pero sin internet, me tocó leer libros, por ejemplo. Al mismo tiempo creo que también hoy en día estoy muy cómodo con la tecnología, y al ser una herramienta cotidiana de mi vida, al mismo tiempo me permito detenerla para ser crítico. Soy como juez y parte.

02—Al tratar con un sistema tan extenso, complejo y en constante transformación, ¿cómo eliges la pregunta específica a trabajar, ¿cuál es el proceso para simplificarla en una pieza o instalación?

Me parece que los retos más importantes y más difíciles como artista, y del conocimiento en general, es simplificar. Usualmente comienzo por pensar una idea, la intento resolver buscando distintas maneras de acercarme a ella, y una vez que encontré una solución posible, suelo descartar cosas hasta llegar a la final. Al menos esa metodología he seguido.

La síntesis es un proceso muy importante en mi trabajo, la síntesis conceptual, la síntesis de los materiales, por ejemplo el tabique, la madera, el libro… respecto a internet el reto crece, porque hacer síntesis de un mundo tan complejo, inaprensible y con tantas voces resulta muy complicado. Internet es una conciencia colectiva a la que todos aportamos y a la que es imposible acercársele en su totalidad. Realmente con mi trabajo no estoy transformando nada, lo que hago es escoger pequeñas partes y extraerlas, aislarlas, sacarlas de su contexto y exponerlas, en ese momento cobran un valor distinto, se amplifican, se vuelven críticas.

03—En otras ocasiones comienzas tu producción con la adopción y análisis de la información, posteriormente, el proceso se va detonando por sí mismo. En un espacio en donde los datos —y las posibilidades— parecen ser infinitos, ¿qué papel juega el azar en tu producción?

El azar es un tema que me interesó desde que empecé a ser artista, y viene desde mi formación como matemático, siempre me ha parecido fascinante. Posteriormente empecé a estudiar a artistas como John Cage, pionero en incorporar la indeterminación en el proceso creativo.

Pero hoy en día la reflexión en mi trabajo es más en torno a los sistemas, parece azaroso pero en realidad responde a un proceso caótico. Todos cuando usamos internet dejamos una huella, y esa huella tiene sus propias reglas, un colectivo consciente e inconsciente. Quizá se podría decir que el azar es una estrategia, un método de trabajo, aproximarse a las cosas a través de la sistematización, la determinación y la indeterminación.

04—Internet acorta distancias y límites, nos provee de inmediatez —más no de precisión— y genera en nosotros una rutina como usuarios dependientes. ¿En qué medida esta dependencia condiciona nuestra experiencia y relación con el entorno?, ¿nos limitamos ahora a un contacto superficial, automático?

No lo sé, para mí es importante señalar ciertas cosas, quizá mi esfuerzo se orienta a que esa experiencia no sea tan automática. Creo que todos los días, confiamos una cantidad de decisiones a internet y a los medios tecnológicos, les confiamos por ejemplo qué compramos en Amazon, adónde vamos a través de Google, son numerosas las cosas que decidimos a partir del consejo de un algoritmo.

Sí, estamos poniendo demasiado en automático el asunto, pero la consecuencia de ello es lo que desconozco. Quizá la exposición puede funcionar como una invitación a tratar de profundizar, de escapar de prejuicios, de alimentar el círculo vicioso para poner atención en algo más profundo.

06—Me llama la atención tu pieza Adoctrinador político en donde una megáfono nos marca instrucciones y consignas automatizadas. La era virtual nos gobierna pero, al mismo tiempo, es el espacio que difunde la información más certera, ahí suceden diálogos, discusiones, incluso activismo. ¿Qué opinas de los méritos que ofrece internet?

La pieza del megáfono es difícil, es controversial, porque por un lado critica al borreguismo, como esa protesta sinsentido, y por otro lado, tiene una dimensión del lenguaje que refleja la incapacidad de una computadora de entender la comunicación humana, o de ser un mediador deficiente. Quizá critica más a esa protesta automatizada, sin embargo no se opone a todo el activismo que sucede en internet. Creo profundamente en que, internet puede ser una herramienta de transformación social, así como la misma fuerza que alimenta al prejuicio y estereotipo tecnológico, puede alimentar una transformación social.

07—Actualmente parte de la identidad individual se construye en internet, con ello me refiero a las redes sociales que se han convertido en una extensión de nosotros. ¿Crees que nuestra trascendencia está determinada o incluso condicionada por el medio digital?

Creo que ésta es una época que va a ser recordada por la transformación tan grande en los medios, quizá me equivoco, pero sí me parece que estamos en un momento que va a transformar absolutamente todo. Entonces, trascender como colectivo yo creo que sí, quizá está sucediendo tan rápido ahora que no lo sabemos, y seguramente nuestra identidad también, pero no sé cómo ni adónde, es una pregunta muy compleja. La reflexión sobre el avatar, sobre la idea de qué proyectamos, lo que queremos ser en nuestra persona de Facebook o Twitter, la hacía Marguerite Yourcenar «Las máscaras si te las pones demasiado tiempo se convertirán en tu rostro». Yo estoy seguro de que se está transformando nuestra vida diaria.

Nueva Comisión Internacional de Límites reúne siete años de trabajo del artista mexicano, se presenta en el Museo de Arte Carrillo Gil hasta el 10 de mayo de 2015.

Foto: Gonzalo Morales.