Archivo para el mayo, 2014

La digitalización del activismo en el arte

Posted by

Por Monserrat Garduño Hernández / @junerainbowns

El pase de diapositivas requiere JavaScript.

El arte, entendido como una herramienta que contribuye al cambio social, ha encontrado en internet un fuerte aliado para incrementar exponencialmente la difusión libre de mensajes críticos y  transgresores. Muestra de ello la encontramos en la reciente viralización del mural Anti-Mundial del artista brasileño Paulo Ito, que denuncia el descontento que existe en la población brasileña con motivo a los conflictos sociales y económicos que supone para el país sudamericano ser anfitrión del evento futbolístico más importante del mundo.

La fotografía del mural ubicado en la barda de una escuela de Vila Pompeia, en San Paulo, se convirtió increíblemente popular en las redes sociales, con lo cual surge la duda que da pie a esta reflexión: ¿En verdad el número de likes y retweets de alguna publicación será proporcional al impacto en el comportamiento de la gente? Probablemente este aspecto sea difícil de contestar debido a que la cuantificación de los cambios en el comportamiento humano, ubicado en determinado contexto, es complicado de precisar simplemente con una métrica online.

Los cambios sociales son visibles a largo plazo y se gestan previamente en la conciencia de la población a partir de las circunstancias que sortean como comunidad. La gente presta atención a lo que necesita y a lo que conecte con ellos, de ahí el éxito de publicaciones que poseen un contenido crítico, como afirma Paulo Ito con respecto a la virilización de su obra, “la gente ya tiene el sentimiento y esta imagen lo condensó”. Si las personas simpatizan con algún contenido online se deberá a la relación directa del tema abordado con respecto a los observadores.

El papel del artista, en este tipo de casos y en teoría, es sustraer de la realidad social un mensaje para comunicarlo de manera sensorial a los espectadores. Cabe destacar que los artistas no son quienes realizan los cambios sociales, sino más bien, ellos son quienes incitan, inspiran y motivan a la ciudadana para que participe y se involucre en la construcción de un mundo más justo y equitativo, por ello el arte es un elemento fundamental dentro de la estructura social, porque —no en todos los casos— debe cumplir una función de denuncia y activismo social.

 

R.E.M.: DESCONECTADOS

Posted by

Por Pablo Cordero / @sugarskull12

Tratándose, ésta, de una plataforma que se precia de presentar propuestas novedosas y vanguardistas, puede parecer sorprendente que hablemos sobre R.E.M., una de las bandas más exitosas comercialmente en la historia del rock. El cuarteto de Athens, Georgia es visto por muchos como un grupo conservador y blando, ideal para jóvenes profesionistas que gastan una fortuna en un equipo de sonido con la última tecnología pero apenas si compran un par de discos al año.

Sin embargo, es conveniente recordar que antes de convertirse en un fenómeno mediático, R.E.M. era la esencia misma del rock independiente norteamericano; la primera década de su existencia tuvo lugar dentro de sellos discográficos pequeños como Hib-Tone y IRS, y sus canciones, melódicamente ricas pero con un sonido austero heredero del garage-rock de los años sesenta, les convirtieron en un grupo de culto con una enorme influencia sobre una generación entera de agrupaciones alternativas.

Unplugged 1991-2001, disco doble grabado durante dos presentaciones para la otrora exitosa serie de conciertos acústicos de la cadena MTV, retrata a la banda en dos puntos clave de su carrera. El primer disco los captura en el momento justo de su ingreso a las ligas mayores del show business. Acababan de editar Out of Time, el disco que contiene “Losing my Religion”, y por primera vez, conjuntaban la aprobación de la crítica especializada con la venta millonaria de discos. Es probable que resultara difícil para la banda lidiar con las crecientes expectativas vertidas sobre ellos, ya que en su primera presentación unplugged suenan tensos e incómodos.

 

“Losing my Religion”

 

Con un repertorio extraído en su mayoría de sus discos entonces más recientes (el ya mencionado Out of Time y Green, de 1988), R.E.M. se debate con poco éxito con el formato acústico, que le quita fuerza a sus canciones más rockeras, mientras que las baladas terminan sonando demasiado parecidas a las versiones registradas en estudio. Pese a esto, la belleza de temas como “Perfect Circle”, “Swan Swan H” y “World Leader Pretend” es irrebatible.

En contraste, el segundo disco, grabado una década después del anterior, muestra a un grupo en decadencia, cada vez menos relevante, defendiendo a un disco (Reveal, 2001) generalmente considerado como una de sus obras menores. Irónicamente, este unplugged resulta más efectivo que el anterior. Los mejores temas de Reveal (esas dos perfectas joyas de pop llamadas “All the Way to Reno” e “Imitation of Life” y la dulce balada “I’ve Been High”) suenan mejor en este formato íntimo que ocultas tras la estéril producción de sus versiones de estudio.

 

“Imitation of Life”

 

R.E.M. fue una excelente banda cuyo legado sigue resultando inspirador, pero el aburrido Unplugged 1991-2001 apenas si ofrece algunos destellos de lo que los hizo grandes. Recomendable únicamente para los fans más acérrimos del grupo.

 

06 | Las mejores aplicaciones para arquitectos

Posted by

Por Laura Aguilar / @laluflow

El futuro nos alcanza sin mesura, vivimos en un constante cambio en cuanto a tecnología se refiere, la simplificación de nuestras actividades a través del uso de las nuevas tecnologías han modificado  las formas de trabajo, de organización y de convivencia. Sin duda, las herramientas tecnológicas están revolucionando nuestro estilo de vida, por supuesto, la arquitectura no se queda fuera de estos cambios.

Las actividades de los arquitectos poco a poco se han adaptado al uso de herramientas que simplifican el trabajo, desde bocetos rápidos, dimensiones, renders o cualquier otra cosa que  convencionalmente tomaría mucho tiempo. Actualmente existe un gran número de aplicaciones para smartphones y demás dispositivos móviles que logran que el trabajo de los arquitectos resulte más cómodo, y en algunos casos, más eficiente. Aquí un Top 06 de las mejores aplicaciones para arquitectos.

01—Magic Plan

Dibuja, mide y comparte el plano de una habitación con tan sólo capturar una foto, ésta aplicación te permite crear planos en formato JPG, PDF Y DXF. Realizar planos nunca había sido tan fácil. Su interfaz es totalmente amigable, rápida y efectiva. Sólo es compatible para dispositivos IOS, se encuentra disponible en español y además es gratuita.

02—Photo Measures

Con una simple fotografía obtendrás las medidas exactas del terreno, una herramienta bastante útil para realizar levantamientos. Existe una versión gratuita que resulta útil con las funciones básicas pero con la versión Pro obtendrás otras funciones extras.

03—Morpholio

Retoma la función de un papel calca, esta aplicación permite dibujar sobre alguna imagen importada desde cualquier dispositivo, sólo es compatible con sistema operativo IOS y además es gratuita.

04—Graphisoft BIMx

Esta aplicación permite mostrar  y describir modelos BIM, las siglas en inglés de Building Information Modeling (Modelado con Información para la Construcción) en dispositivos móviles. Se encuentra sólo disponible para dispositivos IOS.

05—AutoCad 360

Te permite almacenar y visualizar planos CAD sin problema en tus dispositivos móviles, para realizar algunas funciones, es necesaria la versión Pro. Es compatible con IOS Y Android.

06—ColorSnap

Podrás crear tu propia paleta de colores. A través de una fotografía permite capturar los colores reales y exactos para adaptarlos con la finalidad de crear pintura para los muros. Es totalmente gratuita y compatible sólo con IOS.

 

Godard en 3D

Posted by

Por GASTV

 

 

Un video de ocho titulado “carta filmada” de minutos publicado en su sitio web lleno de citas de Hannah Arend y Shakespeare, música de Leonard Cohen e imágenes de Cuba a finales de los setenta, fue la forma que encontró el director francés Jean Luc Godard para justificar su ausencia en el Festival de Cannes. En el video da las gracias al presidente del festival, Gilles Jacob, y al delegado general, Thierry Frémaux, por haberle invitado de nuevo pero les recuerda que hace mucho que no participa en la distribución de sus filmes.

El espíritu aventurero de Godard se encuentra todavía en plena vigencia, y los 82 años, lejos de sus días como uno de los máximos representantes de la nueva ola del cine francés, el cineasta ha adoptado el 3D en Goodbye to Lenguage, su nueva cinta seleccionada para participar en la competencia oficial del festival.

La idea de la historia es simple: un hombre y su esposa ya no hablan el mismo idioma y un perro que interviene en la relación y habla. Entonces una segunda película comienza: de la raza humana se pasa a la metáfora. Esto termina en ladridos, gritos de un bebé, gente hablando de la desaparición del dólar, de la verdad en las matemáticas y de la muerte de un petirrojo.

La experiencia también ofrece una secuencia alucinante de imágenes físicas, reflexiones filosóficas y metafísicas que resultan muy bien adaptadas a su duración (80 min.)

 

Hydra + Microcoleccionismo

Posted by

Por GASTV

El pase de diapositivas requiere JavaScript.

Es tendencia que últimamente las calles y edificios acondicionen sus espacios para convertirse en ferias o bazares de diseño, con el fin de brindar a gran cantidad de creadores emergentes la oportunidad de comercializar sus productos. Pero ¿cuál ha sido la apertura de estos nuevos espacios para presentar las propuestas fotográficas en la ciudad?

Bajo este contexto surge la primera edición de Hydra+Microcoleccionismo, iniciativa de Hydra, plataforma de curaduría enfocada a generar medios para difundir los proyectos de la comunidad fotográfica independiente. Su objetivo es establecerse como la primera feria alterna especializada en fotografía, y a través de la cual, se revalore el trabajo de autores para que esta disciplina pueda ser percibida como un objeto coleccionable.

Hydra+Microcoleccionismo se llevará a cabo en el marco de la siguiente edición del Corredor Cultural Roma-Condesa el próximo 31 de mayo y 1 de junio en la Universidad de la Comunicación. Veinte autores expondrán su obra, misma que estará a la venta en ediciones limitadas y por está ocasión a precios accesibles. Además de la muestra de trabajos, el evento propone una serie de actividades que tienen el objetivo de acercar a nuevos públicos, asociaciones, instituciones y editoriales a la fotografía emergente.

Conoce el itinerario aquí.

Vortex Temporum de Anne Teresa De Keersmaeker

Posted by

Por Rosa Castillo

 

 

Danza y música es un binomio que no podemos separar. En la obra de Anne Teresa de Keersmaeker vemos cómo, a fin de cuentas, ambas disciplinas tratan de lo mismo: el espacio y el tiempo. La pieza Vortex Temporumes del compositor Gérard Grisey (1946-98), compositor clave del movimiento espectral  francés de los años sesenta, es el pretexto y el texto de esta obra.

Los llamados compositores espectrales como  Grisey o Tristan Murail se preocupaban por la naturaleza del sonido, la música que realizaron ofrecía una organización sonora formal y material. Sus experimentaciones venían directamente de la física del sonido, casi como un descubrimiento científico descomponían el timbre musical para re-articularlo en composiciones en piezas que bien valen la pena explorar.

Ahora, ¿cómo dialogan la danza y la música? Me pregunto cuál es la diferencia entre bailar una canción y tener música de fondo para una coreografía. El diálogo entre ambas disciplinas es incuestionable, pero se puede plantear de infinitas maneras dependiendo de lo que se esté buscando en cada caso. En el caso de Anne Teresa es clara su búsqueda: interpretar corporalmente la música.

No tenemos trama, no tenemos texto que leer, sólo tenemos a los instrumentistas y los bailarines que juegan junto con ellos. Los músicos y los bailarines se fusionan e invitan al espectador a fusionarse en un coqueteo que le guiña el ojo al espacio y traiciona al tiempo.

La búsqueda de Grisey responde a su inquietud con el tiempo, o deberíamos decir con los tiempos. No existe un solo tiempo, así como no existe un solo tipo de experiencia; el tiempo es porque lo vivimos y lo vivimos porque habitamos un espacio.

La pieza Vortex Temporum construye y destruye temporalidades, regresa y avanza, se alenta y se acelera, todo para regresar al mismo punto de partida: el silencio. Los cuerpos en el escenario acompañan la travesía, evidenciando la estrecha relación entre el tiempo y el espacio.

Ellos construyen el tiempo a través del espacio, la polifonía de velocidades de Grisey es transportada por la coreógrafa belga en una danza de temporalidades. Anne Teresa De Keersmaeker dirige la compañía Rosas, que desde 1982 ha acuñado prestigio en la escena de la danza contemporánea internacional. Además de su labor coreográfica constante, Anne ha dedicado gran parte de su atención y su energía en proyectos educativos y participativos.

Rosas es una casa abierta que comparte su infraestructura no sólo con el centro de formación P.A.R.T.S, sino también con conjuntos de música contemporánea como Ictus y numerosas compañías que ensayan en sus estudios.

 

Queen & Country de John Boorman

Posted by

Por GASTV

 

 

Dentro del Festival de Cine de Cannes existe una sección paralela llamada la Quincena de Realizadores que tiene como propósito darle oportunidad a cintas de directores jóvenes y es organizada por la Société des réalisateurs de films (SRF). Dentro de la misma han participado directores ahora reconocidos como Sofia Coppola, Jim Jarmusch y Martin Scorsese.

El cineasta británico John Boorman es parte de la generación 2014 con su nueva película Queen & Country, una autobiografía ambientada en la década de 1950 que se basa en las propias experiencias del director con la conscripción obligatoria en el ejército británico. El británico ya había hecho una reflexión autobiográfica anteriormente en Hope and Glory, donde documenta sus recuerdos de niño durante la Segunda Guerra Mundial.

Al igual que muchos biopics es esencialmente episódica, siguiendo las aventuras de Boorman interpretado por Callum Turner y su amigo Percy, representado por Caleb Landry Jones. La amistad entre este par es el eje central en la película que se mueve gracias a su acumulación de detalles.

Después de Hope and Glory, el autor de Deliverance, fue invitado cuatro veces a la competencia de Cannes (premiado tres ocasiones) y retoma el hilo de su reflexión autobiográfica con esta nueva cinta.

Joris Laarman Lab explora la impresión 3D

Posted by

Por GASTV

 

 

El diseñador holandés, probablemente mejor conocido por su silla que imita el crecimiento de los huesos humanos, ha reivindicado siempre la importancia en el mundo del diseño clásico y la ciencia. Explorando el impacto de la digitalización en el mundo del diseño, la galería Friedman Benda en Nueva York, presenta la exposición Lab: Bits and Crafts con cuatro temas clave: Spirographic, Maker, Vortex y Microstructures.

La serie Spirographic se fabrica utilizando la impresora MX3D, una impresora robótica creada por Joris Laarman que es una de las primeras que imprimen en metal. Las piezas Maker se construyen a partir de pequeñas piezas de materiales varios (resina, maderas sólidas, plásticos, metales) en múltiples formas (triangular, hexagonal, figurativo, pixelado) que están diseñados para encajar como un rompecabezas tridimensional.

Para el tema Vortex, Laarman trabajó con Mark J. Stock, utilizando «diseño generativo» que implica la introducción de un conjunto de reglas o algoritmos en un programa informático para crear formas, lo que resulta en un diseño único cada vez. Joris Laarman Lab con sede en Amsterdam tiene previsto publicar planos digitales en internet, ofreciendo un nuevo sistema para la producción y distribución del diseño.

 

Lucio Fontana

Posted by

Por GASTV

El pase de diapositivas requiere JavaScript.

Más de cuarenta años después de su muerte, el Museo de Arte Moderno de París presenta una de las retrospectivas más importantes del artista ítalo argentino Lucio Fontana (1899-1968).

Su producción oscila entre la abstracción y la figuración. Además, Fontana fue un artista muy versátil que exploró diversos materiales (cerámica, metal, papel y óleo, entre otros) y estilos para abordar el tema de la percepción del espacio.

Miembro del movimiento espacialista, publicó los fundamentos de sus teorías sobre éste en el Manifiesto blanco. Con el arte espacial buscaba sobrepasar los géneros tradicionales y crear una síntesis entre la luz y el espacio para establecer una relación con el mundo circundante.

El recorrido cronológico de la exposición abarca su producción completa con más de 200 esculturas, cerámicas y óleos, que ofrecen una visión global de los ciclos que marcaron su producción. Desde esculturas primitivas y cerámicas, hasta sus obras espacialistas y sus concetti spatiale (conceptos espaciales), telas perforados que interviene con diversos materiales y colores vivos.

 

Life Gear by Trident de Kunihiko Morinaga

Posted by

Por Victor Méndez / @vichoamino

 

 

La tecnología nos ha rebasado. Tenemos más contacto con los aparatos electrónicos que con las personas. Y el teléfono celular es un caso especial: lo vemos alrededor de 150 veces al día (paradójicamente el gasto de tiempo es mayor cuando estamos con gente real). Esto se ha convertido en un grave problema, primero por la dependencia, la obsesión, incluso la necesidad de tenerlo entre las manos y ver qué hay de nuevo. Segundo problema, la incomunicación de la comunicación, es decir, los celulares no propician la comunicación interpersonal, alejan en vez de acercar.

El siguiente proyecto parte de esta problemática y se apoya de la ropa para mantener la tecnología en su lugar y bloquea los teléfonos en situaciones en que no requerimos de ellos. El diseñador japonés Kunihiko Morinaga en colaboración con Trident, la empresa fabricante de chicles, diseñó una línea de ropa-escudo que bloquea las ondas de radiofrecuencia. Los vestidos, camisas, chamarras, abrigos y pantalones que conforman la colección, buscan centrar la dinámica social en la vida real y así evitar distracciones. Morinaga menciona que al igual que los impermeables que cubren de la lluvia, Focus protege al usuario de una tormenta de información.

Claro que esto resulta un arma de doble filo, ya que una vez que el teléfono entra en contacto con la tela, aquél queda inactivo y si alguien trata de llamar resultará imposible. Pienso que esta tecnología textil funciona mejor para la actividad en las redes sociales, sin embargo, no hay discriminación entre que sí atender y que no. Tal vez la solución no sea diseñar prendas inteligentes. Tal vez sería interesante determinar qué bloquear, porque podría haber una emergencia o una llamada importante que sea necesario atender. Tal vez con apagarlo sea más que suficiente, pero no es tan sencillo como arrojarlo al bolsillo y listo. Ustedes qué opinan, comenten en el chat de Facebook que hay abajo.

 

VIDA Y DESTINO DE TEMPELHOF, AEROPUERTO BERLINÉS

Posted by

Por Rodrigo Bonillas / @RodrigoGarBon

El pase de diapositivas requiere JavaScript.

Cuando en 1948 los soviéticos sitiaron Berlín occidental, que entonces estaba en manos de los aliados, bloqueando todas las vías terrestres y fluviales que pudieran proveer de lo elemental para que esa mitad de urbe sobreviviera, Tempelhof se redimió: el mítico aeropuerto berlinés, ligado a la oscura historia de los nazis, se convirtió en el punto donde los aviones descargaron, durante casi un año, los bienes de consumo que permitieron mantener en pie el hemisferio de Berlín frente al bloqueo soviético. Tempelhof, ubicado en la zona norteamericana de Berlín, sacó la casta. Ese puente aéreo, el más importante de todos los tiempos hasta entonces, en lo que a humanitarismo se refiere, debilitó la moral de los soviéticos y obligó, en medio de alardes como las golosinas de Pascua que desde el cielo rociaron los gringos, a ceder y anular el bloqueo.

Además del heroísmo, y de haber sido empleado en algunas ocasiones por Hitler durante la II Guerra Mundial, Tempelhof tiene varios atributos arquitectónicos que merecieron un piropo de Norman Foster: lo llamó “la madre de los aeropuertos”. En efecto, sus innovaciones modificaron el modo de construir aeropuertos desde fines de los años veinte y principios de los treinta. Con forma curva —un cuarto de circunferencia que mide más de un kilómetro— el largo y gigantesco cuerpo del edificio se servía de hangares para recibir los aviones; los pasajeros, así, no eran importunados por el mal clima. Además, su estilo, típicamente totalitario, le imprimió una majestad que sólo se observa en casos como las Siete Hermanas que aparecieron bajo Stalin en Moscú o algunos palazzi que mandó erigir Mussolini en Roma.

Tras recibir a gente célebre de todo el mundo y jugar un papel esencial en la historia cotidiana berlinesa durante varias décadas, Tempelhof fue decayendo. A fines de la primera década de este siglo, los vuelos habían disminuido y el tráfico aéreo prácticamente había claudicado. En 2008 cerró. Su destino fue, hasta hoy, el de un parque al sur de Berlín, entre el vivaz barrio de Neukölln, con alto porcentaje de inmigrantes, y el distrito de Tempelhof-Schöneberg. Lo que al principio parecía una excentricidad, a la larga resultó un éxito: Tempelhof recibe en sus áreas verdes a miles de personas que van a practicar deporte, convivir en un picnic o participar en algún evento cultural. Pero quizás haya un cambio. Hace unos días apareció en El País una nota firmada por Luis Doncel, donde se discutía el referendo que el próximo domingo se va a poner en marcha para saber si los berlineses quieren mantener el Tempelhof como está hoy o si aceptan el plan de la alcaldía para convertir el anillo que rodea ese espacio libre en un complejo de viviendas, oficinas, centros culturales y deportivos.

Todo esto sucede en un ambiente de depresión económica en Berlín que lleva varios años. A pesar de esto, Berlín cada vez atrae más. Y entre las cosas que embrujan de ese ombligo está el carácter berlinés, un carácter que a los defeños puede sorprender: ¿cuándo fue la última vez que en la ciudad de México se sometió a referendo una decisión urbanística de gran impacto?

 

El Gran Hotel Budapest

Posted by

Por Abel Cervantes

 

 

Wes Anderson es un cineasta fundamentalmente cómico. Sin embargo, detrás de su humor punzante se proyecta una serie de reflexiones sobre conceptos trascendentales como el amor, la amistad o la complejidad de las relaciones personales. Su entrega más reciente es un relato que expone magníficamente lo anterior. Jude Law es un escritor que indaga la historia del Gran Hotel Budapest, y consigue información de primera mano al entrevistar a uno de sus más antiguos trabajadores, el señor Moustafa (F. Murray Abraham), que cuenta la manera en que acompañó al señor Gustave (Ralph Fiennes) en una travesía laberíntica y caótica que lo hizo dueño del hotel. Para lograr una estructura enmarañada que sin embargo no carece de sentido, el director estadounidense echa mano de un ritmo de montaje conformado por saltos espaciotemporales que incluye acertados flashbacks y flashforwards y una voz narrativa que interviene en los momentos más adecuados. De esta manera El Gran Hotel Budapest funciona como una caja que, a su vez, aloja pequeñas urnas que se despliegan sin tropiezo, como ocurre en Las mil y una noches, una historia fundamental que alberga otras historias en apariencia anecdóticas, pero en realidad no menos relevantes.

Por su parte, las actuaciones de los protagonistas son sencillamente exquisitas. Y para prueba puede mencionarse la intervención de William Dafoe como un asesino a sueldo caricaturesco que hace cualquier cosa para lograr sus cometidos o la de Saoirse Ronan (Agatha), una mujer que tiene un lunar enorme en la cara con la forma de la República Mexicana.

El director estadounidense ha logrado construir un mundo propio habitado por seres extraños que, sin embargo, contienen rasgos reconocibles. En ese sentido exhibe intereses similares a los de Tim Burton, un autor cuyo éxito recae en la personalidad misteriosa de sus protagonista (Edward en El joven manos de tijeras, Ed Bloom en El gran pez o Betelgeuse en Beetlejuice, el superfantasma, sólo por mencionar algunos). Por lo demás, Wes Anderson aventaja a Burton en la habilidad para colocar la cámara y manipularla a su antojo. Las escenas del director de Viaje a Darjeeling están construidas estableciendo un estrecho vínculo con los intereses de la arquitectura.

 

TUNE-YARDS: ENCONTRANDO NUEVAS FORMAS

Posted by

Por Pablo Cordero / @sugarskull12

Una de las bandas más representativas de la etapa actual del legendario sello discográfico 4AD, tUnE-yArDs, proyecto de la excéntrica cantautora norteamericana Merrill Garbus,  se aleja de las tonalidades suaves y atmosféricas que en la década de los ochenta solíamos asociar con su disquera.

Lejos de la sutileza del dream pop, este nervudo y asertivo proyecto representa una de las evoluciones más interesantes de la música negra norteamericana en tiempos recientes.

Decir esto puede resultar confuso tomando en cuenta que la piel de Garbus es blanca, mas sus canciones, así como su estentórea voz de cantante de gospel, se nutren de la tradición del blues, soul y música espiritual sureña,  cuyas raíces son tan ricas y profundas que frecuentemente corren el riesgo de devenir géneros conservadores y renuentes al cambio.

tUnE-yArDs ponen de cabeza estas tradiciones de una forma comparable a lo que Laurie Anderson hizo con la canción pop en los años ochenta, empleando métricas irregulares, instrumentación sorprendente y textos inauditos, con frecuentes giros verbales inesperados. Nikki Nack, su tercer y más reciente disco, pule de manera considerable su sonido, limpiando la pátina de ruido lo-fi que solía recubrir sus temas pero dejando intactas sus tendencias vanguardistas.

 

tUnE-yArDs, «Water Fountain».

 

«He gave me a dollar, a blood-soaked dollar. I cannot get the spot out, but it’s ok, it still works in the store», canta Garbus en el segundo tema, «Water Fountain», subvirtiendo la oscura imaginería del pasaje con un sentido del humor absurdo, subrayado al detenerse el acompañamiento musical durante las últimas palabras del mismo. Es un momento característico del disco, como también lo son la desquiciante y autobiográfica «Find A New Way», la funky «Real Thing» («I come from a land of slaves/let’s go Redskins let’s go Braves») el siniestro spoken-word con reminiscencias de The Residents de «Why Do We Dine on the Tots?», el rústico blues espiritual a capella «Rocking Chair» o el sinuoso groove en 9/8 de «Look Around».

 

«Wait for a Minute».

 

El tono enloquecido de la música de tUnE-yArDs puede no resultar accesible para todos, pero sin duda se trata de una expresión profundamente original del sincretismo existente en la sociedad norteamericana contemporánea.

 

Jean-Luc Godard

Posted by

Por Gustavo Cruz / @piriarte

 

 

En el marco de la exposición Desafío a la estabilidad 1952-1967 montada en el MUAC se estarán proyectando algunas de las cintas realizadas por el cineasta francés Jean-Luc Godard durante la década de los años sesenta. Actividad paralela tremendamente coherente, tomando en cuenta que la exposición tiene como eje principal los procesos creativos orientados en abierta oposición a las tendencias culturas hegemónicas de la misma década en territorio nacional; la proyección de las cintas producidas en esa época por uno de los principales padrinos de la llamada Nouvelle Vague sirve para insertar estas prácticas contestarias en un movimiento global de renovación artística y cultural.

Es moneda corriente entre cualquier cinéfilo de modesta seriedad que con su primer largometraje Godard rompió con casi todo método tradicional de hacer cine. En contra de una industria monolítica de tremenda estabilidad, À bout de souffle (1960) fue rodada con mínimos recursos económicos, desafiando todos los dogmas de la producción cinematográfica y con muchos de los recursos del lenguaje cinematográfico que para entonces se habían convertido ya en muletillas. Jean- Paul Belmondo, el protagonista, recordará entre risas tiempo después que Godard le ofrecería participar en el proyecto dándole a leer un guión que consistía en tres páginas en las que el cineasta había escrito: “ Él deja Marsella. Se roba un carro. Quiere dormir de nuevo con la chica. Ella no. Al final, él muere o se va —aún por decidir—.” Esta libertad creativa dio como resultado una cinta que revolucionó el cine y cuyas reverberaciones pueden encontrarse en las salas del MUAC.

Después, el rigor y la reflexión sobre el cine y su lenguaje tomarían un mayor papel en el trabajo de Godard, y el resto de las películas proyectadas dan cuenta de esto. En Une femme est une femme (1961) Godard inicia, tímidamente, su tratamiento estructuralista del cine. Protagonizada por la legendaria Anna Karina, la cinta desmonta los elementos que constituyen un musical tradicional. Esta operación será repetida con casi todos los géneros cinematográficos: Alphaville (1965) es la reflexión sobre el cine de ciencia ficción y Made in USA (1965) sobre uno de los géneros favoritos de los cineastas de la Nueva Ola cuando eran críticos, el film noir norteamericano. Imposible de analizar en esta nota de manera extensa, el resto del programa de este ciclo contiene grandes clásicos de uno de los grandes cieneastas de todos los tiempos: Vivre sa vie (1962), Le mépris (1963) y Pierrot le fou (1965), entre otras. Proyecciones que, debido a la lamentable preocupación de las salas por la novedad, pueden tardar mucho tiempo en repetirse, condenando a estas cintas a los monitores de cineclubs o espacios domésticos.

 

National September 11 Memorial Museum

Posted by

Por GASTV

El pase de diapositivas requiere JavaScript.

Esta semana se abrió al público por primera vez el National September 11 Memorial Museum diseñado en memoria de los fallecidos durante los ataques terroristas del 11 de septiembre del 2001. Éste es el único edificio en la plaza conmemorativa, el lugar de la destrucción del World Trade Centre.

Dentro del museo habrá un pabellón diseñado por el estudio Snøhetta, que siempre se ha caracterizado por una exploración del contexto, concebido como «un puente entre dos mundos» que proporciona una entrada a los espacios expositivos subterráneos del museo. En 2004, Snøhetta fue el encargado de diseñar el único edificio en la plaza conmemorativa. En los años posteriores, el programa cambió varias veces, sin embargo, continúa como un centro cultural dedicado a la comodidad y orientación de los visitantes.

Dentro del atrio se levantaron dos columnas estructurales rescatadas de los restos de las torres originales. El diseño del edificio encarna una reacción cuidadosa al carácter horizontal del diseño de la plaza conmemorativa, y proporciona una forma orgánica viva a la zona, que permite al visitante imaginar el lugar y la ciudad en un sentido más amplio.

 

Llega la quinta edición de Wallpeople

Posted by

Por GASTV

El pase de diapositivas requiere JavaScript.

La propuesta anual para la revalorización de espacios públicos llega de nueva cuenta a la ciudad de México. Wallpeople es una iniciativa originada en Barcelona, que convertirá los muros de las calles en lienzos para plasmar todas las propuestas artísticas de los capitalinos.

La idea es que las paredes de la ciudad funcionen por algunas horas como galerías temporales al aire libre, en donde los participantes podrán integrar y exhibir sus creaciones personales en cualquiera de los formatos establecidos como fotografía, ilustración, texto y collage. Este año los trabajos deberán girar en torno al tema de la naturaleza en cualquiera de sus contextos y perspectivas.

El evento se realizará el próximo 7 de junio de manera simultánea en cuarenta ciudades de todo el mundo, en la ciudad de México la cita para participar en esta quinta edición tendrá lugar en Casa Vecina, oportunidad ideal para todos aquellos que tienen algo que mostrar. Al finalizar la exposición los participantes podrán intercambiar sus obras entre ellos y crear contactos, generando un ambiente de creatividad libre y de intercambio artístico e interacción ciudadana.

De esta manera el proyecto de arte urbano Wallpeople, aboga por el rescate de espacios públicos y busca generar un sentido de pertenencia, para que los ciudadanos a nivel mundial hagan uso de ellos como medio de expresión y colaboración.

Conoce más detalles y únete aquí.

 

Italia en la Expo Milán 2015

Posted by

Por GASTV

 

 

Antes de que inicie la Expo Milán 2015, Italia dio a conocer su propuesta: el Palazzo Italia, un pabellón con una fachada de limpieza de aire diseñado por el estudio Nemesi & Partners. Como una de las pocas estructuras de la expo que se mantendrá en el sitio después de que la feria haya finalizado, el Palazzo Italia comprenderá un edificio de seis plantas que tendrá «la imagen de un bosque petrificado», según el estudio de arquitectos.

El interior del pabellón se centrará en una plaza abierta, que constituirá el inicio de la exposición. Estará rodeado por cuatro bloques para diversas actividades: la creación de exposiciones y espacios para eventos en el bloque oeste y sur; y las oficinas y salas de reuniones en el bloque norte y este.

Palazzo Italia está diseñado de una manera sustentable, ya que con la luz directa del sol, el principio activo contenido en el material, captura ciertos contaminantes presentes en el aire y los convierte en sales inertes, lo que ayuda a purificar la atmósfera del smog.

El equipo también va a crear una serie de estructuras temporales conocidas como los edificios Cardo donde se instalarán exposiciones adicionales, restaurantes y se realizarán eventos. Nemesi & Partners colaborarán con diversas empresas de ingeniería para entregar el edificio a tiempo para la exposición, que se llevará a cabo entre mayo y octubre de 2015.

 

¿Un nuevo barrio de la Merced?

Posted by

Por Emmanuel Boldo / @emanuelboldo

 

 

El barrio de la Merced, se caracteriza por el caos, a pesar de tener una ubicación privilegiada, llegar al mercado de la Merced en Metro, Metrobús o automóvil es prácticamente una hazaña. La contaminación causada por comerciantes ambulantes y visitantes es alarmante; lo anterior sumado a la problemática de las trabajadoras sexuales, da por resultado una zona en la que pocos se atreverían a entrar. Sin embargo, el barrio sólo es una muestra de lo que compone la identidad mexicana y en especial la identidad esquizofrénica de los capitalinos, sí ya existe un nuevo Polanco, ¿por qué no una nueva Merced?

Se calcula que para el año 2030 habrá concluido el plan de rescate integral de la zona de la Merced, en el Centro Histórico de la ciudad de México. Este plan de renovación impulsado por el gobierno de la ciudad, contempla desde la creación de un espacio público, la revalorización de inmuebles y mejorar el flujo de transporte hasta la regeneración del tejido social. Cada una de las acciones pretende rescatar el barrio; de lograrlo, se convertiría en una envidiable zona de bienes raíces, con un mercado orgánico, con corredores culturales al estilo de la calle de Regina, ubicada en el Centro Histórico. Los pobladores actuales darán paso a  nuevos habitantes dispuestos a pagar sumas estratosféricas por espacios pequeños y habrá una transformación de la dinámica social por completo.

Las acciones del Gobierno de la Ciudad no son las únicas que transforman nuestra ciudad. El colectivo Somos Mexas, no espero a que se planificará un rescate de la zona de la Merced, en el año 2006, establecieron ATEA, un espacio artístico y multidisciplinario, ubicado en la calle Topacio número 25, que se conecta con la dinámica del barrio para convertirse un agente de cambio social. ATEA nos invita a Sesiones de azotea, un evento que conjunta música, gastronomía y proyectos sustentables, con la intención de abrir canales de convivencia entre locales y foráneos. El pasado sábado, se llevó a cabo la segunda edición de estas sesiones titulada «Primavera Musical», en donde proyectos como Siembra Merced y Maleducados se encargaron de la oferta gastronómica y Discos Cuchillo presentó las propuestas musicales  Aliens dreap y Undress.

Somos Mexas, deja en claro que no es necesario esperar un plan de rescate integral para comenzar a cambiar la dinámica social de cada uno de nuestros barrios, acciones sencillas que involucran a los habitantes se traducen en nuevos modelos de convivencia. ATEA ha logrado generar una versión de la Merced que ve más allá de sus problemáticas sociales.