Muchas son las propuestas musicales que rondan por Internet, pero hay que decirlo, no todas valen la pena, sin embargo, The Wytches, banda inglesa de rock- surf psicodélico logra cautivar el oído desde los primeros acordes; Annabel Dream Reader es su primer disco y aquí las razones por las que hay que escucharlo.
Formados en 2011 en Brighton, Inglaterra, The Wytches aparecieron en la escena musical europea con un sonido estridente y sedicioso, características que sobresalen en Annabel Dream Reader. Kristian Bell (guitarra y voz), Dan Rumsey (bajo y voz) y Gianni Honey (batería) conforman The Wytches, una banda que como muchas otras, fue gestada en un núcleo universitario donde 3 jóvenes cuyo gusto por el hardcore y el surf sirvió como guía para formar una banda de rock.
Después de lanzar un par de EP’s en 2013, el pasado 25 de agosto salió oficialmente a la luz Annabel Dream Reader, el primer material de estudio de la banda, la producción estuvo bajo la supervisión del exintegrante de The Coral, Bill Ryder-Jones; el disco consta de 13 canciones, un total de 47 minutos que consiguen adentrarnos armoniosamente al mundo de la psicodelia frenética de The Wytches.
“Digsaw” es el track con el que abre Annabel Dream Reader,un inicio sucinto y poderoso que consigue “ponernos a tono” para recibir las canciones siguientes; y justo cuando esperábamos mantener el ritmo enérgico llega “Wide at Midnight”, la segunda canción en la lista que con un sonido menos vibrante nos mantiene en una latente curiosidad por conocer lo que nos espera. El sonido más siniestro y pesado de The Wytches se hace presente en canciones como “Gravedweller” , “Burn Out the Bruise” y “Rob For Juda”, piezas que funcionan como la estructura sólida del disco.
Annabel Dream Reader es una fina combinación de ritmos e historias que incluye desde los sonidos más pesados, hasta las canciones menos vibrantes como “Fragile Male” o “Summer Again” que no por ser menos ruidosas, resultan menos impetuosas.
Sin duda, el disco debut de The Wytches es una grata sorpresa, además de la portentosa ejecución musical, las letras están basadas en historias tan comunes de amor o desesperación que cualquiera puede identificarse con ellas, como en el caso de “Wire Frame Mattress” donde el protagonista de la historia siente su “dignidad colapsar” por una mujer.
Annabel Dream Reader, está disponible en servicios de streaming así como a la venta en el sitio de Partisan Records. Les dejamos el video más reciente de la banda se trata del video oficial de “Burn Out the Bruise” .
Por Juan Manuel Luna Cuandón / @jmlcuandon| Agosto, 2014
El parque memorial diseñado en los años setenta por Louis Khan o la casa en la playa de la arquitecta Charlotte Perriand proyectada en la década de los treinta, son proyectos que se han construido sin la presencia de sus creadores años después de que fueron pensados. Incluso actualmente existen proyectos que continúan con su construcción gracias a que se conservaron los suficientes planos, detalles y dibujos del autor intelectual de la obra. Es el caso de La sagrada familia del arquitecto español Antonio Gaudi. En esta ocasión toca a México ser protagonista de una hazaña arquitectónica y constructiva de similar magnitud.
En 1967 la empresa IBM decidió edificar su conjunto corporativo en México, en un terreno de casi 4000 m2 en la esquina formada por la avenida Mariano Escobedo y Campos Elíseos en la zona de Polanco, para esto se designó al arquitecto mexicanoAugusto H. Álvarezen colaboración con Enrique Carral y Héctor Meza para el diseño del conjunto. Cabe señalar que era la primera vez que la empresa informática encargaba un trabajo de tal magnitud a un despacho fuera de los Estados Unidos. La propuesta de Augusto Álvarez y equipo, fue un diseño que contemplaba 2 edificios sencillos, funcionales, elegantes y estrictamente modulados en razón a 1.22 m, debido al gusto de Álvarez por el sistema inglés de dicho sistema que tenía una mejor relación con la escala humana.
El resultado del proyecto consistió en un elemento horizontal de siente niveles más una torre anexa de 18 niveles con una plaza enfrente, con plantas flexibles, racionales y funcionales, tal cual como dictaba la modernidad arquitectónica de aquella época, desafortunadamente la torre de 18 niveles no se construyó quedando un proyecto inconcluso, pero ahora el despacho TA+U / Ciudad y Patrimonio, fomentan la culminación del proyecto con la propuesta de ejecución de la torre anexa.
Algunos creen que fue una lástima que el conjunto IBM no se haya completado en su totalidad, por lo que consideran ésta una gran oportunidad de reflejar el espíritu de la modernidad de aquella época pero ahora en la actualidad. También creen que es la oportunidad perfecta y precisa de ver culminada una obra más de Álvarez. Otros consideran que no es lógico construir un edificio que fue pensado para cumplir con necesidades específicas de una época, pero aquí cabe preguntar ¿qué es lo correcto por hacer?, ¿este nuevo edificio cumplirá con su propósito original?, ¿la arquitectura de Álvarez es atemporal? Sin duda la respuesta la tiene el mejor juez de la arquitectura: el tiempo.
El proyecto dejoyería de Ewa Sliwinska comenzó durante sus estudios en la Universidad de Bellas Artes de Poznan, cuando la diseñadora pensó en las posibilidades del uso de la joyería en el futuro.
Las piezas de lacolección The Living Points Structure de Ewa Sliwinska están hechos de tiras de plástico PVC, que mantienen unidas a las filas de hilos de plástico transparente para que parezca espinas.
La joyería está diseñada para ser usada en los muslos, los brazos o la espalda, y cada objeto se forma con decenas de elementos que prácticamente levitan cerca del cuerpo, respondiendo a cada movimiento con vibraciones que ajustan su velocidad y fuerza. En vez de tener una forma estática dominadora, ladiseñadora estudió el cuerpo humano en la búsqueda de las áreas no utilizadas para llevar joyas
Al usar estos objetos, además de ser objetos decorativos, se extienden tanto que en el contexto de la forma que el movimiento se da una nueva representación visual.
Durante los dos años de trabajo conceptual emitió una infinidad de bocetos, docenas de prototipos y moldes del cuerpo, experimentando con más de 10 materiales diferentes.
En 2012, la artista cubana Lourdes López se convirtió en la directora artística del Miami City Ballet, después de haberse formado como bailarina principal en el New York City Ballet. Su grupo de bailarines sorprendió con un performance a las afueras de la galería Wynwood Walls donde introdujeron el arte clásico rodeados de murales y gráficos pintados en la ciudad.
En 2015 la compañía llevará a cabo un nuevo performance el próximo mes de marzo. Esta ocasión contará con la colaboración del coreógrafo Justin Peck y un mural de fondo hecho por el artista urbano Shepard Fairey.
Muchos murales coloridos han transformado varias calles en el barrio de Wynwood, de monótonas a un escaparate de arte al aire libre, donde los artistas urbanos se han convertido en estrellas durante las ferias de arte contemporáneo anuales de Miami.
Fairey dijo que el mural comparte algunos elementos con la visión de Peck, y tendrá motivos relacionados con el patrón, la fluidez, la elegancia femenina, y el movimiento caleidoscópico que se puede ver dentro de su propio trabajo.
La pieza aún sin título contará con 17 bailarines representando el “Concierto de Piano No. 1” del compositor checo Bohuslav Martinu.
Con una técnica que emula alsticker art, Verónica Gerber presenta una serie de calcomanías, en blanco y negro, sobre los muros del Museo Universitario de Arte Contemporáneo. Para esta exposición, la artista retoma la teoría de conjuntos y los diagramas de Venn para establecer las relaciones entre pronombres personales, tal como ocurre con las personas en la vida cotidiana.
Esta serie de relaciones tienen que ver con lo que sucede durante una conversación, en la que se coinciden o se distancian las personas. Gerber, quien ha expuesto además en recintos como el Museo de la Ciudad de México y el Centro Cultural de España, presenta estos stickers como una forma de crear historias, que ella apenas sugiere, y que el espectador completa.
ConLos hablantes, que forma parte del programa curatorial Intemperie Sur del Muac, la artista reflexiona en torno al lenguaje como un hecho que incluye lo que se dice, pero también lo que se calla. El trabajo de Verónica Gerber transita precisamente entre la escritura, área en la que también trabaja, y las artes visuales. La exposición estará hasta finales de septiembre en los pasillos y las terrazas de este museo.
Ilya y Emilia Kabakov son parte de los artistas de origen soviético más reconocidos de la escena contemporánea. Sus piezas recrean escenarios inmediatos y comunes en los que prevalece la figura del ángel, imagen divina que los Kabakov adoptan para representar la inspiración y realización del hombre ante el contexto real. El uso de estas alegorías angelicales también expresa una utopía ante el orden soviético por el cual atravesó la pareja en su país de origen. Una esperanza ante las adversidades.
El dúo de artistas rusos presenta por primera vez en la ciudad de México la exposición Ilya y Emilia Kabakov. Angelología: utopía y ángeles, que reúne arte objeto, fotografías, facsimilares, dibujos, impresiones en tela, maquetas e instalaciones totales que generan una atmósfera invadida por la presencia celestial. Entre las piezas que se encuentran en la muestra están Bordeaux, las pinturasIn the Hospital eInteresting Book, y las piezas principalesHow to Meet and Angel? y Fallen Angel, instalación de gran formato que simboliza a través de una figura humana el fracaso ante las ambiciones desmedidas.
La exposición se presenta en el Antiguo Colegio de San Ildefonso, y parte de la colaboración entre la galerista Nina Menocal y el curador del museo José Manuel Springer. Permanecerá hasta el 11 de enero del 2015.
28 de agosto de 1850 | Se entrena en el Gran Teatro Ducal de Weimar de Alemania, la ópera «Lohengrin», de Richard Wagner.
Loherngrin es una ópera romántica en tres actos con música y libreto en alemán de Richard Wagner. Es considerada la más «italiana» de las óperas wagnerianas, incluso se acostumbra a interpretar en concierto escenas y fragmentos de la ópera. Las partes más conocidas son los preludios del primer y tercer acto, el aria final de Lohengrin In fernem Land y la marcha y coro nupcial, que tradicionalmente se interpreta en las bodas de la mayoría de los países occidentales.
Por Andrea García Cuevas / @androclesgc | Agosto, 2014
El arte se ha apropiado del lenguaje y la plataforma de acción que ofrece Internet para realizar ejercicios creativos o estéticos. Pero también se han desarrollado propuestas críticas que encaran las realidades virtuales que se gestan en la red, desde la forma en cómo nos relacionamos con ella hasta los secretos que esconden. A continuación cinco proyectos en esta línea.
01—We Feel Fine (2005) de Jonathan Harris y Sep Kamvar
Con herramientas de las matemáticas aplicadas a la computación y metodologías antropológicas, los ingenieros Jonathan Harris y Sep Kamvar crearon una plataforma que, durante aproximadamente 6 años, registró sentimientos humanos expresados en un sinnúmero de blogs en Internet. El sistema era capaz de rastrear entradas de usuarios con las frases “siento” y “estoy sintiendo” para registrarlas e identificar el “sentimiento” expresado en la oración (por ejemplo, tristeza, felicidad, depresión, etc.) Además, gracias a la estructura de la mayoría de los blogs, se podían obtener datos de edad, género y locación geográfica del autor. El resultado es una base de datos de millones de sentimientos humanos.
En la interface de We feel fine se puede ver las información en cientos de gráficas, estadísticas y despliegues visuales que ofrecen respuestas a preguntas como ¿qué país es el más triste o feliz del mundo?, ¿cuáles son los sentimientos más comunes de las mujeres jóvenes de Nueva York?, ¿los europeos se siente más tristes que los estadounidenses?, etc. El proyecto, aunque sin intención, reveló la facilidad para obtener datos privados en Internet mucho antes de que Edward Snowden diera a conocer los programas de vigilancia masiva.
02—Hello World! (2008) de Christopher Baker
Concebida por Christopher Baker, Hello World! expone la interacción entre lo local y lo global como una práctica cultural contemporánea que es a la vez real y virtual. Se trata de una instalación compuesta por fragmentos de 5,000 videos —extraídos de diferentes blogs y canales de Internet— donde se pueden ver a individuos que, desde la dimensión de sus espacios privados (habitaciones, baños, cocinas, etc.), entonan al unísono sus experiencias personales. El efecto sonoro es el del ruido de Internet, aquel que es construido por los miles de usuarios que trasladan su intimidad local al escenario global de la red.
De acuerdo con Baker, la instalación explora las formas de representación en los medios de comunicación participativos, así como la obsesión del ser humano por ser escuchado, aunque sea sólo a través de la ilusión que brinda el mundo detrás de la pantalla.
03—Wikihistoriography (2010) de James Bridel
Para el artista, escritor y teórico inglés James Bridel, Wikipedia congrega gran parte de la cultura humana. No sólo se trata de la enciclopedia digital más consultada, sino de un libro de Historia con una narrativa construida colectivamente. Con Wikihistoriography Bridel explora la construcción en memoria digital de un hecho histórico, de los vacíos o los acentos en la escritura y de la información que se acuerda compartir (Wikipedia revisa y aprueba todos los contenidos antes de ser publicados). Se trata de un ejercicio historiográfico aplicado a la información digital.
El proyecto es una enciclopedia física de 12 volúmenes realizados únicamente con información de un artículo de Wikipedia: La guerra de Irak. La información incluye argumentos sobre la pertinencia y los puntos de vista políticos, las ediciones realizadas y las que se escapan como “Saddam Hussein era un imbécil”. En conjunto, se muestran los 12,000 cambios que se realizaron al artículo en línea en un lapso de 5 años.
04—Ask Google (2011) de Emilio Chapela
¿Qué sentidos proyectan, o revelan, las búsquedas realizadas por los usuarios en Internet? La plataforma Google Search puede ser una herramienta útil para saberlo. En 2011 el artista mexicanoEmilio Chapela la aprovechó para explorar el imaginario colectivo en la red. Así, la serie Ask Google muestra un listado de las sugerencias que ofrece Google cuando una frase o una simple palabra es escrita en la barra del buscador. Las sugerencias representan los términos más buscados y, a su vez, reflejan los intereses, preocupaciones y opiniones de la comunidad de Internet.
Los resultados parecen ser respuestas a preguntas como ¿qué piensa el mundo de… China? Desde el pensamiento colectivo, Google contesta: “China está tomando el mundo”, “China es comunista”, “China es el país más grande del mundo”, y un etcétera infinito. Pero la jerarquía de importancia es relevante: muestra una escala de valores sobre la concepción del mundo.
05—Droping the Internet (2014) de Aram Bartholl
Por más de ocho años, Aram Bartholl ha cuestionado la relación entre las culturas virtual y real a través de proyectos artísticos que, gráfica o conceptualmente, retoman el lenguaje y los fundamentos básicos de Internet. Inspirado en el proyecto Dropping a Han Dynasty Urn (1995), donde Ai Weiwei establece una ruptura con las tradiciones opresivas del pasado, el performance más reciente del artista alemán, Droping the Internet, es un comentario crítico sobre los ideales —ahora fracturados— del Internet como un medio democrático, seguro y libre.
La idea del proyecto surgió después de que, en 2013, Edward Snowden revelara información clasificada sobre los sistemas de vigilancia realizados a través de Internet. Después de las declaraciones, la noción de Internet se transformó por completo. Hoy en día, la paranoia alcanza el terreno de lo virtual.
El festival deperformance y danza que celebra la visión artística y la originalidad de los artistas con capacidades diferentes regresa al Centro Southbank de Londres, por segunda vez y tras su primera edición, como parte de la Olimpiada Cultural en 2012. La programación incluye el estreno mundial de The Dinner Party Revisited la pieza de Katherine Araniello en el que crea un espectáculo de caos y altera las expectativas estereotipadas de la discapacidad a nivel febril; Let Me Stay que es la exploración de Julie McNamara del impacto de la enfermedad de Alzheimer en el entorno familiar; Intimacy, el performance de la bailarina australiana Michelle Ryan, que fue diagnosticada con esclerosis múltiple a la edad de 30 años.
The Awakening es una actuación al aire libre creado por el artista discapacitado Chris Pavía. Se trata de cuatro personas atrapadas en un ritual extraño pero fascinante. El despertar se realiza por cuatro bailarines discapacitados y no discapacitados. El festival también ofrecerá workshops, conferencias y talleres del 2 al 7 de septiembre.
Por Andrea García Cuevas / @androclesgc | Agosto, 2014
Diseñar escuelas es también un ejercicio para diseñar posibles futuros. Los espacios educativos no son lugares de tránsito, como contenedores funcionales que desatienden la realidad al exterior. Por el contrario, sus propósitos deben estar encaminados a entablar relaciones de sentidos multidireccionales. Desde esta perspectiva, el despacho alemán Ackermann + Raff diseñó la Escuela Secundaria Thazin en la región de Ngwesaung, en Birmania. Más que un complejo educativo, la arquitectura de la escuela persigue la noción de un centro cultural comunitario.
Desarrollada en cooperación con la ONG alemana Projekt Birmania, y financiada a través de un programa de donaciones, la escuela secundaria no responde al perfil de una escuela de características convencionales. La propuesta se distingue tanto por la metodología utilizada en su construcción como por las posibilidades de sus diferentes espacios. Su concepto es sostenible; además de haber sido construida en colaboración con los habitantes de Ngwesaun, su composición puede ser adaptada de acuerdo a los usos y costumbres de la localidad.
Para la construcción se utilizaron materiales locales como la madera —para las paredes— y el bambú —para los techos— con el objetivo de generar un sentido de identidad con la comunidad y evitar las “prótesis” arquitectónicas. Cuenta con siete aulas, una sala de profesores y un pabellón que se presenta como el espacio más flexible: después de las clases, puede ser transformado como foro de eventos culturales, cine al aire libre o sitio para desarrollar diferentes actividades culturales y comunitarias.
En términos arquitectónicos, la estructura está formada con madera, mampostería de ladrillo y base de hormigón. Una malla ornamental de bambú otorga el toque estético. No cuenta con ventanas, sólo una serie de persianas de colores y puertas —pintadas con pigmentos locales—. Por su parte, una pérgola de bambú ofrece un espacio de sombra. En conjunto, la arquitectura de la escuela secundaria responde a las necesidades del contexto, tanto a nivel social como cultural.
La plataforma ARCA Lab constantemente está desarrollando proyectos que impulsen la producción artística independiente, a través de los cuales busca impulsar la creatividad del talento mexicano. Es así como surge ARCA Mashup, iniciativa que reúne una serie de actividades que pretenden vincular al público joven con profesionales y especialistas de las industrias creativas internacionales.
En colaboración con la agencia creativa Bengala se llevará a cabo el Mashup Balas & Baladas, dirigido a periodistas, fotoperiodistas y cronistas de la ciudad interesados en retroalimentar su experiencia con personalidades referentes de la escena. Bajo una convocatoria, diez participantes tendrán la oportunidad de desarrollar una crónica o una galería fotográfica que retrate la ciudad de México.
El próximo 9 de octubre se llevará a cabo la selección de los trabajos, además de un conversatorio con los maestros de la crónica Francisco Goldman, Alberto Salcedo y Livia Radwanskien donde se abordarán temas de periodismo literario, y quienes serán el jurado encargado de evaluar el trabajo realizado por los participantes. Las crónicas y fotografías seleccionadas se publicarán en una edición especial impresa de El Barrio Antiguo, periódico semanal de crónicas narrativas. Conoce la convocatoria completa aquí.
Desde el 2003 la Comisión Nacional para el Desarrollo de los Pueblos Indígenas se ha encargado de difundir la riqueza cultural de éstas comunidades en México. A través de diversos programas a nivel federal, estatal y municipal, la CDI continuamente desarrolla actividades que incentivan el reconocimiento y la inclusión social de las comunidades indígenas.
Para continuar fomentando la participación activa de los pueblos originarios, la CDI organizó la primera Expo Artesanía y Turismo Indígena, misma que reunió y difundió la oferta de productos y servicios de más de 120 comunidades de todo el país. Horacio Gala, coordinador general de fomento al desarrollo indígena nos platicó sobre este evento.
El tan festejado director danés Lars von Trier no se llama así. Su nombre original es Lars Trier, más pedestre. Si agregó a su nombre la preposición alemana von fue para darse un aire más aristocrático, menos terrenal. Es como si quien aquí escribe (Gustavo Cruz) hiciera cambios análogos para dar más autoridad a sus opiniones sobre cine y las firmara como Gustavo de la Cruz. La táctica es pedante, como el mismo von Trier, pero tiene su justificación en la historia del cine. A principios del siglo XX aparece en el círculo cinematográfico norteamericano un personaje peculiar, un inmigrante alemán salido de la nada que se hace llamar Erich von Stroheim y se empieza a hacer el cine más radical del momento. Su actitud violenta de autor, con la soberbia del aristócrata, hace que después de un tiempo, a mediados de la década de 1920, tras haber realizado largometrajes revolucionarios pero extremadamente ambiciosos, fuera vetado de dirigir películas y relegado al simple papel de actor. Sólo que el aristocrático von Stroheim no tenía nada de aristócrata, en Alemania era simplemente Erich Stroheim, un ciudadano más.
La adición de la preposición es la más notoria de una seria de falsedades que von Stroheim dijo sobre sí mismo para generar mito. Por ejemplo, gustaba de enumerar las más variadas actividades al momento de contestar sobre qué hacía antes de dirigir películas, agente de seguros y vendedor de papel matamoscas eran dos de sus favoritas. Su signo es el cinismo que desnuda la hipocresía. Si cambia su nombre es porque sabe que el burgués siempre ha envidiado la delicadeza del aristócrata al que derrocó, los norteamericanos mueren por ser príncipes y reyes. Harán lo imposible por codearse con esa clase en extinción. Incluso dejarlo hacer películas en las que se burlé de esta actitud. Von Stroheim, que protagoniza sus cintas, siempre asume el papel de conde o barón decadente cazando inocentes magnates norteamericanos para quedarse con su dinero y sus mujeres. El díptico Foolishwives (1922) yBlindhusbands (1919) son el mejor ejemplo. Burlándose siempre de la fascinación del nuevo rico por la podredumbre de las cortes europeas. Innovador como pocos, la calidad de sus películas le permitió varios caprichos, como la ausencia de maquillaje en los actores o la filmación en locación. Pero sus ambiciones pronto lo llevarían al desastre. Tal es el caso de Foolish wives, que estaba proyectada para durar ocho horas y terminar con el protagonista —él mismo— devorado por una ballena. No hay príncipe al que la industria le cumpla tales caprichos.
Pero su obra dejó una huella profunda, no sólo en von Trier, cuyo cinismo puede rastrearse al del Stroheim. Jean Renoir, hijo del pintor impresionista y favorito de Godard y compañía en la Cahiers du Cinema, dijo que cuando vio el cine de von Stroheim supo que todo lo que había hecho hasta entonces estaba mal y comenzó de cero. Años más tarde, en 1937, Renoir dirigía al propio von Stroheim en su obra maestra La gran ilusión. La Cineteca Nacional hizo un retrospectiva en sus salas de la obra del cínico «aristócrata» que termina el último día de agosto.
Nuestras princesas Disneytienen su complemento imaginario en las niñas bien de la cíclica telenovela de nomenclatura variable. El movimiento #YoSoy132 ¿lo recuerda? Una de sus líneas de discusión era la incidencia de los medios de comunicación en la vida cotidiana: en las creencias, en la educación y en la sensación. En las marchas se escucharon susurros a gritos: “que no te eduque, la rosa de Guadalupe”, “Televisa te idiotiza, Tv azteca te apendeja”. Más allá de la postura mesiánica de algunos manifestantes, el movimiento dejó como memoria política la necesidad de cuestionar los contenidos de los medios de comunicación; programas radiofónicos y televisivos que llenan de irreales deseos e incumplibles historias a gran parte de los televidentes mexicanos. Los canales culturales no se salvan: una mejor educación no te hace mejor persona, saber más no te coloca en una jerarquía superior.
Al visitar la página web de Los Ingravidos, pienso en #YoSoy132, en las huellas y residuos que va dejando un movimiento; borraduras que se convierten en plataforma de nuevas grafías. Los ingrávidos son un colectivo de producción audiovisual; su quehacer se basa en generar contenidos que “desarticul[an] sistemáticamente la gramática audiovisual que Televisa ha ido conformando a lo largo de su historial estético”. Los Ingrávidos proponen un nuevo tipo de imaginario colectivo, una mirada alterna a la tradición y a los valores que transmite la televisora más grande de México. Tienen como manifiesto una cita de Jonas Mekas, lo cual nos indica que sus actos y productos parten de una ideología a priori que hicieron a la medida de sus necesidades: “hacer inoperante cualquier mensaje “original” y “tradicional” a través de la inducción de distintas semiologías”.
La introducción de nuevas propuestas de producción audiovisual se convierten en nuevos portales para imaginar y generar colectividad: un pretexto imagen-movimiento, que como dos tazas de café, abren el diálogo, propician el encuentro. La primera forma de establecer distancia es el formato: ensayo audiovisual, film, intervenciones y fragmentos. Un fragmento: Transmisión | Archivo de Indias. La cámara, a la altura del rostro, se mueve en relación directa con la figura. Empezamos a recorrer el archivo, los pisos, las columnas y las gavetas; documentos que cuentan la historia de nuestra colonia. La Nueva España, tan allá, tan aquí, tan históricamente revisitable. Blanco y negro a tonos medios: el alto contraste estetiza. Un gemido, un quejido. Seis minutos y medio. Un códice ¿podemos leer nuestra historia?
Ahora una intervención: Falso movimiento. Parece que estamos ante un comercial. Un stop motion de parkour donde un Godinez común va recorriendo espacios de la ciudad de México: las escaleras de cualquier oficina, la calle Condesa en el Centro Histórico, el típico salto de ciencia ficción: de una azotea a la otra. Aparece un subtítulo: “¿qué nos mueve? el orgullo”… la siguiente imagen, una mujer zapatista con una metralleta. El godinez sigue saltando: “nos mueve un nuevo impulso”… la siguiente imagen, la lucha social. Se van intercalando. Todo el recorrido lleva el sonido de una máquina. En el minuto y cuarenta y dos segundos la intervención acaba. Aparece la leyenda: México. Gobierno de la República… ¿la soberanía radica en el pueblo? ¿el pueblo genera sus contenidos culturales? ¿existe?
Muchos filmes, muchas historias relatando lo que nos sucede, lo que adolecemos. Cada propuesta necesita un tiempo de reflexión, también deja una huella, propone cuestionando. Hay intención aunque no propaganda. Visibiliza aquello que los medios de comunicación masiva ocultan: no todo está bien, no está mal señalarlo. Un acierto: no buscan que los vídeos sean “bonitos”; a esta altura de la historia el comentario parece rancio, pero celebro que la forma de presentar el contenido se aleje también de los típicos planos-secuencia a los que estamos acostumbrados.
Se ha dicho que un músico de verdad nunca se retira del todo, pero son pocos los artistas que llegan a seis décadas de vida creando material tan fresco e innovador como el que hacían en su juventud. A continuación, seis ejemplos de artistas que viven su madurez a plenitud.
01—Michael Gira
Nacido en 1954, el líder de Swans es hoy por hoy uno de los hombres más respetados en elrock de vanguardia, y los últimos dos discos de su banda son las obras más ambiciosas y potentes de toda su carrera.
“Oxygen”.
02—Peter Gabriel
Gabriel (1950) ha desempeñado muchos roles durante su larga carrera; genio del rock progresivo, pionero de la electrónica, mecenas de la world music, estrella del new wave. Hoy en día, no sólo es capaz de llenar estadios, sino que todos sus proyectos son reconocidos por la crítica especializada.
“Intruder”.
03—Peter Hammill
Hammill (1948), líder de Van der Graaf Generator, es uno de los más grandes compositores de Gran Bretaña, creador de textos poéticos y profundos que complementa de manera perfecta con su música compleja y épica. En noviembre, visitará la capital mexicana junto con el guitarrista experimental Gary Lucas.
“A Way Out”.
04—Scott Walker
La inusual carrera de Walker (1943) lo ha llevado de ser una estrella de pop juvenil durante la década de los sesenta a ser una de las figuras más oscuras y enigmáticas de la música de vanguardia contemporánea.
“Epizootics!”
05—Tom Waits
La imagen pública de Waits (1943), caracterizada por su aspecto harapiento y su voz destrozada, es uno de los personajes más memorables del rock, pero no debe distraernos de su extraordinario talento como compositor.
“Hell Broke Luce”.
06—David Bowie
La lista no estaría completa sin Bowie(1947), quien recientemente regresó de un silencio de diez años, con su reputación y popularidad intactas.
Tatiana Bilbao, es la arquitecta detrás del diseño del Edificio Bioinnova, formado por una pila de grandes cajas de cristal, forma parte del campus del Monterey Institute for Technology and Education en el estado de Culiacán, Sinaloa.
Además de proporcionar los espacios académicos, esta instalación la biotecnología tiene capacidad para locales comerciales, con espacio para renta de oficinas y oportunidades para que los estudiantes participen en proyectos de investigación.
Inicialmente la universidad propuso un bloque sencillo de cinco pisos, pero Bilbao convenció a la junta que separa los diferentes niveles y para crear formas voladizas que resultarían en un edificio más emblemático y práctico. En respuesta al deseo del cliente de enfatizar la relación entre la institución y la ciudad, Bilbao propuso ubicar lo más cerca posible de una calle concurrida adyacente.
La posición escalonada de los volúmenes rectangulares crea protección solar en los niveles inferiores. Las superficies expuestas de la fachada están cubiertas con una malla de metal que añade un nivel adicional de protección solar.
La arquitecta también convenció al cliente para colocar la puerta de entrada al campus detrás del edificio para que los miembros de la comunidad local puedan utilizar las instalaciones como una sala de conferencias y como auditorio ubicado en los niveles más bajos.
—26 de agosto de 1914| Nace en Argentina el escritor Julio Cortazar.
Julio Cortázar fue escritor, traductor e intelectual de nacionalidad argentina que 1981, la cambió por la francesa para manifestar su inconformidad contra el gobierno militar argentino. Es uno de los autores más importantes de su tiempo. Su obra se caracteriza por dominio del del relato corto, la prosa poética y la narración breve en general. Asimismo es creador de importantes novelas que inauguraron una nueva forma de hacer literatura rompiendo los moldes clásicos mediante narraciones que escapan a líneas temporales de sucesión. Su obra transita las frontera entre lo real y lo fantástico y suele ser puesto en relación con el realismo mágico e incluso con el surrealismo. Vivió casi toda su vida en Argentina y en Europa. Residió en Italia, España, Suiza y París, ciudad donde se estableció en 1951 y en la que ambientó algunas de sus obras.
Una de sus obras más importantes es Rayuela. Se trata de una novela que se publicó por primera vez el 3 de octubre de 1963 y es una de los referentes imprescindibles de la literatura latinoamericana. Es una novela que juega con la subjetividad del lector y posee múltiples finales, a su obra el autor la llamaba contranovela.
El 18 diciembre de 2012, la plataforma multimediática Vice, dedicada a difundir contenido acerca de lo absurdo del mundo moderno, con presencia en más de 34 países y recursos ilimitados, anunció la compra de la revista i-D, que 1980 comenzó como un fanzine punk de bajo presupuesto acerca de streetwear y cultura urbana, para transformarse con el paso del tiempo en lo que es actualmente, un referente de estilo de vida. “Una de las pocas publicaciones de moda a la que le tenemos respeto” declaró Andrew Creighton, presidente de Vice.
A sólo un año y medio de distancia llega a México la versión online de i-D, bajo la visión editorial de un equipo mexicano que es encabezado por Monse Castera , que se encargó de la coordinación editorial de la revista 192, fue creadora de Tomo y el suplemento cultural del periódico Excélsior pero ¿qué podemos esperar de i-D versión mexicana? De inició la plataforma online ofrece bastantes artículos traducidos de la versión inglesa de la revista, algunos muy bien logrados como “Feminismo 2.0. Las mujeres que reinan el internet” de Tish Weinstock, en el que desmenusa el alcance y la transformación de feminismo ofrece un panorama actual sobre lo que significa ser una mujer feminista hoy en día. Aunque el texto de Hattie Collins sobre Tyler, the creator, es una mala traducción que parece ser una excusa para anunciar el Festival Ceremonia.
Resultaría injusto catalogar a i-D México, como un sitio que exclusivamente traducirá contenido, también contiene artículos como “Hood by air mx” de Cheryl Santos en el que desde la perspectiva de un habitante de la ciudad de México, se analiza el mercado de la moda internacional aplicado al microcosmos capitalino, también una entrevista al sello discográfico N.A.F.F.I. i-D en cualquiera de sus versiones, incluida la mexicana, propone contenido desde lo más banal como la sección Think Pieces, en donde los textos por momentos parecen piezas dignas de la revista Seventeen, hasta ensayos completos en los que se cuestiona cuál es sentido de la cultura actual —lo que sea que signifique eso—.
La versión mexicana de i-D se perfila como una plataforma online que promete cuestionar al lector desde diferentes perspectivas, sin olvidarse de su principal motor, la moda. Sinceramente espero que i-D no sea sólo un escaparate más de proyectos, festivales y marcas que sí, son interesantes, pero de las que ya estoy cansado de leer en todos los blogs, tampoco espero esta nueva oferta editorial termine como una plataforma repleta de textos que estandaricen lo que significa ser joven. i-D México tiene la oportunidad y el apoyo de una plataforma tan grande como Vice, para convertirse en una publicación en contrapeso a la oferta actual de sitios web.
