Por Gabriela Olivera / @gabichabicha | Octubre, 2014

En junio pasado en el Grand Palais de París se podía disfrutar dentro del programa anual Monumenta, la instalación La Ciudad Extraña (L’Étrange Cité) de Ilya y Emilia Kabakov. Hoy podemos conocer su obra por primera vez en México con Angelología: Utopía y Ángeles en el Antiguo Colegio de San Ildefonso en la ciudad de México.

Este binomio de artistas rusos trae consigo mucha historia relacionada con cambios políticos contundentes que el mismo Ilya llama “la muerte de la primer sociedad moderna” y la caída de la Unión Soviética en 1991. Ambos tienen el mismo peso en la creación de sus obras, sin embargo se suele definir a Emilia como la parte organizacional de este dúo.

Ilya Kavakov nació en Ucrania en 1933, debido a sus raíces judías es trasladado en la Segunda Guerra Mundial a Samarcanda, Uzbekistán en donde fue estudiante de la Academia de Arte de Leningrado; posteriormente regresa a Moscú para estudiar en la Academia de Arte VA Surikov y graduarse en 1957 como ilustrador y artista gráfico.

Durante su juventud como artista se enfrentó a la burocracia propia de un país socialista que significó para él estar sometido a rutinas y mantenerse a raya bajo las estipulaciones que marcaba el estado. En 1959 fue candidato a miembro de la Unión de Artistas Soviéticos y finalmente 1965 se convirtió en miembro. Como la gran mayoría de los artistas “oficiales” de la Unión Soviética, en su estudio creaba su trabajo “no oficial” y durante una época lo compartió con uno de los principales artistas no oficiales, Ülo Sooster de origen estonio quien abiertamente denunció el Estalinismo y estuvo recluido en un campo de trabajo forzado.

Fue fundador del grupo Bulevar Stretensky, formado por ilustradores y diseñadores gráficos que producían trabajo y discutían temas no oficiales de arte, el cual evolucionó al grupo de Conceptualistas Moscovitas, cuyo interés por el arte objeto cambió por el contexto de la obra.

La vida artística de Ilya se vio sometida al propio contexto político, desde sus inicios fue un artista reconocido y tras su primer exhibición fuera de su país, en L’Aquila, Italia recibió moderada atención y se creería que era un paso positivo en su carrera, pero representó problemas para la vida “oficial” de Ilya, quien después tuvo que comenzar a trabajar con seudónimos para poder conseguir trabajo como ilustrador.

Emilia Kanevsky nació en el mismo pueblo de Ucrania doce años después, en 1945, estudió piano en la Escuela de Música de Irkutsk y en la Universidad de Moscú estudió Literatura y Español. Para 1973 había emigrado a Israel y en 1975 de continente, llegando a Nueva York en donde trabajó como curadora y vendedora de arte. Emilia e Ilya se casan en 1992 y a partir de ese año son conocidos como los Kabakov.

Actualmente se les conoce por sus numerosas instalaciones. En un lapso de doce años (1988 – 2000) se tenían contabilizadas 165 obras que han sido exhibidas en 148 museos en más de 30 países. Para estos dos artistas, las instalaciones representan un proceso inevitable al que está sujeto el arte plástico al darle un significado a la recreación de ambientes.

La instalación reclama el espacio pero también al espectador y lo ubica en control de lo que observa, al poder mirarla por todos lados, además resalta su característica temporal, comparándola con la mortalidad del cuerpo humano por ser divisible. Para Ilya y Emilia Kabakov, una instalación es la suma de objetos con cualidades inorgánicas, con elementos reemplazables que dan pie a la reinterpretación y cambio de significado a cada movimiento. En conclusión, es una entidad creada para poder tocar la ilusión de la pintura cuando ha perdido su realidad.

Angelología: Utopía y Ángeles estará en el Antiguo Colegio de San Ildefonso en la ciudad de México hasta el 11 de enero de 2015.

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Por GASTV | Octubre, 2014

El 7 de noviembre arranca la edición 57 de la Muestra Internacional de Cine de la Cineteca Nacional que promete contar con la más diversa e importante selección de cine actual internacional.

Catorce títulos forman parte de la muestra. Argentina, Cuba, Estados Unidos, México, Canadá, Francia, Rusia, Polonia, Turquía, Reino Unido, Suecia y China están presentes en la selección, con las cintas de mayor calidad que cada país ha producido en los últimos dos años. Se incluyen, entre otras, la cinta turca ganadora de la Palma de Oro, Sueño de invierno, y la triunfadora del Oso de Berlín, Tan negro como el carbón de Yi’nan Diao, así como las obras más recientes de directores de mayor proyección internacional, tales como Maps to the stars de David Cronenberg, Only lovers left alive de Jim Jarmush, Goodbye to language de Jean-Luc Godard y Mommy de Xavier Dolán.

El cine latinoamericano también está presente con Relatos salvajes de Damián Szifrón, que será la representante de Argentina en los Oscar, y ha sido vista por más de 2 millones de espectadores. Además el melodrama cubano Conducta de Ernesto Daranas. Representando a México se encuentra la ganadora a mejor ópera prima en Berlín, Güeros, del director Alonso Ruiz Palacios, una reflexión sobre las protestas juveniles.

La muestra 56 llevada a cabo en abril registró un record de asistencia, con  47 mil 300 espectadores. Se espera que la edición de este año anime la oferta fílmica a lo largo del país, ya que será llevada, a partir de la última quincena del año, a Guadalajara, Monterrey, Tamaulipas, León, Torreón, Oaxaca, Saltillo, Morelia y Aguascalientes. La venta de boletos iniciará el 31 de octubre.

Por GASTV | Octubre, 2014

La Noche de Museos es un proyecto que nació para impulsar la cultura y fomentar la visita a museos en la ciudad. La idea es abrir las puertas de varios recintos el último miércoles de cada mes de 19:00 a 22:00 horas para realizar actividades especiales, como conferencias, talleres, visitas guiadas, obras de teatro o conciertos. El propósito es integrar al público que no puede visitar los recintos en horario regular y fomentar la concurrencia a los espacios culturales de la capital.

Toda la información estará concentrada en un sitio web impulsada por Time Out México con los detalles de los museos agrupados por zona, para que el visitante pueda saber cuáles son los recintos cercanos a su área, así como mapas descargables y geolocalización de los museos a través de Google Maps. Asimismo, el portal integra una sección propia de Time Out México, en la que se recomiendan los mejores bares y restaurantes más cercanos a los museos.

De febrero a octubre del 2014 la Noche de Museos ha recibido a más de 99,000 visitantes. Esperamos que el sitio logre incrementar el interés de la sociedad en este proyecto que se desarrolla en conjunto a la Secretaría de Cultura del Distrito Federal. Conócelo aquí.

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Por Gustavo Ambrosio / @guskubrik | Octubre, 2014

¿Es posible que una virtud pueda convertirse en un vicio capaz de destruir lo que más amas? La película con la que Nuri Bilge Ceylan se llevó la Palma de Oro en Cannes 2014 explora esa cuestión, alrededor de las mentiras, las virtudes convertidas en vicios, el autoengaño y la soberbia de saberse mejor que los demás.

Ceylan nos presenta a Aydin, un actor retirado que administra muchas tierras y un hotel en Anatolia. En medio del invierno, se tendrá que enfrentar a lo que más teme, la realidad de no ser quien es, y una esposa y una hermana cada vez más distantes.

Aunque el inicio puede resultar bastante pesado, conforme pasan los minutos, el filo de los diálogos, y la implosión de las acciones revelan que detrás de la nieve hay falsedad y una soberbia llena de apatía por el otro, ante el miedo de perder el brillo que algún día se tuvo. El filme está construido de forma casi episódica  y recuerda a las mejores películas de Ingmar Bergman. A eso añadirle los constantes guiños a William Shakespeare y los duelos interpretativos entre los actores.

Gökhan Tiryaki se encarga de que la fotografía construya un sentimiento de urgencia, aislamiento y desesperación. Una especie de isla de Próspero de La Tempestad, donde las isla es un hotel, la tempestad una ventisca y el Duque de Milán, un actor millonario azorado por su retiro.

A diferencia de su anterior película Érase una vez en Anatolia (2011), el director reduce el estilo de plano largo y contemplativo y lo sustituye pura un feroz enfrentamiento verbal y físico entre los seres que habitan ese pequeño pueblo.

Aunque podría señalarse de intelectualizada, Sueño de invierno es una obra sobre aquello que consideramos virtud, y que muchas veces, en nombre de los valores, como la conciencia, la lealtad, la honestidad y los ideales se destruyen cosas mucho más humanas, entre ellas la capacidad de sentir empatía por el otro y de, por qué no, saber que es bueno equivocarse.

Es quizá una de las Palmas de Oro más merecidas de los últimos años y un filme que apunta a ser la joya de la corona de las producciones que el director de Tres Monos (2008) , que lo coloca como uno de los realizadores, no sólo ícono de Turquía, sino del cine contemporáneo.

Por GASTV | Octubre, 2014

A finales de este año, el Getty Research Institute Art ofrecerá en línea el archivo de material epistolar inédito de Joseph Cornell.

El trabajo del artista estadounidense, comúnmente considerado como parte de la corriente surrealista, está vinculado con Marcel Duchamp y sus ready-mades: objetos comunes y corrientes montados en un contexto artístico. Entre las piezas más celebres de Cornell se encuentran sus famosas cajas de curiosidades, como la Taglioni’s Jewel Casket.

Una colección de cartas redactadas entre 1963 y 1968, dirigidas a su entonces asistente Susanna de Maria Wilson y al artista Charles Henri Ford, también estarán en exhibición. El material es altamente visual, formado principalmente de collages, dibujos y narraciones sobre sus sueños.

Por GASTV | Octubre, 2014

El Museo José Luis Cuevas presenta desde el 9 de octubre una retrospectiva que abarca algunas de las obras tempranas del artista plástico mexicano Gustavo Arias Murueta. Con más de 50 años de trayectoria, el pintor autodidacta fue un miembro activo en los movimientos artísticos de los años sesenta y setenta.

Intervino en la exposición del Salón Independiente en 1969 y 1970, y entabló amistades con Siqueiros, Tamayo, Orozco y José Luis Cuevas. Fue fundador del Centro Experimental de Arte Gráfico CEAG, que ha promovido el talento nacional y extranjero.

Diverso en el uso de técnicas, en la exposición podemos encontrar serigrafías, óleos y esculturas, así como algunas piezas de técnica  mixta. El carácter de su obra es mayormente abstracto, pero en ocasiones sus cuadros reflexionan también sobre el erotismo. En exhibición hasta el 12 de noviembre.

Por Juan Manuel Luna Cuandón / @jmlcuandon | Octubre, 2014

En la ciudad de México existen referentes arquitectónicos que protagonizan distintos relatos y leyendas que han pasado de generación en generación, lugares con grandes cargas de energía donde se respira y se vive el miedo. Les presentamos tres.

01—Palacio de Lecumberri

Mejor conocido como el Palacio Negro, es una penitenciaria que fue inaugurada en 1900 por el general Porfirio Díaz, de la cual el encargado del proyecto fue el Ing. Antonio Torres Torija. Esta construcción que obedece al denominado modelo panóptico, albergó a diversos prisioneros de los cuales destacan personajes ilustres como David Alfaro Siqueiros, José Revueltas, Ing. Heberto Castillo, Ramón Mercader (el asesino de Trotsky) e incluso el cantante Juan Gabriel. Cuentan las personas que han trabajado o que viven cerca del lugar, que aún se logra escuchar los lamentos de los prisioneros al ser castigados, torturados y asesinados, también se ha visto a un “charro negro” que recorre el auditorio del palacio,  al igual que a “Don Jacinto”,  un ex prisionero que se apareció en los pasillos del lugar. Hoy en día este espacio alberga al archivo general de la nación el cual está abierto al público.

02— Hospital Juárez

El Hospital Juárez, ubicado entre las calles de Jesús María y Fray Servando en el Centro Histórico, originalmente fue el hospital San Pablo que data de 1847. Fue el primer hospital en dar servicio sin depender de la iglesia. En este lugar se dice que aparece “La Planchada” una mujer hermosa con cabello rubio corto, seria, estricta y con ropa aparentemente bien almidonada. El personal del hospital argumenta que debido al exceso de trabajo, las enfermeras quedaban dormidas y se despertaban rápidamente corriendo para atender a los enfermos; su sorpresa era que ya habían sido atendidos por alguien con la descripción de esta misteriosa mujer. Cuentan que esta enfermera llamada Eulalia se enamoró de un doctor del hospital con el que se comprometió, pero cayó en una profunda depresión al darse cuenta que la engañó y que ya estaba comprometido con otra mujer. Después de este suceso comenzaron a ocurrir hechos extraños y su alma ronda el hospital atendiendo a sus verdaderos amores, sus pacientes.

03— La Casa de las Brujas

La Plaza Río de Janeiro en la colonia Roma, es conocida por albergar una réplica del David de Miguel Ángel y también por tener un edificio de tabique aparente conocido por la gente del lugar como “la casa de las brujas”. Esta construcción del ingeniero R. A. Pigeon construida a principios del siglo XX, tiene una esquina en pancoupé en su estructura que semeja a la cara de una bruja, donde se puede distinguir claramente su sombrero, ojos nariz y boca. Se dice que albergó a la famosa bruja/chamana “Pachita”, quien fue muy conocida por curar de enfermedades terminales y operar sin necesidad de abrir el cuerpo. En 1930 el famoso y reconocido arquitecto Francisco J. Serrano modificó la planta baja, el patio interior y los departamentos. Desde entonces, el edificio mantiene la misma apariencia.

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Por Gustavo Cruz / @piriarte | Octubre, 2014

El trabajo del documentalista camboyano Rithy Pahn se ha centrado en uno de los experimentos sociales más radicales y sangrientos de la historia. Una época trágica de la que Pahn fue testigo corpóreo. En nombre de la revolución marxista, él y su familia fueron expulsados de Phnom Pehn, capital de Camboya. En nombre del colectivismo, se les despojó de toda posesión, separados los unos de los otros. En nombre de la autosuficiencia nacional, sufrieron la escasez de comida y medicinas.

En La imagen ausente, Pahn buscaba recuperar la narración que hizo el régimen de la organización guerrillera camboyana Jemeres Rojos de sí mismos. Pero el archivo estaba perdido. La primera secuencia del documental muestra las condiciones del material. Este obstáculo físico es sorteado por Pahn con maestría, llevando su reflexión sobre el acontecimiento a una tensión extrema entre ficción y verdad. Los hechos son reconstruidos con figurillas de madera, pintadas de alegres colores, que terminan jugando el papel de referente a la infancia, periodo de la biografía del autor que fue interrumpido de golpe por la revolución. Así, a la representación que el régimen hacía de sí, una ficción absurda, se le contraponen imágenes cuyo referente es una representación de artificialidad explícita, pero que por la voz en off que narra desde la perspectiva de quien estuvo ahí, se reviste de la crudeza de los hechos. La mentira de la propaganda es anulada por la veracidad de una puesta en escena que prescinde incluso de actores para cobrar forma.

«No hay verdad. Sólo hay cine. El cine es la revolución,» dice el narrador de la cinta. Y entonces la lucha que fue con los cuerpos, que cobró su cuota en sangre y sufrimiento, se vuelve una lucha por el relato, por la representación. No se termina con el horror cuando sus ejecutores dejan de estar en el poder o en este mundo, no puede esperarse justicia sí no es contado lo sucedido.

En uno de los momentos más duros de la película, las figurillas representan la muerte del padre, y cómo los soldados llevaron su cadáver a una fosa común. Después, la madre cuenta a sus hijos como debió haber sido el funeral, con familiares y amigos. La voz en off concluye: «ese entierro en palabras fue un acto de resistencia.» Walter Benjamin ya había sugerido alguna vez, que no habrá justicia hasta que todos los muertos de la historia tengan sepultura, y que la lucha por el futuro no es un lucha que tenga en mente a los hijos, sino a los abuelos.

Por Sandra Sánchez / @phiopsia | Octubre, 2014

Ya decía San Agustín que el tiempo es una distensión del alma. Por más que tengamos mecanismos que regulen la sucesión de momentos como el reloj y el calendario, la vivencia del tiempo depende de los afectos que nos atraviesan: una hora de aburrimiento en el transporte público contrastado con el infinito golpe de un orgasmo. Si se le suma al tiempo vivido  en presente, aquél que gastamos en imaginar el futuro o recordar el pasado, nos encontramos con que nuestra experiencia del tiempo no siempre es lineal.

Marlitt Almodovar es una artista que utiliza distintas técnicas para reflexionar sobre las formas que presenta el arte para asir el fluido del tiempo. Sus obras construyen dispositivos en los cuales una huella material —la obra de arte, se presenta como una imagen— experiencia de lo que sucedió. El objeto se actualiza con cada mirada del espectador, quien asimila la historia que Almodovar le cuenta, generando un lazo con sus propias historias. El trabajo de la artista tiene dos aristas, una reflexión íntima sobre tiempos significativos en su propia historia y una reflexión sobre el paso del tiempo social.

1— Pescado fermentado: Inlagd Sill (2012) Acrílico sobre bond, 120x60cms

“En zonas escandinavas el pescado se vende desfragmentado en frascos de vidrio (inlagd sill), aunque el pez en el frasco aún está vivo. A su derecha se encuentran seres con los que él comparte especie y destino. El tiempo de la pintura es circular, el pez será pescado que una vez fue pez.”

En esta pintura Almodóvar coloca al pez enfrascado confrontado con los pescados, formando una naturaleza muerta: el pez espera ser comido, todos esperamos la muerte, el tiempo fluye. ¿Cuál es el frasco de vidrio que nos contiene? ¿Qué palabra es la que utilizamos para contarnos y en nuestra historia filtrar la vivencia en una forma específica? En el trabajo de Almodovar el texto es parte de la obra, la palabra sirve como continente en la misma jerarquía en que lo hace la pintura o la fotografía.

2— Nos han robado los sueños Serie (2013) Registro gráfico de los pasos de los habitantes de Atenas por el metro Syntagma, 130x70cms

Argumenta una chica ateniense en las manifestaciones contra la política económica de su gobierno junto al metro Syntagma. Ese mes (Agosto 2013) no hubo protestas frente al Parlamento, pero la gente aún pasa por el metro Syntagma, quizá entre los pasos retenidos por el papel se encuentren las huellas de un —en otrora— afán de revolución que justo en ese momento descansaba.”

Existe una ilusión llamada principio de identidad. En esta pieza Almodovar ve pasar a los cuerpos que probablemente formaron parte de las manifestaciones en Grecia; no marchan, en Agosto la gente sale de vacaciones. ¿Son las mismas pisadas? ¿Son las mismas personas? ¿Dónde radica lo político de los cuerpos? Miramos las huellas sobre el papel, miramos el registro fotográfico de la gente que caminó el lienzo, ahí no encontramos el grito de protesta, pero la lucha no se reduce al acontecimiento: el tiempo se distiende más allá del día a día. La inconformidad no cesa.

Almodovar ha expuesto individualmente en Borås, Suecia (Ljuvliga Dagar 2014) y participado en más de trece exposiciones colectivas tanto en México como en el país escandinavo. Su primera exposición individual en el DF, Papeles Tamiz o la Filtración del Paso del Tiempo, se inaugura el lunes 3 de noviembre, a las 3:30 pm en la Galería Autónoma de la ENAP. Las piezas descritas se suman a otras donde el tiempo pasa sobre un tamiz para concretarse en una colección de fluidos, un bordado, una conversación.

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Por GASTV | Octubre, 2014

En 2009 Frank Gehry ganó el concurso de diseño para el Eisenhower Memorial, en el que participaron otros seis estudios de arquitectura (Perkins & Will, Krueck & Sexton, Rogers Marvel Architects, Moshe Safdie & Associates, Natoma Architects y PWP Landscape Architecture). El arquitecto presentó tres propuestas para los miembros de la Eisenhower Memorial Commision, de los cuales el diseño final fue elegido en 2010.

Ahora, la United States Commission of Fine Arts ha aprobado el segundo de los permisos necesarios para levantar el proyecto, cuya realización ha quedado en pausa desde 1999 y ahora, tras varios inconvenientes, podría concretarse.

Si bien aún existen dudas en cuanto al presupuesto necesario para finalizar el proyecto, se tiene previsto que se complete para el año 2017.

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Por GASTV | Octubre, 2014

Inspirado por Klee y posteriormente por Kandinsky, el pintor Vasudeo Santu Gaitonde desarrolló un estilo pictórico al que denominaba “no-objetivo”. Esta técnica singular puede asociarse con ciertos movimientos de occidente, como el informalismo francés, o el arte abstracto. Entre los elementos que enriquecieron la obra de Gaitonde se encuentra el budismo zen, así como la música y el cine indio y occidental.

El Museo Guggenheim de Nueva York realizará la primera retrospectiva de Gaitonde conformada por 45 piezas, incluyendo algunas nunca antes vistas por el público. V. S. Gaitonde: Painting as Process, Painting as Life se centrará en la formación artista y en los orígenes de su poética.

Gaitonde perteneció a diversos grupos artísticos avant-garde en India, como el Grupo de Artistas Progresivos y el Grupo Bombay. Si bien casas de subastas como Christie’s venden su obra a precios elevados, es un artista poco estudiado o analizado, muy a pesar de su proyección artística en el sureste asiático y su relevancia como artista de la posguerra. El museo también llevará a cabo programas para familiarizar a los asistentes con el trabajo de Gaitonde. En exhibición hasta el 11 de febrero del 2015.

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Por GASTV | Octubre, 2014

El estudio OFIS Arhitekti presentó el estadio para el club de fútbol bielorruso FC BATE Borisov situado en una zona forestal al sur de la ciudad de Borisov.

La firma eslovena de arquitectura le dio al estadio una forma de cúpula revestida con paneles de aluminio brillantes perforados por una serie de ventanas en forma de gota. La intención era recrear la apariencia de tela estirada sobre los huesos. La piel de la cúpula da una impresión de un tejido perforado frágil detenido el esqueleto del estadio.

La forma redondeada se ha diseñado para mejorar la acústica en el terreno de juego, que está orientada de norte a sur para asegurar que la luz solar se distribuye de manera uniforme para los dos equipos que juegan en un partido.

Aproximadamente 3 mil metros cuadrados de instalaciones públicas se encuentran detrás de la fachada curva de nivel de la planta baja, en los extremos norte, sur y este del estadio. Estos incluyen restaurantes, bares, tiendas y un gimnasio.

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Por GASTV | Octubre, 2014

El Museo de Arte Moderno presenta hasta el 2 de noviembre El ojo grosero: José Revueltas crítico de arte, una exposición que reúne obras de diversos artistas mexicanos de la primera mitad del siglo XX (Tamayo, Leopoldo Méndez, Diego Rivera, etc.) bajo el ojo crítico de José Revueltas.

La exposición establece un diálogo entre las artes visuales, la escritura y nos brinda otra dimensión de la obra del escritor mexicano. A pesar de ser reconocido por su narrativa, Revueltas realizó escritos estéticos que han pasado desapercibidos para la mayoría de sus lectores, y esta es una buena oportunidad para acercarse a ellos.

Este acercamiento también nos introduce al panorama de la crítica de arte durante el apogeo del muralismo, abordado en su mayoría bajo el lente ideológico del marxismo. El ojo grosero manifiesta la afinidad entre el estilo literario de Revueltas y el de los muralistas y grabadores, con quienes compartió un mismo sentido crítico y realista del arte.

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