Archivo para el enero, 2014

Pinta del mural de Piktorama en el Mujam

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Por Karina Eridhe Macias

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Pueden ser cupcakes con risotadas, honguitos coquetos o vegetales chimuelos. A cualquier objeto, la ilustradora venezolana Amaranta Martínez le encuentra el lugar idóneo para dibujarle una sonrisa. Desde que Amaranta era la directora de arte de Nickelodeon Latinoamérica, se dedicó a construir un proyecto personal, al que llamó Piktorama. Desde ese tiempo estudió ilustración, animación, cine e incluso televisión, para construir un estilo gráfico que plasma en colaboraciones de libros y revistas, tal como la portada de la edición de julio de 2013 de Time Out México.

Ahora sus ilustraciones, siempre enclavadas en un ambiente de nostalgia y diversión infantil, invadirán el Foro del Museo del Juguete Antiguo México (Mujam). Piktorama intervendrá la fachada exterior del foro en un espacio de 8 x 5 metros de longitud. Será una pinta en vivo que se podrá seguir en tiempo real. Utilizará pintura de pared para exteriores para lograr una imagen de colores vivos y alegres, nada alejado a su estilo.

“No tengo un tema específico para el mural, se trata más bien del mensaje que quiero transmitir. Son globos de aire que flotan en las nubes dando la sensación de ir hacia arriba. Cada globo tiene un personaje feliz adentro saludando al espectador. Hice esta ilustración con un mensaje positivo, pues todo el mundo que sueña piensa en el cielo y las nubes. Quiero que cuando alguien vea el mural lo haga pensar en cumplir sus ilusiones”.

La pinta del mural comienza el domingo 2 de febrero, cuando se proyectará la imagen sobre la pared. Al día siguiente, lunes 3 de febrero, iniciará el proceso de coloreado. La meta es terminarlo el viernes 7.

“Creo que mi trabajo va perfecto con el Mujam porque contrasta con las pintas que ya hay. Siento que contribuyo con un nuevo estilo. Es muy lindo ver el talento de diferentes corrientes que hay en ese lugar. Lo veo como un reto, porque tuve que simplificar un poco mis ilustraciones, pero al mismo tiempo, es una gran oportunidad el poder colaborar en un espacio con artistas que admiro”, comenta Amaranta.

Piktorama ya había tenido experiencia haciendo murales urbanos. Recientemente construyó uno para Bunnie Cakes Bakery, en Wynwood NE 2nd Ave, en Miami, ciudad en la que vive.

“Al aire libre todo es más real. Interactúas con el ambiente, te ensucias y te cansas. Utilizas todo el cuerpo, no sólo la mente, a diferencia de una ilustración en papel o en la computadora. Lo mejor es cuando lo ves terminado, es una sensación de orgullo y placer con agotamiento”, describe Piktorama.

La idea de esta intervención surgió una mañana cuando se reunió con el director del Mujam, Roberto Shimizu, quien le contó la historia de este recinto. Piktorama describe ese encuentro como un paseo inspirador, pues pudo ver una colección de juguetes reunida en más de 50 años.

“Traté de transmitir todo lo que yo sentí al conocer a Roberto y a su padre (dueño de la colección). Por eso hice una imagen alegre, colorida y soñadora que al verla te provoque curiosidad de saber qué hay dentro”, comenta la ilustradora.

Amaranta actualmente colabora con animaciones para Nickelodeon y Discovery Channel. Sin embargo, se da el tiempo necesario para ilustrar publicaciones. La más reciente que realizó fue para la portada de Time Out Kids, en su edición de febrero de 2014.

Ella aprovechará su visita a México para impartir la conferencia “Mi vida ilustrada”, el sábado 8 de febrero, a las 7pm, en Space 64 Converse (Havre 64, Juárez). Allí hablará sobre su trayectoria y cómo logró hacer de este hobby, su estilo de vida. Si quieres asistir, sólo tienes que estar al pendiente de nuestras redes sociales.

“Para mucha gente es muy difícil creer que te puedes ganar la vida ‘haciendo dibujitos’ (como me han dicho). Espero servir de inspiración a muchos chicos que estudian diseño o ilustración”, dice Amaranta.

Aunque ella vive actualmente en Miami, se declara tan fanática de México que regresará con más proyectos (por el momento, secretos) para este año (2014).

“Me encanta este país, su comida y su gente. Soy feliz de tener dos sobrinos mexicanos, así que con seguridad regreso. ¿Los podré saludar por aquí? ¡Hola Nina, hola León!”

Sigue la pinta en vivo de esta ilustradora en el Mujam.

Cortesía: Time Out México

The New York Review Of Books

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Por José Olivera / @jose_olivera

El prestigioso Festival Internacional de Cine de Berlín —o Berlinale anunció que el documental, todavía sin título, de los cineastas Martin Scorsese y David Tadeschi será exhibido como un filme en proceso en la sección Berlinale Special.

El largometraje tratará sobre The New York Review of Books, que durante 50 años, se ha posicionado como una de las revistas de cultura, política y actualidad más interesantes, buscadas y leídas. El director del festival, Dieter Kosslick, reveló información sobre el documental, mismo que cuenta con entrevistas a James Baldwin, Susan Sontag, Noam Chomsky y Norman Mailer. Además mostrará el trabajo de edición de la revista y todo el proceso que es llevado para su publicación; será un recorrido desde su nacimiento durante la huelga de 1963 del diario The New York Times hasta la actual era digital.

No es la primera vez que Scorsese participa en la Berlinale, previamente lo había hecho con  La Isla Siniestra (2010) y con el documental Rolling Stones: Shine a Light (2008). Actualmente se encuentra nominado al premio de la Academia —el afamado Oscar— por El lobo de Wall Street por mejor director y mejor película. El Festival Internacional de Cine de Berlín se llevará a cabo del 6 al 16 de febrero en la capital alemana.

 

Triciclo Circus Band

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Esta banda comenzó en la informalidad, tanto de integrantes –en algún momento fueron 20 músicos– como de escenarios. Para darle seriedad a un proyecto que tiene la vía pública como primer objetivo, decidieron armar sketches, ponerse narices rojas y disfrazarse de vagabundos. Aunque no hay que dejarse engañar, los integrantes estudiaron música y sus composiciones dan muestra de ello. Triciclo Circus Band busca rescatar música folclórica de todo el mundo, por lo que sus ritmos van de la polka al pasodoble.

Acostumbrados a tocar entre gente –durante alguna temporada era posible encontrarlos en Motolinia y Madero–, en sus presentaciones en vivo hacen que el público participe en el espectáculo. Deja la vergüenza en casa, es muy probable que te inviten a subir al escenario.

Lunario/ Sábado / Feb 8, 2014 / 9:00pm / $300 / $250 preventa.

Cortesía: Time Out México

06 | David Bowie

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Por Pablo Cordero / @sugarskull12

Al hablar sobre su participación en la reciente campaña publicitaria de Louis Vuitton escribimos que David Bowie está “entre las figuras que más hizo por establecer al videoclip como una de las formas de arte de mayor desarrollo en la última parte del siglo XX”. A continuación, seis videoclips indispensables del visionario artista.

01—STARMAN (BBC Studios, 1972)

Sólo podemos imaginar el impacto que generó entre los televidentes británicos esta aparición en el programa Top of the Pops, con Bowie interpretando de manera convincente el papel de la estrella de rock extraterrestre Ziggy Stardust.

 

 

02—HEROES (Dir. Stanley Dorfman, 1977)

El minimalismo de este video demuestra que el porte de Bowie y la inquietante heterocromia de su mirada bastan y sobran para llevar el peso de un videoclip.

 

 

03—ASHES TO ASHES (Dir. David Bowie y David Mallet, 1980)

Mientras el texto de este extraordinario tema derrumba a la figura de Major Tom, el astronauta a la deriva del primer éxito de Bowie, “Space Oddity”, revelándolo como un pobre drogadicto, el video exhibe la icónica imagen de Bowie vestido de payaso recorriendo un paisaje post-apocalíptico. Para muchos, el primer videoclip de la era moderna.

 

 

04—CHINA GIRL (Dir. David Bowie y David Mallet, 1983)

En su momento de mayor éxito comercial, Bowie revistió con una lujosa producción pop este controvertido tema que escribiera para Iggy Pop unos años antes. Las imágenes revelan el conflicto interno del narrador, un supremacista blanco que se enamora de una mujer asiática.

 

 

05—THE HEART’S FILTHY LESSON (Dir. Sam Bayer, 1995)

Outside (1995) es uno de los discos más agresivos del cantante, y su duro sonido industrial encuentra el acompañamiento perfecto en las pesadillescas imágenes conjuradas por el director Sam Bayer.

 

 

06—THE STARS (ARE OUT TONIGHT) (Dir. Floria Sigismondi, 2013)

En el hermoso videoclip “Thursday’s Child” (dir. Walter Stern, 1999), un Bowie maduro se enfrenta en el espejo a una versión más joven de sí mismo. Esa melancólica imagen es llevada al extremo en este delirante videoclip, donde la vida de un viejo y aburguesado Bowie y su esposa (Tilda Swinton) es puesta de cabeza al mudarse a la casa del frente una joven y disoluta pareja, en la que aparece una versión joven de Bowie, interpretado con andrógina perfección por la modelo noruega Iselin Steiro.

 

ArcDanz 2014: Taller Internacional de Danza

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Por GASTV

ArcDanz Taller Internacional de Danza impulsa la danza profesional y académica en México y los Estados Unidos a través del intercambio artístico. Con el fin de enriquecer a ambas comunidades y fomentar un mayor entendimiento sociocultural, ArcDanz regresa este año con una propuesta fresca y renovada. GASTV a través de acciones efectivas de participación conjunta con ArcDanz, crea esta iniciativa de promoción, difusión y fomento a la educación y formación dancística en México.

Del 27 de julio al 9 de agosto en la Universidad de las Américas Puebla (San Andrés, Cholula, Puebla) se llevará a cabo el taller con una gama de invitados nacionales e internacionales que estarán a cargo de dichos talleres. El taller de «Tecnica moderna y repertorio» será impartido por Charlotte Griffin (coreógrafa que ha participado en dos ocasiones en el prestigiado New York Choreographic Institute), Karen de Luna Fors (bailarina de Delfos Danza Contemporánea, finalista de Ópera Prima el Colectivo, por Canal 22, y co-directora de Proyecto al Margen de Guadalajara), Mauricio Nava (director de El Circo ContemporaNEO danza multidisciplinaria) y Take Ueyama (bailarín principal con Paul Taylor en NYC y ahora dirige su propia compañía, Take Dance.) El taller de «Ballet» contará con la presencia de Katya Robledo (maestra de ballet clásico en CEPRODAC, Academia de la Danza y de ArcDanz). El taller de «Educación Somática de Movimiento para Danza» lo conducirá Ray Eliot Schwartz (Coordinador de la Licenciatura en Danza en la UDLAP.)

El taller culmina con presentaciones en la Universidad de las Américas Puebla y en la ciudad de México, mostrando las obras realizadas durante las dos semanas del proceso creativo. El Museo Soumaya fue la sede de dichas presentaciones en 2013 que brindó una excelente oportunidad para los artistas y bailarines tanto como para el público asistente.

El taller está abierto a bailarines mexicanos y extranjeros.  En cursos previos han participado bailarines de Puebla, la ciudad de México, Toluca, Mazatlan, Guadalajara, Guanajuato, Estados Unidos, Colombia y Europa. Para poder participar es preciso contar con formación en danza clásica y contemporánea nivel intermedio y mayoría de edad.

Perfil | María José Alos

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Por GASTV

El último trabajo de María José Alós (México, 1980) actualmente se presenta en el Laboratorio Arte Alameda, con una muestra individual titulada Autorretrato apropiado —aquí, una feliz coincidencia respecto al nombre de esta sección—. Esta entrevista no tiene como objetivo reseñar, reflexionar o pensar su trabajo anterior o actual, sino que apuesta por acercarse de manera sutil a su intimidad.

01—¿Qué es lo primero que haces cuando despiertas?

Mirar hacia mi ventana para calcular qué hora es.

02—¿Qué libro ha marcado tu vida personal y qué libro ha marcado tu trayectoria profesional? Cuéntanos por qué.

La verdad no distingo entre lo personal y el trabajo pues finalmente cuando mi vida es afectada por algo, mi trabajo también lo manifiesta.

Así que puedo hablar entonces sobre los libros que me han emocionado, y haría una cronología personal: Cuentos del futuro de Ray Bradbury quien me enseñó y motivó a leer en mi adolescencia. Historia del ojo de Georges Bataille, quien me abrió las perspectivas de la sensualidad y el erotismo. Los textos teóricos de la Internacional Situacionista los cuales conmocionaron mi manera de percibir el arte, la política, y su relación con la vida. El libro de las ilusiones de Paul Auster y la Cámara lúcida de Roland Barthes que me acompañaron durante dos procesos de duelo importantes. Y recientemente me fascino con las novelas devorables de Amélie Nothomb.

 03—En la actualidad a tu juicio, ¿qué significa ser artista?

A lo largo de la historia distingo que los artistas son y han sido, seres sensibles, abiertos a los universos de lo invisible, de lo inaudible, de lo intocable. Y su misión ha consistido en inventar el mundo que no es perceptible para los demás. Su trabajo se basa en la observación y en la transmisión en forma de experiencia.

04—¿Cuál es la palabra que repites más durante el día?

Proyecto. Jajajajaja.

05—Viernes en la noche, generalmente, ¿sola o acompañada?

Según la ocasión, si hay algo interesante y que valga la desvelada, me encontraré en la calle, con amigos, en un bar. La otra versión posible y constante es que me acompañe de mi computadora, celular, una rica cena, una buena película o un libro. Dependiendo del azar puedo encontrarme con mi hija, con un amigo(a), mi roomie o sola.

06—Hablando de procesos creativos, ¿matutina o noctámbula?

Matutina. He trabajado mucho por generar una disciplina de trabajo diurna que me permita complementar mi vida creativa y laboral con la maternidad. Acostumbro dormirme entre las 9 y las 11 pm.

07—¿Escuchas música cuando trabajas?, ¿qué escuchas?

No necesito de la música, soy distinta en ese sentido, puedo pasar días en silencio, platicando con mi discurso interno o escuchando el sonido ambiente. Cuando pongo música es para emocionarme. Si necesito inspirarme para escribir me gusta escuchar algo quieto y ambiental como Sigur Ross o Amiina, que no me distraiga entre palabras y me procure atención.

 08—Generalmente, ¿qué haces antes de dormir?

Despejar los pendientes, cerrar el día y acostarme.

 09—¿Qué piensas de las más recientes generaciones del arte?

Que son estimulantes, variadas, energéticas, llenas de posibilidades y estrategias. Que tienen menos miedo y menos límites. Que les es más fácil ser permeables y aprender. Que tienen mucha capacidad para resolver problemas y construir posibilidades. Me parece que vamos aprendiendo a ser menos pretenciosos y alcanzar lo que queremos.

 10—¿Qué opinión te merece la fama en la escena del arte contemporáneo?

La fama puede ser consecuencia de trabajar e inyectarle energía a lo correcto. También puede ser producto de una construcción puramente mediática. La fama por la fama.

+ de María José Alos

ASOCIACIONES Lo primero que viene vertiginosamente a su mente a través de estas palabras:

—Tu frase o cita: «We do not remember, we rewrite memory as much as history is rewritten» (Chris Marker).

—Tu artista predilecto: Pipilotti Rist

—Tu canción: Hey de Pixies

—Amor: Léo

—Fidelidad: a mi misma

—Perdón: puente

—Muerte: transformación

—Libertad: felicidad

—Alcohol: cerveza artesanal

—Tu ciudad favorita: Lisboa, Nueva York, Gante, Berlín.

—Tu sabor de helado: coco, cereza, plátano.

—Lealtad: a tu imaginación

—Tu revista favorita: La Tempestad

—Fiesta: baile, amistad, alegría de vivir. Las hay individuales y las hay colectivas. Con alcohol y sin alcohol.

—Tu actividad favorita: crear e inventar. Ver películas, salir a la naturaleza, reír con mi hija, platicar.

—Tu película: las de Doris Dorrie. Para mí son perfectas, redondas, verdaderas.

—Dios: panteísmo

—Misantropía: guerra

—Instrospección: naturaleza

—Hogar: calor

—Fobias: bloquéo

—Pérdida: encuentro

—Filias: pedo

—Silencio: respiro

—Dinero: $

—Redes sociales, ¿alejan o acercan?: aproximan, derivan, posibilitan, varían.

—Soledad: conmigo siempre acompañada

—Viaje: vida, camino

11—Autorretrato.

Estás frente al espejo, ¿qué ves?

Nos veo a todos dentro de mí.

 

 

 

Muybridge Pt. 2 by The T-Shirt Issue

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Por Victor Méndez / @vichoamino

 

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Las prendas inteligentes y la impresión 3D son dos de las tendencias más fuertes para este 2014 y las veremos constantemente de aquí en adelante. Esto sólo es un referente para hablar del siguiente proyecto, en suma interesante y que quiebra las fronteras entre las prendas y el enfoque digital que pueden adquirir.

Muybridge Pt. 2 es una colección de camisetas, sudaderas y jerseys que buscan repensar la dinámica y la forma clásica en la que las usamos. Las barreras del dibujo plano y el 2D, que tradicionalmente vemos en la ropa, se rompen, dando paso a los relieves y a las figuras que generan volúmenes definidos. En esta segunda apuesta (previamente se realizó una investigación y un proceso experimental con telas, ya que para cambiar de posición y lograr una secuencia de tres pasos para que el pájaro despliegue sus alas se realizó un modelado para lograr que el movimiento se perciba real), el equipo de The T-Shirt Issue, retoman el tema que, a finales de 1800, el fotógrafo Eadward Muybridge, tomó como inspiración: la locomoción de las aves. En este caso son aves que salen de las camisetas y crean esculturas listas para usarse. Son tres diferentes modelos, en los cuales se lee el movimiento de la extensión de las alas del animal cuando éste va en vuelo.

Como ejercicio creativo, de utilizar nuevas herramientas y aplicarlas a materiales poco explorados en ese campo, lo hace bastante bien. Sin duda, se aprecia la fuerza estética que presenta, gracias a la geometrización de sus patrones y al color negro y sus sombras, sin embargo, haría falta probar la prenda y determinar la comodidad y su uso, porque de primera impresión no se perciben dichas características. Muybridge Pt. 2 formará parte de la exposición Out of Hand: Materializing the Postdigital en el Museum of Arts and Design en Nueva York, a partir del 1 de junio.

 

David Bowie: El día después de mañana

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Por Pablo Cordero / @sugarskull12

La aparición en marzo del año pasado de The Next Day, vigésimo cuarto disco de David Bowie, tras una década de silencio discográfico por parte del mercurial artista británico, fue más que sólo una buena nueva en el panorama musical actual. La reaparición inesperada de uno de los creadores más importantes de la música de los últimos 50 años, aún propositivo y en plenitud de facultades, puede interpretarse como un paliativo a la entropía que envuelve a la música popular en la actualidad, y la aclamación crítica y comercial con que fue recibido resulta más que merecida. A menos de un año de la publicación del disco, aparece la versión de lujo, que en dos CDs y un DVD conjunta el material sonoro y visual publicado en torno al disco original.

Junto con los catorce temas de The Next Day, la lujosa caja incluye un DVD con los primeros cuatro videoclips extraídos del disco (todos ellos magníficos, como escribimos con anterioridad [https://gastv.mx/2013/11/20/linvitation-au-voyage-el-baile-del-rey/]), y un disco con diez temas extra, el cual es el principal punto de interés para esta reseña.

La aparición de diez temas nuevos de Bowie es noticia para cualquier aficionado al rock, aunque cabe mencionar que dos de ellos son remixes de cortes de The Next Day, mientras que tres más ya aparecían como bonus tracks en la edición mexicana del disco. Los temas inéditos, no obstante, mantienen el estándar de calidad del disco y reiteran la confianza en el buen momento creativo que vive Bowie.

 

Video oficial de “The Next Day”, con la actuación de Gary Oldman y Marion Cotillard

“Atomica” es un vibrante tema de pop-rock con un pegajoso riff, que pese a la convencionalidad de su estructura y letra, resulta un adecuado inicio para el disco. “The Informer” es una magnífica balada que deriva su potencia del toque de angustia en la garganta de Bowie que tan bien le ha funcionado en el pasado. “Like a Rocket Man” remite a una versión actualizada del pop británico de las primeras grabaciones de Bowie. “God Bless the Girl” es folk-rock melancólico y futurista, y “Born in a UFO” es un hilarante homenaje-parodia a la obra de Bruce Springsteen.

En cuanto a los temas que ya habían aparecido como bonus tracks en la anterior edición del disco, “So She” y “I’ll Take you There” son concisos, potentes y melódicos, mientras que el breve y desorientador instrumental “Plan” remite a los trabajos más experimentales de Bowie. De los dos remixes, “I’d Rather be High [Venetian Mix]” no aporta nada al resplandeciente pop del corte original (mi favorito del disco) más que recubrir las centelleantes guitarras de Gerry Leonard con un clavicordio, cambio que, si acaso, le quita energía a la canción. “Love is Lost [Hello Steve Reich Mix]”, por su parte, es una radical y brillante reinvención del tema original, realizada de James Murphy (de LCD Soundsystem, banda muy echada de menos), que a lo largo de diez minutos de patrones electrónicos repetitivos (inspirados, como el título indica, por el compositor minimalista Steve Reich) hace mano de la melodía de uno de los temas clásicos de Bowie, “Ashes to Ashes”, para obtener una mezcla realmente inspirada a medio camino entre lo nuevo y lo viejo.

 

Video oficial del remix de “Love is Lost”

¿Resulta imprescindible la versión de lujo de The Next Day? El paquete no resulta barato, y la cantidad de material inédito puede no ser suficiente para justificar la compra excepto para los aficionados de hueso colorado a la obra de Bowie. Sin embargo, la caja es estéticamente hermosa, y la calidad del contenido es incuestionable. Quien se permita el lujo de adquirirla, difícilmente se arrepentirá.

Ramiro Chaves en el MACG

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Por Sandra Sánchez / @phiopsia 

Pasado mañana 31 de enero el Museo de Arte Carrillo Gil inaugura la exposición La voluntad de la piedra bajo el programa Bancomer-MACG Arte Actual,  que consiste en una beca formativa otorgada a diez artistas jóvenes para activar una zona de diálogo e intercambio que culmina en la muestra de su trabajo y en la publicación de un catálogo. Entre los beneficiarios de la tercera edición se presenta el trabajo de Ramiro Chaves (Argentina, 1979), quien en esta ocasión traspasa las fronteras de la fotografía para reflexionar desde la “x” sobre encuentros que van desde la construcción de México moderno hasta la fascinación por la propia forma.

La inquietud gráfica sobre la luz, la arquitectura, el paisaje, la identidad, el tiempo y la poesía, ha sido una constante en el trabajo fotográfico de Chaves. Tal es el caso de Raidolito donde el objeto se desnaturaliza de su función práctica e invita a la fascinación estética de la iluminación y el consumo del tiempo. En Domingos podemos observar el tránsito del artista por diversas ciudades donde recolecta imágenes para generar un recorrido que podemos mirar una y otra vez; una invitación a habitar el séptimo día en cualquier ocasión. Abdon Sahade, una serie sobre la primera casa giratoria, detona la pregunta por la técnica y el lugar del fotógrafo ¿dónde está parado?, ¿dónde me encuentro yo como espectador?, ¿es un producto de la edición?

El trabajo de Chaves es simple. No genera metáforas hipercomplejas con discursos densos. Visualmente uno puede conectarse de inmediato. Su magia se encuentra en la desnaturalización del lugar común, sin la pretensión, en un primer momento, de conceptualizarlo. Simplemente lo nombra y al hacerlo es inevitable preguntarse por la propia enunciación. La pregunta se da en un segundo tiempo, una vez pasada la sensación estética producida por el cuidado del color y la forma.

En La voluntad de piedra el trabajo de Chaves está atravesado por la “x”, como grafía, como cruce, como pretexto y fascinación visual. La “x” la encuentra en la arquitectura maya y la recupera para pensar las relaciones que se pueden generar en un mismo espacio, como “El parque de las Américas” en Mérida, Yucatán. La pregunta por la arquitectura está conectada con la pregunta por la historia, ¿qué proyectos modernos definen lo mexicano?, ¿dónde está la historia?, ¿bajo qué formas se construye?

Nombres como Manuel Amabilis (arquitecto),  Alfonso Reyes (ensayísta), Pedo Ramírez Vázquez (arquitecto), Cráter Invertido (colectivo) y Gutierre Tibón (escritor) son estancias que le permiten amasar la identidad con la historia nacional y la narración personal. Las múltiples influencias requieren de formatos diversos, así  la fotografía cede espacio al dibujo, al video, a la apropiación de objetos y obras de arte, así como a una página web donde pude observarse el recorrido de la “x” en un mapa en construcción aquí.

 

Centro de Cultura Digital

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El Centro de Cultura Digital (CCD), es un espacio dirigido al público que busca involucrarse y conocer las implicaciones sociales, culturales y económicas del uso cotidiano de la tecnología digital. El CCD busca generar actividades específicas para cada grupo con el que se trabaja, incluyendo a los sectores que se encuentran rezagados en la cultura digital. Un ejemplo de ello, es el proyecto de Güiquimí, una plataforma colaborativa que busca provocar una reflexión consciente sobre las implicaciones de ser productores y consumidores de los contenidos que existen en la red a través de una plataforma donde se pueden compartir imágenes, historias, videos y conocimientos para contruir comunidad.

El programa del CCD se constituye en tres ejes de trabajo. Inclusión: proveer de las herramientas digitales básicas a grupos que no han tenido acceso o han sufrido algún rezago. Generación de contenido: crear contenidos digitales de alta calidad que fomenten de manera consciente el intercambio de conocimientos, la autogestión, la producción de contenidos de calidad, etcétera; Emprendimiento: consiste en proveer y promover de conocimientos y herramientas de difusión a quien utilice herramientas digitales para un mejor aprovechamiento de la tecnología, crear puentes de intercomunicación productiva entre comunidades específicas e instituciones públicas y privadas.

Ubicado al pie de la Estela de Luz, el CCD cuenta con instalaciones amplias y flexibles que pueden usarse para distintas actividades como: conferencias, talleres, laboratorios, exposiciones, etcétera.

 

 

FOETUS: LA LOCURA GENIAL DE J.G. THIRLWELL

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Por Pablo Cordero / @sugarskull12

La música del australiano J.G. Thirlwell es un banquete, pero no es para todos los paladares. Compositor genial y obsesivamente prolífico (“Necesito trabajar dos años para sentir una hora y media de satisfacción”, dijo alguna vez), se ha ganado la admiración de nombres como David Bowie (quien le invitó a formar parte del festival Meltdown, que la estrella británica organizó en 2002), Nick Cave (quien formó el supergrupo Immaculate Consumptive junto con Thirlwell, Marc Almond y Lydia Lunch), Swans (quienes le escribieron una canción, “Jim”), Nine Inch Nails (cuyo sonido e imagen tienen una deuda innegable con la obra de Thirlwell, a quien le han comisionado varios remixes) y Zola Jesus (quien encargó a Thirlwell la dirección musical de su último disco, Versions).

Frente a proyectos como Manorexia y Steroid Maximus, Thirlwell se ha convertido en uno de los nombres esenciales de la música instrumental contemporánea, pero su proyecto más conocido sigue siendo el primero que creó: Foetus. Al frente de esa banda de un solo hombre, Thirlwell adopta la obscena y misántropa persona de Clint Ruin para presentar su desesperanzada visión de la sociedad contemporánea, cargada de humor negro. Soak, su más reciente referencia discográfica, es una recopilación de material reciente, la mayoría inédito, que pese a no haber sido ideado como un disco de larga duración, preserva una gran consistencia estética.

 

Versión de Foetus del clásico “Warm Leatherette”

 

Aunque Foetus suele ser considerado como uno de los artistas fundamentales de la música industrial, en Soak (como en el último LP de Foetus, Hide [2010]) no hay casi elementos electrónicos o incluso guitarras eléctricas. Cada vez más difícil de categorizar, la densa y compleja música orquestal de Soak conjuga géneros como el jazz Dixieland (los arreglos vocales de llamada y respuesta en el tema inicial, “Red and Black and Gray and White” remiten a cortes clásicos de Foetus como “The Only Good Christian is a Dead Christian”, con instrumentos reales donde antes había secuencias electrónicas), la ópera del siglo XX (“Pratheism”), la psicodelia (la balada “Kamikaze”, que por desgracia muestra que Thirlwell es mucho menos efectivo al cantar que al gritar) y las bandas sonoras cinematográficas (además de una versión del tema de “Halloween”, de John Carpenter, están los épicos acordes de “Danger Global Warming” y el claro homenaje a Morricone en “Spat”). La remezcla de “La Rua Madureira”, de Nino Ferrer, envolviendo la rústica grabación original en ambiciosas capas instrumentales, es otro de los puntos claves del disco.

 

El tema inicial del disco

 

J.G. Thirlwell es uno de los artistas verdaderamente originales de la actualidad, y Soak, al igual que toda la discografía de Foetus, resulta altamente recomendable para los interesados en descubrir nuevos sonidos y propuestas radicales.

 

Deadpan Exchange. Part VIII

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Por Rocío Figueroa / @Ro_Ruiz13

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La estética deadpan requiere inexpresividad, actitud seria, pero sobre todo que su origen parta de una premisa absurda. Bajo este concepto, se busca que el espectador encuentre un carácter trágico y simultáneamente cómico en la expresión artística. El humor en deadpan recae en aquella forma desde la cual el espectador observa y decide qué ruta conceptual debe seguir.

La serie de exhibiciones Deadpan Exchange, un proyecto organizado por los curadores Heidi Hove (Dinamarca) y Jonn Herschend (E.U) que retoma la condición de un humor seco; un tipo de humor que utilizaron artistas de la decáda de 1970 como Gordon Matta Clark (EU,1943–1978), Yoko Ono (Japón,1933) y Bas Jan Ander (Holanda,1942-1975), entre otros. En las piezas de estos artistas quedó impresa la estética deadpan, como una forma de rechazo a las instituciones del arte de su tiempo. La intención que preponderó fue la democratización de la interacción con su trabajo por medio del abordaje de lo absurdo y trágico.

Deadpan Exchange es una sucesión itinerante de exhibiciones que explora la estética deadpan a nivel internacional. Con la serie Deadpan Exchange se pretende demostrar este fundamento de manera global. La premisa es el contexto de nuestra época contemporánea, donde la realidad no hace más preguntas sobre los procesos del mundo y simplemente ordena una opinión o punto de vista. La estética deadpan ofrece y proyecta un punto de inflexión. El reconocimiento de la existencia de la obra por medio de lo absurdo, el humor, la tragedia y la comedia es el objetivo principal de la serie de exhibiciones, así como el intercambio de comunicación entre diversas personas y lugares con la intención de crear caminos y espacios fuera de las instituciones legitimadoras y de la escena del arte.

El inicio de la serie comenzó en la galería Koh-i-noor  en la ciudad de Copenhagen en 2007 y contó con artistas estadounidenses quienes iniciaron la dinámica de la serie: recibir y dar. En cada edición de la serie, siete nuevos artistas son seleccionados para crear obras que funcionen como reacciones de las obras presentadas en la exhibición que la antecede. La última Parte de la serie Deadpan Exchange se llevara a cabo en Copenhagen, (Dinamarca) en 2016 o 2017 y reunirá todos los trabajos de las series presentadas anteriormente. Una muestra global que contará con la participación de más de 100 artistas internacionales. Antes de la exhibición final, Deadpan Exchange continuará con su octava edición en marzo del 2014 en la ciudad de México en Casa Maauad con obra de artistas ingleses y artistas mexicanos.

Deadpan Exchange. Part VIII es el título de la expocisión que pasa por la ciudad de México y reúne a los artistas Charles Quick, David Mackintosh, Lesley Guy, Mat Gregory y Karin Bergström, Michael Day, Simon Le Ruez y Victoria Lucas. Esta muestra propone un espacio en el que confluyan reflexiones y propuestas sobre la estética deadpan a través de las voces de artistas del Reino Unido.

Deadpan Exchange Part VIII estará abierta al público a partir del 20 de marzo y hasta el 2 de abril de 2014 en Casa Maauad, teniendo las siguientes actividades:

Inauguración y performance, jueves 20 de marzo 20:00 h

Conversatorio con curadores, sábado 22 de marzo 12:00 h

Finissage, miércoles 2 de abril 20:00 h

 

Quiero verte una vez más

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Por Fernando Mino

 

Hay en Quebranto (2013), el segundo largometraje documental de Roberto Fiesco, una analogía provocadora entre la vida de Fernando García, Pinolillo, y la suerte de su primer personaje cinematográfico. En Caridad (1972) la fortuita limosna arrojada al aire por una anciana beata (Sara García, por supuesto), disputada por Pinolillo a otro niño que opta por descalabrarlo para quedarse con la moneda y termina con la muerte trágica de su padre y el odio desesperado de su madre. En la vida real, la azarosa elección del pequeño Fernando por parte del joven director Jorge Fons le empuja a las agridulces exigencias del medio del espectáculo de los setenta y ochenta, hasta transformarlo literalmente en otra persona: Coral Bonelli.

La historia de Coral es narrada en Quebranto al memorable estilo de los melodramas clásicos del cine mexicano. “Al asumir este rol de Coral sí he sufrido”, sentencia la robusta mujer en un viejo restaurante de chinos, mientras de fondo se escucha la voz almibarada de Pedro Vargas cantando el bolero “Triste muy triste”.

De espléndida fotografía contemplativa y dirección de arte que destaca la belleza kitsch de la ciudad decadente y nostálgica, Quebranto es la crónica de la complicidad inquebrantable de Coral y su ancianísima madre, la también actriz Lilia Ortega, Doña Pinoles. Sobrevivientes con secuelas de la vieja ciudad destruida por el terremoto de 1985, aquella de los cabarets y los espectáculos del teatro Blanquita, Coral y doña Lilia se acomodan con dignidad a las dificultades y al infortunio. Quebranto de dos vidas a contracorriente en una ciudad hostil a la vejez y a la disidencia sexual, y sin más opciones de vida que montar coreografías para XV años y prostituirse eventualmente. Como obliga el cliché hay varios números musicales, todos de antología, entre ellos la interpretación del bello tango “Quiero verte una vez más” por doña Pinoles o la climática imitación de Raphael interpretando “Mi gran noche” en los lúgubres pasillos del edificio en que viven, sutil parodia de una vida trágica de resistencia, transmitida en la mirada retadora de Coral/Pinolillo.

En Caridad la anciana afligida con la bronca entre los niños sube a su auto, que luego desaparece en una disolvencia que deja en su lugar a un viejo Jorge Fons, que se marcha luego de platicar la historia de cómo Pinolillo se inició en el cine. Fiesco, productor de larga trayectoria y autor de los bellos cortometrajes David (2005) y Paloma (2008), condensa en esta cinta sus dos preocupaciones temáticas: el intenso y a veces trágico amor gay, y la reinterpretación de la tradición fílmica mexicana, cúmulo de imágenes, narrativas y estéticas que todavía nutren las representaciones culturales contemporáneas.

 

06 | Cologne 2014

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Por Victor Méndez / @vichoamino

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La semana del 13 al 19 de enero se llevó a cabo la feria de diseño de interiores y mobiliario imm Cologne 2014 en Alemania. Distintas propuestas y diseñadores de todo el mundo mostraron ideas innovadoras que buscan redefinir el camino de la decoración y la arquitectura interior de los espacios.

Enlistamos seis objetos que se presentaron en este evento y que bien podrían decorar la recamara, la sala o el comedor de tu casa, y que en definitiva todos quisiéramos tener.

01—Parasite Production de Samuel Treindl

Parasite Production es una colección que surge del material sobrante de un producto inicial. De la puerta de un armario se desprenden las partes que conforman un reloj, y aunque el armario se ha desprendido de esas piezas, su estética se determina a partir de esto.

02—Ghost de Martí Guixé para Nanimarquina

Una de mis marcas predilectas presentó su más reciente alfombra, de la mano del artista/diseñador Martí Guixé. Ghost para Nanimarquina evoca el misticismo que existe en piezas antiguas de flores o animales. Y a la vez, la saturación y el contraste entre el negro y el blanco le otorgan contemporaneidad.

03—Chair Farm de Werner Aisslinger

El diseñador alemán Werner Aisslinger fue reconocido por la revista A&W como el diseñador más destacado del 2014. En esta edición de imm Cologne expuso una colección de mobiliario donde se destacan nuevas tipologías para nuevos hogares. Chair Farm es un ejemplo de ello: una silla que se planta en la tierra y crece como un ser vivo.

04. Cosee de Philippe Nigro para Ligne Roset

La marca francesa Ligne Roset siempre se ha preocupado por el confort de sus usuarios, y el objetivo de Cosee fue optimizarlo. Su forma envolvente, con bordes curvos, le imprimen comodidad, y la base y marco de madera le dan cierta elegancia.

05—Alcove Plume de Ronan y Erwan Bouroullec para Vitra

Con la premisa de usar un sofá para habitarlo, más que para descansar, los hermanos Bouroullec presentaron una colección de sofás que al tener un respaldo alto se busca envolver al usuario en sus paredes y brindarle mayor comodidad.

06—Curtain Cabinet de Martin Hirth

El diseñador alemán Martin Hirth presentó un armario que recuerda a los originales y antaños, recubiertos de plástico o textil improvisado que cubre a los objetos del polvo. En este caso la estantería se rodea de un tejido drapeado, que alude a las puertas de madera que al abrir o cerrar se expande o se pliega.

 

Mextrópoli

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Por Rocío Figueroa / @Ro_Ruiz13

 

 

Con 15 años de experiencia y consolidado como el medio de comunicación más diverso entre profesionales, estudiantes y aficionados de la práctica y cultura arquitectónica, Arquine apuesta por lo grande presentando Mextrópoli. Se trata de un espacio que concentrara a los más destacados personajes de la arquitectura nacional e internacional, asó como a todos aquellos interesados en la escena actual de la arquitectura.

El festival tiene como objetivo activar la reflexión y el intercambio de experiencias por medio de diversos formatos de participación entre los profesionales y la ciudad. A través de seis actividades, Mextrópoli expondrá propuestas, experiencias y problemas actuales en torno a temas de ciudad, cultura, diseño y arquitectura.

Con el eslogan «Escucha, Dialoga, Participa, Desplázate y Celebra», el festival comprende conferencias con los más destacaos especialistas del medio, como el crítico y arquitecto Stefano Boeri, el cronista Juan Villoro, el ganador del Premio Prizker 2010 Eduardo Souto de Moura, el curador y crítico Hans Ulrich Olbrist, entre otras grandes personalidades de la arquitectura nacional e internacional. El festival presenta en el marco de su programa mesas redondas, talleres, proyecciones, rutas y recorridos arquitectónicos en bici y una gran fiesta ciudadana.

Mextrópoli promueve la ciudad de México como el epicentro de la arquitectura y líder en transformación creativa por medio de un acontecimiento que permita consolidarla como el referente de la arquitectura en nuestro continente. De este modo, la idea es convertirse en un proyecto que impulse y promueva la cultura, la revalorización urbana, y la difusión del patrimonio artístico de la ciudad de México.

Los escenarios que presentaran las diversas actividades se componen de importantes y destacados edificios que representan la grandeza de la arquitectura mexicana, como el Teatro Metropolitan, Laboratorio Arte Alameda, Museo Franz Mayer, Casa Vecina, La Torre Latinoamericana, entre otros importantes espacios del Centro Histórico.

El primer festival de Arquitectura y Ciudad pretende colocarse en el plano internacional como los festivales de arquitectura más importantes del mundo, como la Bienal de Arquitectura de Venecia, el World Architectural de Barcelona o el London Architectural Festival.

Mextrópoli se llevará a cabo del 22 al 26 de marzo.

 

Rodada al Museo Tamayo

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Por José Olivera / @jose_olivera

 

La revista Apolorama en su espacio Sigue 1 Museo se encuentra organizando la primera rodada del año, el objetivo el Museo Tamayo. El próximo 29 de enero en el marco de Noche de Museos, la rodada busca tener el mayor número de participantes y ser la más grande del año; una vez que se llegue al objetivo se recorrerán las exposiciones: Matt Mullican: That world/Ese mundo, Rita McBride: Transacción pública y Una visión otra: Groupe de Recherche d´Art Visuel (GRAV) 1960-1968.

La exposición That world/Ese mundo, exhibe la  trayectoria del artista Matt Mullican (Santa Mónica, California, 1951) por primera vez en México. La muestra incluye más de 60 obras entre dibujo, video, instalación y cuadernos de artista que cubren las más de cuatro décadas de producción del artista.

Transacción pública, exposición que reúne un cuerpo de trabajo diverso en el que se despliega la intersección entre el diseño y la arquitectura; comprende obras como Servants and Slaves, Templates, Rattan Works, Parking Structures, entre otras, ambientadas dentro de una maqueta a escala 1:1 de la Villa Savoye de Le Corbusier, la cual funciona como display museográfico. Incluye Arena, una escultura funcional, cuya estructura recuerda las gradas de un estadio o anfiteatro, la cual se activa con programas públicos que van desde conferencias hasta performances propuestos entre la artista y los curadores.

Una visión otra: Groupe de Recherche d´Art Visuel (GRAV) 1960-1968, primera exposición en México y América Latina del grupo parisino La muestra se conforma de seis obras de la colección del Museo Tamayo, cuatro préstamos y ocho recreaciones de piezas que realizó GRAV entre 1960 y 1968, además de exhibir un archivo fotográfico y documental, manifiestos y catálogos.

El Punto de partida será el Parque Jardín Ramón López Velarde (el cruce de las calles de Yucatan y Orizaba en la Col. Roma Sur) a las 7pm, saliendo a más tardar a las 7:30pm. Además, la banda The Simplifires acompañará el evento tocando un set en vivo.

 

Kati Horna

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Por José Olivera / @jose_olivera

El Museo Amparo ubicado en el Centro Histórico de Puebla, muestra más de 150 obras de la fotógrafa húngara Kati Horna. La exposición fue una labor en conjunto del museo con el Museo Jeu de Paume en París, mostrando en su mayoría fotografías inéditas o poco conocidas.

Kati Horna (Budapest, 1912 -México, 2000), más que una fotógrafa fue una artista visionaria, preocupada por mostrar la realidad de un siglo turbulento. En su natal Budapest, inició su trabajo como fotógrafa, posteriormente se trasladaría a París para culminar sus estudios, y trabajar para la Agence Photo; en España, registró la Guerra Civil, buscando mostrar la cotidianeidad y emotividad que se vivía en este periodo, su obra fue utilizada con fines propagandistas. La situación en España, provocará que huya hacia París, donde seguirá enmarcando la vida y distintos escenarios, pero la Segunda Guerra Mundial la obligará a venir a México, adoptando nuestro país como su hogar.  En México seguirá trabajando y realizando distintas series, como La Castañeda (1945) o Mujer y Máscara (1963). Siendo reconocido y adquiriendo fama internacional, su obra ha sido presentada en distintos recintos del mundo.

Kati Horna, busca revalorizar la obra de esta gran artista que sin importar la situación y el lugar donde se encontrase logró presentar con gran virtuosismo a la sociedad. Además de adentrarse y combinar la fotografía con propuestas vanguardistas y experimentales. La exposición está trazada en tres ejes temáticos: el primero, el inicio en Budapest, París y Alemania; el segundo, La guerra civil española; finalmente, el último la obra que la  artista capturó en México. Acompañada de material adicional como revistas en las que colaboró y fotografías personales.

El Museo Amparo albergará esta vasta exposición hasta el 28 de abril del presente año.

 

1 Mes|1 Artista

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Por José Olivera / @jose_olivera

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1 Mes | 1 Artista (1M1A) es un proyecto que surgió hace casi un año, con una idea clara, de ser un espacio de apoyo, difusión, colaboración y promoción a artistas independientes. De este modo, crear un diálogo entre el artista (del mes) y el público, para provocar la promoción de nuevos espacios donde el beneficio sea mutuo. Doce artistas han sido invitados. Cada uno con distintas propuestas, técnicas: ilustraciones, dibujos, acuarelas, grabados, murales, bordados y miles de etcéteras creativas en diferentes soportes.

El primer invitado fue Mauricio Marcin Álvarez —marzo—, que presentó dibujos en acuarela. Posteriormente, Pilar Córdoba —abril—, que mostró, una intervención de imágenes y objetos con distintas técnicas como el collage, o simplemente el agregó un marco vintage. El mes de mayo presentó el artista Rubén Ochoa, una serie de fotografías reveladas en pedazos de madera y cada pieza estuvo acompañada por un poema.

Gustavo Abascal —junio— presentó El color que cayó del cielo; una historia gráfica comprendida por 15 dibujos realizados por el artista. A través de distintos soportes y técnicas, la obra de Pepe Cortines —julio- es un reflejo de su imaginación, al crear mounstros que reflejan y exploran su miedo. La ciudad de México fue la inspiración para Thorsten Englert —agosto—, ilustrador, urbanista y arquitecto, que por medio de sus dibujos refleja el modo de vida de la gente que habita la ciudad.

En septiembre, Inés da Luz, presentó su obra que integra la técnica del bordado y las aplicaciones que tiene en el arte contemporáneo. El artista de origen francés, Jean Sébastien Ruyer —octubre—, utiliza como fuente de inspiración a México y  su arte popular. El arista mexicano Paul Muguet, presentó durante noviembre, parte de su obra que se caracteriza por exponer de forma insistente el poder expresivo del color y explorar la relación entre signo y pintura. Georgina Ávila, participó con su obra Wherever you go, I wish you good luck.

 

Georgina Avila / Diciembre 2013

 

Actualmente se encuentra Lucía Ochoa —enero— su trabajo se expresa a partir de los procesos y técnicas utilizadas en el diseño, mezclando la fotografía y la ilustración. Maximilian Thiel, es el próximo artista invitado, actualmente se encuentra realizando su obra in situ, que consiste en un mural que hace uso de la técnica de grabado; la pieza tiene como título El último lugar de descanso (Mausoleo # 1, 2014), y funcionar como un monumento y simultáneamente como una obra efímera. Mira el video aquí