Archivo para el octubre, 2013

ASTAD DEBOO Y LA DANZA COMO MEDIO DE ENSEÑANZA

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Por Ximena Flores / @matitatierna

 

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Astad Deboo, maestro y coreógrafo de la India se encuentra en nuestro país en el marco del 41º Festival Cervantino con distintas sedes en el país. No es, sin embargo, la primera visita de Deboo a México, ya sea por giras, o bien por visitas de placer, Deboo ha pisado tierras mexicanas unas 18 veces. Un dato que podría pasar desapercibido hasta que se conoce su trayectoria y su trabajo en escena. La danza de Deboo tiene una connotación profundamente social. Sus bailarines provienen de entorno vulnerables o bien, sufren (o sufrieron en algún momento) algún tipo de riesgo social. Sus piezas evocan e interpretan estas situaciones de riesgo y las catalizan como medios de abstracción y cambio.

Su obra Interpretando a Tagore revisa el trabajo del poeta hindú Rabindranath Tagore (Nobel de literatura, 1913),  a través de las experiencias de sus bailarines, que en esta ocasión fueron niños rescatados de albergues en Bombay, Calcuta y Nueva Delhi que trabajó durante los últimos 13 años. Para Deboo la danza no es sólo un medio de expresión, es también enseñanza. Así como los antiguos escritos vedas y los estilos tradicionales de la danza en la India —en este caso el kathak—, el movimiento es un camino hacia la iluminación. Los movimientos del kathak influenciaron las danzas derviches,  gitanas y mongolas durante el siglo XVII y aún hoy son bailadas e interpretadas en la India. La importancia del Kathak está en la fuerza del giro que permite a los bailarines entrar en un estado de meditación. Ese momento de silencio producido por la danza posibilita el conocimiento y cuidado del uno mismo.

Deboo utiliza la influencia de la tradición hindú para posibilitar la rehabilitación social de sus bailarines. En el escenario sólo somos testigos de una parte de su trabajo, la verdadera fuerza del trabajo de este maravilloso coreógrafo está detrás, en el proceso. En sus diarios, Deboo habla de la danza como la vida misma, emulando así el trabajo del poeta Tagore:

 

No te atormentes por su corazón, corazón mío; conténtate

si la música es verdadera, aunque no se pueda fiar en la palabra;

disfruta de la gracia que danza, como un lirio, sobre la mentirosa

superficie ondeante, y sea lo que fuere de lo que vive allá en el fondo.

Rabindranath Tagore, “Gitanjali”.

Design Week México 2013

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Joyce Meneses / @Joyce_nmr

 

DESIGN WEEK MEXICO

 

La semana del diseño es un acontecimiento que se celebra en diversos países tras la inquietud de potenciar, exponer y difundir el diseño entre profesionistas y público en general. Desde 2009, oficialmente México toma parte en este movimiento, gracias a la inquietud de algunos visionarios que buscan que el país mantenga posición y sea competitivo en materia de diseño; de esta manera profesionales y apasionados de la arquitectura, el diseño industrial, el gráfico y el diseño interior se han ido sumando en el transcurso de estos años para hacer posible el DWM. En esta ocasión el tema fue el papel de la mujer en el diseño, además de tener como huésped invitado a Brasil, mostrando su escuela de diseño.

Claramente este tipo de eventos, aunque accesibles a muchos como espectadores, realmente da cabida a pocos de manera participativa; sin embargo esto no es una cuestión negativa, el fenómeno simplemente debe ser evaluado por el objetivo para el que fue creado y fungir como un ejemplo de organización y autopromoción. Entonces, como ejercicio debe trascender y trasladarse a otras células con el fin claro de reproducirse.

Hoy día, los apasionados del diseño se encuentran en pleno; la difusión es viable, las tecnologías suman posibilidades a la creación y permiten con mayor facilidad la conectividad y el enriquecimiento; por tanto el trabajo individual del diseñador debe trascender el ego y entrar en colaboración, sólo así es factible tejer una red que tenga impacto sobre los distintos campos en los que el diseño interviene, permeando todas las capas sociales, haciendo una promoción expandida de la cultura del diseño en el país, transformándolo en posibilidad de desarrollo económico y social.

Es gratificante observar que en los últimos años, múltiples grupos con distintas posibilidades participativas se han abierto brecha con mucha convicción, pasión y esfuerzo; la colaboración ha hecho posible la creación de bazares de exhibición y venta de distintos productos de diseño. A fin de cuentas estas acciones de distintas escalas, hacen posible que se difunda y se posicione el diseño en el país.

En cuanto al tema del papel de la mujer en el diseño, aunque parezca contradictorio buscar la equidad de género haciendo énfasis en uno de ellos, creo que aún resulta efectivo y ha resultados en esta valoración de la participación femenina no sólo en el diseño, si no en varios ámbitos. En conclusión, se agradece que sucedan estos impulsos al diseño mexicano; para todos los que se interesan por el diseño, es labor obligada realizar una apasionada labor y hacer extensiva la cultura de esta disciplina.

 

Top 6: 3D Printing

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Por Victor Méndez / @vichoamino

 

En el diseño, a diferencia de la moda, no hay una tendencia clara que se perciba a futuro, aunque parecería interesante jugar con las temporadas como lo hace la moda. Sin embargo, en la actualidad, gracias a una tecnología más democratizada y al alcance de todos, se percibe que uno de los grandes futuros en el diseño es la impresión 3D. Y cada vez más diseñadores y empresas apuestan por esta herramienta.

Te presentamos seis proyectos que se han hecho y que han generado un sin fin de comentarios. Algunos sólo son propuestas iniciales, otros ya están listos para comercializarse. Habrá que detenerse a pensar las implicaciones económicas, ambientales y sociales de esta tecnología. Por lo pronto disfruten esta selección.

 

 1—Chairgenics by Formnation

¿Se puede obtener el ADN de una silla? ¿Cómo hacer una silla perfecta? Estás son algunas cuestiones detrás de este proyecto. A partir de una investigación ergonómica, estética, funcional, entre otros elementos, de las sillas más populares en el mercado, se comenzó a desarrollar un sin fin de sillas que respondían de acuerdo a sus características iniciales. Es una utilización de genes de sillas dispuestos a crear el objeto más perfecto para sentarse.

 

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2—Bloom Table Lamp by Patrick Jouin para MGX

De los productos que nunca se van. Bloom es una lámpara de mesa hecha en impresión 3D en una sola pieza. Funciona por medio de bisagras, hechas con la misma tecnología, que permiten que se abra para controlar la cantidad de luz. Está inspirada en la forma que las plantas responden a su entorno.

 

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3—Making food in space. NASA

La NASA presentó un proyecto en donde, a través de la impresión en 3D se pueda sintetizar los alimentos. Ahora el Making food in space se encuentra en una etapa de estudio en donde se probará la viabilidad de utilizar aditivos en la fabricación de esta comida, y lo están probando en una pizza.

 

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4—Bow Tie by Monocircus

El estudio japonés Monocircus creo un corbatín en impresión 3D a una sola pieza. La sujeción a la camisa está resuelta por una ranura en la parte trasera. Presenta ranuras en su cuerpo que crean un juego visual interesante. Una ventaja frente al accesorio común es que no se necesita lavar.

 

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5—XYZ shoe project by Earl Stewart

Este proyecto comenzó con la idea de personalizar el calzado de los usuarios utilizando una impresora 3D. Pero sus alcances permitieron ahondar en cuestiones de posturas y de confort para el pie. El diseño surge directamente del pie del usuario, éste se escanea para asegurar el ajuste adecuado y posteriormente se obtiene un objeto flexible y de materiales diversos.

 

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6—COLLAGENE by Do the Mutation

COLLAGENE es un software en donde se pueden crear máscaras personalizadas y adaptables al usuario. Se escanea la anatomía de la cara y se genera una fibra que al imprimirse es de un material utilizado en la industria aeroespacial. El programa permite crear geometrías que de otra manera serían imposibles de hacer.

 

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LOS CAMPESINOS!: EL TWEE BUSCA MADURAR

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Por Pablo Cordero / @sugarskull12

Formado en Cardiff, Gales (aunque ninguno de sus integrantes es galés), Los Campesinos! es uno de los nombres de referencia dentro de la escena indie pop mundial. Muchos les ubican dentro del subgénero twee, pop de espíritu delicado y gran riqueza instrumental que tiene en Belle & Sebastian a su máximo exponente. En su más reciente CD, No Blues, Los Campesinos! endurecen y agilizan su sonido (mayor énfasis en las guitarras eléctricas, alejamiento de la instrumentación “de cámara”), temperando su agresividad con una actitud optimista evidente desde el título (No Blues, no tristeza, no depresión). Se trata de un trabajo redondo y agradable cuyo espíritu de renovación, no obstante, les deja en peligro de perder algo del encanto que les hace únicos; aunque las diez canciones que conforman No Blues son variadas, bien estructuradas y excelentemente grabadas, por momentos el disco suena genérico, carente de personalidad.

 

“What Death Leaves Behind”, primer sencillo del disco

 

El disco no carece de destellos de genialidad. Los impelentes sintetizadores de “Cemetery Gaits” recuerdan el espíritu de su mejor y más conocida canción; “You! Me! Dancing!” (2007). “As Lucerne/The Low” crece a partir de su extensa introducción hasta llegar a una combinación atractiva entre centelleantes arpegios de guitarras y una línea de bajo cálida y melódica, que sientan una base para la apasionada voz del cantante Gareth. La belleza de los sintetizadores análogos y las armonías vocales de la breve “The Time Before the Last Time”, por su parte, es elegíaca. Y aunque el sencillo “Avocado, Baby” arranca de una manera poco inspirada, hace combustión durante el puente, en el que una voz grita consignas con el único acompañamiento de la base percusiva, hasta llegar a un clímax de la mano de un coro de voces infantiles.

 

“Avocado, Baby”, segundo sencillo extraído del disco

 

Este tipo de tours de force nos muestran de qué son capaces Los Campesinos! cuando se permiten ir más allá de las limitaciones estructurales de la canción pop de tres minutos y recuerdan su primera (y poco documentada) etapa, cuando tocaban extensas composiciones instrumentales de post-rock con reminiscencias de Mogwai o Godspeed You! Black Emperor.

Aunque No Blues no es un disco plenamente convincente, cuenta con momentos de gran inspiración musical, y el saludable deseo de explorar nuevas vertientes dentro de su sonido nos lleva a pensar que puede haber un gran disco en el futuro de Los Campesinos!

 

 

INELUCTABLE MODALIDAD DE LO VISIBLE

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Por Andrés Reyes / @MrIntra 

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“Ineluctable modalidad de lo visible: al menos eso si no más, pensado con los ojos. Marcas de todas las cosas estoy aquí para leer, freza marina y ova marina, la marea que se acerca, esa bota herrumbrosa. […] Cierra los ojos y ve.”

James Joyce, Ulises, 1922.

 

De la misma manera que Joyce invitó a sus contemporáneos a mirar el mundo desde una nueva perspectiva que se distanciaba de los cánones establecidos tiempo atrás; la exposición del artista polaco Wojtek Ulrich, nos invita a repensar,  reinterpretar y transgredir el espacio museístico fuera de su contexto primigenio, generando así sentidos alternos tanto del sitio como de su obra. Bajo esta premisa se presenta la exposición Ineluctable modalidad de lo visible en el Ex Teresa Arte Actual, muestra que busca acentuar y explotar las tensiones dadas a partir del contraste generado por la exhibición de arte contemporáneo en un marco arquitectónico barroco del siglo XVII.

Es justo por el origen religioso del ex templo de Santa Teresa la Antigua, que Ulrich seleccionó el lugar para ser la cede de su primera exposición individual en nuestro país pues, siendo característico de su obra el acentuar las tensiones generadas en los procesos de presentación artística a partir del binomio arte-espacio, según Irving Domínguez, curador de la muestra, lo que busca es evidenciar que la religión y el arte actual ya no tienen vínculo alguno. Consecuentemente, al resignificar el espacio con la obra del polaco, ésta emerge con un nuevo sentido paralelo; por lo que las instalaciones insertas, algunas hechas ex profeso para esta exposición y otras más del portafolio del artista, devinieron en intervenciones espaciales in situ, lo que altera y expande el horizonte interpretativo de las mismas. Si bien me parece un tanto redundante querer enmarcar un contraste que es por sí mismo evidente en el Ex Teresa (en tanto plataforma de arte actual dentro de un ex templo); sí me parece aplaudible la manera en que el focalizar dicho contraste, parafrasea el concepto mismo de museo de arte contemporáneo, en el arte debe ser confrontado con el espacio establecido para privilegiar el discurso estético a través del diálogo entre estos.

De entre las piezas exhibidas, yo destacaría principalmente dos: Doble fondo (2013) y The Dog (2011). La primera es una intervención de la nave central, la cual, a través de una plancha de cemento que se levanta sobre la superficie del suelo inclinado del recinto, establece una analogía que realiza una fuerte crítica  institucional a las viejos organismos sociales que se están hundiendo dentro las ideologías contemporáneas. La segunda es una videoinstalación en la que se puede apreciar el cadáver de un puerco crucificado que es devorado y desmembrado por tiburones. A mi parecer solo faltó que ésta fuera proyectada en donde alguna vez estuvo el retablo del ex templo para que la metáfora tomara voz por sí misma y verdaderamente transgrediera el espacio, no obstante, el grado de sublimidad durante la contemplación de la obra es innegable.

La exposición estará presentándose hasta el primero de diciembre, por lo que recomiendo acudan pronto al Ex Teresa Arte Actual y juzguen por ustedes mismos.

 

 

Adiós, Lou Reed

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Por Abel Cervantes 

 

Berlín, álbum completo de Lou Reed.

 

Hace 40 años Lou Reed dio a conocer Berlín, álbum que a pesar de exponer un carácter experimental fue poco aceptado por el público y la crítica.  Sin embargo, con el paso del tiempo, el disco ganó terreno hasta el punto de ser considerado uno de los más interesantes del cantante. En 2006 Reed realizó una gira donde interpretó por primera vez en vivo la ópera completa, que cuenta la historia de un proxeneta y una prostituta que deambulan por la capital alemana. Berlín exhibe una notoria influencia del teatro de Bertolt Brecht (que en buena media también repercutió en las exploraciones estéticas de David Bowie, muy vinculado a Reed) al tiempo que aborda temas como el sexo, las drogas o el suicidio. Durante la presentación en Nueva York, Julian Schnabel registró los acontecimientos. Y el resultado de ese documental es extraordinario. Las imágenes del director estadounidense (Basquiat, Antes que anochezca, La escafandra y la mariposa) dialogan con los propósitos musicales de Lou Reed, que en el concierto está acompañado por Fernando Saunders, Sharon Jones y Antony Hegarty, este último en ese momento poco conocido.

La película, titulada sencillamente Berlín, muestra una de las mejores versiones del músico fallecido el domingo pasado. La energía de Reed contagia a las imágenes, que adquieren una intensidad cromática portentosa. Probablemente uno de los pasajes más destacados sucede cuando la banda interpreta «Caroline Says I» y «Caroline Says II». Una mujer, encarnada por Emmanuelle Seigner, deambula en una habitación mientras la cámara, temblorosa, intenta seguir sus movimientos.

Lou Reed no tuvo una relación estrecha con el cine. (Aunque sus participaciones musicales en distintas películas son sobresalientes: Trainspotting, Por el lado oscuro del camino, Tierra de zombis…, la mayoría de ellas son composiciones o interpretaciones que ambientan una escena pero no necesariamente repercuten en el resto de los filmes.) No obstante, estuvo muy vinculado durante la década de los sesenta a Andy Warhol, que en ese entonces proponía un cine de vanguardia alrededor de conceptos como el tiempo y el espacio cinematográficos. Además tuvo una aparición en Tan lejos, tan cerca de Wim Wenders.

Quizás una de las mejores maneras de recordar al músico es observando el trabajo de Schnabel. El filme registra una de las giras más emblemáticas del rock a través de un discurso audiovisual que no recurre a los procedimientos típicos utilizados en los documentales sobre bandas musicales (entrevistas, cronologías, estadísticas, etc.). Un excelente homenaje para uno de los músicos de rock más importantes del siglo pasado.

Arquitectura abierta y su relación con los oficios en el AMD

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Joyce Meneses / @Joyce_nmr

 

ABIERTO MEXICANO DE DISEÑO

 

Recién celebrada en el Centro Histórico la primera edición del festival Abierto Mexicano de Diseño, éste fue conformado por una gran variedad de eventos que abarcan diversos temas relacionados al diseño. Como bien fue nombrado, el Abierto incluyó la participación no sólo de diseñadores, si no de promotores, empresarios y el público en general con la finalidad de mostrar proyectos efectuados. Para esta primera edición fue seleccionada la temática de los oficios y su inclusión en las labores de desarrollo del diseño. Existe una recuperación y revalorización sobre los oficios sin dejar de lado el aprovechamiento tecnológico que tenemos al alcance, esta particular fusión se está convirtiendo en una peculiaridad del diseño mexicano.

El papel de los oficios en relación a la arquitectura es fundamental, el arquitecto es tan sólo un director de orquesta, pero cuando un proyecto se traslada de lo imaginario a lo material la intervención de muchos oficios resulta fundamental. Es labor del arquitecto vincular el trabajo de oficio en el desarrollo del proyecto, buscando enriquecer a todas las partes, mediante el intercambio, la cooperatividad y la constante búsqueda de la mejora en la calidad de la mano de mano de obra artesanal. Lograr  productos arquitectónicos realizados de manera incluyente, fomentan el desarrollo económico local, promueven el diseño y la apreciación de éste en el entorno social y cultural. Los proyectos adquieren un valor significativo y único en contraparte con lo que se puede hacer hoy en día usando productos que nos ofrece la industria del prefabricado. Es comprensible que en la actualidad el uso de estos recursos responden en gran medida al ritmo económico acelerado que se vive a nivel global, bajo la premisa que el tiempo es dinero, el desarrollo industrial ha dado respuesta efectiva, sin embargo no debemos perder de vista todos los puntos positivos y negativos de la escena; a mayor uso y/o abuso del recurso industrial mayor pérdida de la identidad en el lenguaje arquitectónico y de la inclusión del trabajo de pequeños productores. Esto a su vez ocasiona un freno importante para el desarrollo económico local y por tanto bloqueamos de poco en poco los senderos de la creatividad mediante la experimentación, la práctica y la comercialización en corto. Cabe aclarar que tampoco estoy en contra de la producción industrial y de la promoción de la tecnología; simplemente debemos ser conscientes y responsables de mantener el equilibrio para todas las áreas con la finalidad de que, en materia arquitectónica, el enriquecimiento sea mayor y se ejecute en equilibrio con el entorno.

El AMD cumple en su labor de difusión al realizar actividades que permiten al público acercarse a objetos arquitectónicos antiguos y contemporáneos mediante visitas guiadas; la arquitectura, así como el diseño en general, no son exclusivos, aunque a veces lo parezcan, se viven abiertamente en la cotidianidad, sin embargo es justo labor del festival, como de todos, darle lugar al diseño y hacerlo extensivo a nuestro entorno en el día a día.

 

754MM by Primal

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Por Victor Méndez / @vichoamino

 

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Del 16 al 24 de octubre se llevó a cabo la quinta edición del Design Week México, una fiesta que desde 2009 celebra al diseño con distintas actividades: conferencias, exposiciones, venta de artículos, eventos culturales, una ruta que visita distintos showrooms de marcas de diseño, en fin, es una semana en la que se busca que el diseño se desprenda de ese entorno de élite, se vuelva más abierto y más gente pueda acercarse a él.

Dentro de las más de cien actividades que se vivieron, se presentó un el evento Estructuras Efímeras 4+4, donde algunas escuelas de diseño y algunos profesionales de la disciplina desarrollaron espacios que interactúan con el entorno ¾el parque Lincoln en Polanco¾ y con el público. Se buscó que las instalaciones aprovecharan espacios donde no se tiene acceso fácilmente.

Primal, un estudio transdisciplinar con base en la ciudad de México, presentó, a través de este evento, el proyecto 754MM. Se construyó un islote con cuatro caminos sobre un espejo de agua, que representa la conformación de la ciudad prehispánica y la relación ancestral con el agua. Además se compuso una melodía que fue interpretada en un instrumento conformado por botellas de vidrio. La instalación sólo fue el pretexto para contextualizar la verdadera intención del proyecto, y fue gracias a su simpleza constructiva ¾tarimas de madera y de plástico¾ que su función como espacio de recreación e interacción causó buen impacto.

Desde hace tiempo Primal recolecta el agua de la lluvia y por medio de un sistema de limpieza, se aprovecha y se utiliza para consumo humano. 754MM es agua pluvial potable. Su nombre se debe a que 754 mm. es la cantidad de precipitación promedio anual en la ciudad, suficiente para abastecer a su población y del área conurbana. Lo que se buscó, en esta primera etapa, fue generar conciencia en la gente acerca de su consumo diario del agua y lo importante que puede ser aprovechar el agua de lluvia. El agua obtenida de esta cosecha será regalada en botellas de vidrio reutilizables en una siguiente etapa que se presentará en BONUS Creative Week y en Tianguis de C.A.C.A.O.

 

TAO Dance Theater en México

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Por Ximena Flores / @matitatierna

 

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Desde hace algunas semanas, la compañía TAO Dance Theater, fundada y dirigida por Tao Ye, se presenta en distintos escenarios de México. Su visita obedece a la invitación realizada por parte de la organización del Festival Cervantino en Guanajuato, donde ya han mostrado su coreografías más emblemáticas 5, el pasado 21 de octubre. El trabajo de Tao Ye destaca por su particular “influencia” con la técnica de  Merce Cunningham y el alejamiento (casi total) de la tradición dancística —milenaria— de la República Popular China.

¿Por qué este acercamiento tan repentino a las tradiciones occidentales? En un principio parecería de esa forma, pero en realidad, la danza de Tao Ye se relaciona directamente con la filosofía y pensamiento de algunas de las artes marciales más importantes de su país natal. El ejemplo más claro: el Tai Chi. Por un lado, sus coreografías no llevan un título de carácter literario, si no, matemático. La razón, a simple vista, refiere al número de bailarines; en una segunda lectura, sin embargo, puede notarse la referencia a los juegos espaciales, musicales que realizan los interpretes entre sí. Para Tao Ye, el movimiento y el espacio obedecen  un parámetro diseñado y pensado desde las matemáticas, éstas, de manera abstracta permiten al espectador acercarse y disfrutar de manera distinta la pieza; no sólo eso, revelan el carácter filosófico de la coreografía. Para el director, las palabras no expresan con suficiencia el contenido de la obra, en cambio el número (esencia concreta y cuantitativa) no libera prejuicios ni significados.

Por otro lado, sus bailarines enuncian la antigua capacidad de lo común en la danza (y el teatro): el coro. Como presencia colectiva, el coro tienen la capacidad de explorar y expresar el movimiento, el espacio y la música desde los equitativo. En la obra de Tao Ye no hay individuos, memorias o historias que entorpezcan la experimentación, el conjunto le permite hablar no de lo humano, si no de la naturaleza. Su obra le habla al espectador de aquello a lo que podría —y debería— unirse. Los bailarines, enmascarados o con colores homogéneos no hablan del sí mismo, si no del nosotros.

4 y 5 están más cercanos a las tradiciones filosóficas chinas que a las experimentaciones norteamericanas de la segunda mitad del siglo XX. Una oportunidad excelente para conocer una visión distinta de la danza y la filosofía oriental. Tao Dance Theater se presenta este 4 de noviembre en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris.

 

 

 

El blues desterrado de Todd Clouser

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Por Pablo Cordero / @sugarskull12

Todd Clouser no bromea al llamar a su más reciente disco “Hombre sin país”. Oriundo de Minneapolis, figura habitual de la escena downtown neoyorquina y afincado desde hace años en México, el joven guitarrista se presenta como un artista apátrida, en constante movimiento. Esa misma sensación de inquietud y búsqueda constante se hacen presentes en las once canciones oscuras y sensuales que componen el disco.

Es quizás esa dislocación la que llevó a Clouser a grabar el disco sin el acompañamiento de A Love Electric, el explosivo trío que compone junto con el baterista argentino Hernán Hecht y el bajista mexicano Aarón Cruz, con quienes ha grabado discos notables como The Naked Beat (2012). Sin sus músicos de confianza para arroparlo, Clouser se hace acompañar por figuras del downtown, como el productor/baterista Anton Fier (líder de los mercuriales y brillantes Golden Palominos), el percusionista Billy Martin (Medeski, Martin & Wood) y el trompetista Steven Bernstein (Sexmob, Lou Reed, Foetus).

 

A Love Electric, acompañados por el percusionista Cyro Baptista

 

Aunque dichos músicos están asociados al mundo de la música de vanguardia, el disco es accesible, derivando su fuerza de la capacidad de Clouser para escribir melodías memorables y coherentes. De ninguna manera se trata de un disco de blues tradicional, pero sus canciones beben de la inagotable fuente musical y emotiva de este género. Y si bien la habilidad guitarrística de Clouser remite lo mismo a la riqueza armónica de Bill Frisell que a los chirridos disonantes de Arto Lindsay, sabiamente se abstiene de hacer de su guitarra el punto focal del disco, centrándose más en la emoción de sus canciones y en su gutural, cruda voz.

Entre las piezas más notables del disco podemos mencionar “Never”, la cual posee un coro poderoso y memorable, “How to trust a lover”, balada en la cual la voz y guitarra de Clouser se quedan casi desnudas, “Kaylee”, de gran belleza en su texto y su melodía, y la oscura y angular “Where’s her money from”, que exhibe el lado más experimental del talento del compositor.

 

Video oficial de “Where’s her money from”

 

Man With no Country es quizás la obra mejor lograda hasta la fecha de este joven músico, alcanzando un balance entre la solidez de sus canciones, la intemporalidad de su feeling bluesero, la rica paleta instrumental de los músicos de acompañamiento, y el mayor control que ha adquirido Clouser sobre su visceral voz.

Resulta sorprendente que un músico tan talentoso no sea mejor conocido en la ciudad en la que habita durante la mayor parte del año; recomendamos no dejar pasar la posibilidad de verle en alguno de los pequeños locales de la capital mexicana en los que acostumbra tocar, acompañado ya sea por A Love Electric o únicamente por su destartalada guitarra Gibson. La vorágine de blues, rock, funk y vanguardia que desata Clouser llenaría de orgullo a nuestro país si pudiéramos llamarle representante de la escena musical nacional. Pero Todd Clouser es un hombre sin país, y no le pertenece a nadie más que a sí mismo.

 

Obra habitable

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Por Aline Hernández

 

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El pasado 23 de octubre se  presentó en el Museo Tamayo de Arte Contemporáneo un performance realizado por el artista Matt Mullican (EU, 1951) cuyo objetivo se centraba en mostrar la relación que existe entre sus dibujos y la hipnosis. Durante la presentación lo que ocurrió fue más bien una suerte de lectura de artista donde trató de mostrar algunas de las relaciones más importantes que han venido permeando su trabajo desde hace ya varias décadas.

Si bien la presentación rompió —y no en un buen sentido— con las expectativas que muchos de los asistentes esperaban realmente ver tal y como se había anunciado, tras el evento la muestra inaugural fue abierta al público y los resultados superaron las expectativas (sobre todo para aquellos que han tenido la oportunidad de asistir a las recientes muestras que ha presentado el Tamayo las que, tanto en términos de museografía como curatoriales, han dejado mucho que desear). La exhibición, curada por Willy Kautz, quien lleva ya una serie de proyectos que han logrado dar cuenta de qué forma es posible ser creativo en el campo curatorial, es una muestra que realmente vale la pena ver.

La museografía, no sólo impecable sino propositiva, logró establecer una dinámica de recorrido donde el tiempo para dedicar a cada obra se vuelve una prioridad y donde la relación con tal cantidad de piezas, no caiga en el tedio que puede implicar una muestra tan vasta. Kautz logró generar un guión curatorial donde cada período del artista se va interrelacionando con los otros, creando una narrativa que hacía el final de la muestra, dota de sentido integral. La exposición da cuenta de las preocupaciones principales que a lo largo de su carrera Mullican ha desarrollado: desde aquellos que abarcan a los sistemas de conocimiento, lenguaje, así como a las formas en que significamos y cómo los objetos significan, como las cuestiones de percepción las cuales han estado estrechamente vinculadas con aquellos performances, donde el artista traspasaba la superficie del dibujo para llegar hasta su interior, formando algo así como una obra habitable. 

La muestra termina siendo una cartografía donde se comprenden los modos en que Mullican ha dado sentido al mundo, cómo lo ha organizado, así como el significado y circunstancias que permiten la construcción de realidad alterna donde el espectador le es posible habitar la lógica experiencial de una búsqueda que pareciera no cesar.

That world/Ese mundo se encontrará abierta al público hasta el 23 de marzo de 2014.

 

 

Affordable Art Fair

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La semana pasada se llevó a cabo la segunda edición de Affordable Art Fair, un evento relativamente nuevo en la escena artística mexicana. Se trata de una feria que plantea un formato expositivo y de venta que se inserta en el mercado del arte con una propuesta diferente. Con la participación de más de 50 galerías, todas las piezas que estuvieron a la venta se encontraban por debajo de los $99.000 pesos. En esta segunda edición, se exhibieron pinturas, grabados, esculturas y fotografías, piezas  de arte tradicional pero también de arte con conceptos más contemporáneos, de nombres famosos o talentos emergentes.

A continuación te presentamos a Nelsa Farrugia, la directora de Affordable Art Fair en México, que nos comparte sus impresiones sobre este evento.

 

 

La redacción

RECORRIDO FOTOGRÁFICO POR LA ARQUITECTURA DE IBEROAMÉRICA

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Si eres amante de la fotografía y además te gusta la arquitectura te recomendamos que acudas a la exposición Sociedad y naturaleza. Arquitectos iberoamericanos siglo XXI, un recuento selectivo de lo construido en Iberoamérica por 40 arquitectos en los últimos años del siglo XX y los primeros del XXI.

 

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La exposición se encuentra en el Museo de Arquitectura de Bellas Artes y está conformada por más de 80 fotografías de gran formato a color. Las fotos están clasificadas en cuatro temas: Salud y educación, Infraestructura, Habita e Iniciativa privada. Esta idea surgió a partir de la publicación del libro Arquitectos Iberoamericanos siglo XX, editado por Fomento Cultural Banamex.  La  exposición fue inaugurada el pasado 16 de octubre y la puedes apreciar en el Museo de Arquitectura hasta el 10 de noviembre. Después viajará a Mérida, San Miguel Allende y Durango.

40 arquitectos

Entre las obras que se encuentran se puede identificar la participación de arquitectos mexicanos como Teodoro González de León, Ricardo Legorreta, Enrique Norten, Francisco Serrano y Agustín Hernández Navarro.

Otros de los arquitectos que vas a encontrar son Oscar Niemeyer, José Cruz Ovalle, Humberto Eliash, Mederico Julio Faivre,  Teodoro Fernández,  Laureano Forero Ochoa, Rafael Lorente, Rogelio Salmona, Gustavo Scheps, Clorindo Testa, Mario Roberto Álvarez, Pablo Beitía, Daniel Bermúdez, Cristián Undurraga y Segundo Cardona.

Sobre los edificios emblemáticos que están presentes en esta muestra están:

México

Tribunal del Distrito Federal

El Edificio Apertura Universitaria en el Estado de México

Secretaría de Relaciones Exteriores y la Plaza Juárez

Hotel Habita en Polanco

 

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Corporativo de oficinas en Acapulco, Guerrero

Casa Larga en Mérida, Yucatán

 

América Latina

Universidad Adolfo Ibáñez en Chile

Coliseo de Puerto Rico de José Miguel Agrelot

Embajada de México en Guatemala

Capilla Nuestra Señora de Fátima

El Edificio K, Campus Providencia,  Universidad de las Américas

Biblioteca de las Facultades de Derecho y Comunicaciones, Pontificia Universidad Católica de Chile

Museo Xul Solar, en Buenos Aires, Argentina

Aeropuerto  Internacional Ministerio Pistarini

La Casa Ricardo y Raquel Baeta en Sao Paulo, Brasil

Casa en Playa El Ministerio ubicada en Lima, Perú

La Casa Ponce de Buenos Aires, Argentina

Hotel Unique, en Sao Paulo

Cementos El Puente en Tarija, en Bolivia

Edificio de las Cámaras de Guayaquil en Ecuador

Renazzo Plaza, en Ecuador.

Hospital del Aparato Locomotor, en Sao Paulo

 Guadalupe García

LA ESCENCIA DE LAS COSAS. EL DISEÑO Y EL ARTE DE LA REDUCCIÓN

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Después de exhibirse en tres ciudades de Alemania y una de Bélgica, esta exposición llega a México curada por Mathias Schwartz-Clauss, para el Vitra Design Museum.

De acuerdo con Leticia Gutiérrez, coordinadora de exposiciones del recinto, la simplificación de las formas a través del concepto de reducción es el principio que resalta en la muestra formada por 166 piezas. Hay una genealogía de objetos, muchos de ellos iconos del diseño industrial, pero que a la vez forman parte de la vida cotidiana.

 

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Todo inicia con una vitrina que contiene objetos prácticos y utilitarios; sin embargo, fueron aislados de su función original y son exhibidos desde la perspectiva de su importancia estética.

Objetos como esponjas, tijeras, espátulas, abanicos o navaja plegables inician el prólogo a 12 bloques que incluyen conceptos clave para el diseño, como unidad, inspiración, desarrollo, logística, compactación, ligereza, geometría, abstracción, signo, disolución, transparencia y modelo.

 

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Aunque la selección pareciera brindar un papel protagónico a las sillas –en la que se incluyen ejemplos tan representativos como el modelo Wassily, diseñado por Marcel Breuer, así como el sillón Dax y las sillas DSS, de Charles Eames– en las salas también se pueden observar proyecciones que contextualizan la injerencia del diseño en otros campos como la fotografía, el dibujo, la escultura o la arquitectura.

En conjunto con la exposición, el museo preparó un interesante programa académico con mesas de discusión y pláticas conducidas por especialistas en el tema, principalmente dirigidas a escuelas y estudiantes de diseño, aunque también abiertas al público en general. Además, ofrecen recorridos especiales con guías y talleres.

 

Claudia Pretelín

Cortesía: Time Out México

DE JONDO Y DE PALOS

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En la oscuridad efímera del escenario, un taconeo acompaña una guitarra intrépida. Rojo y negro se entrelazan, se arrojan, se enamoran. Un canto hondo zarandea el alma, no hay duda, es el flamenco.

Sus origines o influencias no son muy acertadas, el primer escrito que tenemos es del siglo XVIII, en 1774, en las cartas de Marruecas de Cadalso. Su historia se transmitió oralmente desde los litorales de Andalucía. En su ensayo Gitanidad: Otra manera de ver el mundo del filósofo Sergio Rodríguez, compara el braceo flamenco y la mudra india cuales constituyen un mismo recurso y muestran metafóricamente los cambios en el espacio, a la manera de los múltiples brazos de Shiva. Muchos años las dudas persistieron para determinar si se otorgaba aquel arte a los Andaluces o a la comunidad gitana. En 2010, la UNESCO resolvió el dilema inscribiendo el flamenco al Patrimonio de la Humanidad.

El flamenco es un arte que presenta dos variantes: música y baile. En la música, el cantante y la guitarra ocupan un papel fundamental aunque existen otros instrumentos que lo acompañan como la percusión o las palmas. Disciplina artística generosa pero compleja, su métrica musical se entiende de la siguiente manera: el palo que define el genero del canto, el compa que remite al ritmo y las palmas acompasadas quienes acompañan la música y el canto. Podemos dividir aquella disciplina en dos grupos mayores: el flamenco Jondo y el flamenco Festero. El primero, estilo serio, que expresa sentimientos profundos y con frecuencia trágicos, siempre  trata  temas como el amor, la pasión o la pena y se baila con expresión intensa e intimista. El segundo el festero, como la misma palabra lo dice, es un arte totalmente diferente, y a mi gusto, define por excelencia el significado de la palabra es alegría.

 

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El flamenco es una de las formas artísticas actuales de las más fecundas y originales. A pesar de sus siglos de herencias y de los caminos sinuosos de nuestra época, el flamenco no se ha empolvado. Al contrario, mas contemporáneo que nunca, sus artistas se reúnen religiosamente cada dos años en Andalucía para el gran acontecimiento: la Bienal del Flamenco.

En junio pasado el gobierno andaluz, en colaboración con el Teatro Nacional Chaillot en París nos regalo por su primera vez una bienal. De los increíbles artistas, destacaré la bailaora y coreógrafa, Eva Yerbabuena, una mujer audaz, desafió al público con la originalidad de su obra Federico según Lorca. A pesar del rancio escepticismo de los presentes, la tormenta Yerbabuena, zarandeó el escenario y conquistó los amantes de Granada.

 

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El próximo año 2014, Sevilla nos espera con tacón de plomo. El nuevo director de la Bienal de Flamenco, Cristóbal Ortega, tiene una misión precisa, conquistar y descubrir la tradición cultural flamenca y dirigirla a un nuevo público: los jóvenes y las nuevas generaciones del flamenco.

 

Sabine Radonde

BREVE HISTORIA DE UN VIAJE CORTO: BAUHAUS

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Imaginemos que podemos viajar en el tiempo para ser testigos del inicio de todas las cosas que están por suceder, navegar a través del sonido y detenernos allá por 1979, en donde cuatro virtuosos deciden tomar por asalto un estudio de grabación en Londres; Peter Murphy (vocales) Daniel Ash (guitarra) y los hermanos David J y Kevin Haskins (bajista y baterista respectivamente) emergen de la oscuridad del post punk, para darle vida a a un estilo minimalista y frío, definitivamente un gran resultado con pocos elementos; meses antes una pieza a medio tiempo, compuesta por la dupla Murphy-Ash llamada In the night, dejaba un leve esbozo de lo que se conocería como Bauhaus 1919, nombre tomado del aquel movimiento artístico-arquitectónico alemán; la sesión antes mencionada sería la segunda producida como banda (anteriormente llamada S.R) curada por el sello de Small Wonder (mismo que lanzó las primeras copias del primer sencillo de The Cure) en donde podemos escuchar sonidos con una base rítmica, sincopada, y sombrías vocalizaciones.

 

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A mediados de septiembre del mismo año, Small Wonder revoluciona la escena de la música “alternativa” al publicar una bella pieza de más de diez minutos, titulada: Bela Lugosi’s Dead, llamada así en honor a aquel actor Húngaro, (uno de los más inspiradores interpretes de Drácula), la imagen de Bela plasmada en los promocionales del primer sencillo de Bauhaus atrajo a los fanáticos, cada vez más obsesionados con esta estética tétrica y depresiva que los caracterizaba, estaban definitivamente ante una nueva era, algo estaba ocurriendo…El eslabón perdido

Hay quienes aseguran que Bauhaus son los precursores del rock gótico, otros tantos le dan el trono y corona a Ian Curtis y su Joy Division, y los menos por supuesto a Christian Death, sin embargo caer en esas provocaciones pueden restarle importancia a la verdadera esencia de éste fenómeno, pues no existen elementos de otros géneros tomados por Bauhaus para generar tan particular sonido. Luego de una exitosa presentación en el Rock Garden de Londres, la banda firma con el sello 4AD, filial de la BBC y cuna de grandes movimientos y agrupaciones. 4AD lanza Dark Entries, su segundo sencillo, de igual forma arrancan su gira por Europa y publican un tercer sencillo: Terror Couple Kill Colonel, y a pesar de no tener éxitos en las listas, sus sencillos siempre fueron bien recibidos en la escena independiente.

 

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La banda grabó dos Lp’s: In The Flat Field su álbum debut y Mask, llegando este último a un lugar privilegiado gracias a las diversas experimentaciones electrónicas que plasmaron en él, sin embargo lo que nadie esperaba es que justo su tercer placa The Skies Gone Out, que contenía el famoso cover Ziggy Stardust de Bowie, llegaría a posicionarse en numero cuatro de las listas, gracias a este sencillo.

La historia del grupo es realmente breve, pues su viaje culminó en 1983, sin embargo pocas bandas pueden gozar de esta gloria que pudo trascender las barreras del tiempo, cuando llegó su cuarto álbum, el grupo no contó con Peter Murphy en gran parte de las sesiones de grabación, debido a una neumonía y así sorpresivamente, cinco años después de nacer Bauhaus se despedía con un mítico concierto grabado en Londres, «Rest in peace» gritó David Jay al abandonar el escenario.

 

Paulina Moreno / @_candyflip

IÑAKI ECHEVERRÍA

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Iñaki Echaverría (@inakiecheverria) es arquitecto, licenciado en Historia del Arte por UC Berkeley y tiene un Máster en Arquitectura y Diseño Urbano por la Universidad de Columbia. Su trabajo contempla exposiciones así como el desarrollo de proyectos. En 2008 fundó su propio despacho Iñaki Echeverría [urbanismopaisajearquitectura], un espacio interdisciplinario ubicado en Polanco en la ciudad de México.

Uno de los trabajos que han marcado su trayectoria es el Parque Ecológico del Lago de Texcoco, que con 35,000 acres se presume como el parque urbano más grande del mundo. Actualmente trabaja en múltiples proyectos, entre los que destacan la fachada orgánica diseñada para la tienda Liverpool Altabrisa en Tabasco, y el Museo del Niño Papalote, Verde en Monterrey, mismo que se contempla abrirá sus puertas en 2014.

Escucha la entrevista con este arquitecto mexicano a través del portal de Dixo aquí.

VISCERAL: LA PELÍCULA GORE DEL AÑO

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Cada vez se ha vuelto más común que dentro de los círculos conformados por los afectos al cine de terror, nuevos clásicos se erigen y desaparecen sin concierto alguno. Las formas modernas de consumo del producto audiovisual basadas en la inmediatez ha desprovisto de criterios más rigurosos la calificación de aquello que en verdad puede a llegar a ser violento, audaz,  imaginativo, perturbador o simplemente morboso.

Sin embargo, en medio de reseñas arbitrarias y expectaciones desmedidas por el título de moda, eventualmente surge de la nada una película que sí merece elogios no sólo porque subvierte los gustos del espectador, sino por el hecho que su entramado es tan sólido que prescinde del shock por el shock. Así, sí por derecho propio cintas como Martyrs, el díptico de The Human Centipede o A Serbian Film dieron de qué hablar, ahora es turno de la chilena Visceral: Entre las Cuerdas de la Locura.

 

Visceral - Entre las Cuerdas de la Locura 03

 

La ópera prima de Felipe Eluti (quién también fungió como fotógrafo, editor y protagonista) tiene todo para que dentro de muy poco los fans del cine gore la descubran y hagan suya. Una película en definitiva no apta para gente sensible que abrevia la narrativa de Jörg Buttgereit (en especial Schramm –1993– ese intrigante estudio de personaje, dedicado a un asesino serial insertado en la cotidianidad de un apacible vecindario berlinés; del que incluso, toma prestado algunos planos), y el aspecto visual de Shinya Tsukamoto.

La trama es en apariencia sencilla: un boxeador pierde la pelea definitiva, la que podía reactivar su carrera y por la que se preparó arduamente. Su frustración y rabia serán los catalizadores para que se sumerja en una espiral descendente donde el sadismo, principalmente descargado hacia mujeres jóvenes, es insana rutina.

Políticamente incorrecta hasta lo indecible, lo que continúa es una hipergráfica colección de tropelías que sin miramientos aumentan de intensidad, la cual de primera instancia parecería una mera extensión del torture porn (de hecho, ha sido descrita como bondage horror); pero que, extrañamente, sirve como complemento para delinear la psique de este monstruo contemporáneo.

Para aquellos que necesitan reafirmar que todavía les queda capacidad de asombro al ver este tipo de cine, una buena noticia: Visceral: Entre las Cuerdas de la Locura se proyectará a mediados de diciembre en Cineteca Nacional dentro del ciclo “Masacre en Xoco”. Desde ahora se puede pronosticar lo siguiente: la sala entera enmudecerá y se conmocionará. Aquí el trailer que, sobra decirlo, no es ideal para verse en la oficina.

 

Alberto Acuña