Archivo para el febrero, 2014

De tardeadas, inocencias y locales de rock

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Ricardo Pineda / @Raika83

Con el tiempo, las conversaciones sobre el rock en México y los lugares en donde tenía cabida en tiempos difíciles, adquieren tonos míticos. Famosas ya son las pláticas de más de un tío borracho que dice haber ido a Avándaro, y suelta la lista de nombres: Three Souls in my Mind, Tinta Blanca, Peace and Love, etc. Están también los que presumen haber ido a los míticos conciertos de Radiohead en México en el 94, o los que iban a los hoyos fonquis, al Tutti Frutti, el LUCC, La Rockola o el Bar 9.

Entre presumideras y leyendas urbanas del rock en el DF, lo cierto es que los locales donde históricamente se hace rock en nuestra urbe y sus alrededores son muy especiales. Difícilmente hoy en día, un lugar puede despertar un alto grado de identificación con la escena musical local, más allá de ser un solo sitio en donde tocan bandas y se cobra un cover por entrar. Hace falta ese “algo más” que lo vuelva mítico y especial. Pocos lugares hay en nuestra ciudad como el Alicia, El Tiánguis del Chopo o incluso el Cultural Roots, por mencionar unos muy comunes y emblemáticos.

A quien esto escribe le tocó vivir una buena parte de la década de los noventa, descubriendo grupos y acudiendo a conciertos dominicales o tardeadas en ciertos locales que, en mayor o menor medida, fueron especiales para la escena nacional roquera. Hoy en día ya no existen más y aprovechamos la ocasión para recordar algunas presentaciones memorables, que dejaron a estos lugares en un lugar muy especial de la historia de la ciudad. ¿A cuál fueron ustedes?

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Biomuseo

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Por Andrés Reyes / @MrIntra

 

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Después de diez años de construcción, estamos ya solamente un par de meses de la inauguración del Biomuseo que diseñó Frank Gehry para la ciudad de Panamá. Será en mayo cuando la propuesta de Gehry sea abierta para el deleite del público. Al respecto, Ricardo Martinelli, presidente de aquel país centroamericano, señaló que el museo es un importante atractivo turístico a nivel local e internacional.

Para la inauguración que será el próximo veintidós de mayo, estarán habilitadas cinco de las ocho galerías que integran el museo. Sumadas a éstas, el museo ofrecerá un atrio público, un espacio para exhibiciones temporales, tienda y cafetería; en la parte de afuera, en el parque botánico diseñado por la paisajista Edwina von Gal, se montarán exhibiciones exteriores.

Si bien Frank Gehry ha sido el encargado de diseñar y erigir museos de la talla del Guggenheim de Bilbao, se cree que el Biomuseo de Panamá podría ser su obra arquitectónica de mayor riesgo. Sus diseños siempre han sido considerados complejos para el gusto general del público, sin embargo, el Biomuseo llega a un nivel incluso superior en cuanto a complejidad del diseño. Según el sitio oficial del Biomuseo, el diseño arquitectónico fue planeado para contar la historia de cómo el Istmo de Panamá surgió del mar, uniendo dos continentes y separando un gran océano en dos, cambiando así la biodiversidad del planeta para siempre. De esta manera, metafóricamente el recinto describe un paisaje natural.

Habrá que dejar que el tiempo decida si el de Biomuseo de Frank Gehry se convierte en un ícono de la arquitectura latinoamericana.

 

Jerry Schatzberg

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Por Alejandro Murillo / @fugitivo5

 

The panic in needle park, 1971.

 

El hombre perfecto es mexicano, austriaco, atleta olímpico, profesionista del diseño, artista de la fotografía y no está exento de chismes de la farándula. O sea, es también una celebridad. Lo tiene todo. A propósito de hombres perfectos, recién pasado el día del amor y la amistad, cuando la pantalla grande todavía era de plata, décadas antes de secretos en la montaña, Gene Hackman y Al Pacino vivieron un amor de hombres como solamente el cine de moda en aquella época podía representar.

Se dice que las décadas de influencia de la nueva ola francesa y los estilos de película «a la europea» en Estados Unidos son sobre todo las de 1960 y 70. Posteriormente, en medio de un auge de manuales de guionismo y la llamada revolución conservadora, entre cuyos líderes principales se encontraba el presidente Reagan, el sentimentalismo y las fábulas futuristas apocalípticas terminaron con el reinado de los maestros del atrevimiento de la era de la música disco y las primeras formas de rock pesado. Entre estos contamos a Jerry Schatzberg, quien debutara en la narración audiovisual con un largometraje sobre el abominable mundo de la moda, protagonizado por Fay Dunaway, la mismísima Bonnie de Bonnie y Clyde. Su segunda película, The panic in needle park, fue elegida dentro de la selección oficial de Cannes en 1971 y obtuvo el reconocimiento a la mejor actriz.

Scarecrow, de 1973, obtuvo la palma de oro. Próximos a consolidarse, el estrellato de los mencionados Hackman y Pacino todavía no se anunciaba. Dos personajes sueltos en la carretera, en esta película sus personajes son dos locos obligados a volverse amigos. En medio del campo, ninguno de los dos sería capaz de impedir al otro la posibilidad de comenzar un viaje juntos encima de la única camioneta que se detiene para levantarlos. A diferencia de los relatos más clásicos, la casualidad más que la lógica llevará a estos personajes a reunirse con viejos amores, familiares, y defenderse de ofensores sexuales del mismo sexo.

The Panic in needle park es también un relato de amor extremo. Todavía muy delgado y bien desaliñado, el joven Al Pacino interpreta a un delincuentillo y traficante enamorado de la novia de un cliente suyo, un miserable pero hermoso artista de la pintura. Esta típica premisa chico-conoce-chica, aderezada con infecciones derivadas de la práctica de un aborto y otros conflictos modernos neoyorkinos, es más bien el sensato cimiento de un cuento sórdido donde la adicción no es puesta en escena. Verdaderas agujas en gran plano detalle estimulan la dependencia de no actores que con razón actúan en sustancial trance.

 

La mejor canción en el cine

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Por Alejandro Murillo / @fugitivo5

 

Once 

El primer soundtrack a la venta al público fue el de la película Ramona. La canción oficial era interpretada por Dolores Del Río. Para los músicos, la composición de una partitura puede requerir un esfuerzo creativo similar al de diseñar y registrar la mera trama de una película. Como ya sabemos, es común que además estas creaciones adquieran valor comercial. En ciertos casos, poseen también la virtud de funcionar dentro de las estructuras audiovisuales que posibilitan el relato en pantalla. La mayoría de las veces, son vehículo de otras informaciones, voz de una marca, típicas baladas con moraleja. Por supuesto que los músicos no son unos perfectos imbéciles. Tampoco los músicos académicos de Hollywood, que entre los finalistas al Oscar de canción original han contemplado a compositores como Elliott Smith y Aimee Mann, por sus composiciones algo atípicas dentro del espectro de orquestas y baladas. En 2014, Karen O consiguió una candidatura por su participación en Her, de Spike Jonze.

En el cine la música ya suena para todo. Porque un personaje la hace sonar, porque el director quiere que se escuche por encima del ambiente real, porque “lo normal” es que haya música de fondo, o porque de plano los personajes necesitan expresar sus sentimientos o dialogar entre sí, donde el extremo de este estilo vendrían siendo las películas musicales. Pero estas funciones no son lo que se reconoce entre los músicos académicos. Se privilegia la composición y orquestación antes que la relación entre el tema y la dramaturgia audiovisual. No tiene nada de malo, para el mercado ni para la música. Tampoco para las películas, si pueden existir independientemente de que algún artista de moda se escuche de repente cuando los protagonistas se van a besar o cuando algún personaje tiene una revelación.

Por otro lado, en la historia del Oscar ha sido inevitable premiar la música de películas que suelen encontrarse dentro de lo mejor de su año por el sentido que la música tiene en sus relatos. Ocurrió con Los paraguas de Cherburgo, el musical total de Jaques Demy en el que tanto lo más cotidiano como lo más melodramático tenían que expresarse cantando. Más recientemente, le pasó al moderno relato de músicos Once, cuyas canciones han sido denominadas como una celebración de la música.

Posiblemente eso sean ambas películas, una celebración audiovisual de la música en el cine, donde la mejor canción original del año no solamente es una gran composición sino una virtud de la narración.

 

Érase una vez

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Por Monserrat Garduño / @juneRainbows

Las historias son parte de nuestro día a día. Estamos inmersos en ellas a través de libros, películas, series, comics, publicidad, conversaciones, entre otra cosas. Por medio de esta amplia gama de relatos, algún emisor se encarga de situarnos en un espacio y tiempo determinado para después recrearlo con personajes que le darán vida a su argumento.

El cuento, como parte de este inmenso universo de historias y textos, nos otorga una narración breve que se genera con base a un planteamiento, se agudiza con un nudo y termina en un desenlace. Quizá para muchos, este estilo literario viene a ser su primer acercamiento al mundo de las letras. Considerando la trascendencia histórica, social y cultural que el cuento posee para todas las generaciones, la galería de arte Rojo Bermelo presentó en dos entregas (18 de diciembre del 2013 y 20 de febrero del presente año) su exposición Érase una vez. Se trata de un homenaje ilustrado a las historias y cuentos icónicos de nuestra sociedad. Cuarenta artistas de diferentes países hacen honor, a través de la ilustración, tipografía, pintura y murales, a diversos cuentos como los son: La caperucita Roja, Alicia en el país de las maravillas, El conejo en la luna, Moby Dick, Fantastic Mr Fox, Hansel y Gretel, entre otros muchos. Entre los artistas participantes figuran: Cecilia Beaven, Charuca, Fanngora, Fher Val, Gaby Fuentes, Gacz, Ledania, Minerva GM, Muxxi, Silvia Portella, Ster Aguirre, Piktorama y You Byun.

No te pierdas este interesante proyecto artístico, el cual transforma a la literatura en imagen, para albergar en trazos y colores toda la enseñanza, fantasía y experiencia que trae consigo el género literario denominado cuento.

 

Sexo sin riesgo

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Por Alejandro Vazquez / @aerodiolesi

 

La vida de Adèle

A propósito de la película La vida de Adèle (La Vie d’Adèle, Abdellatif Kechiche, 2013) premiada con la Palma de oro el año pasado; creo que la sexualidad es una fuerza que no solamente puede mover a los seres humanos, sino también modificarlos y esa oportunidad es desaprovechada en esa película.

La vida de Adèle cuenta la historia de una adolescente que conoce a Emma, una chica mayor con quien empieza una relación. Después de establecer una empatía sexual muy fuerte la historia cuenta su cotidianidad juntas y la vida insípida de la protagonista después de su rompimiento. Por otra parte, Una película serbia (Srpski film, Srdjan Spasojevic, 2010) trata sobre la historia de Milos, una retirada estrella del cine porno que es contactado por un hombre misterioso para realizar una película en la que debe participar sin conocer el guión. Pese a las condiciones turbias del trato, Milos es persuadido por la fuerte suma de dinero que le es ofrecida y se ve involucrado en una vorágine de violencia sexual que termina por destruirlo a él y a su familia.

 

Una película serbia

En ambas películas el sexo es utilizado como una sustancia dramática capaz de transformar la vida de los seres humanos. La diferencia estriba en los alcances que cada obra se propone: la primera es un melodrama convencional donde la protagonista se conforma una y otra vez con una vida mediocre; en cambio, en la segunda el protagonista es forzado a abrazar una naturaleza sexual aberrante que devasta la hechura de su mundo para siempre. Las diferentes apuestas que cada película hace para generar otros niveles de interpretación son radicalmente opuestas. Los mensajes de La vida de Adèle son completamente planos y conservadores, por ejemplo: el amor verdadero existe y está bien asumirse como una persona limitada. En cambio con una escena de 15 segundos que sólo es posible dentro de la trama completamente grotesca de Un film Serbio se aporta una lectura de la realidad que invita a una reflexión más profunda y crítica. La escena a la que me refiero es cuando se presenta la violación de un recién nacido, aunque el tema de la pedofilia es recurrente en la trama. En mi opinión, esta escena no sólo refleja una realidad económica global con una precisión metafórica terrible, sino que además exige un posicionamiento del espectador frente a los agresores, a través de un aparato argumental que alude directamente al deseo.

Abdellatif Kechiche no corre ningún riesgo artístico ni propone más que una reflexión anquilosada y estéril sobre las relaciones de pareja en La vida de Adèle y es un melodrama más.

 

Éntomo de Lara Hanlon

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Por Victor Méndez / @vichoamino

 

 

La crisis alimentaria que se vive y que cada vez está más latente, nos orilla a recurrir a dinámicas que invitan a la autosuficiencia: agricultura urbana y comercio justo, son dos de los ejemplos más socorridos y además son prácticas ya conocidas, que si bien no son fenómenos modernos, sí tienen hoy un impacto muy fuerte.

En este sentido, la diseñadora gráfica Lara Hanlon, con sede en Dublín, desarrolló una plataforma digital en la que anima a la gente a comer insectos. Éntomo, nombre que surge de la entomofagia, la ingesta de insectos como hábito alimenticio, es un recurso en línea donde se presenta la información necesaria para comenzar a consumir bichos: notas de actualidad, recetas, eventos, así como mitos y realidades de iniciar esta práctica. También se tiene una tienda online donde se pueden adquirir insectos listos para comer.

La diseñadora tuvo a bien realizar una investigación que parte de las dinámicas culturales milenarias de regiones de China y América del sur, por ejemplo, donde comer insectos es toda una experiencia. A partir de ello se crearon los contenidos de la página, de los cuales se destacan los beneficios para la salud y la construcción de una vida sustentable.

El incremento en la población requiere de un sistema de producción de recursos más eficiente. La respuesta está en los insectos, que son un alimento eficiente, seguro y benéfico para la salud. Al igual que un vegetariano decide no comer carne, se podría comenzar a incluir en la alimentación diaria a los bichos. Éntomo de Lara Hanlon, ¾del griego entomon, corte en dos, como el cuerpo de un insecto; de allí parte su identidad gráfica¾, fue reconocido por la UNESCO como un proyecto que promueve la sustentabilidad urbana y que mejora el nivel de vida de las personas en todo el mundo.

 

 

Los 5 discos más esperados en 2014

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Ricardo Pineda / @Raika83

En 2014 tenemos varios favoritos musicales que se comienzan a colar entre las novedades. Hay artistas nuevos, promesas de regresos y una que otra probadita va saliendo entre las listas de próximos lanzamientos.

Sin embargo, hay prioridades, importantes y unos realmente esperados con ganas. Aquí les mostramos los 5 discos más esperados en 2014. ¿Cuáles son los suyos?

01—Wu-Tang Clan

Existen bandas y artistas legendarios del hip hop, figuras sorprendentes y exitosas del género como Snoop Dog, Dr. Dre, Kanye West o Jay-Z. Y en la cima de ellos está una leyenda llamada Wu-Tang Clan, los maestros samuráis del rap más oscuro y gandallón. Su décimo álbum de estudio, lo más reciente desde hace siete años, es esperado por propios y extraños, ya que la fuerza de sus integrantes es lo suficientemente notable por separado como para que la suma nos emocione lo suficiente. ¿Qué esperamos? Rimas ingeniosas y con mucho filo callejero, beats potentes y una producción de punta. Nada más, nada menos.

02—Damon Albarn

A Damon Albarn parece salir con tino y gusto casi todo: Blur, Gorillaz, The Good The Bad & The Queen, sus colaboraciones en Mali, en Kinshasa o con una ópera. ¿Por qué entonces hacer un disco solista a estas alturas de la vida? Pues porque sigue siendo uno de los cantantes más creativos y en mejor forma del pop británico. Su primer sencillo, “Everyday Robots” nos ha dejado con un excelente sabor de boca, sin ser algo extraordinario. Lo sorprendente en Albarn es sencillez y refinamiento de un estilo muy propio que lleva trabajando por años.

03—Skrillex

Crea fama y échate a dormir. No para Skrillex quien tiene una reputación muy grande para el momento musical en el que se encuentra. El amo del dubstep actual no tiene aún un primer LP, el cual saldrá este año para demostrar si esos siete EPs y colaboraciones sueltas que tiene tras de sí, son suficientes para sostener una atención mediática notable, o sólo es parte de una oleada actual de electrónica extrema recargada.

04—Grimes

Aún sin nombre ni fecha de lanzamiento, el tercer opus de larga duración, de la guapa canadiense Claire Boucher es de lo más esperado del año. Sus fans mueren por escuchar la continuación del exitosísimo Visions de 2012, el cual la catapultó como una de las mejores artistas del momento. Sin embargo, muchos detractores que coinciden en que Grimes tiene un en vivo bastante flojo, y que su propuesta atiende más a un hype del momento y no a una propuesta sólida, esperan que este disco confirme su perfil medio y comience a diluirse su estrellato. Habrá que ver.

05—Beck-Morning Phase

El único de la lista que ya tiene nombre, ya salió un primer sencillo (“Blue Moon”), y ya sabemos también que a mediados de febrero tendremos nuevo disco de Beck. ¿Qué le pasó al autor de “Looser”? ¿Anda triste de nuevo? Lo que se ha revelado hasta ahora es que el nuevo material en seis años del autor del Odelay viene en la línea creativa del poderosísimo Sea Change (2002), y que Hansen se ha venido nutriendo de mucho folk de guitarras y capitas coloridas a la Neil Young, The Band o Gram Parsons. Promete bastante.

Dallas Buyers Club

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Por Bianca Gaytán / @universonauta

 

 

¿Qué harías te dijeran que te quedan 30 días de vida? Esta es la interrogante que desarrolla el conflicto de Dallas Buyers Club, dirigida por Jean-Marc Vallée Basada en la vida de Ron Woodroof, el cual vivía una vida de alcohol, drogas y sexo sin protección y a quién en 1986 se le diagnosticó VIH. Cabe resaltar que lo más interesante del filme es que en esa época la sociedad pensaba que el VIH era una enfermedad de homosexuales. Incluso el mismo Ron (Matthew McConaughey) no acepta su condición al inicio y lucha con la percepción de los demás; de los amigos que ahora lo tachan de «maricón». Además de sufrir la discriminación que trae per se la misma enfermedad. En su búsqueda por sobrevivir, Ron consume AZT, el único tratamiento legal en los Estados Unidos. Sin embargo, resulta contraproducente para su salud por el nivel de toxicidad de dicho medicamento. Por lo que decide ir a México para probar un método alternativo, el cual resulta favorable. Es así que el protagonista y su amigo Rayon (un transexual con VIH interpretado por Jared Leto) empiezan a traficar con antivirales ilegales en EE.UU. pero que ayudan a sobrellevar la enfermedad que cientos de personas están padeciendo.

Es así como nace el Club de los Desahuciados (Dallas Buyers Club), Ron y Rayon proporcionan membresías con todos los medicamentos alternativos incluidos. El Club fue creciendo, en números y clientes, llamando la atención de las empresas de la FDA y las compañías farmacéuticas, las cuáles hicieron una campaña contra Ron. Al final Ron, un homófobico empedernido termina ayudando a la comunidad gay. Crea un lazo de amistad con Rayon y se vuelve un estandarte para defender los derechos de los pacientes con VIH; quienes desean tener la libertad de decidir con que tratamiento antiviral quieren tratarse.

Debo confesar que en lo personal, pensaba en Matthew McConaughey sólo como el chico guapo de las chick flicks. A partir de sus trabajaos en Mud, Killer Joe, The Wolf of Wall Street y ahora con su extraordinaria actuación en Dallas Buyers Club,  ha quedado demostrado que es todo un histrión. En este filme demuestra su capacidad para trasmitir el coraje, la tristeza y las ganas de vivir que padece cualquier desahuciado. Por su parte Jared Leto, crea a un transexual drogadicto que tiene pánico por morir. Sin duda, sus nominaciones como Mejor Actor y Mejor Actor de Reparto en las distintas premiaciones no son gratuitas. Es necesario que vayan y compren un boleto para ver el filme y así comprendan porque estos actores son los favoritos para ganarse un Oscar.

 

Entrevista | Daniela Elbahara

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Por Sandra Reyes

01—¿Cómo surgió Material Art Fair?

Material Art Fair surge de una necesidad de tener una plataforma para arte joven y fresco. Un lugar en donde tanto el espacio para exponer como las obras tengan precios accesibles, sin perder la calidad de evento o del trabajo.

02—Además de la promoción del coleccionismo y la exhibición, ¿hubo alguna programación de presentaciones, mesas de debate y etcétera?

Hubo un programa especial de recorridos y visitas a museos como El Chopo, Jumex, Tamayo y los diferentes espacios de proyectos por parte de una alianza con una agencia turismo dedicado al arte que se llama Atravesarte, y por otro lado hubo tres mesas redondas que abordaron el tema de la actual situación del DF definiéndose como una capital del arte y comparándose con Berlín a través de los artistas, curadores e instituciones.

03—¿Crees que existe un vacío, en términos de mercado y exhibición, para el llamado arte emergente?

No existe un vacío. Simplemente aún hay mucho que mostrar. Hay que ampliar la oferta de plataformas para que se genere un mercado saludable.

04—El concepto de arte emergente sigue siendo muy discutido. Hay una gama inmensa de opiniones y textos en torno a esta noción, ¿cómo entiende y asimila el arte emergente Material Art Fair?

El arte emergente siempre va ser tema de discusión porque siempre habrá artistas jóvenes. Todos empezamos desde abajo o desde el principio. Material entiende al arte emergente como una fuerza mucho más grande en estos tiempos gracias a la gran cantidad de jóvenes que viven en México y en los países que son partícipes del arte. Por otro lado, el internet ha sido un gran detonante y un súper apoyo para promocionar las prácticas emergentes. Fue así como conocimos muchos espacios de proyectos y galerías que muestran obra joven.

05—La pregunta inevitable: ¿Por qué gestionar esta nueva propuesta a la par de Zona MACO? Cuando, de hecho se ha levantado cierta polémica precisamente entre las fechas de Zona MACO y ARCO Madrid.

¿Por qué no?

Las grandes capitales del mundo siempre cuentan con una feria grande y una o varias ferias paralelas. El caso más sonado es el de Art Basel Miami Beach en donde no sólo hay una feria satelital, ¡sino más de 20! La sinergias y los apoyos que ha recibido Zona MACO a lo largo de su trayectoria, han hecho que México tenga una semana del arte contemporáneo, misma que hay que aprovechar al máximo pues viene mucha gente del extranjero ávida a descubrir y a apoyar los diferentes movimientos mostrados. A la gente no le importa si hay una o dos o tres. Para el público, y los visitantes es mucho mejor que exista una oferta variada. El gusto se rompe en géneros, ¿no? Aparte un buen coleccionista inicia una buena colección a partir de adquirir obra de un artista cuando está en sus inicios: esa es la verdadera apuesta. De otra forma, lo que hacen es comprar marcas. Artistas consolidados que representa más una inversión segura que un apoyo honesto.

06—Como directora de Material Art Fair, ¿recomiendas algo en particular? —quizá alguna galería, un artista o un trabajo inédito—.

Durante Material, hubo excelentes propuestas que resaltaron desde el principio como el salón de grabación de los chicos de Otras Obras, la pared hecha in-situ de Hugo Montoya en el stand de Regina Rex, las conferencias y los recorridos.

 

 

Las 7 hermanas

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Por Laura Aguilar / @laluflow

 

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Localizados en  Moscú, los Siete Rascacielos Soviéticos fueron planeados para conmemorar el octavo centenario de la ciudad, celebrado en 1947. La idea original incluía ocho edificios. El Palacio de Sóviets fue el octavo recinto proyectado, pero éste nunca se realizó, debido a la Segunda Guerra Mundial. La muerte de Stalin obligó a pausar el levantamiento de los demás edificios, por lo que el proyecto fue concluido hasta 1953. Su estilo neoclasicista y diseño escalonado fue criticado por muchos, incluso por los mismos moscovitas, pues hacía referencia a la arquitectura utilizada en los rascacielos de Nueva York y Chicago. Sin embargo actualmente, las siete hermanas son un ícono emblemático de la ciudad. Las torres incluidas en el proyecto son las siguientes:

1—Universidad Estatal de Moscú

La altura de este edificio es de 240 metros incluyendo la antena, sin ella tiene una altura de 187 metros.

2—Edificio de Viviendas en Kotelnicheski

Cuenta con un altura de 176 metros y con 22 niveles. Fue pensado para albergar viviendas de lujo, sin embargo tiempo después se convirtió en un edificio de multifamiliares.

3—Hotel Ukraina

Mide 170 metros, cuando se inauguró fue considerado el hotel más alto del mundo.

4—Ministerio de asuntos exteriores en Smolenskaya

Tiene una altura de 172 metros, cuenta con una decoración interior impresionante llena de piedra y metales.

5—Edificio de viviendas en la plaza Kudrinskaya

156 metros mide de alto, fue construido especialmente para alojar a dirigentes soviéticos.

6—Edificio de viviendas en Krasnye Vorota o Edificio de la puerta de la Plaza Roja

Cuenta con una altura de 133 metros .

7—Hotel Leningrado

Con 136 metros de altura, este edificio cuenta con una distintiva estrella en la punta, actualmente es  el hotel Hilton Moscow Leningradskaya.

 

Angelin Preljocaj: Le parc, el amor del siglo XVII

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Por Rosa Castillo

 

 

Inspirada en referencias literarias del siglo XVII que exploran las distintas facetas del amor y de los amoríos, de las pasiones y de las princesas de la época[1], el coreógrafo de origen francés logra involucrarnos en una historia de seducción, de erotismo y de amor que, si bien inspirado en el amor cortés, termina siendo un amor atemporal, contemporáneo, donde el abandono de uno se vuelve al mismo tiempo, el conocimiento propio a través del otro.

La exploración se vuelca a nosotros y juega con nuestra sensibilidad; la coreografía, el vestuario y la música de Mozart, demuestran en todo sentido la gran virtud coreográfica y el gran reto interpretativo que siempre implica bailar a Preljocaj, que siempre se coloca en el intermedio de la danza contemporánea y la danza clásica ya que para él —al contrario de muchos— no están peleadas.

Le parc, se estrenó por primera vez en la Ópera de París en abril de 1994 para los bailarines Isabelle Guérin y Laurent Hilaire. Desde entonces se ha representado, así como un gran número de sus coreografías, dentro de grandes ballets y festivales alrededor del mundo como la Ópera de la Bastilla, el Festival RomaEuropa, Festival Francés de Singapur, en el MET en Nueva York, en el Festival de Aix-en-Provence y en la Ópera de Versalles, entre otros.

El video que les mostramos dentro de esta nota fue filmado en la Ópera de Paris en 1999 y fue ganadora del “Grand Prix International de Vidéo-Danse” (el Gran Premio Internacional de Videodanza) en Niza en diciembre de ese mismo año.


[1] La Carte du Tendre, que podríamos traducirlo como el Mapa de Tendre, se trata de una representación topográfica alegórica de las diferentes etapas de la vida amorosa de las princesas de la época.  Se le atribuye a François Chauveau como ilustración de la primera parte de “Clélie, Histoire romaine” de Madeleine de Scudéry, escrita igualmente en el s. XVII.

Play Me, I’m Yours

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Por Monserrat Garduño Hernández / @junerainbows

 

 

Como cada fin de semana, Luke Jerram se encontraba en la lavandería local. Se halló con las mismas personas con quienes, a pesar de la cotidianidad que resultaba la presencia de cada uno de ellos en ese lugar, nadie llegó jamás a dirigirse la palabra. Este motivo le dio pauta para hacer una analogía entre dicha situación con la ciudad y las cientos de comunidades que habitan dentro de ella. Las cuales, aunque conviven en un mismo espacio y tiempo, llegan a pasar desapercibidas unas de otras.

Pensando en una solución a este problema, se le ocurrió la idea de colocar pianos en los espacios públicos para cambiar la forma en que los ciudadanos la forma de conciben los espacios urbanos.En 2008 instaló quince pianos en diferentes parques de Birmingham, Reino Unido, y consiguió que 140 mil personas tocaran o escucharan la música durante tres semanas.

El proyecto tuvo una gran aceptación y participación por parte del público y desde entonces ha recorrido diversas ciudades del mundo tales como Los Ángeles, Londres, París, Santiago de Chile y Sao Paulo. La obra tiene como finalidad proporcionar acceso a personas que regularmente no tienen oportunidad de poder hacer uso de este maravilloso instrumento musical; al mismo tiempo que ofrece a los músicos la oportunidad de compartir su creatividad con el público. Después de ser presentado como parte de la instalación muchos de los pianos son donados a las escuelas y los grupos comunitarios dentro del área local.

Play Me, I’m Yours llegará a México del 23 de marzo al 13 de abril, bajo el nombre Toca Conmigo  con una veintena de pianos de pared, intervenidos por artistas visuales entre los que figuran: Gilberto Medina, Víctor Pérez, Manu Méndez, Hazael González, Gildo Medina, Horacio Quiroz, Vanesa Rivero y Ximena Orozco. Con el objetivo de impulsar la educación artística, sensibilizar al público a través de la música, promover las artes en espacios públicos y apoyar el trabajo de artistas mexicanos, las plazas públicas de la Ciudad de México ofrecerán a los ciudadanos el acceso a varios pianos.

Las sedes de Toca conmigo serán la Alameda Central, la explanada del Palacio de Bellas Artes, el Museo de Antropología, la Casa del Lago, Casa de Francia, las cuatro sedes de las Fábricas de Artes y Oficios (FAROS), entre otros.

 

 

Toy: Frescura psicodélica

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Por Laura Aguilar / @laluflow

 

http://www.youtube.com/watch?v=dcQ2nXDvWDY

 

Desde hace algunos años he escuchado decir a muchas personas entre ellos amigos, periodistas, locutores y hasta los mismos músicos, que las nuevas bandas de rock se encuentran estancadas, que su propuesta es pobre o bien que tocan otros géneros disfrazados de rock. No se trata de generalizar, pero concuerdo con esa apreciación, pues la falta de pasión e intención por hacer rock es muy notoria en algunas agrupaciones.

Sin embargo, no todo es nebuloso en el panorama, afortunadamente existen otras bandas que entienden a la perfección qué representa dedicarse a hacer música dentro de este género, que llegaron a inyectarle un toque de frescura a lo que habitualmente se escucha. Ese es el caso de Toy, banda inglesa de rock psicodélico fundada en 2010 por Tom Dougall, Maxim Barron, Dominic O’Dair, Alejandra Diez y Charlie Salvidge.

Iniciaron su carrera como muchas otras bandas, realizando sus primeros conciertos en clubes locales, participando en festivales pequeños y prácticamente en donde les dieran la oportunidad de mostrar su propuesta. Contaron con el apoyo de la banda The Horrors, quienes tras escuchar la propuesta musical de Toy no dudaron en cobijarlos y guiarlos.

El primer sencillo que publicaron fue Left Myself Behind lanzado en 2011 a cargo de Heavenly Recordings, en enero de 2012 fueron integrados a la lista de Las 100 bandas que debes escuchar. En septiembre del mismo año salió a la luz su primer disco homónimo, fue considerado dentro de los 50 mejores discos de ese año.

Me parece que ese primer álbum es sensacional, pues además de haber grabado la mayoría de los instrumentos en vivo, de inmediato remonta al sonido de Pink Floyd en sus inicios, pero agregando ese toque fresco y juvenil, la combinación del rock psicodélico con algunos elementos del punk logra un material increíble que consigue transportarnos a realidades alternas.

En 2013 lanzaron su segunda producción: Join The Dots, de la mano con Dan Carey, quien fuera también el productor de su primer álbum. Sin miedo a equivocarme, creo que es una de las mejores bandas que ha debutado en los últimos 5 años, vale la pena que escuchen la música que hacen, estoy casi segura que al igual que a mí, les encantará el proyecto.

 

Perfil | Jota Izquierdo

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Por GASTV

 

01—¿Qué es lo primero que haces cuando despiertas?

Últimamente pensar que es demasiado pronto, la luz que entra en mi estudio siempre me despierta antes de tiempo. Pero habitualmente checar el mail. Duermo con mi laptop al lado.

02—¿Qué libro ha marcado tu vida personal y qué libro ha marcado tu trayectoria profesional? Cuéntanos por qué.

No distingo mucho entre mi vida personal y profesional. Mi vida personal gira en torno a la profesional. Todo lo que uno lee, ve u oye sirve para la sopa del arte. En la facultad me volví loco con La imagen movimiento y La imagen tiempo de Deleuze. Buscaba constantemente romper la narración, el sentido lineal en mis trabajos y los ejemplos que se daban en esos dos libros fueron fundamentales. Beckett era lo mismo pero narrativamente. Romper el guión, lo ya dicho.

03—En la actualidad a tu juicio, ¿qué significa ser artista?

En mi actualidad significa sobrevivir, en realidad siempre ha significado sobrevivir. Meterte en problemas, a ti y a la gente que te rodea por hacer, de nuevo, lo único que sabes hacer bien y que te reconforta como nada y nadie.

04—¿Cuál es la palabra que repites más durante el día?

Mentalmente: jooooder

05—Viernes en la noche, generalmente, ¿solo o acompañado?

Suelo estar acompañado, pero de muy poca gente. No como antes, que era todo mucho más masivo.

06—Hablando de procesos creativos, ¿matutino o noctámbulo?

Siempre fui noctámbulo hasta que la edad me hizo aprovechar más las mañanas. De todas formas uno piensa en todo momento.

07—¿Escuchas música cuando trabajas?, ¿Qué escuchas?

Siempre escucho música, la música casi que me proporciona más alegrías que el arte. He pasado por varias etapas, desde el noise a la electrónica pero sobretodo lo que tenga que ver con el «eco»: dub, dubstep, Burial, Pole, Rhythm & Sound. Desde que llegué a México soy cumbianchero radical. ¡Vivan Cuba, Colombia, México y Puerto Rico! Lo mío, lo mío es el guaguancó y desde hace un año escucho ininterrumpidamente las radios o programas online Gladyspalmera, y Panamérika.

08—Generalmente, ¿qué haces antes de dormir?

Ver algún capítulo de alguna serie que esté siguiendo. Soy un adicto a las series, vengo de la generación de la televisión. He visto “The Wire”, completa, por lo menos seis veces. Forman parte de mi educación sentimental y de la no sentimental. Me cuesta mucho dormirme en silencio.

09—¿Qué piensas de las más recientes generaciones del arte?

Carne joven para la máquina. Nuevos rebeldes con los que disimular la mala conciencia del sistema. Y el eterno retorno de lo nuevo, o lo siempre, de nuevo.

10—¿Qué opinión te merece la fama en la escena del arte contemporáneo?

La forma más rápida de seleccionar artistas para algo: exposición, bienal, entrevista, etc.

Da miedo ver como los criterios más serios se dejan llevar por la próxima gran esperanza.

+ Jota Izquierdo 

ASOCIACIONES Lo primero que viene vertiginosamente a su mente a través de estas palabras:

—Tu frase o cita: «Pay attention motherfucker» Bruce Nauman

—Tu artista predilecto: Marcel Duchamp, Samuel Beckett

—Tu canción: Demasiadas, muchas. Calle luna calle Sol, últimamente. Aquella que repito más de 10 veces el reproductor.

—Amor: Problemas

—Fidelidad: Problemas

—Perdón: Casi nunca perdono pero cuando lo he hecho me ha reconfortado mucho.

—Muerte: La de los otros

—Libertad: Al pensar

—Alcohol: Todo

—Tu ciudad favorita: México

—Tu sabor de helado: Mango con coco de la Roxy

—Lealtad: Amigos

—Tu revista favorita: Me encantaba la extinta WOW, mexicana.

—Fiesta: Las fiestas son melancolía, las mejores ya pasaron, en la playa sobretodo.

—Tu actividad favorita: Pensar una exposición

—Tu película: La serie “The Wire”

—Dios: Ese que se ríe de mis planes

—Misantropía: Odio a todo el mundo por igual

—Introspección: El único lugar propio

—Verdad: Inútil

—Hogar: México

—Fobia: Al mercado del arte

—Pérdida: Una extraña cosa a la que acostumbrarse

—Filias: Tocar

—Cama: La que tengo ahora, una king size, se puede vivir allí!!

—Silencio: Cuando sueñas

—Mentira: Dolor

—Dinero: ¿Dónde?

—Tecnología: Dedos

—Redes sociales, ¿alejan o acercan?: Ambas, hace poco me di cuenta de que era más fácil borrar a alguien de tu cabeza que de facebook, gmail, google, skype, etc.

—Soledad: Siempre dispuesta.

—Viaje: Esperando el próximo.

—Arte: Toda una vida.

11—AUTORRETRATO

Estás frente al espejo, ¿qué ves?

Un señor

 

Arquitectura reimaginada

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Por Andrés Reyes / @MrIntra

 

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Sensing Spaces: Architecture Reimagined, exposición arquitectónica auspiciada por la  Real Academia de las Artes de Londres abrió sus puertas hace un mes. Esta exposición está montada en el salón central de la Burlington House en Londres, y desde este momento, a menos de treinta días de su inauguración, se perfila a ser una de las exposiciones más visitadas del año. Esto se debe a que Sensing Spaces: Architecture Reimagined es una exhibición que busca replantear la manera en que concebimos la arquitectura; es decir, reflexiona sobre la forma en que percibimos y asimilamos las obras arquitectónicas como espacios que dialogan con nosotros como transeúntes.

La muestra está conformada por instalaciones de gran formato, a través de los cuales se busca generar nuevos paradigmas perceptivos con respecto a la cotidianeidad de la arquitectura en la sociedad contemporánea. Ya sea a través del uso de la iluminación, el color y las texturas, las piezas están concebidas para romper toda preconcepción del espectador con respecto al tema.

Las siete propuestas arquitectónicas que conforman Sensing Spaces: Architecture Reimagined fueron diseñadas por Grafton Architects de Irlanda, Diébédo Francis Kéré de Alemania, Kengo Kuma de Japón, Li Xiaodong de China, Pezo von Ellrichshausen de Chile, Álvaro Siza y Eduardo Souto de Moura, ambos de Portugal. Quienes del veinticinco de enero al seis de abril —día en que se clausura Sensing Spaces: Architecture Reimagined— transgredirán los limites conceptuales en torno al espacio, a partir de su practicidad y funcionalidad, para tocar el espíritu humano según Kate Goodwin,  curadora de la muestra. 

 

En defensa del cine de género

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Por Fernando Mino

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Cánones, tendencias, modas, gustos… ¿Cuál es la diferencia entre una buena y una mala película? La respuesta está en los abismos que separan los criterios de cada espectador. No hay respuestas, hay públicos e intereses. ¿A qué vas al cine? ¿a cuestionarte?, ¿a explorar una emoción estética?, ¿a entretenerte?, ¿a perder el tiempo mientras los congestionamientos cotidianos amainan? Cada respuesta erige bloques de opinión poderosos y atendibles por un mercado atento.

El cine mexicano —el realizado por los sobrevivientes, y algunos tránsfugas, de una industria completamente destruida hace más de tres décadas—, ha demostrado olfato comercial en los últimos años. El cine de género ha regresado, en forma discreta casi siempre, a la cartelera comercial, ese escenario idealizado como valedor único del éxito o el fracaso de una película.

Comedias, muchas comedias, cada una más complaciente que el modelo anterior: tramas insólitas e inocuas replicadas en lo básico, de Ladies Night (Gabriela Tagliavini, 2003) a Cásese quien pueda (Marco Polo Constandse, 2013); animaciones: pepena constante de historias probadas que van de Don Gato y su pandilla (Alberto Mar, 2011) a El Santos contra la Tetona Mendoza (Alejandro Lozano y Andrés Couturier, 2012); cine fantástico, del detestable remake Hasta el viento tiene miedo (Gustavo Moheno, 2007) hasta la convincente Km 31 (Rigoberto Castañeda, 2007), pasando por la pequeña joya intimista Halley (Sebastian Hoffman, 2012). Por supuesto, el melodrama gravita, con todo el peso de la nostalgia de los tiempos gloriosos, en azotadas dosis: Fuera del cielo (Javier Fox, 2006), La misma luna (Patricia Riggen, 2007), Amar a morir (Fernando Lebrija, 2009), Flor de fango (Guillermo González Montes, 2011), Chiapas, el corazón del café (Alejandro González Padilla, 2012), y un prolongadísimo etcétera de filmes que van, como los señalados, de lo cándido a lo aberrante. No faltan thrillersDías de gracia (Everardo Gout, 2011), Colosio, el asesinato (Carlos Bolado, 2012)—, biopicsEl fantástico mundo de Juan Orol (Sebastian del Amo, 2012)— e, incluso, comedias rancheras —Oveja negra (Humberto Hinojosa, 2009)— o musicales, como la torpe ¿Qué le dijiste a Dios? (Teresa Suárez, 2013).

Anzuelos para pescar audiencias dispersas e instrumentos para soñar con éxitos masivos, las películas mexicanas de género dan cuenta de la pericia creciente del cine mexicano para “narrar con claridad”, escurridizo principio básico: la habilidad para contar una historia y hacer al espectador cómplice de lo narrado, sin importar lo inverosímil, lo gastado o lo burdo de la representación. Simiente de un cine con futuro una vez que se trascienda la fantasía de “recuperar” las pantallas de las garras de Hollywood.

 

Proyecto de la semana: The Desk de Minna Magnusson

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Por Victor Méndez / @vichoamino

 

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¿Qué es un escritorio? No sé si les pase, para mi es extraño pensar en este objeto, que si bien tiene una función clara, el ser un espacio de trabajo, cada vez parece más lejano su concepto  cuando cualquier superficie puede servir para hacer las actividades propias de un escritorio.

Ahora caigo, creo que lo raro en esto es el ejercicio preponderante detrás del objeto: el escribir a la usanza tradicional, con papel y tinta. Es por ello la extrañeza que se percibe al ver un objeto que cumple las características de un escritorio, pero que su nombre ya no responde a las posibilidades que tiene y más bien, lo acota a una actividad que hoy en día no es tan común.

Propongo entonces olvidarnos del nombre, descontextualizarlo de esta esencia y verlo como un objeto de almacenamiento, que principalmente guarda papeles y aparatos electrónicos, en específico una computadora.

En este sentido invito al análisis del proyecto de la diseñadora Minna Magnusson, The Desk, una exploración a partir del escritorio convencional, un lugar en el que suceden cosas y donde la relación, usuario-objeto se ve más estrecha. Este proyecto fue presentado en la pasada feria del mueble en Estocolmo, del 4 al 8 de febrero.

La mesa o superficie, donde se esperaría hacer las distintas actividades, se convierte en el asiento para el usuario. El espacio de almacenaje convencional se conserva, sin embargo, responde a los ángulos que surgen del asiento. Habrá de suponer que se hicieron los estudios pertinentes para tener una propuesta lo más ergonómica posible, sin embargo, esto no es notorio. El espacio libre en el escritorio tradicional para la silla aquí no tiene una razón, y más bien se pudo diseñar algún otro espacio para guardar cosas. Su composición recuerda a una camilla reclinable o una silla de dentista, y por ello la asociación con algo poco cómodo.

Me parece interesante, sin embargo, el repensar el escritorio y lo que surgió de él. El proceso y no el resultado es lo que rescato en este proyecto.

¿Ustedes qué opinan? Únanse al diálogo semanal en el chat de facebook que hay aquí abajo y dejen su opinión. Todos tenemos algo que decir.