Archivo para el diciembre, 2013

UN DOCUMENTAL SOBRE GERHARD RICHTER

Posted by Sandra Reyes

Por Melissa Roura / @roura_melissa 

 

 

Gerhard Richter nació en 1932 en Dresden, Alemania.  Desde temprana edad vivió los horrores de la Segunda Guerra Mundial, esto le hizo desapegarse del mundo material y casarse con algo más profundo: el arte. Estudió en la Academia de Arte de Dresde. Realizó muchos trabajos, entre los cuales se destacan Comunión con Picasso, un mural del año 1955.  Otro mural importante es Lebensfreude, de 1956, que significa: alegría de la vida. Cuando pintó ambas piezas, Richter vivía en la Alemania Oriental. Más adelante partió hacia la Alemania Occidental y sus ideales cambiarían, lo que le hizo que el artista modificara los dos cuadros. Posteriormente pasó al lado Occidental, con su esposa Emma dos meses antes de la construcción del muro de Berlín. En 1982 se mudó a Colonia (en donde vive actualmente).

Richter tuvo su primera exposición individual en 1962, en Fulda, y al finalizar ésta quemó todo. Más adelante expondría en Múnich, Berlín y el resto de Europa y después en Estados Unidos. Su serie Oktober 18. 1977 presentada en 1989 tuvo éxito en todo el mundo y fue presentada en diferentes países. Más adelante presentó su cuarta retrospectiva a sus 40 años de pintura en el MoMA de Nueva York en febrero del 2002. Él forma parte de las Colecciones Estatales de Arte en Dresde, Alemania. Su obra abarca el Expresionismo abstracto, Pop art alemán, y hasta una variante satírica del Pop: el Realismo capitalista. También ha entrado un poco en corrientes como el Minimalismo y en la Pintura-Fotografica.

Corona Belz, directora y guionista de cine, coincide con Richter en una película. Un documental que Belz le ofrece al artista (quien tiene miedo de ser retratado de alguna manera errónea.) Richter ve el documental y el único comentario que le hizo a la cineasta fue: «Me siento aliviado de no tener que decirte que lo tires a la basura».

 

 

 

 

LA ACTUALIDAD DE LO BELLO (SEGUNDA PARTE)

Posted by Sandra Reyes

Por Andrés Reyes / @MrIntra

Esta idea ya la venía trabajando desde años antes de la publicación de La actualidad de lo bello, pues desde la conferencia pronunciada en el 5 Congreso de Estética en 1964 (publicada posteriormente como Estética y hermenéutica), Gadamer, ya exponía que entre la obra y el que la contempla existe una simultaneidad absoluta. Con esto se distancia de Heidegger de manera tajante, pues cuando éste exponía en la década de los treinta que la verdad de la obra era contenida en el mundo originario, Gadamer señalaba que la obra de arte no se limitaba al horizonte primigenio, pues ésta siempre tiene un presente el cual le es otorgado por el espectador a través del puente hermenéutico tendido durante la interpretación. Es decir, mientras que para el primero en la obra de arte se manifiesta la cultura de la cual se desprende (el espíritu absoluto en palabras de Hegel), para el segundo lo que en ésta se devela es quien observa la obra, pues para Gadamer, la experiencia del arte es un encuentro con nosotros mismos como individuos.

De aquí la relevancia del juego. Porque por una parte, nos invita a salirnos de la rigidez del esquema, ver más allá, arriesgarnos a aceptar lo inaceptable, y así, permitirle al arte moderno ser considerado conjuntamente con la tradición. Aún cuando en apariencia éste no se vincule con los cánones seguidos desde siglos atrás. Y por la otra nos invita a ser espectadores participativos, a establecer relaciones primarias con las obras, y a adentrarnos en éstas, pues, citando al autor, “el concepto de juego se ha introducido precisamente para mostrar que, en un juego, todos son co-jugadores. Y lo mismo debe valer para el juego del arte, a saber, que no hay ninguna separación de principio entre la propia confirmación de la obra de arte y el que la experimenta”.

El siguiente concepto descrito por Gadamer en el texto en cuestión es el de símbolo. Sobre éste, el autor señala: “el símbolo, la experiencia de lo simbólico, quiere decir que este individual, este particular, se representa como un fragmento de ser”. Es destacable que a diferencia del aspecto lúdico en donde el filósofo alemán toma distancia de su mentor, en lo que refiere a lo simbólico del arte, Gadamer recupera ciertos elementos de la fenomenología heideggeriana; sobre todo aquello relacionado a la dinámica ontológica reflejada en el ocultar-desocultar expuesta por Heidegger en Ser y tiempo (1927). Esto es muy evidente cuando señala, refiriéndose a lo simbólico, que: “descansa sobre un insoluble juego de contrarios, de mostración y ocultación”.

 

Retrospectiva de 2013: Yona Friedman en el MUAC

Posted by Sandra Reyes

Por Andrés Reyes / @MrIntra

De entre las grandes innovaciones modernistas que se suscitaron en el sinuoso devenir histórico del arte del siglo XX, sin duda debemos destacar el momento en que el arte se posicionó fuera del marco museístico buscando apropiarse de la realidad cotidiana para confrontarse con su espectador.  Y sin embargo, aparentemente el exilio fue sólo estacional. Ya sea porque, como toda revolución estética, esta nueva modalidad de presentación fue eventualmente absorbida por la academia, o porque los mismos artistas buscaron de vuelta el cobijo de las instituciones; pareciera que el papel del museo y la galería como relicarios artísticos es irrevocable para la historia del arte. Sea cual sea la razón, el papel del museo contemporáneo es el de confrontar al arte con el espacio establecido, privilegiando el discurso estético a través del diálogo imparcial entre estos.

Bajo esta paradoja es que la muestra Arquitectura sin construcción del arquitecto y urbanista húngaro-francés Yona Friedman, se presentó del 26 de febrero al 2 de junio de este año en el Museo Universitario de Arte Contemporáneo. Friedman es arquitecto, urbanista y teórico posmoderno nacido en Hungría en 1923; para él, al igual que la sociedad contemporánea que se desarrolla linealmente en un complicado mundo unidimensional, el arte es un sistema holístico que debe ser interpretado analíticamente como tal, por lo que propone una crítica al museo como protagonista que se impone y compite en las exposiciones, desequilibrando el sistema. Así, concibiendo la arquitectura como un mero marco de la vida y la creatividad humana, supeditada siempre a las necesidades del individuo y su sociedad; renuncia al museo como contenedor físico, concibiéndolo como soporte enunciador de postulados complejos y provocadores a través del uso de tecnologías que conserven atributos de movilidad, sustentabilidad y versatilidad. Prioriza el contenido de las exposiciones a través de una presentación en módulos tridimensionales, conformados ya sea por aros de aluminio que funcionan como una estructura espacial en el que las obras de arte se pueden mostrar o por cubos independientes que pueden ser distribuidos a placer sobre el espacio.

Este discurso, pretendió despertar en la sociedad una serie de preguntas con respecto a los espacios museísticos, sin embargo, dada la pobre museografía que presentó la muestra, fue imposible hacerlo. Esto significa que aun cuando la  curaduría ilustró la transición hacia el modelo espacial posmoderno, deconstruyendo así el contexto de presentación artística; en la práctica, Arquitectura sin construcción fue solo el bosquejo de una muestra arquitectónica que se limitó a exponer una serie de propuestas alternativas que fueron aplicadas someramente en la sala, garabateando esbozos prácticos de las propuestas del húngaro en el recorrido de la misma. Desde mi perspectiva, esta incongruencia, subyugó al discurso de Friedman ante el museo, que se impuso y delimitó la interpretación de la exposición.

 

 

 

TOP 06: DISCOS DE 2013

Posted by Sandra Reyes

Por Pablo Cordero / @sugarskull12

Hace un par de meses se publicó una lista de los seis mejores discos indie del 2013. Si bien suscribimos todas las recomendaciones ahí aparecidas, habiendo llegado a la última semana del año haremos una lista más, con otros seis discos esenciales aparecidos en este año.

 

01—NICK CAVE & THE BAD SEEDS—Push the Sky Away

La primera vez que escuché a Cave tenía 13 años de edad, y me adentré en su obra con la obsesiva devoción que sólo un muchacho de esa edad es capaz. Su discografía ha sido una constante en mi vida desde entonces, y conozco todos sus discos como la palma de mi mano. Esto no tiene por qué interesarle al lector, mas lo escribo para subrayar la seriedad con la que hablo al afirmar que la nueva obra de Cave es el mejor disco que ha hecho desde Your Funeral… my Trial (1986), si no es que el mejor de toda su carrera. Embriagante pop de cámara de oscuras bases electrónicas, Push the Sky Away es con una marcada diferencia el mejor disco de 2013.

 

Video oficial de “We No Who U R”

 

02—ANNA CALVI—One Breath

Dentro de unos años, mencionaremos el nombre de la británica Anna Calvi con la misma admiración que hoy merecen Tom Waits, PJ Harvey y Nick Cave. Pero no tenemos que esperar tanto para disfrutar de su primera obra maestra.

 

Video oficial de “Eliza”

 

03—RETRIBUTION GOSPEL CHOIR—3

Con sólo dos largas canciones, el tercer disco de RGC, proyecto alterno de los venerables Low, hace un recorrido por el lado más crudo, primigenio e inmarchitable del rock.

 

Video oficial de “Seven”

 

04—WIRE—Change Becomes Us

Si bien la idea detrás de este CD era regresar al cuarto disco que esta seminal banda de post-punk dejó inconcluso en 1980, el resultado final es totalmente fresco y original.

 

“Adore Your Island”, versión en vivo

 

05—LORDE—Pure Heroine

Parece casi injusto que con apenas 16 años de edad la neozelandesa Ella Maria Lani Yelich-O’Connor posea ya una voz tan madura y sugerente, y además haya firmado el disco de minimal pop más exitoso y efectivo del año. Resulta inquietante imaginar a dónde irá después de esto.

 

Video oficial de “Royals”

 

06—TEHO TEARDO & BLIXA BARGELD—Still Smiling

Mientras que su antiguo patrón Nick Cave vive el momento más creativo y original de su carrera como solista, el berlinés Blixa Bargeld sale de la sombra de Bad Seeds y Einstürzende Neubauten para mostrarse como un estupendo autor y cantante de pop oscuro de la mano del autor de soundtracks Teho Teardo.

Video oficial de “Mi Scusi”

 

Esta lista no  es definitiva, pues artistas tan diversos como Deafheaven, Kanye West, Chelsea Wolfe, Swans y hasta Justin Timberlake editaron discos de gran relevancia en este año. Sin embargo, los discos aquí incluidos ofrecen un vistazo a la música más interesante publicada este año.

 

TOP 06: DESEANDO 2014

Posted by Sandra Reyes

Por Sandra Sánchez / @phiopsia

 

El pase de diapositivas requiere JavaScript.

 

El arte también vive en el futuro, la planeación de exposiciones y programas de estudio está lista y llega con la promesa de un año nuevo lleno de reflexiones sobre el pasado, desde el presente. A continuación compartimos algunos tips para visitar, investigar, estudiar y contemplar este fascinante mundo.

 

01—Maria Lassnig en el MoMA

Nacida en Austria en 1919, Lassnig es una de las pintoras contemporáneas más importantes del siglo pasado. Pionera al aproximarse a la pintura como medio para representar su mundo interior, abandona la mímesis a favor de una concepción fenomenológica del arte. Bajo el término “conciencia corporal” realiza sus obras teniendo como parámetro la relación de su cuerpo con el mundo, tanto con la atmósfera como con el modo en que ella misma se percibe y es percibida por los otros. La exposición presentará alrededor de 50 pinturas, enfocándose en sus autorretratos. Maria Lassnig estará abierta a partir del 9 de marzo.

 

02—Richard Hamilton en la Tate Modern

Todo amante del arte pop tiene en su imaginación el collage de Hamilton (Londres, 1922-2011) Just What Is It That Makes Today’s Homes So Different, So Appealing? donde, en palabras de Lucy Lippard, se observa “un inventario de la cultura popular: un techo pintado de luna, un hombre musculoso, una chica desnuda, una imagen de Al Jolson como “The Jazz Singer”, la innovación tecnológica en el cine (“The Coming of Sound”), y otra innovación, la cinta magnética, en primer plano”. Hamilton no necesita presentación, considerado como el fundador del arte pop y con una trayectoria de sesenta años, la Tate Modern presenta la primera retrospectiva que abarca el trabajo del artista desde sus diseños de los 50’s hasta sus últimas pinturas realizadas en 2011. ¡Una exposición imperdible!  Richard Hamilton estará abierta a partir del 13 de febrero de 2014.

*Lippard, Lucy. Pop Art. Thames and Hudson: London, 1970.

 

03—L’État du ciel en el Palais de Tokyo

L’État du ciel es una exposición pensada como homenaje a las ideas de diversos artistas, filósofos y poetas que han reflexionado sobre la conformación del mundo desde esferas políticas, físicas y morales. A lo largo de la muestra se presentarán diez propuestas donde se intentará romper con el concepto de exposición, a favor de ejercicios donde los participantes propondrán formas poéticas para cambiar el presente. Por ejemplo, se podrá observar a Didi-Huberman transponer el tema de la lamentación al lenguaje fílmico, inspirado por el Atlas Mnemosyne de Aby Warbug; a Gérard Wacjman y Marie de Brugerolle ahondar en el tema de la caída, desde el muro de Berlín hasta las Torres de Gemelas. El programa completo se encuentra en la página del Palais. L’État du ciel estará abierta a partir del 14 de febrero del 2014.

 

04—Ernesto Neto en el Guggenheim de Bilbao

La aproximación a la sensación es uno de los intereses principales del artista Ernesto Neto (Río de Janeiro, 1964), quien desde la escultura traza una línea transversal hacia el olfato, el tacto y la vista. Sus piezas construyen sobre las salas del museo un espacio arquitectónico donde el visitante puede habitar y relacionarse con otros cuerpos. En palabras del propio artista, una exposición es un lugar donde el espectador puede escaparse de lo cotidiano, «Todo el tiempo recibimos información, pero quiero que aquí se deje de pensar. Refugiarse en el arte. Pienso que no pensar es bueno, es respirar de la vida». Cada una de las ocho galerías que conforman la exposición ofrecerá al visitante un ritmo diferente, donde podrá contrastar la experiencia y optar por el espacio que más le convenga. Ernesto Neto: el cuerpo que me lleva estará abierta a partir del 14 de febrero de 2014.

 

05—La crisis de la crítica en el MuAC

La crítica de arte es un espacio fundamental para discutir y dialogar las interpretaciones de las piezas dentro de contextos no sólo históricos, sino teóricos y culturales. El Museo Universitario de Arte Contemporáneo (MuAC) sensible ante la necesidad de dicho diálogo genera el programa Campus Expandido “que responde a la urgencia de concebir al museo no sólo como espacio de visibilidades, sino como un ámbito de producción de conocimiento crítico”. Desde 2009, dicho programa ha impartido cursos como parte de la maestría en Historia del Arte de la UNAM, que también son abiertos al público en general. Dentro de la oferta del próximo semestre se encuentra el curso “La crisis de la crítica: hacia una revisión de la crítica de arte desde los años 90”, impartido por Daniel Montero. La importancia del curso radica en que pondrá sobre la mesa las discusiones teóricas más importantes de fenómenos artísticos que tienen eco hasta nuestro presente. El curso es gratuito, pero requiere previa inscripción.

 

06—SOMA: una plataforma educativa

Si su interés está más enfocado en la creación que en la contemplación, SOMA puede ser una buena opción. Dedicada al intercambio cultural y a la enseñanza de las artes, la institución ofrece un programa formativo para estudiantes de arte contemporáneo con sede en la  ciudad de México. Con una duración de dos años, el programa ofrece “un espacio para la discusión horizontal, la interacción colectiva y el pensamiento crítico” donde los estudiantes pueden compartir y discutir su proceso creativos. El programa no está diseñado para producción de obra, sino para generar una reflexión sobre la misma. Además  del programa de dos años, SOMA también ofrece cursos, estancias de verano y conferencias abiertas al público en general.

 

2014: ¿QUÉ ESPERAR EN LA ESCENA DE LA DANZA?

Posted by Sandra Reyes

Por María Cano Chanez / @maríacanochanez

A pocos días de que termine 2013 ya se escuchan rumores e incluso confirmaciones acerca de distintos eventos dancísticos que sucederán durante el 2014. Al parecer será un año bastante ecléctico ya que se podrá observar  desde danza clásica pasando por étnica y llegando hasta contemporánea. Para empezar, la Compañía Nacional de Danza comenzará con un proyecto de trasladar obras de danza clásica a lugares públicos como parques y plazas. Esto se realizará con el propósito de dar a conocer a diferentes públicos el ballet. Este proyecto tiene previsto empezar en marzo y las obras que se tienen contempladas son El Corsario y El Cascanueces. También pretenden incluir piezas de danza contemporánea para ir familiarizando al espectador con otros tipos de baile además del ballet clásico. De ser exitosa la idea,  se busca desarrollar este proyecto como algo anual que se vuelva parte de la oferta de la Compañía Nacional de Danza.

Para los aficionados de las danzas orientales y étnicas, se llevará a cabo en la ciudad de Guadalajara, el Tribal Fest. Un festival que intenta reunir a bailares de danza tribal de distintos países. El evento contará con bailarines de talla internacional así como nacionales. El propósito de este espectáculo es difundir la danza oriental no simplemente como un exótico baile sino como una nueva forma artística que no sólo reúne elementos de la danza del vientre sino también implementa componentes de otras técnicas dancísticas como el ballet, contemporáneo e incluso el hip hop. El festival se llevará a cabo los días 15 y 16 de marzo.

Finalmente, para los aficionados de la danza contemporánea y el pensamiento y obras surrealistas,  la compañía Nemian Danza Escénica estrenará dos piezas que versarán y se inspirarán en la obra del artista plástico, Salvador Dalí.  Se realizará como un homenaje al pintor, quien en el 2014 cumple 110 años de su nacimiento. Junto con esto la compañía de Los Talleres tiene como propósito crear un foro de crítica de danza que será apoyada por la Fundación de Japón, todo esto para generar un diálogo en torno a la danza.

Estos son sólo algunos de los eventos de danza que ya se encuentran confirmados para el 2014, claro que habría que estar al pendiente ya que irán surgiendo otros festivales y espectáculos durante el año que aún se encuentran en proceso de gestión o que todavía no han sido publicados.

 

La mirada invisible

Posted by Sandra Reyes

Por Abel Cervantes 

 

 

Las crisis políticas, las guerras y las dictaduras son temas que el cine aborda constantemente. Sin embargo, las películas sobre la dictadura militar argentina, que inició en 1976 y terminó en 1983, han sido relativamente pocas y mucho menos las que lo han hecho desde un punto de vista crítico o reflexivo. (Existe un caso patético, por cierto, Imaginando Argentina de Christopher Hampton, en el que Antonio Banderas interpreta a un escritor que gracias a un talento sobrenatural puede ver el destino de algunos desaparecidos.) Por fortuna, La mirada invisible de Diego Lerman es una de esas escasas excepciones.

Marita (Julieta Zylberberg) es una joven que trabaja en una escuela para adolescentes. El instituto se convierte en una muestra de la represión que el país sudamericano sufrió en aquel período. Para los alumnos está prohibido usar su imaginación, vestir con prendas ajenas al uniforme o atender a sus instintos emocionales. Para los profesores también. La protagonista desarrolla sus acciones en tres espacios fundamentalmente: la escuela, su casa y el metro que la lleva de un lugar a otro. En el primero exhibe un gusto genuino por uno de los alumnos. Pero al mismo tiempo mantiene una tensa relación con su jefe inmediato. En el segundo convive con su madre y su abuela; la figura masculina está ausente. (La mirada invisible está basada en el libro Ciencias morales de Martín Kohan en la que sí existe una figura varonil: el hermano de Marita. El hecho de que éste haya desaparecido de la cinta ofrece nuevos caminos de sentido e interpretación.) La mayor parte del filme la cámara se apega a su objeto de estudio, el personaje principal, a través de tomas cerradas, close-ups o planos medios. No obstante, existe una escena abierta representativa: aquella en la que se mira desde lo alto el patio del instituto. El lugar donde las personas deberían realizar actividades recreativas es un sitio frío, inmenso y vacío por donde la protagonista transita sola. En la medida que el relato se desarrolla Marita contiene sus impulsos sexuales y los transforma en actos violentos y sórdidos: desde la cabina del retrete espía a los hombres mientras se masturba. El largometraje de Lerman ofrece una afilada crítica a la enaltación exacerbada de los nacionalismos. El final deja una huella dolorosa e irremediable en el personaje principal. Justo como le sucedió a la sociedad argentina.

 

James Lee Byars: ½ an Autobiography en el Museo Jumex

Posted by Sandra Reyes

Por Sandra Sánchez / @phiopsia

 

El pase de diapositivas requiere JavaScript.

 

¿Hasta qué punto se puede conjugar el arte, la vida y las ideas? Es una pregunta que habita en la GALERÍA 2, del recién inaugurado Museo Jumex, donde se presenta la exposición James Lee Byars: ½ an Autobiography hasta el 13 de abril. Las piezas de Byars (Detroit,1932-1997) oscilan entre el performance, el arte conceptual y el arte minimalista. Estos conceptos se resisten a una clasificación precisa, pero teniendo como hilo conductor la relación entre la pregunta por el sentido del objeto artístico y la solución formal. Aunque esta pregunta sea una constante en el arte, Byars la hace evidente, como en The World Question Center, acción realizada en 1969. En esta pieza diseña un vestuario e invita a una serie de intelectuales, artistas y científicos a compartir un set de televisión desde el que se telefonea a 100 de las mentes más brillantes de la época para pedirles que formulen una pregunta importante para ellos. El resultado es asombroso, porque pocas preguntas fueron hechas de manera concreta, en algunos casos ni siquiera pudo ser formulada. Byars dice que la pregunta es “la mejor declaración de realidad que yo conozca”.

Además del video de The World Question Center, la exposición presenta esculturas, vestuarios de tela, obras en papel para performance, pinturas de tinta, correspondencia, material efímero y documentación. En las diversas piezas se reflexiona sobre la idea de perfección, la búsqueda de la belleza y la verdad. Aquí, es evidente la influencia, derivada de la estancia de Byars en Japón, de los rituales Shinto y algunos aspectos del teatro Noh.

La exposición, co-curada por Magalí Arriola (Fundación Jumex Arte Contemporáneo) y Peter Eleey (MoMA PS1), acierta en hacer evidente que los objetos presentados son sólo residuos, no por ello menos importantes, de los procesos de búsqueda del propio artista. El espectador puede ir más allá de la impresión sensible que causa el objeto a primera vista y adentrarse en la historia detrás de cada pieza. Si se es paciente, se puede llegar a experimentar el mundo de Byars, que es nuestro propio mundo, pues los límites del conocimiento, la relación entre lo monumental y lo minúsculo, lo universal y lo particular, el evento y el residuo, son preocupaciones comunes entre los seres humanos.

Sin embargo, los curadores saben que en una exposición no se puede presentar la totalidad del trabajo de un artista, de ahí su titulo ½ an autobiography, que no sólo refiere a un performance donde la propia vivencia se convierte en arte, sino a la experiencia curatorial y perceptual del espectador con la obra, donde más que recibir algo completo, se debe construir un recorrido. Si no se puede acceder al conocimiento absoluto de algo, lo que sí es posible es generar un diálogo entre el pensamiento, la forma y el objeto artístico, relación a la que Byars dedicó su vida.

 

Barragán + Neri & Hu

Posted by Sandra Reyes

Por Gabriela Olivera / @gabichabicha

 

El pase de diapositivas requiere JavaScript.

 

«Es alarmante cómo los libros devotos a la arquitectura han abolido palabras como belleza, inspiración, magia, encantamiento, sortilegio, así como los conceptos de serenidad, silencio, intimidad y asombro».

Luis Barragán

 

Estas palabras, pronunciadas por Luis Barragán en Washington durante la ceremonia de recepción del Premio Pritzker en 1980, únicamente reafirmaron lo evidente de toda su trayectoria. Como cualquier creador, Barragán atravesó diversas etapas durante su vida como arquitecto, resultado de experiencias, viajes, gente, libros y todo lo que observaba sin perder el detalle de aquello que dotaba cierto misticismo a todo aquello que atrapaba su atención.

No toda su vida fue acerca de la belleza y del encantamiento que menciona, Barragán también pasó por momentos de decepción y desencanto. Sin embargo, le permitió madurar y evolucionar como arquitecto. En este periodo de madurez expresiva, observó e investigó muy de cerca la estrecha relación entre la intimidad del espacio doméstico y el espacio exterior. El resultado fue el emplazamiento de una dualidad indisoluble: un lugar de contemplación y recogimiento.

Lyndon Neri (Filipinas, 1965) y Rossana Hu (Taiwán, 1968) quienes conforman la firma Neri & Hu, obsesionados con la identidad y la cultura mexicana, sintieron una conexión casi inmediata cuando conocieron la obra de Barragán, que integra elementos de la memoria mexicana como el color, las técnicas constructivas y las soluciones distributivas.

La exhibición, de talla mediana, que actualmente se presenta en el Museo de Arte Moderno hasta el 23 de febrero, titulada Barragán + Neri & Hu, es un recorrido a lo largo de un túnel que encapsula varios escenarios a través de mirillas que muestran los conceptos que hace 33 años Barragán mencionó en Washington. La exposición incluye maquetas, piezas de arte y objetos. Todos aluden a nociones como nostalgia, serenidad y belleza.

Tras dejar este túnel, el hilo conductor de la exposición se interrumpe al mostrar objetos personales de Barragán, como réplicas de esculturas y mobiliario, los que sí son interesantes pero no participan en la dinámica entre la filosofía de la firma radicada en Shanghai y la apropiación del espacio anunciada en la muestra. Estos escenarios dosificados, y no precisamente bien logrados, permiten al espectador saber más de su trayectoria y su vida, pero sin conseguir ser una auténtica retrospectiva de la vida de Luis Barragán.

Finalmente en la parte central de la sala se observa una alusión más directa y sincera del proceso evolutivo del diseño de Neri & Hu relacionado con el ideario estético de Barragán a través de maquetas, fotografías y mobiliario a escala humana que se entiende inmediatamente qué fue lo que cautivo a Lyndon Neri y Rossana Hu: la luz, el color, la intimidad, el silencio, la jerarquía, la proporción, la emoción y el detalle de la arquitectura emocional que no únicamente se percibe en los espacios, sino en los objetos y en las memorias que nacen a partir de habitar el espacio. A propósito de estos conceptos, Luis Barragán afirmó que “antes de habitar el espacio, el hombre debe habitarse a sí mismo”.

 

2013: Lo mejor del año en la escena del diseño nacional

Posted by Sandra Reyes

Por Victor Méndez / @vichoamino

 

El pase de diapositivas requiere JavaScript.

 

Este año fue exitoso en el terreno del diseño mexicano. Nuevos proyectos, nuevos eventos, colaboraciones entre diseñadores, impacto internacional. En fin, fueron 365 días de trabajo que se vieron reflejados como ningún otro año.

Es difícil decidir qué fue lo mejor del año y muchas veces estoy en contra de decirlo, porque para este ejercicio es complicado —subjetivo— determinar qué parámetros utilizar para definir algo como lo mejor. Muchos proyectos cumplen con cosas que otros no, pero en ambos casos y en su contexto, lo logran. Nombraría a 2013 como un año de oportunidades, porque el diseño se tornó más accesible hacia sectores no selectivos, sin embargo, aún falta mucho camino para que el diseño mexicano logre tener una verdadera identidad, y creo que la respuesta puede estar en el cruce entre industria y diseñador. En este sentido, parte importante es saber comunicar la capacidad que tiene el diseño, y esto va más allá de hacer muebles, productos textiles o platos de cerámica.

Mi selección de lo mejor del año es el colectivo 1050° con el proyecto Polvo Somos que fue presentado el pasado noviembre en el marco del Tianguis C.A.C.A.O., un proyecto de José Miguel González Casanova que se llevó a cabo en el Museo Universitario del Chopo.

El colectivo 1050° es una empresa conformada por diseñadores, artistas y artesanos de Oaxaca, que unen su técnica y su conocimiento para crear cerámica utilitaria de alta calidad y con una estética que sintetiza tradición y contemporaneidad. Parte importante de su filosofía es el diseño consciente y el comercio justo, de esta manera buscan estrategias para reducir el impacto ambiental en sus procesos de producción y una comercialización equitativa, apoyando el desarrollo económico y social de las comunidades.

Polvo Somos es un proyecto interesante por su carácter simbólico, la experiencia que emite y la creación de nuevas tipologías. Polvo Somos son urnas funerarias de barro que no sólo contienen la cenizas, sino que a partir de éstas se puede dar color a los recipientes. El usuario elige la urna que desee, escoge el pigmento que tendrá y lo deposita en un tubo, posteriormente se combinan las cenizas con el color y se formula el esmalte, después el usuario recibe la urna. Se trata de un proyecto experimental y colaborativo, pero es esto lo que lo hace especial.

En México hay un sin número de empresas o estudios de diseño que se especializan en cerámica, sin embargo, no había observado hasta ahora el alcance que la cerámica y el barro pueden tener y no sólo para hacer objetos decorativos y recordarnos la mexicanidad del material. Por esta característica despegada de la tradición ceramista, es que lo elijo como lo mejor del diseño en nuestro país en este 2013.

 

UNWOUND Y LA TRASCENDENCIA DE LO ORDINARIO

Posted by Sandra Reyes

Por Pablo Cordero / @sugarskull12

Cuando Unwound, trío post-hardcore originario de Washington, anunció su disolución en abril de 2002, Mike Simonett, propietario del sello discográfico Troubleman Unlimited, escribió, “Unwoundfue una de las bandas más vitales e influyentes de los 90, y su último disco fue una obra maestra. Sólo que ustedes aún no se enteran.” No carecía de razón. El disco en cuestión, Leaves Turn Inside You (2001) es una de las joyas ocultas del cambio de milenio, un disco doble que conjuga las dimensiones épicas del post-rock de bandas como Godspeed You! Black Emperor o Mogwai con la inmediatez emocional del punk. Y el mundo sigue sin enterarse: más allá de un grupo pequeño y devoto de seguidores, el legado de Unwound parece haber quedado en el olvido.

La disquera Numero Group pretende reparar esa injusticia con el ambicioso proyecto de reeditar toda la obra del grupo en cuatro box-sets, prescindiendo del formato CD a fin de publicar la música en discos de acetato y mp3. Kid is Gone es el primer volumen del proyecto, una caja de tres LPs de magnífica presentación (impresiones de tinta negra sobre cartón, de estética evocativa y profundamente punk) que documenta el surgimiento y consolidación del potente trío.

El primer disco inicia con grabaciones extraídas de su primer demo, grabado en 1991. Tocaban entonces un hardcore agrio y agresivo, con Justin Trosper desgarrándose la garganta sobre los veloces y entrecortados ritmos del baterista Brandt Sandeno. El resultado es potente pero algo genérico, y en ocasiones se percibe la influencia de Nirvana, nativos al igual que Unwound de Olympia, Washington. Pero al llegar al instrumental que concluye la primera cara del disco, “Crab Nebula”, se vislumbra por primera vez (como señalan los músicos en las notas que acompañan al disco) la personalidad emergente de Unwound, la combinación entre ritmos matemáticamente precisos y controlada discordancia guitarrística.

 

“Crab Nebula”

 

El segundo disco contiene el disco homónimo de la banda, grabado en 1992 pero publicado hasta 1995. Unwound era para entonces una banda mucho más efectiva e interesante. Sin abandonar el espíritu punk, la música adquiere matices vanguardistas, con guitarras disonantes que remiten a Sonic Youth. En temas como “Kid Is Gone”, “Antifreeze” y “I’d Die to Know You”, la banda recorre una cantidad sorprendente de territorio sonoro; las canciones poseen una complejidad estructural tal que logran realizar auténticos recorridos narrativos pese a durar en su mayoría menos de tres minutos. El tercer disco contiene grabaciones en vivo que superan en intensidad y brutalidad a sus discos de estudio, si bien pierden algo de claridad en el proceso.

 

“Kid Is Gone”, tema que da título a la compilación

 

Aunque la banda no alcanzaría la plenitud de su potencial hasta más adelante, el material contenido en Kid is Gone no sólo resulta interesante en el contexto de la historia de Unwound; se trata, simplemente, de excelente música punk.

El libreto que acompaña al disco incluye una extensa y detallada biografía de la banda durante ese periodo. En su historia no aparecen llamados a la grandeza ni ambiciones artísticas desmedidas, sólo viñetas sobre un grupo de jóvenes que encontraron en el rock una manera de enfrentar su sensación de insuficiencia y falta de pertenencia. Es una historia que ha sucedido miles de veces y se seguirá repitiendo, pero parte de la belleza de Kid Is Gone yace ahí: nos recuerda que por cada estrella de rock existen miles de personas comunes que por medio de la música aspiran a alcanzar algo trascendente. Y ellos también merecen que su historia sea contada.

 

Top 06: Los mejores diseñadores de 2013

Posted by Sandra Reyes

Por Victor Méndez / @vichoamino

Mucha actividad en este 2013. Diseñadores emergentes, diseñadores consagrados, no diseñadores. En fin. Esta lista enmarca a seis diseñadores que, sin ser los mejores, me parece que su propuesta se destacó en ciertos aspectos. Traté de elegir nombres nuevos o poco nombrados por diferentes medios de diseño, esto con el propósito de dar espacio a nuevas caras, aunque hay uno que es casi imposible no mencionar en lo mejor del año.

Los invito a que enriquezcan este top 06 y propongan más diseñadores con algún proyecto interesante, que por supuesto, hayan lanzado este año. Nos encantará tener más diversidad.

 

El pase de diapositivas requiere JavaScript.

 

01—Ferruccio Laviani, Good Vibrations

El primer seleccionado de lo mejor del 2013 es el diseñador italiano Ferruccio Laviani, con un proyecto por demás increíble. Good Vibrations es un armario en roble tallado artesanalmente, que evoca la era digital en la que vivimos. Por medio de una ilusión óptica, pareciera que se observa una imagen alterada frente a una computadora. ¿Un mueble más? Tal vez, pero lo que se rescata es que al verlo nos preguntamos, cómo lo hizo, y eso siempre se agradece.

02—Lina-Marie Köppen, Learn to Unlearn

La diseñadora holandesa sorprendió este año con el proyecto Learn to Unlearn, una familia de ocho objetos sin definiciones concretas. El desaprender algo deviene en un proceso de gran dificultad. Reconocer que algo no está funcionando adecuadamente puede nunca suceder. Estos objetos crean nuevas tipologías de uso y función y enseña que en el diseño las posibilidades son ilimitadas.

03—Nendo, Fold

Año con año la actividad creativa que presenta el estudio japonés, liderado por Oki Sato, incrementa. Este 2013 no fue la excepción y presentó más de 50 proyectos, entre productos, instalaciones y diseño de interiores. Pero sin duda uno de nuestros favoritos es Fold para Conde House, un estante que juega con los ángulos, orientados a la derecha e izquierda.

04—Bruce Mau, KnowCanada Photo App

Desde julio del 2012, el diseñador Bruce Mau inició el proyecto Know Canada, donde la consigna fue repensar la manera en que Canadá se presenta al mundo y crear una identidad actual a partir de ello. La propuesta toma las dos barras rojas de la bandera que actúan como contenedor de puntos de vista tan diversos. Este 2013 salió la aplicación en donde las imágenes que se comparten traen esta identidad gráfica.

05—Earnest Studio y Dana Cannam Design, All of a Piece

All of a Piece es una serie modular para la mesa que funciona como centro de mesa o como un mantel individual, las posibilidades que presenta son variadas, y esto porque cuenta con un sistema magnético invisible. Además es posible agregarle luz para generar una atmósfera agradable. Sin duda de lo mejor de este año, que además fue presentado en la Dutch Design Week.

06—LMBRJK, Sadl Stool

El estudio de diseño creado por Jon Kleinhample con base en Bélgica diseñó un banco que experimenta con las clásicas técnicas de producción. Se busca hacer físico el concepto de la madera digital, a través de cortar en láser pedazos de madera –cerca de 80 piezas-, para después ensamblarlos y que esta unión responda a crear un objeto funcional para sentarse, y conjugar la ergonomía y la estética.

 

 

WHITE LIGHT/WHITE HEAT: LA BIBLIA NEGRA DEL ROCK

Posted by Sandra Reyes

Por Pablo Cordero / @sugarskull12

Existe un antes y un después de The Velvet Underground & Nico (1967), uno de los discos más influyentes e importantes en la historia del rock, pero un año después de la edición y estrepitoso fracaso comercial de este disco, el cuarteto integrado por Lou Reed, John Cale, Moe Tucker y Sterling Morrison, ya sin la ayuda de su célebre padrino Andy Warhol y la enigmática chanteuse Nico, grabaron el que sería su disco más osado y radical, White Light/White Heat, ahora reeditado en una hermosa “45th Anniversary Special Edition” que contiene tres CDs.

La lujosa caja, anunciada desde hace meses, adquiere un significado seguramente distinto a su intención original por el hecho de salir al mercado a poco tiempo de la lamentable muerte de Lou Reed. La oscura potencia que emanan la imperturbable voz y volcánica guitarra de Reed en estas grabaciones exhibe abundantemente el por qué su legado le sobrevivirá durante un largo tiempo.

White Light/White Heat es una obra exquisita en su concepción, estructura y ejecución. Está compuesto por seis piezas, cada una de ellas distinta y complementaria. El tema que arranca y da título al disco es un febril ramalazo de proto-punk en el que Reed describe los efectos de la metanfetamina, con sus palabras pero aún más efectivamente con las opresivas capas de distorsión que emanan de sus amplificadores. “The Gift” empata una perversa y sensual base instrumental con una grotesca historia de terror recitada con perfecto humor negro por la educada voz de John Cale. Cale y Reed cantan a dueto en “Lady Godiva’s Operation”, cuya base rítmica proto-industrial subyace una melodía exuberante, vehículo para otra oscura historia, sobre una mujer a la que se le practica una lobotomía. Terminando la primera cara del disco con perfecta incongruencia, “Here She Comes Now” es una canción de amor engañosamente sencilla, que quizás esté dedicada a la guitarra de Reed. Es el tema que Nico habría cantado en el disco, de no haberse disuelto la relación artística con la alemana.

 

“White Light/White Heat”, tema inicial del disco

 

La segunda mitad del disco es, sorprendentemente, aún más intensa. “I Heard Her Call My Name” es el rock llevado a un paroxismo de tensión y furia, con la chirriante guitarra de Reed trazando puentes entre el free-jazz de Ornette Coleman y los ritmos primitivos de Bo Diddley. “Sister Ray”, la pieza final del disco, es para el autor de estas líneas la mejor canción de rock jamás escrita. La banda, consciente de la magnitud y exigencia de la pieza, acordó de antemano grabarla en una única toma, en vivo, y aceptar cualquier desperfecto o error que ocurriera durante la grabación. El resultado fue tan exitoso que ninguna de las múltiples versiones en vivo que existen de la pieza logra superar la publicada en el disco. Construida sobre el ritmo brutal y maquinal de la baterista Moe Tucker (quien en puntos estratégicos de la canción duplica y luego cuadruplica el tempo), “Sister Ray” exhibe una desbordante creatividad instrumental. Sterling Morrison, uno de los mejores guitarristas rítmicos del rock, logra mantener la atención del escucha ejecutando apenas tres acordes durante los más de diecisiete minutos de la canción. La guitarra principal de Reed y el órgano distorsionado de John Cale ejecutan un complejo diálogo, con Reed tocando líneas pentatónicas blueseras que generan una fricción armónica con las coloraciones modales neoclásicas de Cale. Sobre esta brutal mezcla, Reed canta una sórdida historia cuyo desarrollo dramático se ve reflejado en la complejidad de la música.

 

Célebre versión en vivo de “Sister Ray” grabada en 1969 y conocida como la “Guitar Amp Tape” por haber sido grabada a pocos metros del amplificador de Lou Reed

 

En esta edición, el disco aparece mezclado en stereo y mono; la vibrante mezcla monofónica resulta particularmente potente. Las canciones extra, grabadas durante la última sesión del grupo con John Cale, quien les dejaría antes de terminar el año, se apartan totalmente del sonido del álbum, reemplazando las distorsiones y agresividad por un retorcido espíritu pop. “Temptation Inside Your Heart” es un divertido y muy personal acercamiento al R&B, “Stephanie Says” es una balada exquisitamente bella que Reed recuperaría años después para su obra maestra Berlin, y “Hey Mr. Rain” es una hipnótica adaptación al formato de canción pop de los principios adquiridos por Cale durante sus estudios con compositores como Terry Riley y John Cage.

El tercer CD, grabado en vivo en 1967, incluye musculosas versiones de varios clásicos del grupo, así como una tercia de temas inéditos de gran calidad, que sin embargo no habrían tenido cabida dentro del perfecto balance de White Light/White Heat.

Si bien el precio de esta edición de lujo disuadirá a todos excepto los seguidores más devotos del grupo, cualquier oportunidad de escuchar de nuevo White Light/White Heat subraya el hecho de que se trata de una de las máximas obras maestras de la música popular del siglo XX, y cualquier persona que tenga un interés real en el rock debería tenerlo entre su colección.

 

LA ACTUALIDAD DE LO BELLO (PRIMERA PARTE)

Posted by Sandra Reyes

Por Andrés Reyes / @MrIntra

A lo largo de la historia de la estética han existido personajes que han trascendido en ésta por sus importantes aportaciones. Sin duda uno de estos es el filósofo alemán Hans-Georg Gadamer (1900-2002) quien absorbió la base fenomenológica y hermenéutica de su mentor, Martin Heidegger (1889-1976), para perfeccionarla dentro del seno mismo de la estética. De esta manera, re-contextualizó la concepción misma de la obra de arte en relación con el espectador quien según Gadamer, se observa a sí mismo dentro de ésta.

Definitivamente, en cuanto a arte refiere, su texto icónico es Die Aktualität des Schönen traducido al español como La actualidad de lo bello. Este libro, publicado en 1974, es un intento de Gadamer por establecer un puente ontológico entre el arte del pasado y el arte del presente, y que de paso, como bien señala Rafael Argullol en el prólogo, vincula el arte con la filosofía de manera tajante.

El texto parte de una premisa muy clara, un total desacuerdo en cuanto a cómo se ha entendido la tesis de Friedrich Hegel (1770-1831) con respecto a la muerte del arte. Para Gadamer, ésta no refiere a un rompimiento sino a un cambio de paradigma en cuanto a la justificación epistemológica del arte; pues al ya no poder estar justificado por el cristianismo, citando al filósofo alemán, el arte moderno “aparece necesitado de justificación”. Por lo tanto, desde esta perspectiva, no existe un rompimiento entre el pasado y el presente, ambas manifestaciones son arte en todo el sentido de la palabra, por lo que se les debe considerar conjuntamente. Y para concretar la conjunción, propone que la filosofía, y no la religión, debe ser ahora quien proporcione la justificación del arte, por lo que es “tarea de los filósofos discutir por qué la conciencia histórica y su nueva reflexividad se enlazan con la pretensión irrenunciable de que lo que vemos esté ahí y nos interpele de modo inmediato, como si nosotros mismos fuésemos ello”. Para esto nos presenta tres conceptos sobre los cuales debemos repensar el arte moderno: el juego, el símbolo y la fiesta.

El aspecto lúdico refiere al constante dinamismo en el devenir del arte, pues según el autor, en éste refleja el impulso motor que no tiende a un final o una meta, sino a un movimiento de vaivén que se repite continuamente. Sumado a esto, señala que el jugar “exige siempre un jugar-con”, lo cual podría ser una de las aportaciones más importantes de la estética gadameriana, pues anexa al espectador en la construcción ontológica del arte cuando señala, “el espectador es, claramente, algo más que un mero observador que contempla lo que ocurre ante él; en tanto que participa en el juego, es parte de él”.

 

 

 

 

Autorretrato apropiado de María José Alós

Posted by Sandra Reyes

Autorretrato apropiado obra autobiográfica de María José Alós, es una exposición que se presentará en el Laboratorio Arte Alameda hasta el domingo 16 de febrero de 2014. En esta ocasión la artista, por medio de la apropiación cinematográfica, construye un discurso que indaga los temas de construcción de identidad, el género, la memoria y la escritura del recuerdo. El filme construido a través de una narrativa no lineal y una estructura fragmentaria —en “pedazos”–, se aleja de los géneros cinematográficos tradicionales; a cambio se apropia de varios para producir una especie de género híbrido que juega con lo documental, lo experimental, la ficción y found footage.

Por medio de la noción de apropiación, María José Alós ve distintas posibilidades en su obra: «puedo homenajear a los autores que me gustan, puedo reutilizar imágenes y sonidos que ya están hechos y también puedo hablar de mí a través de ellos”. 

 

 

 

 

 

2013: Lo mejor del año en la escena del diseño internacional

Posted by Sandra Reyes

Por Victor Méndez / @vichoamino

 

 

No es tarea sencilla decidir qué propuesta o qué trabajo es el mejor del año a nivel internacional. Hay tanta actividad que resulta difícil determinar el proyecto que se lleva el 2013. Además que, lo que observamos en blogs de diseño, revistas o incluso redes sociales son sólo pequeños guiños, no tendríamos el tiempo para revisar o saber de todo lo diseñado en un año. Pero de lo que sí estamos seguros es que cada vez los proyectos sorprenden gratamente, esto por el avance tecnológico, el aprovechamiento de nuevos procesos y la necesidad por presentar objetos y servicios innovadores y que incluso, ofrezcan una experiencia, más allá de su funcionalidad.

¿Qué determinaría a algo como mejor que otro? La respuesta es muy compleja, en términos que se tendría que poner en igualdad de elementos propuestas que no tienen nada en común. La comparación entre una silla hecha en impresión 3D y un objeto que puede determinar si se padece alguna enfermedad no sería muy objetiva. Tomaríamos la estética contra la funcionalidad, dos cosas que deben estar conjuntas pero que entre la una y la otra, el peso de la primera característica es mayor que de la segunda y viceversa. Es por esto que elegir uno entre miles es como si se decidiera a quién queremos más de nuestros padres.

Me referiré a un proyecto en particular que fue presentado en un evento repleto de otros trabajos. El mejor diseño del año es Thermobooth, dentro del marco del Vienna Design Week, el mejor evento de diseño a nivel mundial este 2013. La diseñadora Talia Radford, del despacho de diseño TaliaYstudio, junto con el artista Jonas Bohatsch, reinterpretaron la cabina fotográfica, que ahora responde a la interacción humana. Thermobooth es un sistema de espejos circulares que se elevan sobre tubos delgados y que actúan como obturadores que se activan por el contacto térmico entre dos o más personas. OLED, la tecnología detrás de este proyecto, es un mecanismo que reacciona cuando la piel entra en contacto con otra, así se toma una fotografía instantánea de baja calidad y se imprime en papel. Concebida como una exploración de las implicaciones emocionales de la electrónica, Thermobooth no busca la calidad de las imágenes, sino la experiencia y la motivación de interactuar con esta nueva tecnología.

Rescato esta última idea en la que la experiencia, más allá de la estética e incluso la función, es la verdadera esencia de un producto. Además que el juego dinámico de acercarse con el otro y que a partir de ello suceda algo es regresar a lo que ya no se hace, interacción.

La semana de diseño en Vienna presentó proyectos igual de interesantes que el anterior y dejó descubrir tendencias para el 2014: experimentación, diseño local y mayoritariamente social.

 

PRIMER FESTIVAL DE ARTE-FACTOS SONOROS

Posted by Sandra Reyes

Por Melissa Roura / @roura_melissa

El pasado sábado 14 de diciembre tubo lugar el Primer Festival de Arte-factos Sonoros en el área verde del Centro Nacional de las Artes, en donde quince participantes pudieron exponer su obra sonora de artefactos con bocinas acomodadas en un gran círculo que abarcaba una gran zona verde del CNA. El coordinador y curador Arcángel Constantini fue el creador del proyecto y el Festival Luces de Invierno lo albergó.

El Festival Luces de Invierno pretende en unos años llegar a ser un festival grande e importante en la ciudad de México. Siendo su primer número, y con el gran programa que ofreció, hubo bastante público y con los años se esperará aún más. Dentro de él tuvo lugar el paisaje sonoro que dejó a mucha gente llena de intriga y de ánimo ante esta forma de hacer sonidos. El propósito del evento era exponer obras sonoras que tuvieran de por medio objetos de la cotidianidad y experimentar con ellos nuevas sonoridades.

Los quince trabajos fueron completamente distintos y entre ellos se encontraban Daniel Lara, quien nos cuenta de su trabajo que no tiene nombre, es una improvisación: «Es una instalación en donde instalé varios metrónomos, hechos a manos con caseteras y con tornamesas, que emiten una señal análoga y esa la procesamos por micrófonos y éstos llevaban el sonido a una mezcladora dándole un compás, y todo esto llegaba a un sintetizador que interpretaba los clics y se convertía en una caja de ritmos».

También, en otra mesa, Leslie García nos comenta acerca de su obra Pulsum Plantae: «Es un controlador de sonido que funciona con el micro voltaje que viene de las plantas, ese micro voltaje pasa por un amplificador operacional que le permite después a una computadora leerlo y con un programa de sonido se puede interpretar ese voltaje a un lenguaje sonoro».

También pudimos platicar con el director del festival y muy importante artista sonoro mexicano Arcángel Constantini acerca de la obra que presentó ahí mismo en el festival y nos contó: «Yo estoy presentando varias piezas, pero una de ellas se llama Ocho por ocho om sobre un bit, y son unos microcontroladores que generan un algoritmo binario, un bit, un pulso cuadrado que se emite a una bobina y genera un campo electromagnético variable y esta señal llega a otras bobinas pequeñas de inducción y lo transforman a electrones y luego de electrones a sonido».

 

EL TRIUNFO SORPRESIVO DE BEYONCÉ

Posted by Sandra Reyes

Por Pablo Cordero / @sugarskull12

Al momento de escribir esto, Beyoncé, quinto disco de la texana Beyoncé Knowles, tiene apenas cinco días de haber sido publicado, tiempo que le ha bastado no sólo para llegar al primer lugar de las listas de popularidad de Billboard, sino también para romper el record de más discos vendidos en la primera semana de ventas en la historia de iTunes. El logro resulta más notable tomando en cuenta las circunstancias que lo rodean; el disco apareció sin ningún tipo de publicidad previa, se vende exclusivamente por iTunes, y además salió a la venta en viernes, por lo que sólo tuvo tres días para romper el record de ventas semanales.

Su formato, además, resulta inusual; cada una de las canciones del disco cuenta con su propio videoclip, y si bien artistas tan dispares como Eurythmics, The The y Liars ya habían manejado el concepto del “video album” con anterioridad, Beyoncé es el primer ejemplo en lograr semejante éxito comercial.

Más allá de las circunstancias peculiares que hacen de este disco todo un suceso, ¿qué podemos decir de su contenido? En primer lugar, no contiene ninguna melodía tan inmediatamente atractiva como “Crazy in Love” o “Single Ladies”. El disco no está dirigido a las pistas de baile; sus 14 canciones exhiben un pop maduro y mesurado, con bases de electro-funk minimalista. La voz de Beyoncé es un instrumento exquisito; profunda y acariciante en sus tonos graves, dulce y seductora en sus registros más altos.

La temática de las canciones es personal. Dos de las canciones más memorables, “Drunk in Love” y “Rocket” se refieren explícitamente a la vida sexual de Knowles con su marido Jay Z (el verso inicial de “Rocket” dice “Let me sit this ass on you/Show you how I feel”). Otro tema recurrente es el feminismo y la identidad de género; en la inicial “Pretty Hurts” habla sobre los ideales de belleza impuestos por los medios, mientras que “***Flawless” incluye un discurso sampleado de la autora feminista Chimamanda Ngozi Adichie.

 

Videoclip de “Drunk in Love”

 

El elemento visual del disco resulta menos interesante. Aunque bien realizados, los diecisiete clips nunca trascienden su carácter de videos promocionales, estéticamente atractivos pero poco inspirados. Aunque existen imágenes memorables, como los cuerpos desnudos cubiertos por telas en la inquietante “Ghost”, dichas imágenes nunca convergen en un discurso coherente.

 

Videoclip de “XO”

 

En conjunto, Beyoncé es un buen disco de pop, excelente de inicio pero flojo en su segunda mitad (de la que sólo se rescata la extática “XO”), acompañado por un conjunto mediocre de videoclips. El ingenio mercadotécnico de la diva de Houston hizo de este producto una sensación, pero sólo el tiempo dirá si su valor estético logra trascender sus récords de ventas.

 

Suscríbete a nuestro
NEWSLETTER

Da click si eres mayor de 18 años y aceptas nuestros términos y condiciones.