Archivo para el junio, 2014

Sol LeWitt en el Metropolitan Museum of Art

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Por GASTV

El proceso fue exhaustivo. Sobre los muros blancos del Metropolitan Museum of Art (MET) de Nueva York, un equipo de trabajo montó durante cuatro semanas las 10 figuras geométricas de Wall Drawing #370 del artista Sol LeWitt, que se expondrá a finales de este mes.

El estadounidense ha trabajado con composiciones sobre muros, que tienen una existencia efímera.  Estas obras también se adaptan fácilmente a los espacios en los que se presentan. Para Sol LeWitt, la conceptualización es la parte fundamental en la creación de una obra de arte y no la parte material.

Como se muestra en los videos del MET que documentan el montaje, este proceso creativo comienza con un grupo de trabajo que delimita las áreas, marcan las líneas horizontales y verticales que dan forma a las figuras geométricas, para luego aplicar primero la pintura blanca y luego la pintura negra. Finalmente, se descubre la pieza.

En Wall Drawing #370 se presentan figuras geométricas, como un triángulo, un círculo, un rombo y un cuadrado, formadas a partir de líneas paralelas en dos direcciones, que permiten separar a la figura del fondo.

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Lámpara Tull de Tommaso Caldera

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Por GASTV

TULL es a reinterpretación de las clásicas lámparas de trabajo en las que la luz está protegida por una tela metálica unida por un difusor de metal. El material es el mismo, pero el objeto es trabajado de manera distinta en términos de forma, lenguaje y proporción para que se pueda adaptar de los espacios industriales a los usos domésticos.

Creada por la empresa italiana Incipit, la lámpara de Tommaso Caldera hace un homenaje a su diseño predecesor, el aluminio entallado que forma la sombra y alambres de acero curvados se convierten en la jaula de protección. La innovación del sistema de iluminación resulta en un diseño que se caracteriza por una cáscara lisa cerrada curvando continuamente bucles que albergan a una sola bombilla.

La lámpara se presentó en un par de colores diferentes, con algunos tonos más brillantes que otros. Cuando se mira desde otro punto de vista, las luces tienen un aspecto similar a una jaula de pájaros, con una luz colgando en el centro en lugar de un animal vivo.

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34 Foro Internacional de la Cineteca Nacional

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Por GASTV

El cine latinoamericano será el protagonista de la 34 edición del Foro Internacional de la Cineteca Nacional que se llevará a cabo del 4 al 21 de julio con varios representantes. Las películas con propuestas experimentales han sido desde hace varios años el eje central del Foro que este año está integrado por 14 filmes procedentes de 11 países. La selección estuvo determinada en gran medida por proyectos que tuvieron reconocimientos internacionales y mucha exhibición, pero también por películas que no tuvieron galardones, pero que la programación de la Cineteca consideró apropiado incluir.

Buscando un balance en la programación, también estarán en exhibición cintas mexicanas de calidad como Eco de la montaña de Nicolás Echevarría, Ciencias naturales de Matías Lucchesi y Manto acuífero de Michael Rowe, con dedicación especial a Vicente Leñero.

Representando al cine europeo estará Los niños del cura, la producción más taquillera de Croacia dirigida por Vinko Bresan y El pasado, de Asghar Farhadi que fue reconocida en el pasado Festival de Cannes en la categoría Mejor Interpretación Femenina para la actriz Bérpenice Bejo.

La cinta de Lars Von Trier, Nymphomaniac Vol. 2, será la película inaugural del Foro.

 

Eno/Hyde: El segundo asalto

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Por Pablo Cordero / @sugarskull12

Han pasado menos de dos meses desde la publicación de Someday World, primera colaboración entre el legendario músico y productor británico Brian Peter George St. John Le Baptiste de la Salle Eno (conocido simplemente como Eno) y Karl Hyde, integrante de Underworld, una de las bandas de música electrónica más populares e interesantes de la década de los noventas. Por ende, la aparición de High Life se antoja tan sorprendente como precipitada. Eno menciona que la grabación de Someday World le resultó tan estimulante que sugirió a Hyde empezar otro disco en cuanto terminaron el anterior, “para extender algunas de las ideas presentadas ahí, y desarrollar otras totalmente nuevas”.

En teoría, el prospecto no parece tan atractivo; Someday World fue un disco agradable pero no espectacular, y no figura entre las mejores obras ni de Eno ni de Hyde, por lo que un disco hecho al vapor con ideas descartadas de aquella obra no debiera funcionar. Sin embargo, Eno ha demostrado en repetidas ocasiones que la espontaneidad y las formas heterodoxas de trabajar le sientan bien, y High Life supera a su antecesor en calidad.

Mientras que Someday World mostraba a dos músicos respetuosos de sus límites, buscando un punto medio entre sus diferentes estilos musicales, High Life exhibe un mayor dominio de Eno, y el sonido remite ante todo a sus innovadores experimentos con la música africana de principios de los ochenta, cuando de la mano de David Byrne y sus Talking Heads realizó obras tan seminales como Remain in Light (1980) y My Life in the Bush of Ghosts (1981). El título mismo de este disco nos remite al highlife, género musical originario de Ghana.

“DBF”, primer sencillo del disco

Las seis largas canciones que conforman High Life (la edición en vinilo, a publicarse en agosto, contendrá dos cortes más) parten de profundos y básicos grooves de uno o dos acordes, sobre los cuales Eno y Hyde realizan frescas y atractivas manipulaciones electrónicas. A diferencia de Someday World, este disco no contiene canciones que puedan catalogarse como pop; las melodías vocales son circulares y mántricas, y todas las piezas contienen largos pasajes instrumentales.

High Life es una potente muestra no sólo del considerable talento de Eno y Hyde, sino de la peculiar sinergia que existe entre ellos, que nos invita a esperar más colaboraciones como esta en el futuro.

 

Manos por México en el Museo Franz Mayer

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Por Monserrat Garduño Hernández / @junerainbowns

Cuando una pieza artística trasciende por su originalidad y mensaje, ésta adquiere la característica de atemporalidad, puesto a que el impacto del objeto sobre el espectador va más allá del tiempo y lugar en el que se originó. Asimismo, comprender la historia de una obra que logró hacerse un espacio en la historia del arte, permite a nuevos artistas elaborar una reinterpretación de la pieza.

En la muestra Manos por México, que se expone en el Museo Franz Mayer hasta el 10 de agosto, el espectador puede observar como una pieza fundamental en la historia del arte, la reconocida  Mano-silla  (1962) del artista italomexicano Pedro Friedeberg, se prestó a múltiples interpretaciones de distintos artistas y diseñadores para recrear nuevos conceptos, a través de variadas técnicas, materiales y planteamientos.

La idea de la exposición, parte del homenaje a la trayectoria de Pedro Friedeberg, considerado como el último de los surrealistas mexicanos. En la muestra se invitó a 186 artistas entre quienes destaca Gustavo Monroy, Gustavo Arias Murueta, Emiliano Gironella, Berta Kolteniuk, Gabriel Macotela, Boris Viskin, Gustavo Monroy, Alan Glass, Rodrigo Pimentel y Moisés Zabludovsky, para intervenir la pieza icónica del artista, con lo cual se logró diversos resultados y nuevas historias en la realización de cada modelo.

Lo interesante de la pieza de Friedeberg, es que en un principio no fue bien aceptada por los críticos, al considerarla poco estética, hasta que consolidó su diseño gracias a las vanguardias artísticas prevalecientes en ese tiempo.

Asimismo, y prestándose a un juego de palabras, la muestra busca echar la mano a proyectos con trascendencia social, debido a que al concluirse la muestra, las piezas serán subastadas y los fondos se destinarán a la Fundación En nuestras manos para realización del segundo Centro de Capacitación Integral (CAI), que se realizará en Puebla, con el objetivo de preparar a las personas a emplearse, obtener ingresos de su trabajo y elevar de esta manera su condiciones de vida.

Manos por México es el ejercicio de diversos artistas para reinterpretar un clásico del  diseño mexicano, ofrecer modelos con nuevas lecturas y apoyar a propósitos sociales. Una exposición que amplía el bagaje visual del espectador.

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Futbolistas-bailarines

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Por Daniela Orlando / @danieltitlan

Plantearse la pregunta de si un bailarín es un deportista es tan válido como preguntar si un deportista es artista. Por suerte, conscientes de la cercanía entre el entrenamiento corporal y la ejecución del mismo en otro nivel, tanto bailarines como deportistas han acercado sus disciplinas en busca de nuevas experiencias.

Para los jugadores del Queen’s Park Rangers, equipo de la primera división de fútbol inglés, la danza y en específico el ballet se convirtió en parte de su técnica de entrenamiento como sugerencia de su entrenador. En 2003, los jugadores empezaron a tomar clases con el Ballet Nacional Inglés; en realidad, el acercamiento fue por parte de la compañía de danza que buscaba desarrollar fuerza en sus bailarines a través del entrenamiento futbolístico, pero Scout Rushton, preparador físico del equipo, cayó en cuenta que el conocimiento corporal de los bailarines ayudaría a sus jugadores. Resaltaron en específico que ese entrenamiento ayudaba a prevenir lesiones pero también a recuperarse con mayor rapidez de las mismas, haciendo más efectivo y longevo el desempeño de cada jugador.

Por otra parte, en 1932 Asaf Messerer (1903-1992), un importante bailarín y maestro del Ballet de Bolshoi, presentó una coreografía donde tradujo los movimientos de los futbolistas al lenguaje del ballet. Messerer fue bailarín principal del Bolshoi y durante treinta y tres años interpretó los grandes clásicos. En una gira por Europa, la coreografía de su autoría fue la estrella del programa, ésta se titulaba The Football Player.

El registro de la obra se encuentra en un video que celebra los ochenta años de Messerer; el Bolshoi homenajeó en 1982 en una gala a su maestro. En este video el mismo Asaf dirige a Vladimir Vasiliev (1940) para interpretar The Football Player.

La pieza es un solo que se desarrolla ágilmente en música para piano. El bailarín estiliza los movimientos y desplazamientos que cualquier jugador plantearía a ras del piso en busca del balón. Este rápido jugador en camisa deportiva y shorts se eleva por el aire y gira con los pies apuntados, domina un balón imaginario en una diagonal de ballottés. Las patadas de precisión llevan las piernas perfectamente estiradas a sobre pasar sus hombros. En toda su limpieza y precisión, es un futbolista.

Quién es más atleta entre un futbolista y un bailarín es sin duda una discusión sin sentido, pero qué puede aportarle uno al otro, es una pregunta frecuente. Al parecer no hay muchos lugares en el mundo donde la gente no esté influenciada por el fútbol, esperemos que sean los mismos que estén influenciados por la danza.

 

The Clock, de Christian Marclay

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Por Andrea García Cuevas / @androclesgc

Woody Allen, Ingrid Bergman, Matthew Broderick, Johnny Depp, Buster Keaton y Sean Penn, entre otros actores, directores y relojes —de bolsillo, muñeca o pared— marcan el paso del tiempo en la videoinstalación The Clock (2010), de Christian Marclay. El proyecto le tomó más de dos años al artista californiano para poder reunir 1440 fragmentos de diferentes películas que le permitieran cubrir todos los minutos de un día. Junto con un equipo de seis personas, Marclay revisó el catálogo de diversos videoclubes de Londres y observó miles de películas que pudieran contribuir a la composición de su ambiciosa instalación. En el proceso pudo notar 3 constantes en el paso del tiempo en la mayoría de las películas: 1) las historias del cine regularmente transcurren entre el medio día o la media noche, 2) las 3:00 am es la hora más recurrida para transitar la madrugada, y 3) las 5:00 a.m. es el momento menos referido en el cine.

Protagonizada por el tiempo, The Clock es una película de 24 horas de duración que está formada por secuencias de miles de películas y programas de televisión. En cada escena se proyecta un reloj o se pronuncia la hora que también transcurre en el tiempo real. Aquí el tiempo no es relativo, tampoco hay flashbacks o flashforwards que contribuyan a la narrativa. La hora que marcan las manecillas del reloj —o el dispositivo móvil— de los espectadores, coincide exactamente con la hora marcada en la pantalla.

El video podría parecer una sucesión vertiginosa de imágenes, sobre todo porque las escenas corresponden a diferentes épocas, contextos y géneros fílmicos. Sin embargo, el ritmo de la narrativa es uniforme. Además de hacer presente y real el tiempo pasado, Marclay logra proyectar el movimiento temporal a través de 1440 instantes en una lógica de tiempo que, al menos, en nuestra consciencia temporal no se puede negar. Asimismo, The Clock parece difuminar la frontera impuesta por la pantalla. De esta forma, la ilusión creada por el cine se funde en el espacio real —o viceversa.

Desde su presentación a finales de 2010 en la galería White Cube de Londres, la obra ha viajado por museos como el Guggenheim Bilbao, el Museo de Arte Contemporáneo de Montreal, el Museo de Arte de San Francisco (SFMoMA) y la Bienal de Venecia, donde Marclay recibió el León de Oro. Tres de sus 5 copias originales forman parte de las colecciones del MoMA, el Centro Pompidou y la Tate Gallery. Actualmente la instalación se presenta en el Walker Art Center de Mineápolis.

Escapar del monstruo Corona Capital

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Por Emmanuel Boldo / @emanuelboldo

La mayoría de los habitantes de la ciudad de México, tenemos la tendencia a pensar que nada sucede más allá de los límites del DF. Nos aterroriza la idea de dejar la comodidad de nuestras colonias y, tan sólo pensar en abandonar la ciudad para establecernos en cualquier otra parte del territorio mexicano, es considerado por muchos un gran error. Las razones parecen obvias, la ciudad de México, ofrece una frágil burbuja de tranquilidad ante la inseguridad que se vive en otras partes del país, representa una aparente apertura a ideologías diferentes que dialogan entre sí, el clima perfecto para desarrollar ideas creativas y lo más interesante: una apabullante vida cultural. Prácticamente un oasis en un país que, los medios internacionales, han llegado a tachar como uno de los más peligrosos del mundo.

Año con año la ciudad de México recibe un sin número de visitantes nacionales e internacionales que buscan experimentar una verdadera experiencia chilanga, uno de los eventos que recibe más atención de la prensa y de la juventud capitalina es el festival de música Corona Capital. Para muchos este festival es un emblema de modernidad, un Coachella tropicalizado, e incluso este año, el cartel tiene una propuesta musical tan interesante que ha opacado al festival Austin City Limits, que se lleva a cabo el mismo fin de semana en Austin, Texas. Sin duda, el Corona Capital acapara la atención de jóvenes de todo México, asimismo la prensa extranjera ha dedicado algunos artículos al festival, aunque no con la misma emoción que los medios nacionales, ya que por poner un ejemplo el portal craveonline.com hace mención al increíble cartel que incluye a Jack White y a Beck pero no se olvida de mencionar una nota de Reuters dedicada a los feminicidios en el área metropolitana de la ciudad. craveonline.com no hace un trabajo de investigación, ni mucho menos un análisis a la situación actual de la capital; sin embargo, pone el dedo en la llaga porque la ciudad de México no es el oasis que creemos.

A sólo 2 horas de distancia en avión del DF, se encuentra Monterrey, Nuevo León, una de las ciudades más imponentes del norte del país. El fin de semana del 19-20 de septiembre de este año se llevará a cabo el Hellow Festival en Monterrey, perfilándose como una opción en contrapeso al festival de la ciudad de México. Propuestas como Is tropical, Mac DeMarco, MGMT y Cut Copy, entre otros forman parte del cartel que aún no es revelado por completo, pero que ya está causando revuelo en redes sociales.

Aunque la propuesta de Hellow no es tan imponente como la del Corona Capital, ésta representa una seria opción en el mercado de festivales del país. Pero si el Hellow no resulta atractivo como para olvidarse del Corona Capital, Austin tiene una opción que podría ser descrita como la versión en esteroides del festival NRMAL de Monterrey. Sí, el Fun Fun Fun Festival. Se trata de un evento sin pretensiones que conjunta lo más diverso de la música en 5 escenarios diferentes. Este año estarán desde Judas Priest, Death Cab for Cutie, pasando por Sky Ferreira, hasta Death Grips. Además Fun Fun Fun Festival funciona como una plataforma abierta a nuevas propuestas de cualquier ámbito creativo se llevarán a cabo del 7 al 9 de noviembre, tiempo perfecto para organizar un viaje a la capital tejana.

A pesar de todo lo que se puede comentar sobre el Corona Capital, y con el riesgo de parecer banal, el festival seguirá funcionando como un modelo de entretenimiento, no importa con lo que se le relacione. En 2012 el movimiento Yo soy 132 convocó a un boicot en contra del popular festival, que no surgió ningún efecto. En 2013 el músico John Talabot canceló su participación por cuestiones de seguridad y el evento simplemente se llevó a cabo sin contratiempos. Este año el Corona Capital tiene una propuesta musical impresionante, sin embargo y por cuestiones que distan de política o inseguridad, hay quienes estamos buscando escapar del gran monstruo en el que se ha convertido este festival.

 

GIF-iti

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Por Monserrat Garduño Hernández / @junerainbowns

El creciente impacto de las redes sociales ha modificado de diversas maneras la interacción social y la forma de consumir productos culturales a nivel mundial, debido a ello, la tendencia de la comunicación online va en ascenso. Actualmente no es raro enterarse que un mayor número de medios de comunicación, agencias de publicidad, departamentos de marketing y consultorías políticas, entre otros, han comenzado a enfocar sus esfuerzos en potencializar dicho rubro, con la finalidad de  contactar con sus públicos metas y generar en ellos los tan deseados engagements e insights.

Si la tecnología ha modificado las formas de interacción social, es evidente que el arte sigue la misma tendencia. El artista británico INSA ha comenzó a llevar el arte de la calle de todo el mundo a través de dispositivos móviles. Ha denominado GIF-iti a esta su nueva tendencia visual, la cual consiste en retratar un mural con un diseño específico y fotografiarlo en diversas secuencia para posteriormente juntar las tomas para otórgale un efecto de movimiento a las imágenes. INSA señala que su intención es generar arte para la generación Tumblr, en donde se mezcla la tecnología de internet y las artes visuales.

La admiración que el trabajo de INSA ha generado en los últimos meses se debe a la fusión de técnicas clásicas y al uso de internet para difundirlo, el esfuerzo que se requiere para otorgarle el sentido de movimiento al mural y los efecto ópticos que logra gracias al conjuntos de imágenes que al juntarse crean una animación.

La nueva tendencia es un ejemplo de cómo los artistas han empleado diversas tecnologías para crear expresiones y trascender por su originalidad y pertinencia al contexto ante el mar de información que se mueve en la red. De esta manera, el arte seguirá siendo un referente histórico del momento en que se vive.

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Toyo Ito

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Por Laura Aguilar / @laluflow

El pasado 1 de junio Toyo Ito cumplió 73 años de vida. Él es considerado uno de los arquitectos más influyentes e innovadores del mundo. En 2013 fue galardonado con el premio Pritzker. Te presentamos lo más destacado de su trabajo.

01—Hotel Porta Fira, 2010

Ubicado en Plaza Europa de la provincia de Hospitalet de Llobregat en Barcelona, España, cuenta 113 metros de altura y 26 plantas. Éste es el quinto edificio más alto del área metropolitana de Barcelona. En 2010 recibió el premio Emporis, declarado el mejor rascacielos del mundo. Toyo Ito tomó la forma orgánica de la flor de loto para el diseño de este edificio, además cuenta con una fachada doble, la primer capa está hecha de cristal, mientras que la segunda se compone de tubos metálicos.

02—Mediateca de Sendai 

Se encuentra en Sendai, Miyagi en Japón. Este edificio representa la multifuncionalidad del mundo informático del siglo XXI, el objetivo principal del arquitecto era lograr un espacio fluido y abierto donde no existieran paradigmas arquitectónicos, pretendía una construcción que se fusionara con el espacio exterior, es por eso que la estructura principal está hecha de cristal, lo que permite el reflejo de la zona arbolada en la que se ubica y así mimetizarse con el entorno. En 2006 obtuvo la Medalla de Oro Real por el Royal Institute of British Architects.

03—Biblioteca de la Universidad de Arte de Tama

Se ubica en el campus de Hachioji de la universidad en Tokio, Japón. Una de las características principales de este edificio es la curvatura con la que cuenta en dos de sus lados. En el interior cuenta con una serie de arcos que simulan estalactitas que provocan distintos efectos de movimiento sin geometrías definidas.

04—Edificio Tod’s Omotesando

Este edificio se encuentra en una de las avenidas más famosas, Omotesando, en el distrito de Aoyama en Tokio, Japón. Como es característico de Toyo Ito, la estructura de esta pieza es doble en la fachada, la primer capa es de cristal y la segunda de hormigón con formas que imitan a los árboles que rodean el edificio, por ello en el día la construcción se ilumina con efectos de luz únicos.

05—Serpentine Gallery

Esta construcción se ubica en la ciudad de Westminster en Londres, año con año la galería solicita a algún reconocido arquitecto que diseñe un pabellón para ser ubicado en los jardines de la galería. Toyo Ito hizo gala de la forma orgánica y fluida de su arquitectura, la estructura principal es una caja de cristal cubierta por una segunda estructura sin geometrías definidas que simulan una red.

06—Pabellón en Brujas

Este proyecto fue considerado símbolo de deseo de Bélgica por convertirse en una ciudad contemporánea. Se ubica en el centro de la ciudad, el pabellón consiste en un tubo de acero y cristal con una textura hexagonal, en un principio la construcción se encontraba sobre un estanque  que le permitía que la escultura aparentara diluirse en el agua. Actualmente el estanque fue removido y el pabellón tiene aspecto de abandonado.

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El cielo sobre nueve columnas

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Por GASTV

En conjunto con la organización cultural de la Fundación Giorgio Cini y el historiador de arte Robert Fleck, el artista alemán Heinz Mack hizo una de las instalaciones más grandes creadas para la Bienal de Venecia: The Sky Over Nine Columns, una cuadrícula de siete metros de altura. La instalación se compone de nueve columnas idénticas, decoradas con más de 850 mil azulejos de mosaico de oro brillantes destinados a reflejar la luz del sol y la luna.

El artista describe esto como el elemento más fundamental en la arquitectura, la creación de una extensión no oficial de la exposición Elements of Architecture de Rem Koolhaas que analiza el papel de los diferentes componentes de la construcción, incluyendo escaleras y paredes.

Ubicada en la plaza de la Basílica de San Marcos en isla de San Giorgio Maggiore, las nueve columnas muestran la importancia de las columnas en la historia de la arquitectura. El equipo espera que los visitantes hagan una conexión entre las superficies metálicas de las columnas y el mosaico de oro de la iglesia a través del agua. The Sky Over Nine Columns se mantendrá en exhibición hasta el 23 de noviembre.

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Neo Laminati Collection

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Por GASTV

Kelly Behun confirma sus habilidades en el arte funcional y el diseño de mobiliario e interiores con su última colección Neo Laminati, una línea de muebles con diseños llamativos que rinde homenaje a los grandes movimientos del diseño del siglo 20.

El estilo gráfico de Memphis durante la década de los ochenta, al avant garde de los años treinta y a las formas mínimas del artista americano Donald Judd, son los movimientos revolucionarios del diseño y la cultura internacional que Kelly Behun y el artista Alex P. Blanco, que trabaja a su lado desde el año 2008 en proyectos únicos o de series limitadas, piden prestado en su uso del color y los materiales versátiles como laminados plásticos.

Con respecto a los tiempos de los que hacen referencia, el dúo de diseñadores añade el potencial de la impresión digital a la lista, junto con inspiraciones de recientes viajes a Marruecos. Las nuevas piezas son tomadas en colaboración con artesanos de aquel país que crearon alfombras con motivos psicodélicos utilizando tejido reciclado.

La colección se vende exclusivamente en la boutique SUITE en Nueva York, con un número de diferentes, pero limitadas, piezas de mobiliario.

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Hoy, el mundo ha muerto

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Por Sandra Sánchez / @phiopsia 

I.

Usualmente, el nombre Hiroshi Sugimoto remite a fotografías del Museo de Historia Natural, a imágenes de fósiles, a edificios arquitectónicos fuera de foco,  a paisajes donde el horizonte divide el mar del cielo: minimalista y abstracto, la quietud de lo que permanece. Su trabajo parece un registro de elementos con los que construimos la historia de la cultura; sin embargo, presenta guiños que justamente evidencian el proceso de construcción. Por ejemplo, en Dioramas, una serie de fotografías del Museo de Historia Natural de Nueva York, encontramos Earliest human relatives, de 1994, la cual captura, en blanco y negro, a dos primates y sus huellas de camino recorrido. Alrededor, el ecosistema incluye una montaña, árboles y nubes. Como el dibujo de un niño de primaria, que en vez de humanos presenta homínidos, la fotografía muestra que la cultura es una narración que se construye, se fija, se modifica y se vuelve a fijar.

II.

“El mundo murió hoy. Tal vez ayer, no lo sé” escribe Sugimoto. La referencia viene de Camus, El extranjero, “Mi madre murió hoy. O tal vez ayer”. La exposición se llama Aujourd’hui, le monde est mort (lost human genetic archive). La sede, el Palais de Tokio en París. Esta ocasión, el artista reemplaza la luz natural, la cámara de gran formato y “la fosilización del tiempo mediante la fotografía” por montajes donde construye escenarios utilizando objetos de distintas épocas en yuxtaposición con su obra. El ejercicio recuerda a un gabinete de maravillas. La diferencia radica en que en el gabinete, la naciente burguesía mostraba su poder económico mediante la colección de objeto exóticos, traídos de diversas partes del mundo, mientras que en los montajes de Sugimoto los objetos nos son cotidianos, la rareza radica en el tipo de conexiones que ellos generan. Los escenarios susurran que en el futuro cualquier conexión es posible porque el origen se desvanece: “mi madre murió hoy”. Lo que nos queda es un montón de fuentes.

III.

¿En qué consiste un archivo genético perdido de la humanidad? Peter Sloterdijk en Normas para el parque humano desglosa el proyecto del humanismo: la historia de la humanidad es una lucha constante entre las fuerzas inhibidoras y las fuerzas deshinibidoras, lo animal y el deber ser. El gran enemigo del humanismo es la barbarie, el antídoto es la lectura de la buena norma, embanderada por la literatura de los clásicos universales y nacionales: “la resistencia del libro frente al anfiteatro” romano. Si traigo a Sloterdijk a esta reseña es porque los escenarios montados por Sugimoto parecen un ejercicio nostálgico donde es imposible la restitución de la barbarie. El humanismo, como sugiere el filósofo, es asunto caduco. El montaje, sugiere Sugimonto, es posibilidad del presente, pero no como cultivación redentora de cualquier colectividad, sino como la mera posibilidad de seguir contado historias.

La exposición puede visitarse hasta el 7 de septiembre de 2014.

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Moda y arquitectura

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Por Andrea García Cuevas / @androclesgc

Aunque en apariencia son disciplinas totalmente disímiles, la arquitectura y la moda comparten afinidades en sus propósitos estéticos y sus principios discursivos. Conceptos como efímero, temporalidad, espacio, volumen, geometría, identidad y cuerpo aproximan el diálogo entre ambas prácticas que, desde la particularidad de sus lenguajes, representan los símbolos culturales, políticos y sociales de su tiempo.

Tanto los diseñadores de moda como los arquitectos crean espacios que solicitan del cuerpo para generar movimiento y ser practicados. El resultado, en ambos casos, no corresponde al objeto final sino a la relación que se establece con la “estructura”. Por lo demás, las dos disciplinas se interesan por el potencial de los nuevos procesos de diseño y de fabricación, repercutiendo de forma contundente en sus estéticas.

Si bien el encuentro entre moda y arquitectura no es reciente, sus conexiones son cada vez más evidentes. Issey Miyake, Yohji Yamamoto y Rei Kawakubo son algunos de los diseñadores que más han explotado esta relación. Por su parte,  el holandés Rem Koolhaas es uno de los arquitectos más vinculados al mundo de la moda. A propósito de su reciente colaboración con Prada, que consistió en el diseño de una pasarela para la colección masculina Primavera-verano 2015, repasamos tres proyectos representativos que fusionan los valores creativos de la moda y la arquitectura.

01—Russian Dolls, de Viktor & Rolf

Para la temporada Otoño/invierno 1999-2000, los diseñadores holandeses crearon una colección de alta costura que exploraba conceptos relacionados con la vivienda y la clase social. La propuesta incluía nueve prendas de yute que se distinguían por el uso de materiales lujosos, desde encajes de seda hasta cristales Swarovski.

02—Iris van Herpen

El trabajo de la joven diseñadora holandesa está estrechamente ligado a la arquitectura. Su práctica se concibe como un ejercicio colaborativo y multidisciplinario que tiene como resultado piezas que reflexionan conceptual y formalmente sobre la estructura del cuerpo. Sus colecciones más destacadas en este plano son Crystallization (2010) y Escapism (2011), realizadas en colaboración con el arquitecto Daniel Widrig; Hybrid Holis (2012), creada con el arquitecto y artista canadiense Philip Beesley; y Hybrid Holism (2012-13), Voltage (2013) y Biopiracy (2014), desarrolladas con la arquitecta Julia Koerner.

03—Nova (2013), por Zaha Hadid

La arquitecta angloiraquí y el diseñador Rem D. Koolhaas colaboraron para crear una colección de zapatos de alta costura para la marca United Nude. Las piezas se caracterizan por su superficie estriada que recuerda las formas dinámicas —e inspiradas en la naturaleza— de los edificios de Hadid. Los zapatos tienen una altura de 16.5 cm; están diseñados con caucho de vinilo cromado y forro de cuero, mientras que la plataforma es fibra de vidrio y la suela de goma. La arquitecta también ha colaborado con la marca de zapatos Melissa.

CityHome

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Por Victor Méndez / @vichoamino

Desde hace ya un tiempo, el diseño tuvo que repensar el espacio habitable, uno de los elementos más complejos y caprichosos dentro de su amplio espectro. Incluso fue pertinente pensar en una tendencia para la casa: la multifunción, que busca que un sólo producto pueda atender varias problemáticas. Y como todo, se puso de moda; mesas plegables, camas como escritorios o sillones como camas. Todo esto se debe a que las casas y departamentos en las ciudades cada vez son más pequeños y tienen un costo elevado. Un poco como respuesta a la problemática espacial, el Massachusetts Institute of Technology (MIT) creó CityHome, y lo explica como una casa dentro de una caja, que además se controla con el movimiento de las manos.

En Nueva York, un departamento de doscientos metros cuadrados es ridículamente pequeño, sin embargo, este proyecto es capaz de ahorrar el espacio de tal manera que se percibe tres veces más grande. Esta caja se conforma principalmente por una cama plegable, pero como menciona el equipo de investigación, llevada a otro nivel. Es una caja mecánica donde se guardan además, una mesa, una barra, una cocina, un closet y otros tantos espacios, incluso el baño.

Lo interesante que tiene el adaptar todas estas funciones a un mínimo espacio, se ve opacado por la tecnología con la que esta caja responde. A través de gestos, el tacto y el control por voz, cada elemento puede surgir según se requiera. Los motores internos expulsan cada pieza con la fluidez ideal, como si se abriera un puerta eléctrica en un centro comercial. Todo el módulo se puede mover algunos metros, para expandir o comprimir la habitación a su antojo. Si no se necesita usar la cama, ésta se oculta para aprovechar ese espacio.

Kent Larson, líder investigador, afirma que CityHome bien podría funcionar entre los jóvenes citadinos que no pueden costear la renta de un departamento decente. En Boston por ejemplo, una de las primeras ciudades donde inició la investigación, el costo por una dimensión espacial de un pie cuadrado es de 1000 dólares. A diferencia de este proyecto, el precio por un departamento amueblado es mayor, aún con la tecnología empleada. Larson dice que no sólo es un concepto, sino un producto viable, y se busca introducirlo al mercado a través de un patrocinador comercial.

En pocas palabras, se puede colocar una caja inteligente en un espacio limitado según el presupuesto de cada persona y hacer que aquel sea mucho más habitable y atractivo para un mercado que demanda más ahorro, cualquiera que sea.

 

La herencia inmaterial. Ensayando desde la Colección

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Por GASTV

El Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (MACBA) explora su propia colección para presentar Aquí comienza nuestra historia, una serie de tres exposiciones, que se montarán de 2014 a 2016, sobre contextos culturales, sociales y políticos en los que se inscribe la producción de las obras, tanto de artistas locales como internacionales.

Bajo el título homónimo del libro del historiador italiano Giovanni Levi, La herencia inmaterial. Ensayando desde la Colección es la primera parte de este tríptico organizado por el museo, en la que  se abordan los procesos estéticos desde finales de los setenta hasta principios de los noventa.

A partir de seis núcleos temáticos, que abordan la confrontación de los sagrado y lo popular, el cuerpo y la calle, la política y la tautología, entre otros temas; se presentan 109 trabajos (algunas piezas se exponen en el museo por primera vez).  Las piezas son contextualizadas con objetos de la época a la que pertenecen como comics, periódicos y revistas. Incluso, se montó un espacio sonoro en el que se disfrutan compilaciones con canciones de grupos como El club de los poetas violentos, Los Planetas, Nacha Pop y The Smiths.

Entre las obras que se presentan, están Mi pathos doy (1981/1992), de Carlos Pazos; Inmensa (1982) del artista brasileño Cildo Meireles, Cap (1981) de Joan Ponç y The Kiss (1984-1985) de Raphael Montañez Ortiz.

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Oluwaseyi Sosanya y el futuro de la impresión en 3D

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Por GASTV

Con el objetivo de que la impresión 3D sea una opción cada vez más común, el diseñador industrial Oluwaseyi Sosanya ha llegado con una alternativa única: una máquina que puede tejer tela en formas tridimensionales. El proyecto del estudiante graduado de la Royal College of Art, teje capas de material a diferentes alturas, para crear formas 3D, como un patrón de panal. Una vez que el diseño se teje entonces se puede sumergir en silicona para hacerlo más fuerte. Las creaciones resultantes son a la vez flexibles y fuerte, y Sosanya ha proporcionado un ejemplo de una aplicación real mediante la creación de soles para un par de zapatos.

Mientras que los zapatos son apenas un ejemplo, Sosanya cree que el proceso podría tener aplicaciones en todo, desde implantes médicos para la purificación del aire y mucho más. Actualmente está trabajando en un material que pueda solucionar algunos de los problemas en los chalecos resistentes usados por los oficiales británicos femeninos. La máquina se encuentra actualmente en exhibición en el Royal College of Art de Londres hasta finales del mes, pero no hay fechas sobre cuándo estará disponible comercialmente.

Vessyl de Yves Behar

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Por Victor Méndez / @vichoamino

Hay un afán, no sé si justificado, de querer que los productos que utilizamos día con día integren tecnología. Más específico, que los objetos tangibles se comuniquen con lo intangible. Me refiero a las aplicaciones móviles. Pero no sé si esto es un capricho del diseñador o una demanda real de los consumidores, aunque me inclinaría más por las personas que determinan que el usuario se encuentra ávido de contar con tal producto.

Un ejemplo de esta sinrazón es el último proyecto que el diseñador Yves Behar, uno de mis favoritos, ha presentado recientemente. En conjunto con el científico Justin Lee, y comisionado por el equipo de Fuseproject, empresa liderada por Behar, diseñaron un vaso inteligente que detecta en tiempo real qué es lo que se está bebiendo y despliega su contenido nutrimental.

Vessyl fue desarrollado a lo largo de siete años, y no sólo incluye el vaso, también se construyó una aplicación móvil que muestra los niveles de grasas, calorías, azúcares, incluso el grado de cafeína, que el líquido contiene.

El vaso es muy sencillo, una tapa antiadherente a prueba de derrames, una superficie exterior que parece de cerámica, pero que es poco probable ya que tiene una pantalla indicadora en el frente. Se hizo, según mencionan, una forma más ergonómica y la información que se muestra es discreta y sólo es visible cuando se necesita. El funcionamiento es también muy intuitivo, se activa inclinando el vaso y dicho movimiento actúa como una fuente de energía inalámbrica. Su batería tiene una duración de una semana con una carga de 30 minutos.

Además, por si fuera poco, Vessyl cuenta con un detector de hidratación llamado Pryme. Por medio de un juego de luces, se indica al usuario la cantidad del líquido que sea necesario consumir, cualquier cantidad que ésta sea. Estos niveles de hidratación se determinan a través de los datos que se suben a la aplicación móvil, la edad, el peso y la altura del usuario. Vessyl ayuda a entender el impacto que hay para el cuerpo humano lo que bebemos diariamente.

Tal vez las nuevas dinámicas tanto sociales como culturales, hagan que necesitemos productos que integren tecnología inteligente en su funcionamiento, y por ello se adapten adecuadamente a la vida cotidiana. Sin embargo, la solución que se plantea no es real. Se está vendiendo una idea, un objeto que no requerimos, pero que por contar con un elemento de moda, innovador se pensaría, tendrá éxito en el mercado. Behar menciona que cada producto que ha diseñado, que utiliza este tipo de tecnología, es distinto y resuelve necesidades muy específicas; pero hay dos elementos que aquí son constantes: 1) la búsqueda a la integración cotidiana y 2) la discreción. El segundo atañe a la forma y función, pero la integración habla de un comportamiento y es a partir de estos destellos de cotidianidad que el diseñador determina si el producto puede tener éxito o no, o si los consumidores están listos para su uso. Es de suponer entonces que Vessyl tiene potencial de ser un objeto popular en el mercado, sin embargo, parece que estamos frente a un diseño innecesario.

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