Archivo para el mayo, 2014

La colonia Juárez

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Por Emmanuel Boldo / @emanuelboldo

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Hace algunos días el sitio web coolhunter.mx, una plataforma digital dedicada a la búsqueda de tendencias emergentes en la ciudad de México, enlistó 5 barrios que prometen en el DF, entre los que destaca la colonia Juárez. Dotada por una ubicación privilegiada entre las avenidas Insurgentes y Reforma, además de ilimitadas posibilidades de movilidad y diversos estilos arquitectónicos, logra consolidarse como una de las zonas más desarrolladas de la ciudad.

Actualmente en la colonia Juárez  se está redefiniendo la oferta cultural, a partir de proyectos que se mimetizan con el contexto e invitan a coexistir a nuevos y viejos habitantes. Los habitantes no buscan convertirse en parte del corredor cultural Roma-Condesa, más bien quieren establecer una propia identidad que enriquezca la esencia de la colonia. El corporativo Archipiélago volteo la mirada a la colonia Juárez en el 2012, transformando el sótano de una antigua construcción afrancesada, ubicada en la calle de Havre número 64, para dar lugar a una pizzería de ambiente privado con música relajada , en el mismo punto la marca Scribe estableció uno un estudio con la idea de generar proyectos creativos.

No todos los establecimientos pertenecen a corporativos o grandes marcas, también grupos independientes han apostado por la colonia para establecer negocios como La Metropolitana, un concepto que nació en el 2008 con la intención de establecer diálogo entre diferentes disciplinas del diseño, a través de proyectos que van desde el diseño gráfico hasta la arquitectura pasando por el interiorismo y diseño industrial, desde hace casi un año ocupan el número 108 de la enigmática avenida Bucareli, en donde han creado un espacio de coworking que apoya a diseñadores independientes bajo conceptos de compra y venta como La Distribuidora. Pero en el 108 de Bucareli, la Metropolitana no está sola, comparte el espacio con el showroom de las marcas de streetwear JPEG, que se caracteriza por texturas que se adueñan de prendas y accesorios por completo y Sad youth apparel, que con su propuesta de tshirts sencillas ha logrado posicionarse como una de las marcas más interesantes de la ciudad,  sumado a estos proyectos Bahía bar, en la calle Tolsá 36, es un espacio dedicado a la música underground que encaja perfectamente con el barrio.

No es necesario ser un coolhunter para notar que la colonia Juárez, es mucho más, que la emblemática Zona Rosa, que sí bien es un símbolo de tolerancia en la ciudad de México, también se ha convertido sinónimo de problemáticas sociales, el barrio tampoco se define por los edificios de oficinas, ni las calles atestadas de peatones, mucho menos por el barrio coreano o las construcciones porfirianas que parecen estar al punto del colapso; cualquiera podría pensar que la colonia Juárez no tiene una identidad definida. Sin embargo, la suma de todas las personalidades que se mezclan en sus calles, generan un ambiente atractivo para cualquiera que desee tener una experiencia verdaderamente chilanga.

 

Dan Graham: reflejos y transparencias

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Por Andrea García Cuevas / @androclesgc

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El más reciente proyecto de Dan Graham para la azotea del Met Museum, en Nueva York, es un ejercicio evidentemente estético, escultórico y arquitectónico, que resulta atractivo principalmente por los comentarios que plantea sobre el poder económico, la visibilidad y la construcción (o percepción) del espacio. Se trata de una estructura en forma de “s” construida con muros de acero y cristal reflectante, y enmarcada por dos paneles de setos de hiedra. Su composición invita al público a deambular entre las curvas mientras observa el paisaje neoyorquino a primera vista o a través de los reflejos, que también proyectan la imagen de quien observa.

El concepto de Hedge Two Way Mirror Walkabout es una constante en el trabajo de Graham. Desde principios de la década de los setenta el artista estadounidense ha experimentado con materiales propios de la arquitectura moderna para construir estructuras escultóricas que ha calificado como pabellones, principalmente por su inspiración en los edificios ornamentales de los jardines arquitectónicos del siglo XVII y XVIII. Así se puede ver en piezas como Double Triangular Pavilion (1989), Two-way MIrror Punched Steel Hedge Labyrinth (1994) y Triangular Pavilion With Circular Cut-Out Variation H (2008), por mencionar algunas.

El uso del metal y el cristal en sus pabellones es una referencia directa a la arquitectura de Mies Van Der Rohe. En la estructura para el Met Graham establece una relación difusa entre el exterior y el interior, difuminando casi por completo sus fronteras. Las transparencias en los muros representan las fachadas de los edificios modernos revestidas de cristales para proyectar la imagen del mundo exterior, una característica basada en el ideal de una sociedad abierta que, sin embargo, está asociada con el poder. Además, los espejos funcionan como un dispositivo que refleja con ironía el obsesivo deseo por observar y ser observados. No obstante, vale la pena cuestionar los alcances de la transparencia asociados, inevitablemente, con el exhibicionismo y la vigilancia: ¿qué queremos exponer? o, mejor aún, ¿qué queremos esconder?

De esta forma, Hedge Two Way Mirror Walkabout no es simplemente una obra dentro de un espacio; su intención es ser un elemento que opera y construye el especio. La pieza es lo que Martí Peran llamó en su ensayo  “Arquitecturas en el arte contemporáneo” (2006)  una  «arquitecturalización de la escultura […] que podrá poner en solfa una reconsideración del paisaje, del territorio, del monumento, del espacio público…».

 

La prosa del Transiberiano, de Blaise Cendrars y Sonia Delaunay

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Por Rodrigo Bonillas / @RodrigoGarBon

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Un suizo, de apellido Sauser, se escapó de su casa a los quince o dieciséis años y huyó hacia levante, cruzando Europa del Este, hasta Rusia, donde se metió a trabajar de relojero en Petersburgo. Estuvo en toda Eurasia. Visitó Persia y China. Vio Mongolia y pisó Vladivostok.

Algunos años después vino a América, que también cruzó de cabo a rabo.

Durante el entremés, en París, publicó junto con Sonia Delaunay el primer libro de artista, en el sentido acotado de la expresión, considerado uno de los resortes más importantes para la poesía moderna del siglo XX: La prosa del Transiberiano y de la pequeña Juana de Francia. Sauser, para entonces —1913—, había adoptado el brioso seudónimo de Blaise Cendrars.

La prosa del Transiberiano consiste en cuatro pliegos de papel unidos entre sí, los cuales forman, extendidos, una gran pieza oblonga de dos metros de alto por poco más de treinta centímetros de ancho. Cendrars, que era dueño de la editorial —Éditions des Hommes Nouveaux—, planeaba publicar 150 ejemplares, los cuales, puestos unos tras otros, igualarían los trescientos metros de la Torre Eiffel (uno de los símbolos del poema de Cendrars y de la pintura de Delaunay). Al final tiraron sólo 60 ejemplares, de los cuales hoy sólo restan 30, repartidos, la mayoría, en algunos de los centros de arte y cultura de más relevancia en el mundo: el Museo Hermitage en Petersburgo, el British Museum en Londres, la Public Library en Nueva York.

A lo largo de esos dos metros de papel se imprimieron, del lado diestro, los versos de Cendrars, y del siniestro, las pinturas de Delaunay.

Del poema se puede decir que es brutal, veloz y vigoroso: el poeta viaja, desde Moscú, a lo largo de toda Eurasia hasta las regiones de Mongolia, donde las palabras mongólicas y chinas empiezan a desplazar a los topónimos rusos; todo sucede en una esfera apocalíptica, durante la fallida Revolución rusa de 1905, y con la compañía de la pequeña Juana, que constantemente le pregunta al poeta: “Blaise, dime, ¿estamos muy lejos de Montmartre?”

En cuanto a la plástica de Delaunay, el uso de colores vivaces en violentas yuxtaposiciones, con una apariencia de gouache y acuarela, es consonante con el ritmo del poema de Cendrars. Los manchones invaden, de vez en vez, las letras y pintan zonas coloreadas entre los vanos que dejan los versos. Varias tipografías se emplean para significar las distintas estaciones de la obra.

Al final, poema y pintura concluyen en París, con la Torre Eiffel y la Grande Roue, una rueda de la fortuna que levantaron para la Exposición de 1900, y que después devastaron.

Era 1913. Un ballet perturbó un teatro parisino: La consagración de la primavera, de Stravinski. Aparecieron En busca del tiempo perdido y Muerte en Venecia. El futurismo galopaba en Rusia y estaba a unos meses de reventar en Italia.

Toda Europa bullía, para bien y para mal.

Al año siguiente empezó la guerra.

 

Fernando y Humberto Campana homenajean a Massimo Morozzi

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Por GASTV

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Los diseñadores brasileños Fernando y Humberto Campana rindieron homenaje a su «mentor”, el diseñador y arquitecto Massimo Morozzi, que lanzó la carrera del dúo y que murió el mes pasado.

Morozzi descubrió a los entonces desconocidos diseñadores de Sao Paolo en 1997, cuando vio una primera versión de su silla Vermelha, que se construye a partir de 500 metros de cuerda de color rojo anudados sobre un marco de acero y aluminio. Los diseñadores enviaron un video a Morozzi que explica cómo tejer la cuerda para crear la silla y el producto. La Vermelha fue diseñada en 1993, pero comenzó a producirse hasta 1998 y se convertiría en el producto que lanzó su carrera.

El director creativo de la marca de diseño italiana Edra, Massimo Morozzi, fue el cofundador del influyente estudio de arquitectura Archizoom Associati. Antes de comenzar con su propio estudio en 1982, trabajó en productos para Alessi, Cassini y Nissan, y se convirtió en director de arte de Edra en 1987. Murió durante de Milán Salone del Mobile el mes pasado.

Recientemente los hermanos Campana tuvieron una exhibición de su trabajo como parte de la Clerkenwell Design Week en Londres.

 

#CrewLoveMx

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Por GASTV

 

 

Mañana sábado 31 de mayo se celebra un nuevo festival en la ciudad de México. Se trata de Crew Love, un festival de música electrónica que apuesta por atender a la gente joven que se guía por el amor y la música, y que quiere tener una conexión con la naturaleza y la energía de la tierra.

La primera edición de este festival incluye a artistas como Wolf+Lamb, Soul Clap, No Regular Play, Slow Hands, Tanner Ross, Navid Izadi y Nick Monaco.

Disfruta las mejores ondas sonoras llenas de color, música y amor para converger en uno mismo y crear una gran familia, creando. Aún hay tiempo, aparta la fecha y conoce más de lo que está por suceder en el site del festival.

 

 

Santiago Calatrava gana juicio por difamación

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Por GASTV

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El arquitecto Santiago Calatrava ganó una batalla legal por difamación contra el partido político español Esquerra Unida. El partido tendrá que pagar una indemnización de 30 mil euros por haber usado el sitio web calatravatelaclava.com como manera de denunciar supuestas irregularidades e incluye una serie de alegaciones en relación con los costos, retrasos y problemas con los proyectos de la firma del arquitecto.

Por su parte Esquerra Unida ha lanzado una campaña en busca de donativos ciudadanos para que la gente haga pequeñas aportaciones para que puedan afrontar ese gasto. Además cambió el nombre del dominio a calatravanonoscalla.com con el lema “proyectos arruinados y facturas sin IVA”.

El sitio publicó “verdades objetivas”, dijo el juez en su declaración, y añadió que si bien la información sobre el mismo estaba dentro de los límites de la crítica, en relación a la libertad de expresión, el nombre del sitio era “insultante y degradante”.

Calatrava ha participado recientemente en una serie de otras disputas en España. En abril de 2013 los propietarios de la bodega Ysios diseñado por Calatrava en la región de La Rioja de España iniciaron acciones legales contra el arquitecto por un techo con goteras, exigiendo una contribución de 1,7 millones de euros necesarios para su reparación después de los repetidos intentos de los constructores de Calatrava para solucionar el problema .

 

Topografía de la familia

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Por Sandra Sánchez / @phiopsia 

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Existen modos de relación entre los seres humanos que parecen territorios incuestionables, uno de ellos es la familia, célula de amor y devoción. Ante cambios en la estructura social como la emancipación femenina y la gran lucha del movimiento LGTB, el modelo mismo se ha ensanchado. Podemos enumerar distintos tipos de familias: nuclear, extensa, monoparental, ensamblada y homoparental. Por otro lado, las personas que ocupan una casa no necesariamente son familiares, lo cual es cada vez más común en las ciudades. Según el INEGI, “un hogar es el conjunto de personas que pueden ser o no familiares, que comparten la misma vivienda y se sostienen de un gasto común”. Según el censo de 2010, 9% de los hogares mexicanos son “no familiares”, es decir, sus integrantes no tienen ninguna relación de parentesco.

Hogar ya no es sinónimo de familia, y dentro de la última, las relaciones entre los integrantes tampoco son las que orgullosamente representaban los filmes del cine de oro mexicano; existen nuevas relaciones  de jerarquía interna y de convivencia. Ganador de la tercera edición de la Beca adidas Border 2013, Bruno Ruiz presenta un proyecto donde el cuestionamiento sobre el concepto de  familia es puesto en crisis mediante representaciones poco usuales de los roles que supuestamente cada miembro debería ocupar. Lo interesante es que lejos de abordar nuevas formas de estructuración familiar, lo que propone es una aproximación a su propio entorno nuclear para entenderlo, cuestionarlo y construirlo.

A partir de la instalación de fotografías, dibujos, video y objetos construidos por él mismo, Ruiz trae al frente su propia concepción sobre su familia, mostrando la performatividad que cada miembro ejecuta al ser insertado como parte de la investigación y del registro. Al mostrarlos disfrazados y posando frente a la cámara hace evidente la naturalización que, pese a nuestras nuevas formas de interacción, seguimos teniendo sobre los roles que “necesitan” ser ocupados por cada integrante. Su pieza me recuerda la pregunta de una amiga a una pareja de lesbianas: ¿quién es el hombre?

La pregunta es por la pregunta misma, ¿por qué debería haber un hombre? Un tríptico muestra al hermano menor de Ruiz representado de tres formas: la primera es un desnudo intervenido con  dibujos donde se enmarcan sus tetillas y el triángulo que sostiene su órgano sexual; en la siguiente observamos una intervención sobre el desnudo donde se montan un par de tetas en su pecho, una fotografía de un monte de Venus sobre su pubis y los antebrazos de alguien más sobre los suyos; en la tercera fotografía, su rostro no nos mira de frente, sus ojos se dirigen a sus genitales, mientras sostiene con ambas manos un toalla que no busca censurar, sino mostrar su cuerpo como es. El tríptico engloba la constante de Ruiz, el poner en duda los cánones de visibilidad sobre nuestro propio rol, evidenciando que más que un sujeto cerrado, somos relación; ¡y qué relación más fuerte que la que tenemos con nuestro género y conformación las personas que nos educaron! Idealmente, por supuesto.

A simple vista, el trabajo de Ruiz parecería “irreverente”, esta percepción puede darse por el prejuicio constante que se tiene ante lo lúdico: máscaras, dibujos que bien podrían formar parte de un fanzine de Ediciones ¡Joc Doc!2, personas portando cabezas de cartón, la fotografía de una mascota, algunos desnudos, etc. Sin embargo, se puede ir más allá de esa simple lectura para trazar, como la instalación lo propone, una topografía que cuestiona los principios y procedimientos de una de las más viejas formas de lo familiar: los padres y sus hijos. Es imposible no pensar en la propia conformación consanguínea, en el cinismo o cómodo beneplácito ante ellos. Si vamos a ejecutar un rol, ¿cómo?, ¿cuál?, ¿ante quién?, ¿puede cambiar?

La instalación puede visitarse en la Planta Baja del Centro Cultural de España hasta el 20 de julio de 2014.

 

JENNY HVAL: PERVERSIÓN VIRGINAL

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Por Pablo Cordero / @sugarskull12

“That night I watch people fucking on my computer. Nobody can see me looking anyway”, recita la voz ominosamente distante de Jenny Hval sobre un solemne acorde de órgano. Es la primera frase que emiten los parlantes al escuchar Innocence is Kinky, segundo disco de la noruega Jenny Hval, otra cantante de la banda de metal gótico Shellyz Raven y del proyecto oscuro Rockettothesky. Es un inicio potente, un tiro a quemarropa de carnalidad asertiva, actitud que permea las once canciones del disco.

 

“Innocence is Kinky”

Musicalmente, Innocence is Kinky es digno de catalogarse entre las propuestas más lúcidas e innovadoras en la música popular actual, un disco de rock de autor, vanguardista y original. Representa un marcado avance respecto del anterior disco de Hval, Viscera (2011); mientras que aquel era un disco de post-folk nórdico complejo y ricamente orquestado, realizado por una compositora genial pero emocionalmente distante, Innocence is Kinky duele como un golpe en la boca del estómago. No se trata de un disco que reciba con amabilidad al escucha, los paisajes sonoros creados por Hval junto con el guitarrista Håvard Reite Volden y el baterista Kyrre Geitus Laastad (uno de los mejores percusionistas del momento, prodigioso en su moderación) son tan fríos y espartanos como la arquitectura de su natal Oslo. Sin embargo, por las venas de estas canciones corren sangre, sudor y semen.

 

“Mephisto in the Water”

Es posible buscar paralelos entre la obra de Hval y los discos de The Knife así como los trabajos más experimentales de Björk, sobre todo por tratarse de proyectos liderados por mujeres del norte de Europa que estructuran su discurso a partir de la electrónica y la vanguardia musical de la segunda mitad del siglo XX. Sin embargo, la influencia más clara de Hval son los neoyorquinos Swans; el libreto del disco indica que el corte “Give Me That Sound” está inspirado por un performance de Michael Gira, mientras que el tema que cierra Innocence is Kinky toma el título del anterior disco de Swans, “The Seer”. A primera vista parece no haber mucha relación entre el musculoso rock duro de Swans y el minimalismo electrónico de Jenny Hval, pero a nivel ideológico se distinguen claros paralelismos, y el hecho de que Hval haya sido elegida para abrir los conciertos de la más reciente gira de Swans subraya lo bien que funcionan juntas sus propuestas sonoras.

Innocence is Kinky no es un trabajo impecable, algunas de las composiciones que contiene son más sugerentes que realmente efectivas, pero es un trabajo vanguardista y digno de escucharse, y se intuye que Hval es una creadora que aún no ha mostrado lo mejor de sí.

 

Los Climas de Nuri Bilge Ceylan

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Por Gustavo Cruz / @piriarte

 

 

Se dice del cine que una de sus maravillas es que, por dos horas los problemas dejan de ser de uno para volverse los de alguien más. En esto Hollywood, todos sabemos, ha basado su éxito añadiéndole el positivismo de los finales felices. Así, ir a ver una historia de amor significa las más de las veces ir a ver los malos entendidos y tropezones que dos personas sufren para terminar juntos, como siempre debió ser. Los climas (2006), cinta del director turco Nuri Bilge Ceylan, es todo lo contrario a lo arriba descrito.

Ceylan cuenta la historia de una separación —de Isa y Bahar— y lo hace sumergiéndonos en lo más obscuro y tormentoso de las pasiones que entran en juego en una relación. Y es que para poder dar forma a los romances de Hollywood, se requiere de sujetos fantásticos cuyas motores volitivos sean transparentes y fijos. El título de la película nos ofrece la concepción del amante que tiene el realizador. El clima, protagónico a lo largo de toda la cinta, es metáfora de la situación emocional de los personajes, con sus cambios tan bruscos y azarosos como correlatos del mismo.

En general, la cinta está plagada de metáforas visuales y sonoras: un garbanzo tirado en el suelo, las ruinas de un templo y la melodía de Para Elisa de Beethoven en una cajita musical. Estos recursos son sutiles, pero tienen una importancia narrativa impresionante, la mitad de la historia es contada a través de ellos. Ningún detalle de la película está ahí sin una razón de ser. El origen del romance, por ejemplo, es evidenciado a partir de dos comentarios que pueden pasar desapercibidos al ojo poco atento. Gestos, comentarios, sonidos que parecieran ser secundarios anticipan los sucesos del relato. Quien no sea capaz de captarlos, morirá del aburrimiento pues, comparado con el estridentismo del cine convencional, en la cinta de Ceylan pareciera no pasar nada. Pero, al fin y al cabo, ¿no es precisamente esa lectura de los detalles lo que en algún momento se vuelve parte esencial en el entendimiento del otro en una relación amorosa? Notar un cambio de humor a través de la simple mirada, el olvido de un objeto, el darse cuenta que en el responder una pregunta puede decidirse el futuro de la relación. ¿O es mentira que cuando una mujer dice que no pasa nada es que en realidad está pasando todo? Ceylan sabe todo esto, y sabe que lo sabemos aunque insistamos por orgullo o capricho en no darnos cuenta. Los climas demanda del espectador la misma atención que nos demanda una pareja. Demanda de nosotros asumir todas las consecuencias que la etimología de la palabra cinéfilo acarrea.

Estamos, sin duda, ante una obra maestra de la narración audiovisual, cuyo realizador, acaba de ser galardonado por segunda ocasión con la Palma de Oro en el festival de Cannes. La necesidad de una retrospectiva de su obra en territorio nacional se vuelve imperativo, pues tanto Los climas, como su ópera prima Distante, no han sido proyectadas en pantallas mexicanas.

 

Quirarte + Ornelas. Estructuras Modulares

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Por GASTV

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Lápices, libros, tubos, tijeras y tarjeteros son algunos de los objetos cotidianos que los artistas mexicanos Anabel Quirarte y Jorge Ornelas organizan en módulos para crear sus piezas. Los objetos y materiales son descontextualizados y quedan desprovistos de su función utilitaria.

La Galería Enrique Guerrero presenta Estructuras Modulares, exposición que muestra el trabajo de esta dupla y los procesos de acumulación, ensamblaje y resignificación de los elementos que llevan a cabo para dar origen a la obra. Este procedimiento permite una reinterpretación de los objetos, a los que se asigna un valor artístico al integrarlos como parte de una pieza más grande.

A través de este ejercicio constructivo, Quirarte y Ornelas abstraen a los objetos de su contexto habitual y los organizan en estructuras que privilegian la forma sobre la función. Lápices, amarillos y negros, convergen en un centro y forman una especie de círculo; casettes unidos también por lápices o pilas de libros, son algunas de las piezas de estos artistas.

Las piezas de esta pareja de artistas, ambos egresados de la Escuela de Pintura, Escultura y Grabado, La Esmeralda, se encuentra en colecciones como la del Museo Würth en Alemania y la Fundación Madeira en Portugal.

 

Ciudades en porcelana

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Por GASTV

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Durante mucho tiempo la gente ha decorado porcelana con motivos naturales y paisajes. Por otro lado los arquitectos han planificado y diseñado nuestras ciudades durante siglos y son bien conocidos por crear productos elegantes y funcionales. El estudio de diseño Kilo y los arquitectos detrás de Bjarke Ingel Group fusionan estas disciplinas interviniendo una vajilla de porcelana con contornos de edificios de diferentes ciudades de todo el mundo en líneas color azul que forman un círculo alrededor de las superficies de la vajilla. Las características de la silueta de cada ciudad están sutilmente elaboradas en forma de monumentos arquitectónicos icónicos como la Puerta de Brandemburgo, el Big Ben o la Torre Eiffel.

Doce edificios de diferentes ciudades, incluyendo Copenhague, Londres, Berlín, París y Nueva York están plasmadas en la vajilla, disponible en seis diseños diferentes. La colaboración BIG+Kilo, incluye el trabajo del fabricante alemán de porcelana de alta calidad Rosenthal.

Kilo, el estudio de diseñadores fundado por el diseñador industrial Lars Larsen, y BIG, fundada por el arquitecto Bjarke Ingels, han hecho colaboraciones anteriormente en proyectos para Audi, Biomega y Louis Poulsen, entre otros.

 

Sharon Van Etten

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Por Laura Aguilar / @laluflow

 

 

Melancolía y dolor son algunos de los conceptos que rodean las letras de las canciones de Sharon Van Etten. Con su característica voz desgarradora, la cantautora originaria de New Jersey, está de regreso con una nueva producción titulada Are We There, experimento sonoro que denota un proceso de resignación personal pero un gran avance en lo musical.

Van Etten apareció en escena durante 2009 con su disco Because I Was In Love, tiene cuatro producciones de estudio en su haber, ha colaborado con bandas como The National para la canción «Think You Can Wait» y también formó parte de los artistas que participaron junto a John Cale en el tributo a la cantante Nico. A raíz de su participación con The National, tuvo una estrecha relación con los hermanos Dessner, integrantes de dicha banda, quienes en 2012 produjeron y grabaron Tramp, el tercer disco en la carrera de Sharon Van Etten. En este material se nota el proceso de duelo por el que atravesaba la cantante tras una ruptura amorosa, en cada canción nos relataba un poco de la historia de su relación.

Van Etten regresa en 2014 con Are We There, material dado a conocer hace apenas algunos días, para esta producción, trabajó junto con el sello discográfico Jagjaguwar y fue producido por ella misma; la temática sigue siendo la misma, el desamor, sin embargo en este disco se nota a una cantante más reflexiva y en una etapa de aceptación.

Cabe resaltar el avance musical que presenta, ha dado giros importantes en el sonido, podemos encontrarnos con momentos más electrónicos, con giros melódicos y transiciones más naturales de una canción a otra, Van Etten ha demostrado que no todo es tristeza absoluta acompañada del sonido acústico de su guitarra.

Are We There está conformado por once canciones con las que fácilmente logra una conexión con su público y relata situaciones con las que cualquiera podemos identificarnos. Algunos temas solemnes y otros más desgarradores como “Your Love is Killing Me”, consiguen involucrarnos en su historia amorosa, pero con una visión más personal y alejada de un sentimiento de pena o lástima hacia la cantante. El disco podría considerarse un memorial que funciona como guía para aceptar y superar etapas sentimentales complicadas.

El material completo está disponible en iTunes y Spotify, en YouTube ya se encuentra disponible el video de la canción “Every Time the Sun Comes Up”  y a través de Soundcloud puedes escuchar el sencillo “Your Love Is Killing Me”.

 

La revolución permanente de Pedro Reyes

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Por GASTV

El contexto político y social de México siempre ha sido un tema referente y constante en el trabajo artístico de Pedro Reyes (México, 1972), quien ha plasmado sus inquietudes con respecto al panorama nacional en diversos formatos como la escultura, el performance y el video. La propuesta más reciente del artista tiene otro enfoque, retoma la miniserie de marionetas Baby Marx que comenzó desde el año 2008, inspiradas en los principales pensadores y representantes del marxismo, el capitalismo y el socialismo.

La revolución permanente presenta por primera vez esta serie de personajes originales junto a seis nuevos protagonistas comisionados por el Museo Jumex. La puesta en escena utiliza la sátira para abordar las complicadas diferencias ideológicas que han marcado la historia, por medio de un ingenioso guión la obra de teatro enlaza estos conceptos históricos con situaciones actuales, e invita al espectador a despertar su criterio y a acercarse a la obra de los autores.

La puesta en escena se estará presentando hasta el 15 de junio en el Museo Jumex. Platicamos con Pedro Reyes y Takumi Ota, creador de las marionetas.

 

 

 

¿Quién es Ragnar Kjartansson?

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Por Andrea García Cuevas / @androclesgc

 

 

En 2009 Ragnar Kjartansson se convirtió en el artista más joven en representar a Islandia en la Bienal de Venecia. Su proyecto The End, que oscilaba entre el teatro y el performance, cuestionó el culto que rodea a la figura del artista —como un genio creativo en constante catarsis— y mostró una puesta en escena de momentos autónomos que se desarrollaban en tiempo real. Durante los seis meses de la Bienal, Kjartansson transformó el Palazzo Michiel da Brusà en su propio estudio, donde pintó día tras días diferentes retratos de un mismo modelo. La escena era una superposición de encuadres que comenzaba con un lienzo en blanco y se prologaba, sin fin, con las miles de miradas periféricas.

En The End el artista islandés proyectó algunos de los principales intereses que han guiado su obra. El lenguaje y las herramientas del teatro, del performance, de la música y del cine, le han permitido reflexionar en torno a las fronteras entre la realidad y la ficción. The Visitors (2012), por ejemplo, pone en tensión la performatividad del espectador —convertido en testigo y, a la vez, en personaje— a través de nueve videos que proyectan la imagen de nueve músicos que repiten constantemente la letra de una misma canción. Por su parte, el montaje de la instalación se organizó para provocar estados y actitudes similares a los adoptados en un concierto en vivo, una obra de teatro o un performance. El efecto, de acuerdo con el artista, era inmersivo.

La identidad es otro tema recurrente en el trabajo de Kjartansson. En sus diferentes proyectos es común identificar un constante juego de roles: puede ser un artista, un músico, un poeta o un hijo. En My Mother, My Father, And I, su primera exposición en un museo de Estados Unidos, recurre al momento de su concepción para rastrear las raíces más profundas que lo han definido como individuo y como artista. Su padre y su madre, ambos actores de teatro y de cine, representan los referentes más obvios e inmediatos para comprender su fascinación por el teatro, el performance y la acción. La muestra —presentada actualmente en el New Museum de Nueva York— incluye un video que está inspirado en la película Morðsaga (1977), donde sus padres interpretaban la fantasía sexual entre dos personajes. De acuerdo con una leyenda familiar, Kjartansson fue concebido la noche previa a la grabación de la escena. Así, el video Take Me Here by the Dishwasher: Memorial for a Marriage (2011-14) se presenta como un collage visual y sonoro del origen del artista.

Además de las artes escénicas, la música es otro de los elementos imprescindibles en las presentaciones de Kjartansson. La mayoría de sus performances están acompañados por audios o música en vivo que buscan hipnotizar o congregar alrededor de un punto (como un acto primitivo de unión) a los visitantes. Su relación con la música está vinculada con el grupo islandés Sigur Rós, con quienes ha colaborado en la composición de canciones y en la dirección de videos. El diálogo creativo con Jónsi, Georg, Ágúst y Kjartan Sveinsson (antiguo tecladista de la banda) ha llevado a Kjartansson a crear paisajes sonoros en cada una de sus piezas.

 

B-Tourist de Idan Noyberg y Gal Bulka

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Por Victor Méndez / @vichoamino

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Pocas veces el diseño ataca problemáticas tan puntuales como viajar por horas dentro de un transporte en el que la mayoría del tiempo, por seguridad, se debe permanecer sentado, y en el que la comodidad del usuario es esencial. Las limitantes son muchas, pero es el tamaño de los asientos una de las más importantes. El siguiente producto trata de ofrecer una solución, una solución tal vez fallida.

Noyberg Idan y Gal Bulka, diseñadores recién graduados del departamento de diseño industrial de la Bezalel Academy of Art and Design en Jerusalén, Israel, crearon B-Tourist, una banda elástica ajustable para distintos asientos de avión (aunque igual se puede utilizar en trenes o en autobuses). El proyecto busca delimitar el espacio del viajero y ofrecerle cierta privacidad. Las pocas actividades que se pueden realizar dentro de un avión como comer o leer, se harían sin ser “molestado”. La comodidad es una de las apuestas, es por eso que esta tira se coloca de forma tal que es posible recargar la cabeza y funciona como almohada. Además la estructura cuenta con un bolso lateral para depositar objetos que son importantes, como dinero o unos lentes. B-Tourist es fácil de montar entre los asientos y su ajuste depende de una serie de anillos plásticos que rodean la banda y le dan el ancho deseado.

Como siempre lo he mencionado, no es posible evaluar un diseño sólo por los renders o las imágenes, es necesario usarlo para comprobar su eficiencia. Sin embargo, este proyecto ha causado distintos comentarios, la mayoría poco alentadores, pero que no se enfocan en la función del tejido elástico, sino en las repercusiones de la dinámica social dentro del avión. Entre los contras que se mencionan está la incomodidad que genera a la persona de junto, si quiere ir al baño resulta imposible, o a la persona de adelante, que no le gustará tener esta banda detenida sobre su asiento y tener que recargar su cabeza sobre ella. Tal vez suene exagerado pero son comportamientos posibles.

Otro de los comentarios hace mención a las normas de aviación, ya que este producto puede obstruir las salidas de emergencia o dificultar el libre tránsito en una situación de peligro. Pero de todo lo anterior hay uno que destaca: es muy probable que esto no sea una problemática como tal, más bien es la incapacidad de ser tolerantes al compartir un espacio y se busca poner barreras para resguardarnos y no tener que socializar. Esta opinión es totalmente cierta. En conclusión, a simple vista es interesante, incluso parece una buena idea, pero después de analizarlo un rato resulta inútil. ¿Ustedes qué opinan? Comenten abajo en el chat de Facebook y díganos qué impresiones tienen.

 

EL DISCO DE VINILO Y LA FETICHIZACIÓN DEL SONIDO

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Por Pablo Cordero / @sugarskull12

Recientemente, entraron a casa de un conocido a robar. A él le resultó curioso que, pese a haberle despojado de muchos objetos de valor, los criminales no se llevaron uno solo de los CDs de su grande y preciada colección. No creo que los ladrones (que, intuyo, deben haber sido personas muy jóvenes) no hayan visto nunca un disco compacto en su vida, más estos objetos han perdido a los ojos de la sociedad actual gran parte de su valor simbólico, aún así su precio monetario aumenta constantemente.

Estudiar la colección de CDs de una persona fue durante un par de décadas una de las maneras más claras y sucintas de saber cómo ellos se veían a sí mismos y se situaban frente a su contexto sociocultural. Y no se trataba sólo de los artistas que la persona en cuestión escuchara; ¿qué tan grande era la colección?, ¿estaba cuidadosamente ordenada, o era un tiradero aleatorio de discos?, ¿qué proporción de discos originales a piratas contenía? Conocer la respuesta a estas preguntas nos ofrecía un vistazo a diversos aspectos de la personalidad de alguien.

Hoy en día, es necesario empezar preguntando si la persona en cuestión tiene siquiera una colección, ya que un número creciente de jóvenes no poseen ni un disco en formato físico. Existen otras maneras de conocer la música que escucha el otro, claro. ¿Cuántos no hemos echado un vistazo a la lista de canciones en el iPod de alguna persona que nos interesa conocer mejor? Sin embargo, una lista de miles de mp3 en la computadora no posee el mismo potencial para impresionar al interlocutor que una colección amorosamente cuidada de discos.

Al crecer exponencialmente la distribución y consumo de la música a través de internet, el poseer un disco es visto cada vez más como un lujo anticuado y un tanto romántico. Pero así como muchos sienten una especie de orgullo en el hecho de que no han gastado un centavo en música desde hace años, para un número considerable de audiófilos el soporte físico de su música sigue siendo esencial. El formato por el que se decantan es una cuestión de gran importancia para estas personas.

El número de CDs vendidos en el mundo se desploma (en el año 2000 se vendieron 730 millones, contra 223 millones en 2011), y otros formatos digitales de alta resolución (Super-Audio CD, Blu-ray Audio) luchan por conseguir el favor de los audiófilos. Pero si un formato ha logrado crecer en últimos años, es un viejo conocido, el disco de vinilo. En muchas ciudades de Estados Unidos y Europa las tiendas de CDs han desaparecido, mientras que los establecimientos de discos de vinilo se han convertido en negocios rentables cuya popularidad, sin ser masiva, está en constante crecimiento.

Quienes consumen vinilos afirman que los formatos análogos poseen una calidad de audio superior a los digitales. Esta percepción, sin embargo, es subjetiva. Es cierto que los discos de vinilo poseen un rango dinámico mayor a un CD, pues la compresión inherente en la conversión al formato digital reduce la diferencia entre las partes suaves y las fuertes de una canción. Sin embargo, el vinilo introduce también coloraturas tonales a las grabaciones que no están presentes de origen, y aunque éstas resulten agradables para los oídos de muchos, no dejan de ser distorsiones a la intención original de la grabación, mientras que los CDs ofrecen una representación más fiel de la misma.

Otro aspecto a considerar es el tamaño físico de los discos. Un vinilo de 12 pulgadas permite exhibir el arte y elementos visuales que acompañan al contenido musical en un formato más grande y atractivo. Para muchos, un disco de vinilo es un objeto bello que representa físicamente el valor inherente en la música que nos conmueve. Como indica el crítico Tim Jonze en The Guardian, muchos aficionados a la música compran vinilos que después nunca escuchan, prefiriendo bajar mp3 que resultan más prácticos y convenientes, aún si su fidelidad sonora es reducida.

Se ha vuelto un lugar común decir que los verdaderos amantes de la música deben adquirirla en un soporte físico, pero es necesario considerar otros aspectos: ¿hasta qué punto la compra de vinilos se deriva de una apreciación real de la calidad del sonido, y cuándo se convierte en una fetichización de la música, haciendo del disco un objeto esnobista sin un uso real? Pagar por la música que consumimos es algo noble, como apoyar a los artistas que enriquecen nuestra vida con su trabajo. Pero la idea de un disco que es adquirido para nunca ser escuchado me resulta profundamente triste.

 

Cy Twombly: Paradise

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El Museo Jumex presenta la primera retrospectiva en México de Cy Towmbly, uno de los artistas más importantes de la posguerra. Con la curaduría de Julie Sylvester y Philip Larrat Smith, el recorrido por las 60 piezas que integran la exposición comprende algunas obras inéditas de la colección de Cy Twombly Foundation.

Miembro del grupo de expresionistas abstractos de Estados Unidos, como su amigo Robert Rauschenberg, se alejó de las tendencias hacia el pop o el minimalismo. El artista dejó Nueva York, la ciudad de vanguardia en los setenta, para instalarse en Roma, desde donde  trabajó al margen de la actividad artística de la época. Entre pinturas, obra gráfica y esculturas, Cy Towmbly exploró el tema de la belleza, la muerte y el concepto del arte.

Con el empleo de diversos materiales como óleo, acrílico, grafito, acuarela y tinta china, Towmbly fue un revolucionario también en el aspecto formal. En su producción artística aborda los límites entre lo figurativo y lo abstracto. La escritura y la pintura se funden en su obra. En esta exposición, que es la primera en América Latina, se exploran sus obras creadas entre 1951 y 2011.

 

Arquitectura Intervención Urbana 2014

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Por GASTV

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La Autoridad del Espacio Público y la Escuela Digital convocaron a arquitectos y estudiantes al 4 Concurso de Arquitectura Intervención Urbana 2014. El equipo interdisciplinario formado por Marcos Betanzos Correa, Victor Hugo Betanzos Correa, Guillermo González, Cinthia M. Xochicale, Carlos Verón y Alfredo González fue reconocido con el segundo lugar gracias a una intervención que tiene como objetivo aprovechar espacios públicos y hacer una reconfiguración urbana que incluye comercios, espacios culturales y turísticos en las avenidas Balderas, Juárez, Eje Lázaro Cárdenas y Chapultepec.

Mejorar espacios públicos y rescatar una de las zonas con más concurrencia en el Centro Histórico de la ciudad de México fue la temática de esta cuarta edición del concurso. Las actividades de esta intervención incluyen la presencia de programas de movilidad como Ecobici y Ecoparq para que se consolide como una zona turística que cuente con espacios culturales, restaurantes, áreas verdes, red de transporte público y la construcción de conjuntos habitacionales y de oficinas.