Archivo para el noviembre, 2013

TOP 06: Exposiciones decembrinas

Posted by Sandra Reyes

Por Andrés Reyes / @MrIntra

Ya con el fin de año en puerta, algunas instituciones museísticas se preparan para recibir el 2014 con exposiciones nuevas. Conoce nuestras recomendaciones en este top 6 sobre la escena artística para este fin de año.

01— Manierismo: el arte después de la perfección

El próximo seis de diciembre, el Museo Nacional de San Carlos presenta la exposición Manierismo: el arte después de la perfección. Se trata de una muestra que evoca aquella corriente artística que prevaleció durante el Alto Renacimiento italiano durante el siglo XVI, en donde el arte tomó forma “a manera de” tras la influencia de los grandes artistas renacentistas como  Michelangelo Buonarotti. Como ya es costumbre, esto representa una nueva oportunidad para los curadores del San Carlos de renovar y refrescar las miradas en torno a la colección del museo. Manierismo: el arte después de la perfección estará presentándose hasta finales de mayo del siguiente año.

02—Poemas feos para todos 

El Museo Universitario del Chopo presenta para este fin de año la exposición Poemas feos para todos, primera muestra individual en México del multifacético artista holandés Dick Verdult. Curatorialmente, la exposición es un poema visual en donde se busca despertar la curiosidad del público a partir de la interacción multi-sensorial con la muestra y los espacios que ésta recrea. Poemas feos para todos se aleja del concepto de la exhibición academicista para buscar así adentrarse en territorio neutral apelando a la imparcialidad del público mexicano. Estará abierta al público hasta el 02 de marzo del siguiente año.

03—Conquistando y construyendo lo común

El pasado veintiocho de noviembre se inauguró la muestra Conquistando y construyendo lo común de la artista croata Andreja Kuluncic en el Museo Universitario de Arte Contemporáneo. La exposición parte de la residencia que realizó Kulunic en nuestro país hace dos años durante la cual colaboró con distintas programas de investigación con diferentes instituciones mexicanas. La muestra gira en torno a la pregunta sobre el rol del museo en el espacio social, así como la capacidad del arte para reflexionar sobre prácticas sociales marginales. Se estará presentando hasta febrero del 2014.

04— Polvo

El Museo de Arte Carrillo Gil presenta la exposición titulada Polvo, nueva propuesta de Guillermo Santamarina para el gabinete multimedia del museo. Se trata de un desdoblamiento poético de la historia del polvo tratado desde distintos acercamientos en torno a la ausencia, pues lo transitorio expresado a través de la ruina del olvido es que posibilita la persistencia de lo efímero. La exposición estará abierta al público hasta finales de enero del siguiente año.

05—Louise Bourgeois: Petit Maman. 

Esta muestra se  inauguró el veintiocho de noviembre en el Palacio de Bellas Artes. Es la primera exhibición individual de Louise Bourgeois en México, quien a pesar de haberse presentado ya colectivamente en nuestro país, no había tenido la oportunidad de hacerlo en solitario. La exposición estará conformada por setenta y cinco obras inéditas del periodo mas reciente de la obra de Bourgeoise, de entre las que destaca Maman la araña gigante que interviene la explanada central en frente del palacio y con la cual la artista francesa reflexiona en torno a la figura materna. La exposición se estará presentando hasta marzo del siguiente año.

06—La divina proporción en la obra de Franco Maria Ricci y Massimo Listri

Esta exposición recién inaugurada el pasado veintinueve de noviembre, representa un homenaje que rinde el Museo Nacional de San Carlos a dos figuras trascendentales de la edición, el diseño y la fotografía: Maria Ricci y Massimo Listri. Integrada por mas de ciento treinta piezas, esta muestra busca reflejar cómo a través del apego al concepto clásico de la divina proporción es que estas figuras representan una  resistencia al avance tecnológico contemporáneo que amenaza con desacralizar los cánones establecidos.

 

 

 

TOP 06: Música y pasión

Posted by Sandra Reyes

Por Melissa Roura / @roura_melissa

 

01—Så Som i Himmelen (Así en la tierra como en el cielo)

Director: Kay Pollak.

País Suecia, 2004.

La música sólo puede comprenderse cuando sale del corazón. El sonido sólo puede escucharse cuando uno tiene los oídos bien abiertos y el alma dispuesta. El amor a la vida, el amor a la gente, el amor y enamoramiento y las cosas bellas de la vida pueden surgir siempre y cuando exista un motor que lo haga arrancar. Daniel Daréus, un director de orquesta famoso, logrará sacar todo el amor y la vida de las personas de su pueblo natal, después de que, un inesperado acontecimiento lo obligue a llegar ahí. El caos se desatará porque las personas a su alrededor empezarán a soltar sus emociones más entrañables a partir de la música que Daniel les irá ofreciendo.

02—Departures  (Violines en el cielo)

Director: Yojiro Takita.

Japon, 2008.

Dianjo es un chelista que, por mala suerte, atraviesa por una pérdida de trabajo después de que la orquesta en la que toca se deshace. La vida lo llevará hacia un camino jamás esperado: encuentros con la muerte, muy de cerca, y experimenta la sensación de estar vivo a través de esta experiencia de vida. Las sensaciones, una sonrisa, un recuerdo… Todo esto se desborda dentro de su aventura, hasta que tiene que, al final, se encuentra frente a frente lo que desde la niñez había guardado en su corazón.

 

03—A late quartet (El último concierto)

Director: Yaron Zilberman.

23 agosto EE.UU, 2013.

Un cuarteto de cuerdas afamado atraviesa por la enfermedad de uno de los miembros. Entre discusiones y arreglos se van descubriendo cosas que no habían tenido la oportunidad de saber. El amor y la amistad se podrá ver reflejada a través de su música. El parkinson continúa invadiendo al personaje, el reto: decidir lo que sucederá. Lo difícil es la separación, después de muchos años de haber trabajado juntos, la idea de que el cuarteto puede desaparecer resultará sofocante.

 

04—Poulet aux prunes (Pollo con ciruelas)

Director: Marjane Satrapi, Vincent Paronnaud.

Francia, 2011.

Cinco años después de dirigir su primera película, Persépolis, Marjane Satrapi se lanza de nuevo al séptimo arte con la adaptación, esta vez con actores de carne y hueso, de otro de sus cómics más celebrados: Pollo con ciruelas. Ambientada en el Teherán de 1928, la historia nos cuenta cómo el amor puede destruir toda una vida. Nasser Alí tomará una decisión que partirá su vida en dos, después de buscar con desesperación el sonido perfecto de algún violín. Al final descubrirá, de alguna forma, que el sonido no proviene realmente del instrumento, sino de más allá, de ese «aliento» que la vida nos otorga. El final llega cuando el sabor de ese «aliento» desaparece.

 

05—Le concert (El gran concierto)

Director: Radu Mihaileanu.

Francia, Italia, Rumania, Bulgaria, Rusia, 2010.

Se dice que lo que bien se aprende nunca se olvida, y es lo que en esta película podemos ver. Los músicos que solían tocar en una orquesta de jóvenes, han dejado ese arte y ahora se dedican a diversas cosas, como plomería, carpintería, amas de casa, etc. Pero en sus corazones, la música no se ha escapado, aún vive dentro de ellos y en esta historia se verá cómo poco a poco se recupera, hasta que, al ofrecerles tocar de nuevo en un concierto, descubrirán si en verdad la llevan de corazón o si, tristemente, lo han olvidado.

 

06—Quartet (El cuarteto)

Director: Dustin Hoffman.

E.U.,2013.

La película transcurre en Beecham House, una residencia para cantantes de ópera retirados en la que el trío formado por Reggie, Wilf y Cissie organiza cada año un concierto para celebrar el cumpleaños de Giuseppe Verdi. La tranquilidad se verá alterada cuando, justamente, el amor, irrumpa la vida de los músicos. La película nos cuenta acerca de los recuerdos, de la melancolía y sobre todo del amor que no podemos dejar atrás.

 

GUILLERMINA BRAVO (1920-2013)

Posted by Sandra Reyes

Por Ximena Flores / @matitatierna

 

 

Entender la danza en México durante el siglo XX, sólo es posible a través del trabajo de aquellos que promovieron y difundieron el trabajo de los norteamericanos y los expresionistas alemanes en las escuelas dancísticas del país, que oscilaban entre la danza popular y los tablas gimnásticas.

Una de esas figuras fue Guillermina Bravo (1920-2013), alumna de Waldeen, heredó del artista alemán las formas del expresionismo y de Sokolov la técnica moderna de Graham. No sólo eso, sin adaptar formas, comprendió la tenacidad de las mismas para expresar y concretar la corriente de la danza moderna en México, sin caer en clichés o nacionalismos baratos.

Coreógrafa, promotora y maestra, Guillermina Bravo es pieza fundamental de la danza en el país, ya que su visión no abarcó sólo la creación, si no la investigación y la crítica, además de una educación completa para sus alumnos y bailarines.

En 1948 cuando funda la Academia de la Danza Mexicana y poco después “El Ballet Nacional”- hoy remplazado por el Colegio Nacional de Danza Contemporánea, ubicado en Queretaro- se lanza a la experimentación del lenguaje a partir del contexto artístico, social y político del país, logrando un estilo, que si bien podría considerarse nacionalista, poco tenía de ello, pues mostraba una visión crítica de su tiempo. Colaboró activamente con Chávez, Moncayo y Revuelta para la musicalización de sus obras, al mismo tiempo se nutrió del trabajo de bailarines nacionales y extranjeros que formaron su equipo de profesores y coreógrafos invitados.

Su obra, fue un claro proceso histórico que transito al mismo tiempo que la historia artística de México a partir de los años cincuenta. Influenciada primero por los temas nacionales y de vulnerabilidad social, a partir de los setenta, Bravo buscó una universalización en su obra a partir de lo local, es decir, la experimentación del movimiento en su raíz más profunda: La naturaleza humana.

Su trayectoria como coreógrafa y maestra influyó en las dos siguientes generaciones de artistas mexicanos (en los que se incluyen también los músicos y los dramaturgos). En 1979 recibió el Premio Nacional de Ciencias y Artes.

A principio de los años noventa vuelve a resurgir en la escena nacional cuando funda el Colegio de Danza Contemporánea en Querétaro, una de las primeras instituciones especializadas en la danza contemporánea fuera de la Ciudad de México, este paso, contribuyó a la descentralización de la disciplina, permitiendo que los bailarines y coreógrafos de la República tengan un lugar en la escena internacional.

Guillermina Bravo comenzó una danza infinita el pasado 6 de Noviembre. Su legado, sin duda, permanecerá en generaciones posteriores.

TESORO NAZI

Posted by Sandra Reyes

Por Andrés Reyes / @MrIntra

Es sabido por todos que durante el periodo en que los nazis estuvieron en el poder en Alemania, estos acumularon un enorme tesoro económico y material a partir del decomiso de bienes judíos. Lo que no nos imaginábamos es que parte de dicho tesoro fuera descubierto accidentalmente mas de setenta años después en una redada fiscal por evasión de impuestos. Se trata de una colección de mas de mil cuatrocientas pinturas que se creían perdidas y de las que ni si quiera existe registro alguno. El descubrimiento fue hecho durante una investigación fiscal por parte de las autoridades hacendarias alemanas durante el 2011, pero el caso fue divulgado públicamente hace algunos días por la revista alemana Focus, quienes develaron que Rolf Nikolaus Cornelius Gurlitt de ochenta años fue el encargado de ocultar la colección en su departamento.

Cornelius es hijo de Hildebrand Gurlitt (1895-1956), un importante y reconocido historiador de arte, quien irónicamente, después de haber sido retirado de sus deberes por exhibir -arte degenerado- (arte moderno) durante la década de los treintas, fuera uno de los escogidos por la “Comisión de explotación de arte degenerado” para convertirse en uno de los cuatro distribuidores de arte oficiales del tercer Reich. Por lo que durante el mandato de los nazis, se encargó de comerciar con las obras de arte confiscadas a judíos. Tras el fin de la Segunda Guerra Mundial, declaró que todas las colecciones que él resguardaba fueron destruidas por los aliados durante los bombardeos de Dresde en febrero de 1945, con lo que según él, evitó que fueran robadas por los rusos.

El gobierno alemán ha aceptado haber mantenido en privado el asunto por miedo al caos que se pueda generar con respecto al reclamo de las obras. No obstante Cornelius Gurlitt ha declarado que hará todo lo que esté en sus manos por mantener la colección que heredó de manos de su padre.

Hasta ahora se han dado a conocer solo algunos nombres de los artistas que conforman la colección de Gurlitt, entre los que destacan Marc Chagall, Otto Dix, Pablo Picasso, Emil Nolde, Henri Matisse, Paul Klee, Oskar Kokoschka, Franz Marc, Max Beckmann y Ernst Ludwig Kirchner entre otros. En conjunto se cree que la colección podría valer más de mil trescientos cincuenta millones de dólares. Reinhard Memetz, jefe de la fiscalía, señaló que las obras están en perfecto estado y se comprometió a publicar algunas fotos de las obras recuperadas en el transcurso de los próximos días.

 

TOP 06: HOTELES PARA PASAR EL FIN DE SEMANA

Posted by Sandra Reyes

Por Joyce Meneses / @Joyce_nmr

 

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Desde hace 13 años Carlos Couturier es socio fundador del grupo hotelero Habita. Este grupo tiene interés especial por el diseño y la arquitectura en ámbito de la hospitalidad e innovación que se puede ofrecer en el ámbito hotelero. Habita ha desarrollado una fórmula eficaz, sin embargo mantiene cada uno de sus hoteles con identidad propia y busca adaptarse o interactuar con su contexto inmediato.

01—Habita

Polanco, ciudad de México.

Habita es el proyecto debut del grupo, tardó alrededor de seis años en materializarse, es el primer hotel de diseño contemporáneo en la ciudad. El edificio de la década de los 50’s fue totalmente remodelado, dotándolo de una imagen moderna gracias a la imponente fachada de vidrio esmerilado. El proyecto de arquitectura y diseño interior estuvo a cargo de TEN Arquitectos, Enrique Norte y Bernardo Gómez Pimienta. La propuesta fue enriquecida por la obra de Jan Hendrix, Silvia Gruner y el diseño gráfico aporte de Frontespizio y Ricardo Salas. Es un hotel que incursiona y atrae la mirada internacional a la fresca propuesta de servicio hotelero de éste grupo.

02—Endémico

Valle de Guadalupe, Ensenada, Baja California.

Su nombre hace referencia a lo nativo o especifico de una región o ambiente, en éste caso en la región desértica al norte de Ensenada donde se ubica el hotel. El trabajo artesanal de la región y su entorno físico resultan únicos. Se crearon 20 habitaciones a manera de cabinas independientes lo cual brinda al usuario de privacidad y le genera una sensación de exaltación del entorno natural.

03—Deseo

Playa del Carmen, Quintana Roo.

Emplazado en la famosa Quinta Avenida, con un ambiente relajado y de diseño contemporáneo el hotel cuenta con 15 habitaciones distribuidas en dos pisos. Mientras la noche se acerca se puede disfrutar de la conversión de su terraza de relajación a una terraza lounge, ideal para socializar. El proyecto estuvo a cargo de Central de Arquitectura, Moisés Isón y José Sánchez, en cuanto a diseño de interiores la participación de Omelette de Héctor Galván, de Silvia Gruner hacen de este lugar el ideal para jóvenes que buscan un servicio personalizado.

04—Condesa DF

Condesa, ciudad de México.

Ubicado en una de las colonias con mayor vida nocturna y de ambiente joven, encontramos este hotel, proyecto de Javier Sánchez, el objeto era adaptar un edificio del neoclásico francés de 1928 a un hotel dotado de toda comodidad con un ambiente fresco y casual. Las intervenciones en arte estuvieron a cargo de Betsabeé Romero y el diseño gráfico a cargo de Ich&Kar

05—La Purificadora

Puebla, Puebla

Ubicado en el centro histórico de la ciudad de  Puebla, el cual fue declarado Patrimonio de la humanidad por la UNESCO, este hotel antiguamente en el siglo XIX fue una fábrica purificadora de agua, el proyecto de remodelación y adaptación estuvo a cargo del arquitecto Ricardo Legorreta y de Serrano Monjaráz Arquitectos, el arte fue provisto por Laureana Toledo y el diseño gráfico por Centro diseño, cine y televisión.

06—Downtown México

Centro Histórico, ciudad de México.

El proyecto de renovación de una residencia de estilo virreinal, antiguo Palacio de los Condes de Miravalle, en el Centro Histórico, da un toque único al hotel, ya que se mantienen los rasgos originales del edificio pero se adhieren a él un toque industrial. Cuenta con 17 habitaciones albergadas en un edificio antiguo pero dotadas de modernidad con los detalles y las amenidades que brinda. El proyecto arquitectónico fue por Cherem-Serrano Arquitectos y el diseño gráfico por Sociedad anónima.

 

¿QUÉ TE GUSTA DE LA ROMA Y LA CONDESA?

Posted by Sandra Reyes

Este fin de semana arranca la 11 edición del Corredor Cultural Roma Condesa, un proyecto emprendido por Ana Elena Mallet que, a todas luces, ha prosperado con éxito. Te presentamos un muestrario de opiniones en torno a estas colonias llenas de vida.

 

 

¿A ti qué te gusta de la Roma y la Condesa? 

 

EL HERMOSO DOLOR DE CHELSEA WOLFE

Posted by Sandra Reyes

Pain is Beauty, el cuarto trabajo de la californiana Chelsea Wolfe, tiene algo en común con uno de los discos más celebrados del año, Silence Yourself de Savages; ambos muestran que, a 35 años de haber iniciado su carrera musical, la cantante británica Siouxsie Sioux sigue siendo una de las más grandes influencias para las mujeres creadoras de música de tintes oscuros. Sin embargo, Savages arropa el fraseo heredero de Siouxsie de su cantante Jehnny Beth con un nervudo post-punk tan similar a los primeros discos de Siouxsie & The Banshees que desdibuja la línea entre la inspiración y el plagio. Chelsea Wolfe, por su parte, adorna el tono oscuro y trémulo de su voz con una paleta sonora más variada e interesante.

Pain is Beauty es inconfundiblemente gótico en su estética; desde el maquillaje de Wolfe y la tipografía de la portada hasta las violentas e inquietantes letras de la artista (que afortunadamente se aleja de los tópicos más chabacanos del género). Sin embargo, su sonido no resulta monótono, pues a lo largo de sus doce cortes logra hacer referencia a distintas vertientes de la música gótica; la inicial “Feral Love” remite al EBM con su palpitante bajo sintetizado y percusiones electrónicas que hacia la mitad de la canción son reemplazadas por tambores tribales.

 

“We Hit a Wall”, versión grabada en vivo en Sonos Studio

 

“We Hit a Wall” (quizás el tema más memorable del disco), afila los amenazantes acordes de la guitarra de Wolfe para brindarle un matiz de desesperación a la melodía vocal. “House of Metal” edifica un paisaje sonoro a partir de suaves percusiones glitch, xilófonos y violines que gradualmente se enturbia y transmite una sensación de auténtica tristeza. “The Warden” mezcla con gran naturalidad un ritmo bailable con una orquestación casi barroca. “Destruction Makes the World Burn Brighter” parece una grotesca parodia de la música de los girl groups de los 50. “Sick” concluye la primera mitad del disco con una lenta y tormentosa melodía de perspectiva panorámica.

 

“Lone” y “House of Metal”, dos temas del disco, en versión acústica

 

En la segunda mitad del disco, más sutil y oscura, destacan los inquietantes ostinatos de “Ancestors, the Ancients” y los nueve épicos minutos de la climática “The Waves Have Come”.

La imaginería desoladora de los textos de Wolfe podría resultar agotante a lo largo de los 55 minutos de duración del disco, mas la cuidada producción y la variedad sonora hacen de Pain is Beauty un disco muy interesante, y no únicamente para los aficionados hardcore del rock gótico.

 

¡No me cuentes el final de la película!

Posted by Sandra Reyes

Por Abel Cervantes

¿Cuántas veces hemos participado en una conversación que concluye con un: “no me cuentes el final porque me echarás a perder la película”? Observar un filme es radicalmente distinto a escucharlo en la voz de alguien. Por lo demás, una cinta no puede ser reducida a su historia. Oír la trama como si se tratara de un cuento no tiene nada que ver con presenciar un discurso audiovisual donde los lenguajes de la literatura, la escritura, el teatro, la música, entre otros, se relacionan para ofrecer múltiples y, en ocasiones, complejas interpretaciones. Por mi parte, cualquier persona podría contarme una película completa y seguiría teniendo el mismo interés en ella. Incluso podría acrecentar mis deseos de verla.

En el ensayo Seis paseos por los bosques narrativos Umberto Eco explica su fascinación por Sylvie. Para el semiólogo italiano leerla una y otra vez engrandece la capacidad narrativa de Gérard de Nerval, porque en cada ocasión degusta los recursos formales que el escritor francés utiliza para crear ambientes o suscitar atmósferas inquietantes. Conocer la historia de una cinta permite observar sus cualidades estéticas y, en todo caso, juzgarlas y disfrutarlas desde un punto de vista crítico.

En una de las entrevistas incluidas en el formidable libro Las grandes entrevistas de la historia, selección a cargo de Christopher Silvester, Alfred Hitchcock explica su método preferido para mantener el suspenso. Digamos, comenta el director inglés, que tenemos una escena donde aparecen dos hombres conversando en un restaurante. De pronto estalla una bomba. El espectador experimentará una sorpresa que le durará algunos segundos. Ahora supongamos la misma situación, pero pensemos que el director le muestra al espectador que en el lugar hay una bomba. La tensión en el auditorio será mayor, pues tendrá los pelos de punta a lo largo de toda la secuencia sabiendo que en cualquier instante ésta puede detonar.

Reducir las cualidades de una película a su final demuestra que como público estamos todavía lejos de entender el lenguaje cinematográfico. ¿Hace menos interesante a Psicosis conocer que el asesino es Norman Bates travestido de su mamá? Por el contrario, la narrativa de Hitchcock adquiere mayor relevancia, a tal grado que uno puede disfrutar de este atemorizante relato una y otra vez. Y este ejemplo se puede aplicar a cualquier otro filme. Dejemos de asustarnos cuando escuchemos el final de una película que aún no hayamos visto.

 

BRASILIA

Posted by Sandra Reyes

Por Joyce Meneses / @Joyce_nmr

 

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La idea de generar una nueva capital para el país ya cruzaba la mente de José Bonifacio de Andada e Silva desde los primeros años del Siglo XIX, tiempo después en 1891 cuando se retoma la idea y se decide que en el Planalto Central se erigiría la nueva ciudad con un área de 14400 Km2, sin embargo el tiempo transcurrió y no fue hasta el gobierno de Juscelino Kubitscheck que todos estos planes al fin fueran tangibles, la ciudad tenía como objeto renovar la consciencia nacional mediante el desarrollo y ocupación de las regiones interiores del país buscando mostrar un signo de contemporaneidad en los nuevos rumbos políticos del país.

Goiás, fue el estado seleccionado para ubicar la nueva capital, la cual fue erigida con rapidez,  4 años de trabajo intenso, rindieron frutos al verse materializada Brasilia, planificada urbanamente por los arquitectos  Lúcio Costa y Oscar Niemeyer, quién además diseñara varios de los principales edificios en la ciudad. La ciudad finalmente fue la gran oportunidad de poner en marcha las teorías y los proyectos analizados durante el Movimiento Moderno, la Carta de Atenas, de  Lecorbousier,  se hace presente y rige en la concepción plasmando los siguientes conceptos: residencias bien ventiladas cercanas a los espacios verdes, la separación de las residencias de los lugares de trabajo, la industria debía ser colocada fuera de la ciudad de manera apropiada, generación de espacios exclusivos para las actividades culturales y la separación de la circulación de los vehículos de la circulación peatonal.

Los obreros fueron los primeros en habitar Brasilia, fueron los encargados de levantar edificios monumentales, símbolos de modernidad, entre ellos los Palacios de la Alvorada y de Planalto, la Catedral Metropolitana y la nueva sede del Congreso, con dos torres gemelas acompañadas por una semiesfera para el Senado y otra para la Cámara de Diputados. Materializaron también el lago Paranoá, destinado a incrementar la humedad de una zona casi desértica, el cual actualmente alberga casi la tercera parte de las embarcaciones deportivas del país; esto resulta un dato que llama la atención si se tiene en cuenta que la urbe dista 1.200 kilómetros del océano Atlántico.

La ciudad fue concebida inicialmente para  que 500,000 personas la habitaran, hoy día existe una realidad distinta pues cuenta con 2, 600,000 habitantes. Podría decirse que la ciudad tenía un planeamiento sólido, desafortunadamente tardo tanto en ser factible su materialización que muchos factores fueron pasados por alto y que hoy en día acaecen en la ciudad, se podría decir que actualmente la ciudad ha sido rebasada como sucede en todas las ciudades del mundo, la planeación una vez ideal para crear Brasilia hoy sufre fuertes estragos y lucha por solventarlos y mantenerse al día.

Los problemas principales como en toda ciudad es la errónea e insuficiente planeación de la movilidad, Brasilia fue pensada en el boom del automóvil, por lo que no es de extrañar que muchas de sus áreas son inaccesibles para el peatón.  La carencia de transporte ante una población en aumento es algo contra lo que lucha la ciudad, recientemente se ha dotado del servicio de metro y una fuerte inversión en el transporte público.

La brillante nueva ciudad atrajo a muchos habitantes, tanto que en tan solo le tomó diez años alcanzar su expectativa máxima de pobladores,  ante la insuficiencia los barrios sin planeación no se hacen esperar en los alrededores generando el aumento de los problemas de infraestructura y movilidad.

La ciudad es digna de reconocerse como un esfuerzo verdadero de planeación urbana, es así como en 1987 fue declarada Patrimonio de la Humanidad, sin embargo dista bastante de vivirse según la utopía, lo cual nos dice que nuestro ritmo imparable de crecimiento es nuestro reto más grande ante la posibilidad de vivir en tranquilidad y con una elevada calidad de vida, puesto que nuestros ideales contrapuestos, nos obligan a padecer las ciudades.

En palabras de nuestro recordado Oscar Niemayer: “Hoy en día se critica a Brasilia, se la acusa de ser inhumana, fría, impersonal. Vacía, en suma. No es culpa nuestra [de Lucio Costa y Oscar Niemeyer] si se ha convertido en víctima de las injusticias de la sociedad capitalista.”

La tarea en materia de diseño urbano es grande, las condiciones del mundo moderno y capitalista serán los principales obstáculos a vencer para poder aspirar a cubrir las necesidades de sus habitantes.

Bee’s de Susana Soares

Posted by Sandra Reyes

Por Victor Méndez / @vichoamino

 

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El pasado octubre se llevó a cabo en Einhoven la Dutch Design Week y entre los trabajos más destacados encontramos Bee’s de la diseñadora portuguesa Susana Soares. Pero, ¿qué es lo que hace interesante a este proyecto? Con la premisa de potencializar los sistemas biológicos de la naturaleza y utilizarlos para aumentar las capacidades perceptivas, se creó un dispositivo que puede detectar ciertas enfermedades, como el cáncer, utilizando abejas.

Las abejas, que siempre han estado rodeadas por mitos y verdades acerca de sus características animales, son entrenadas para identificar, por medio del olfato, biomoléculas asociadas con el cáncer de páncreas o la tuberculosis, sólo por mencionar algunas.

El sistema se compone de una cápsula de vidrio y a su vez se divide en dos cámaras: un espacio diagnóstico, el más pequeño, en donde el usuario exhala el aire; y una cámara más grande donde vuelan las abejas, previamente listas, para después introducirse en la primera, sólo en el caso de reconocer algún olor conocido.

El objetivo del proyecto es desarrollar una investigación que permita generar, mediante el diseño, sistemas que la gente pueda usar y le ofrezcan una mejor calidad de vida. Los científicos que han apoyado al proyecto aseguran que las abejas pueden diagnosticar con exactitud las primeras etapas de ciertas enfermedades.

Habrá que ahondar en el entrenamiento de estos insectos en contraste con su corta duración de vida, tan sólo seis semanas, sin embargo, me atrevería a decir que éste es el verdadero camino del diseño: proyectos que buscan resolver una necesidad, y que gracias a su esencia integral, se apoya de disciplinas más específicas, en este caso la medicina.

 

ÀNGELS MARGARIT

Posted by Sandra Reyes

Por Ximena Flores / @matitatierna

 

 

Àngels Margarit (1960) se consolidó como una de las coreógrafas más importantes en la actualidad, al recibir el Premio de Danza y Coreografía de Suiza por la obra From B to B en colaboración con Thomas Hauert.

El trabajo de Margarit se encuentra íntimamente ligado con las preocupaciones arquitectónicas contemporáneas, así como su visión particular del espacio, al que incluye como un bailarín más de su obra, y no un elemento más de la disciplina.

Sus dos primeras coreografías independientes Mudances —que además, dio nombre a su compañía— y Kolbebasar revelan su inclinación por el estudio de la perspectiva, la matemática y la arquitectura en el lenguaje corporal. Para Margarit el cuerpo funciona como un espacio en sí mismo transformado por “estados de ánimo determinados que al traducirse en movimiento provocan inercias y dinámicas distintas que van ordenándose sin transición, en mutua contraposición». La capacidad matemática de la obra de Margarit se encuentra influenciada directamente por el trabajo de los artistas norteamericanos de la segunda mitad del siglo XX (Cunningham en la danza, Laurie Anderson en la música), permitiéndole a la coreógrafa experimentar el lenguaje, el espacio y el tiempo desde una consciencia vivida y no potencializada de la danza.

La pieza El mar —el primer acercamiento de Margarit a la videodanza— nos muestra las capacidades del cuerpo que transita y transforma el espacio, como un pequeño guiño al cine de François Truffaut, Margarit explora el espacio que se transforma a partir del movimiento corporal, jamás vemos al bailarín salir al mar (como si lo hace Antoine de Los cuatrocientos golpes) pero sus mirada, sus pasos, nos hacen creer que allá irá.

La versatilidad de Margarit reside en su constante estudio del cuerpo como espacio, en obras como L’etad de la paciència trabaja con mujeres de todas las edades y las empuja a explorar sus propias cualidades para moverse en el escenario, unidas a través de un carrete de estambre, estas mujeres (bailarinas y conocidas de Margarit) disponen de sus propias herramientas para examinar ese espacio y esa historia que las hace comunes al espectador. Convertidas en múlticuerpo y manifestadas a partir del propio recurrir biográfico de Margarit y de sus experiencias en ese espacio que se vive y se palpa como ente.

 

POLIÇA Y LA DIALÉCTICA DEL SEXO

Posted by Sandra Reyes

Por Pablo Cordero / @sugarskull12

Al publicar su primer disco, Give You the Ghost (2012), Poliça, quinteto originario de Minneapolis, se estableció como una propuesta novedosa e incluso polémica dentro del terreno muchas veces inocuo del synth-pop. Si bien el denso entramado de sintetizadores es la principal herramienta estructural de su sonido, Poliça es una de las pocas bandas en activo que no sólo tiene dos bateristas sino que también sabe cómo utilizarlos; el denso y polirritmico trabajo de Drew Christopherson y Ben Ivanescu le da un toque humano e impelente a su sonido.

Sin embargo, el punto más característico, atractivo y a la vez divisionista de la personalidad sonora de Poliça es la voz de su cantante, Channy Leaneagh. Su timbre tiene poco que ver con cualquier otra voz femenina dentro del terreno del rock o la música indie, mas no sonaría fuera de lugar al lado de divas del R&B comercial como Alicia Keys. Junto con su fraseo naturalmente melifluo, Leaneagh emplea abiertamente el auto tune, sistema computarizado que corrige automáticamente cualquier fluctuación tonal en la voz. Esto le ha merecido críticas por parte de sectores más puristas del mundo indie, quienes consideran al auto tune como un recurso a priori inauténtico, mas la vocalista no parece emplearlo para cubrir falencias técnicas sino para adaptar su voz al fondo instrumental sintetizado.

 

“Chain My Name”, primer tema del disco

 

Shulamith, segundo disco de Poliça, refina el discurso de su primer trabajo sin alterar drásticamente su estilo. El nombre del disco hace homenaje a la feminista canadiense Shulamith Firestone, autora del tratado La Dialéctica del Sexo, a quien Leaneagh reconoce como una de sus mayores influencias. Las letras de Shulamith tratan abiertamente con asuntos de género, igualdad y política (con líneas tan desnudas como “No me gusta que le digas a los muchachos que yo soy tu chica” o “Tantas veces me has tocado en la oscuridad, pero creo que nunca me has oído llorar”), creando una interesante disonancia entre el contenido de las letras y el lustroso y sensual fraseo de la voz.

 

Video oficial de “Tiff”, descrito como “el retrato de una mujer como su propia peor enemiga”

 

Entre los temas destacables se encuentran la bailable “Chain My Name”, la amenazante “Very Cruel”, la exuberante “Tiff” (dueto con Justin Vernon de Bon Iver, cuyo violento videoclip es digno de verse) y los festines percusivos de “Vegas” y “Matty”. Por desgracia, no todos los temas del disco están a la misma altura, y a momentos se vuelve redundante e intrascendente. Sin embargo, Shulamith es una obra de atractivos contrastes, accesible y a la vez digna de análisis.

 

El Tianguis de C.A.C.A.O.

Posted by Sandra Reyes

La Cooperativa Autónoma de Comercio Artístico de Obras (C.A.C.A.O.) es la última propuesta curatorial del artista mexicano José Miguel González Casanova. Se trata de una exposición sui géneris que se está presentando en el Museo Universitario del Chopo, en la que se busca establecer formas horizontales en cuanto a la relación en los procesos de producción, distribución y consumo cultural, en el que se integren equitativamente la producción y el consumo, a través de distintas actividades paralelas a la muestra como talleres y conferencias.

Sumado a la muestra, los fines de semana se presenta el tianguis cultural C.A.C.A.O., en el que se ofrece al público la oportunidad de comprar, vender e intercambiar productos independientes por medio de un capital simbólico: el cacao.

La exposición estará abierta al público hasta el próximo 8 de diciembre.

 

POR EL PLACER DE VER ARTE, RODAR Y COMER

Posted by Sandra Reyes

En el marco del 11 edición del ya tradicional Corredor Cultural Roma Condesa, BiciGourmet y GASTV sumamos esfuerzos para ofrecerte un recorrido por galerías y restaurantes.

Gracias a todos nuestros amigos que siguieron de cerca la dinámica en Twitter para ganar los pases dobles y ser parte de  la celebración del 11 Corredor Roma Condesa.

Queridos ganadores, les recordamos que tantos ustedes como sus acompañantes, deben llevar su bici en buenas condiciones y asistir puntualmente el próximo domingo 1 de diciembre a las 11 am en nuestro punto de reunión en el Parque México (frente a la fuente de la Señora de los Jarrones). El recorrido terminará alrededor de las 4 pm.

¡Allá nos vemos!

 

DAS IST KEIN FLEISCH!

Posted by Sandra Reyes

Por Andrés Reyes / @MrIntra

 

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¿Qué es el dolor? Todos lo hemos experimentado y sin embargo pocos podemos representarlo verbalmente; bajo este paradigma es que Marisol Cal y Mayor, Erick Meyenberg, y Jorge Torres Sáenz han creado Das ist Kein Fleisch! (¡Eso no es carne!), pieza que responde a la imposobilidad y al fracaso certero de hacer visible el dolor. Se trata de una obra transdiciplinar que responde al perfile de sus creadores: un artista visual, un músico y una coreógrafa; por lo que a partir de la interacción entre lo visual, lo acústico y lo corpóreo, la obra se activa representando ese no-lugar develado en la paradójica frustración sobre la que se sustenta, rastreando así, a pesar de la negación, aquello que se escapa: el dolor.

El concepto de dolor del que se parte, es una reinterpretación de La escuela del dolor humano Sechuán, del escritor mexicano Mario Bellatin­ (1963), en donde el éste es un instante, un acontecimiento fugaz por lo que su aparente permanencia resulta en realidad en una representación del mismo.

La obra es presentada en dos modalidades, la primera como instalación multimedia a manera de registro de la segunda, un performance en vivo por parte de los artistas. Con esto, los  autores buscaron darle un sentido polivalente que extendiera los niveles de lectura de la misma, posibilitando además su presentación en distintos espacios como museos y salas de conciertos respectivamente. Según los autores, por más difícil que parezca, entre las dos versiones no existen paralelismos, por lo que recomiendan que  durante el período de exhibición de la versión multimedia, se presente a la par la versión performática, confrontando la obra consigo misma para evidenciar las diferencias.

Das ist Kein Fleisch! fue expuesta recientemente como parte del Festival Filux los pasados 7, 8, 9, y 10 de noviembre en el Laboratorio Arte Alameda.

 

Sólo Dios perdona

Posted by Sandra Reyes

por Abel Cervantes

 

 

Estamos en Bangkok en el tiempo actual. Julian (Ryan Gosling) y Billy (Tom Burke) viven en la capital de Tailandia traficando droga, aunque aparentemente se encargan de administrar un club de boxeo. Un día Billy enloquece y mata a una joven prostituta. Posteriormente el padre de ella lo asesina. A partir de entonces el relato se convierte en un duelo de venganzas entre Chang (interpretado magníficamente por Vithaya Pansringarm), un policía jubilado con una sorprendente destreza para aniquilar utilizando un sable, y Crystal (Kristin Scott Thomas), mamá de Julian y Billy, jefa de una mafia norteamericana cuya relación edípica orienta buena parte de la fábula.

Nicolas Winding Refn (Copenhague, 1970) —conocido por haber dirigido Bronson (2008) o Drive (2011)— acompasa los sentimientos de los personajes con la cadencia de la cámara. Las escenas que registran los acontecimientos llegan al espectador como dagas. Por lo demás, tanto las actuaciones como la fotografía son magníficas. Pero más allá de sus méritos técnicos y de su espléndida historia, Sólo Dios perdona sustenta sus mejores atributos en las emociones que se expresan a través de la plasticidad de sus imágenes. Un ejemplo. Julian está en una habitación. Una prostituta le amarra cuidadosamente las manos a un sillón. Inmediatamente después se sienta en una cama y comienza a masturbarse. La cámara se concentra en las manos y en el rostro de Julian. Y entabla un contracampo con la cara de la mujer. La secuencia finaliza con una toma donde se observa que los cuerpos de ambos personajes están más alejados de lo que aparentan. Así, la tensión sexual es producto de la iluminación,  la escenografía, la gestualidad de los protagonistas y el ritmo de montaje.

También se puede mencionar las desconcertantes escenas que siguen a los asesinatos. Admirado por sus compañeros policías, Chang toma un micrófono en una especie de canta-bar e interpreta tiernamente una canción. La secuencia es digna de la mejor imaginería de Alejandro Jodorowski, a quien está dedicada la película. Sólo Dios perdona, que se exhibe en la ciudad de México como parte de la Muestra Internacional de la Cineteca, es un crudo y violento relato cuya grandeza consiste en alcanzar una paradójica belleza formal.

 

It is what it is: The Other Market de Pablo Calderón Salazar

Posted by Sandra Reyes

Por Victor Méndez / @vichoamino

 

 

Provocar la reflexión. Esto es lo que el trabajo del colombiano Pablo Calderón Salazar busca dejar en los usuarios. Nuestra vida cotidiana gira entorno a objetos, pero algunos de ellos responden a un contexto pasado. Las condiciones económicas, sociales, políticas, culturales y ambientales del mundo actual deberían generar productos propositivos que lleven a analizarlos y criticarlos, una postura que sobresale en la escena del diseño, que además sufre una paradoja: es tan pobre como vasto.

It is what it is: The Other Market es un proyecto que en sí mismo cuesta definirlo. Podría decir que es una plataforma que se conforma de ciertos objetos y servicios cuya meta es explorar los límites del no diseño. Calderón Salazar, desde su formación de diseñador, construye puentes con diferentes personas para crear expresiones creativas espontáneas y así aprender de todos. El objeto es una carretilla móvil que se desplaza por toda la ciudad, donde se ofrecen, con el apoyo de un grupo de voluntarios, productos o servicios y a cambio los transeúntes tienen que contar una historia personal y plasmarla en un espacio de exhibición e interacción junto con las otras historias.

Es difícil comprender cómo ejemplos como éste pueden ser diseño, pero al final es un proyecto social que genera nuevas prácticas,  económicas en este caso, en el espacio público, pero que sobre todo cuentan una historia y replantean conceptos utilizados. Sin duda habrá que seguir de cerca el trabajo de este diseñador egresado de la Design Academy of Eindhoven, semillero de talento que a últimas fechas ha marcado una diferencia y ha creado un discurso más abierto del diseño.

 

ANNA CALVI: SEIS CUERDAS QUE QUITAN EL ALIENTO

Posted by Sandra Reyes

Por Pablo Cordero / @sugarskull12

Cuando la inglesa Anna Calvi publicó su disco debut homónimo en 2011 (un gran éxito en su país, prácticamente ignorado en el resto del mundo), nos dejó una sensación agridulce; por sus propios méritos, el álbum es un triunfo; atmosférico, dramático, visionario. Sin embargo, también deja la sensación de no mostrar el verdadero alcance del impresionante talento de Calvi; pese a contener sencillos de la magnitud de “Desire”, “Blackout” y “The Devil”, el conjunto resulta por momentos monótono y repetitivo. En su segundo disco, One Breath, Anna Calvi amplia su perspectiva y ofrece no sólo su primera obra maestra, sino uno de los discos imprescindibles del año.

 

“Eliza”, primer video promocional del disco

 

Lo primero que salta al oído al escuchar a Anna Calvi es su voz; oscura, potente e histriónica. Ella menciona entre sus influencias a Edith Piaf, Maria Callas y Captain Beefheart, y algo de todos ellos está presente en su imperiosa garganta. Pero también es necesario mencionar que ella es una de los guitarristas más virtuosos e importantes de la actualidad, de esos instrumentistas poco comunes que conjugan el dominio técnico de su instrumento con una aproximación verdaderamente original al mismo.

Sin embargo, el disco no gira en torno al lucimiento guitarrístico de Calvi; salvo pasajes puntuales (una línea circular, febrilmente ascendente, en “Eliza”; los chirriantes aullidos en “Cry” que parecen canalizar al sax de John Zorn a través de las cuerdas de su Telecaster; el ágil solo avant-rock de “Love of my Life”), hay poca evidencia de la rapidez de sus dedos. Sabiamente, One Breath pone énfasis en la calidad de las canciones. Aunque muchos temas (“Sing to Me”, “One Breath”) remiten al sonido vintage, cálido y atmosférico de su primer disco, también aparecen nuevos colores. “Cry” comienza como una cinemática torch song para después explotar en una tormenta de distorsiones en el coro. “Love of My Life”, con su pesado riff en 10/8, remite a PJ Harvey sin imitarla. “Suddenly” y “Eliza” envuelven sus atractivas melodías en arreglos bellamente orquestados. En distintos puntos, aparecen sutiles e interesantes toques electrónicos.

 

“Suddenly”, primer corte del disco

 

Anna Calvi es una de las artistas más prometedoras en el mundo de la música actual, y aunque pueden sonar exageradas afirmaciones como la del sitio web Consequence of Sound, que afirma que Calvi puede ser la próxima David Bowie o Nick Cave, One Breath demuestra que la guitarrista de 33 años no sólo tiene un futuro prometedor, sino que vive un presente esplendoroso. Altamente recomendable.

 

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