Por Sandra Sánchez / @phiopsia

Buscamos refugio, explicaciones que reconforten nuestro espíritu. Algunos le llaman raíces, otros madurar para saber en qué fundamos nuestra cotidianidad. Hay casos extraordinarios: más de una vez en el último par de meses he escuchado a personas “estudiadas” hablar seriamente sobre la posibilidad de que nuestra proveniencia sea extraterrestre. Buscamos construir una casa, y como dijo el poeta, quizá no para habitarla; el simple hecho de saber que la tenemos genera una ilusión de tranquilidad.

La casa es el lenguaje y el individualismo extremo nos ha enseñado que un hogar está formado por más de uno: se necesita interacción. El lenguaje no se reduce a las palabras sino al fenómeno que permite nacer y decir mundo de cierta manera. Las artes escénicas mexicanas lo tiene presente, quizá su desarrollo en constante desgaste y actividad grupal le ha permitido generar una experiencia de comunidad más sólida que otras disciplinas. Bajo la necesidad de generar un espacio donde se pueda dialogar los procesos y reforzar los proyectos de teatro, música, danza, performance e interdisciplinar surge Territorios del Arte.

El proyecto se define como “un mercado escénico concebido como Plataforma de Encuentro y Divulgación de las Artes Escénicas De la Región Centro Occidente de México”, en este evento se juntan compañías de estados como San Luis Potosí, Guanajuato, Guadalajara, Zacatecas, Aguascalientes, Michoacán, etc., con la finalidad de dialogar, mostrar e intentar llevar sus proyectos a espacios de presentación en centros culturales nacionales e internacionales. Como ejercicio de interacción y fortalecimiento de los proyectos, un mes antes de que sean expuestos y vendidos, se realiza un laboratorio donde se asesora a 30 compañías.

Para el 2014, el laboratorio está a cargo de Ruben Ortíz (teatro), Mariana Arteaga (danza), Gerry Rosado (música) y Nayeli Real (gestión); el ejercicio consiste en que los participantes expongan ante su gremio propuestas específicas para retroalimentar, criticar y fortalecer los productos culturales de su comunidad. El encuentro busca construir una casa temporal para las artes escénicas donde los participantes tengan la confianza de exponer y fortalecer su trabajo antes de llevarlo al público. Los facilitadores de los talleres son personas que van más allá de la teoría, ya que en su propia práctica han buscado expandir los horizontes de su propia disciplina. Un ejemplo es Ruben Ortíz, quien partiendo del teatro, ha teorizado y realizado exploraciones sobre la teatralidad en el espacio público. O Nayeli Real, cuyos cursos de gestión no sólo brindan las herramientas metodológicas de financiamiento y producción, sino que ofrecen reflexiones sobre la utilidad de los productos culturales, las preconcepciones de progreso, rendimiento y la visión del arte como práctica ciudadana.

El encuentro se divide en dos fases: la semana de talleres y la semana de presentación de proyectos. La primera fase se lleva a cabo del 28 de julio al 2 de agosto en el Centro de las Artes de San Luis Potosí. El desgaste, la divagación y el enriquecimiento de los talleres deriva en el Mercado de Artes Escénicas, donde los participantes podrán presentar sus proyectos a instituciones culturales que deseen adquirirlos; esta fase se llevará a cabo la primera semana de septiembre.

Esfuerzos como Territorios del Arte marcan un precedente, pues las artes escénicas están demostrando como la experiencia colectiva permite un mayor enriquecimiento; el hecho de mostrar la fragilidad de los productos culturales ante el medio, se ve compensado por la forma en que éstos se nutren al ser observados y dialogados más allá de la mónada en que cualquier compañía pueda convertirse. Buscamos refugio, es más fácil construir si somos más de uno; si se cae sabemos que alguien nos puede acoger temporalmente y quizá hasta decidirse a trabajar en coyunturas que refresquen nuestro tan repetido imaginario.

Por GASTV

El director de cine estadounidense George Lucas buscó a la firma de Beijing MAD y a Studio Gang Architects, para diseñar el proyecto de un museo de arte en la orilla del lago de Chicago.

El espacio estará dedicado a la colección del creador de Star Wars, el Lucas Museum of Narrative Art (LMNA) presentará una historia de imágenes en movimiento de la ilustración al cine y los medios digitales del futuro.

MAD, la empresa liderada por el arquitecto chino Ma Yansong, fue seleccionado como la diseñadora principal del museo después de impresionar a los jueces con su enfoque innovador y la filosofía de la conexión de los espacios urbanos con paisajes naturales. Studio Gang diseñará el paisaje circundante y creará un puente que conecte el museo con la península vecina de la isla del norte, creando una combinación de un hábitat ecológico y urbano.

El equipo de diseño dará a conocer su propuesta a finales de este año, con el objetivo de completar la construcción en cuatro años. Para ello, está reuniendo a algunos de los mejores arquitectos del mundo para asegurarse de que la experiencia.

Por GASTV

Tras la muerte de la fotógrafa italiana en 1942, Pablo Neruda escribió el poema Tina Modotti ha muerto que concluye con el verso: “Porque el fuego no muere”. Esta última frase es retomada para dar nombre a la retrospectiva de Tina Modotti en el Palazzo Madama, en Turín.

Esta exposición reconstruye, con cerca de 100 trabajos, la vida de la italiana no sólo como artista, sino como modelo, musa (desde Diego Rivera hasta Edward Weston) y su incursión en la política (como su participación en el Partido Comunista y en el Guerra Civil Española).

La artista vivió durante siete años en México, donde desarrolló su trabajo fotográfico hasta que tuvo que salir del país. Sus fotografías de desnudo y su mirada sobre el estilo de vida del México posrevolucionario causaron controversia en la época. Fue aquí donde se presentó la única exposición en vida de Modotti en la Galería de Arte Moderno. Antes de llegar al país, había trabajado como actriz de cine en California.

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Por Jorge Juan Moyano

Los pitagóricos fueron, en la Grecia del siglo V A.C., una secta de astrónomos, músicos, matemáticos y filósofos, que creían que todas las cosas son, en esencia, números. Así, el 1 es el punto, el 2 la línea, el 3 la superficie y el 4 el sólido; la materia. En su geometría, el 3 se manifiesta en el triángulo y el 4 en el cuadrado.

Jorge Arreola Barraza (Ciudad Juárez, 1985) utiliza la forma del cuadrado para crear un espacio imaginario de paz. Con pintura blanca y el uso de un esténcil “raya” en el asfalto público un cuadrado de un metro por un metro; por afuera del mismo, la frase “Espacio de paz”. Los transeúntes en Ciudad Juárez aprovechan el interior de este “no-lugar” para fotografiarse y escapar, momentáneamente, de una violenta cotidiana.

En fuga de su territorio natal, el artista propone una reactivación de la pieza en el barrio de Santa María la Ribera en la ciudad de México a partir de la propuesta del espacio independiente Casa Imelda. En esta ocasión utiliza cal en vez de pintura para las letras de la frase. El cuadrado, de 11 metros por 11 metros, se forma ahora por cuatro esquinas, con sus aristas, que se juntan a través de la señalética urbana. Cuatro puntos, que se convierten en líneas, superficie y materia para enmarcar la ley. Este cuadrado genera a su vez, un vacío. Provoca un adentro y un afuera. Se alude a él como un marco para la representatividad política del cuerpo a través de la ley. Así, éste cuadrado simboliza el Estado y procura una inclusión/exclusión del estado de derecho que él mismo profiere.

Thomas Hobbes, en su “Leviatán” de 1651, describe la pérdida de un estado salvaje del individuo al entrar en un acuerdo de civilidad, y por lo tanto de paz y sociabilidad. Entonces, su cuerpo es protegido y representado por la ley. Podemos pensar este acuerdo, como un adentro del «Espacio de paz» circunscrito por Arreola con las mismas líneas trazadas por el gobierno, quien, siguiendo a Hobbes, procura esta paz administrando la violencia. Sin embargo, el acto del artista más bien refleja esta falta del Estado Mexicano. El «Espacio de paz» simboliza un vacío de ley y la incapacidad de paz en un territorio desahuciado. La elocuencia de Arreola al apropiarse del dibujo preestablecido por el Estado hace evidente lo que en ocasiones permanece de la promesa fundacional de un Estado: la pura forma.

La pieza de Arreola re-escribe entonces la forma y los límites mismos de la ley y su función desde un acto vandálico. Empero, la frase “Espacio de paz”, que se lee rumbo al norte y está escrita con cal, tapa la pestilencia de un animal muerto en la calle. Así, este material blanco cubre un bulto, un organismo descubierto de ley y en descomposición. Un cuerpo blanco que se vuelve visible por el valor de alguien que no soportó el hedor y le echó el polvo inmaculado. Arreola consigue con esto presentar un marco de visibilidad para la los cuerpos-bulto acaecidos. Además, nos hace presentes de nuestra vulnerabilidad como cuerpos en tránsito por la vida y en la lucha social.

Finalmente, la pieza de Arreola permite otra reflexión en relación el tiempo y la permanencia. El tránsito de los coches, camiones y motocicletas; de bicicletas, transeúntes y perros va desmoronando ese montón de cal que enunciaba un espacio imaginario. Se va desvaneciendo una ilusión. Es esa naturaleza cambiante de la pieza, lo que permite ver que la promesa de paz del Estado, es tan solo eso: una promesa, que se regenera y se vicia por el deseo, el anhelo y la necesidad de los ciudadanos y de los soberanos. Sería ingenuo pensar que este gran sentimiento pueda ser otorgado por un organismo ajeno al individuo. Lo más que podría hacer el Estado es procurar tranquilidad y sosiego en la cotidianidad de las vidas que comarca. Lo que permanece entonces después de esta acción de Arreola, no es la denuncia de una promesa vencida, ni la cal esparcida en el asfalto, ya sin significar nada. Lo que subsiste es un Estado vacío de ley. Un cuadrado que sigue ahí, que siempre estuvo ahí. Una forma de Estado fosilizada e inactiva que “sólo se enuncia a sí mismo”. Resta entonces la pregunta por la situación del individuo “clasemediero” que atraviesa “desnudo” estos espacios vacíos de ley adentro del territorio nacional.

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Por GASTV

—30 de julio de 2007 | El director de cine Ingmar Bergman murió a los 89 años en Suecia. 

El cine de Bergman recoge la influencia formal del expresionismo y de la tradición sueca y su gran sentido plástico. La temática predilecta para sus películas son la muerte y el amor, marcadas por las preocupaciones existencialistas y religiosas del realizador.

En 1956 dirige El séptimo sello, una alegoría que explora la relación del hombre con Dios y la muerte. La posición de Bergman como director terminó de consolidare en  la década de 1960, con Persona (1966). Más tarde, en la década de los setenta comienza a ser reconocido con los premios del cine internacional como Cannes, Hollywood, Venecia y Berlín. Sin embargo, en 1976, abandonó su país por problemas fiscales y se instaló en Munich, donde abrió su propia productora. Durante estos años realizó su película más representativa Fanny y Alexander (1982). A partir de los noventa, Bergman se dedicó a escribir guiones cinematográficos para otros directores.

Por GASTV

La Royal Academy of Arts, en Londres, presenta una retrospectiva de una de las figuras emblemáticas del neoexpresionismo: Anselm Kiefer. El artista alemán, también conocido como “el coloso del arte contemporáneo”, expondrá obras producidas especialmente para el espacio del museo británico. En esta gran retrospectiva, bajo el nombre del autor, se reúnen obras de sus 40 años de trayectoria como pintor y escultor.

Kiefer es reconocido por sus pinturas matéricas, en las que usa telas de gran tamaño y las interviene con diversos materiales, como plomo y vidrio, e incorpora texto. En ellas reflexiona sobre hechos del pasado y acontecimientos históricos, como la Segunda Guerra Mundial.

En la muestra se presenta una serie de pinturas, esculturas e instalaciones monumentales. Entre las piezas exhibidas se encuentran The Orders of the Night (1996), Palette on a Rope (1977) y Heroic Symbol V (1970), esta última es precisamente una crítica al nazismo. Las obras de este artista de la posguerra forman parte de la colección del Guggenheim de Bilbao, además, ha expuesto en museos como el MoMa de Nueva York, el Grand Palais, en París, y en la Fundación Beyeler, en Suiza.

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Por GASTV

—29 de julio de 1890 | Vincent van Gogh muere después de haberse disparado en el pecho a los 37 años.

Vincent Willem van Gogh (Holanda, 1853-Francia, 1890) fue uno de los artistas más importantes del postimpresionismo. Su obra pictórica abarca más de 900 cuadros (entre ellos 27 autorretratos y 148 acuarelas) y realizó más de 1600 dibujos. Un personaje importante fue su hermano menor Theo, quien lo apoyó a lo largo de su carrera como artista. La intensa relación entre ellos está documentada en las numerosas cartas que se intercambiaron desde agosto de 1872. De las 800 cartas que se conservan del pintor, unas 650 eran para Theo; las otras son correspondencia con amigos y familiares.

A los 26 años se volvió pastor protestante y partió como misionero a una región minera de Bélgica, donde comenzó a dibujar a la gente de la comunidad local. En 1885 pintó Los comedores de patatas, en ese momento su paleta se componía de tonos terrosos. La luz de colores vivos por la que es conocido surgió en obras posteriores, cuando se trasladó al sur de Francia, y logró la plenitud durante su estancia en Arlés en 1888. Su obra fue reconocida después de su muerte. Actualmente es considerado uno de los grandes maestros de la pintura. Tuvo una gran influencia en el arte del siglo XX, especialmente entre los expresionistas.

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Por Abel Cervantes

La historia de El planeta de los simios ha sido estupendamente aprovechada por Hollywood. Desde el primer filme, en 1968, protagonizado por Charlton Heston, dirigido por Franklin J. Schnaffner, con guión de Rod Serling (Dimensión desconocida) y Michael Wilson, hasta la actualidad se han producido alrededor de ocho títulos, con resultados heterogéneos, tomando como base la misma premisa: un grupo de simios evoluciona significativamente después de un experimento científico. Posteriormente, decide vengarse de los humanos, desatando una guerra. La anécdota fue recuperada recientemente por Rupert Wyatt bajo el título El planeta de los simios [R]Evolución (2011), que cuenta la historia de un joven científico que en su intento por buscar la cura del Alzheimer fomenta que los simios desarrollen su cerebro de una manera formidable.

La segunda parte de esta nueva saga, El planeta de los simios: Confrontación cuenta la historia de César, el simio que se rebeló contra los humanos, destruyendo la civilización. Es inevitable interpretar la nueva película de Wyatt desde una perspectiva política. El simio que se voltea contra César para propiciar un nuevo orden de terror se llama Koba, el apodo de Stalin. Además, la cinta se rige bajo los estándares de las fábulas catastróficas que durante los últimos veinte años han poblado el cine estadounidense más comercial: la civilización humana fracasa y un nuevo orden reina en la Tierra. Algunos pensadores, como Fredric Jameson, han encontrado en estos filmes de ciencia ficción las proyecciones que la sociedad actual hace de un mundo donde no existen sistemas económicos como resultado de su imposibilidad de imaginar un futuro promisorio, tanto en los ámbitos financieros como en los sociales.

Más allá de estas posibilidades, la producción más reciente de El planeta de los simios gira alrededor de conceptos desoladores. El director parece decirnos que la incomunicación y la falta de respeto entre los seres humanos lo llevaran a su exterminio. Por supuesto, en esta película los simios son una representación de grupos sociales humanos. Pero el  espectador deberá decidir a quiénes representan: ¿grupos sociales marginados por su estatus social, económico o, acaso, de raza? Cualquiera de las respuestas es terrible.

Por Andrea García Cuevas / @androclesgc

Las técnicas de construcción y el diseño arquitectónico siempre han estado estrechamente ligados al desarrollo tecnológico, como sucede con casi todos los aspectos de la vida cotidiana. Desde los monolitos de piedra que dieron forma a los primeros monumentos, hasta la cada vez más empleada tecnología en 3D, los recursos posibles en un momento han construido la imagen de su tiempo. Así, la arquitectura —al igual que la mayoría de las disciplinas creativas— contiene en sus formas las necesidades, los imaginarios y los símbolos como testigos de una época.

En la actualidad, el interés por la impresión en 3D y el diseño de código abierto, por mencionar dos ejemplos recientes de esquemas de producción, responden a la necesidad de involucrar al usuario en el proceso de creación. Pero también existen otras propuestas que involucran la asociación con la naturaleza, como si se tratara de un ejercicio de mimesis que busca nuevos y mejores modelos para ser y estar en el mundo.

Arquitectos e ingenieros de la Universidad de Stuttgart, en colaboración con miembros de las divisiones del Instituto de Diseño Computacional (ICD) y el Instituto de Edificación de Estructuras y Diseño Estructural (ITKE), colaboran con biólogos y paleontólogos en un programa de investigación enfocado en una pregunta central: ¿cómo pueden ser recreadas las estructuras livianas de la naturaleza a través de la arquitectura? Inspirados principalmente en las formas de determinados animales y apoyados por herramientas como la robótica, los miembros de esta institución han construido pabellones arquitectónicos que copian el funcionamiento y los principios de diversos sistemas naturales.

Algunos de los proyectos de la Universidad que persiguen estos propósitos son el pabellón basado en el exoesqueleto de una langosta —que se compone de capas de quitina, un hidrato de carbono nitrogenado, cubiertas por proteínas— y un pabellón de placas de madera que imitan el esqueleto de los erizos de mar. El más reciente es también un pabellón de fibra de carbón, tejido por medio de un robot y basado en la cáscara de un escarabajo. Todos los proyectos son parte de un proceso de investigación y construcción de 18 meses.

La estructura del pabellón de escarabajo está fabricada por un sistema de robótica diseñado a la medida para crear una serie de fibras modulares que imitan las alas y el abdomen del insecto. Se trata de un estudio morfológico del animal convertido en principios de diseño. Por su parte, la fibra —cubierta con resina para conseguir mayor resistencia— permitió desarrollar diferentes geometrías sostenidas por una armadura de acero y vidrio. El pabellón cubre un área de 50 metros cuadrado  y pesa media tonelada.

El resultado es a simple vista espectacular, mientras que el proceso es un ejemplo de la biomimética aplicada a la arquitectura.