Alumnos47 Móvil es una biblioteca especializada en arte contemporáneo que opera de forma periódica en distintas comunidades de la Ciudad de México. La colección itinerante de libros de arte contemporáneo es acompañada del trabajo in situ de artistas, historiadores, intervenciones y proyecciones de cine y video.
Si quieres conocer más de sus actividades, puedes visitar su site.
A continuación, te dejamos con el video que preparamos sobre esta iniciativa:
Oaxaca tendrá su propio Museo de Historia Natural: lúdico, didáctico y emotivo. La Universidad José Vasconcelos ganó el concurso de “Guión Científico” para la construcción del dicho museo lanzado por el Consejo de Ciencia y Tecnología de Oaxaca (CONACYT).
El arquitecto mexicano Héctor Carranza Palacios, director de CARP Arquitectos, estuvo a cargo del proyecto ejecutivo, arquitectónico y museográfico, basado en la naturaleza oaxaqueña donde el edificio simula al árbol de la ceiba, mejor conocido como “Pochote”, el cual cuando está viejo se entrelaza con otros para formar un conjunto muy singular, a veces uno encima de otro. Es así que el esquema formal del proyecto muestra cinco conos truncados del mismo tamaño formando un conjunto, aunado a uno central, más otro más.
El conjunto se distribuyen de la siguiente forma: un elemento central de 30 metros de diámetro y 18 metros de altura, con una cubierta de cristal, alrededor del cual giran los 5 pabellones del museo, más un elemento contenedor de servicios, sala de exposiciones temporales, tienda, curaduría, talleres, espacio lúdico y restaurante.
Los pabellones están hechos de concreto armado, con textura y color al exterior como si de corteza de un árbol, están conectados por un punto de intersección para formar un recorrido lógico de izquierda a derecha, siempre con la opción de converger en el centro.
El último pabellón es de 2 pisos, en la planta baja estará la tienda, la curaduría, el almacén y el patio de maniobras, además de un auditorio para 230 personas. En el primer piso se encuentran las áreas lúdicas y de oficinas; en el segundo nivel también puedes localizar un restaurante y el área de lectura con terraza.
Finalmente, en el exterior contará con un teatro al aire libre.
Guadalupe García
El acoso callejero es un constante en la vida de mujeres en todos los países del mundo; los gritos de «¡Ay, mami!,» «¡Guapa!,» y otras llamadas callejeras forman parte de la banda sonora diaria femenina desde la juventud hasta el punto de no retorno. Para abordar tal problema visualmente y públicamente, la artista Tatyana Fazlalizadeh ha creado una serie de carteles callejeros que se titula «Stop Telling Women to Smile.» Según la artista, «la obra intenta hablar sobre el acoso callejero de acuerdo al sexo al ocupar dichas calles con retratos dibujados de mujeres con leyendas que hablan directamente a los infractores en espacios públicos.»
Fazlalizadeh dice,»El acoso callejero es un problema grave que afecta a las mujeres por todo el mundo. Este proyecto intenta tomar las voces de las mujeres y sus rostros y ponerlos en las calles, creando así una presencia para las mujeres en un entorno donde ellas usualmente se sienten incómodas y poco seguras… El proyecto está diciendo que el acoso callejero no está bien, que el sentirte con derecho a tratar y hablar a las mujeres en la forma que quieras no está bien. Que las mujeres deben poder caminar al tren, al supermercado, a la escuela sin tener que cruzar la calle para evitar a los hombres que la están mirando mientras ella se les acerca. Que hacer que las mujeres se sientan deshumanizadas, sexualizadas sólo por ser mujeres no está bien. Que agarrándole la muñeca de una mujer para hacer que te hable no está bien. Que es posible que las mujeres sean seres humanos maravillosos, felices e inteligentes que simplemente quieren moverse por el mundo tranquilamente.»
«Espero que algunas mujeres pasen por mis carteles y se sientan fortalecidas. Espero que los hombres por lo menos les presten atención y piensen en lo que dicen los posters. Espero que la conversación sobre el acoso callejero siga siendo animado para poder producir algún tipo de solución.»
Grace Remington
El documental Afro-Punk habla de las dificultades de ser afroamericano y fan de la música rock/hardcore simultáneamente; para los protagonistas (tanto músicos como oyentes) la escena rock les presenta un ambiente extrañamente marciano a pesar de la contribución afroamericana al desarrollo del género musical. Recientemente, la subida de artistas afroamericanos quienes experimentan no sólo con la música rock sino también con chillwave, música electrónica, pop y otros géneros usualmente considerados indie ha subrayado no sólo la importancia de la música afroamericana en el crecimiento y la evolución de varios géneros de música sino también la singularidad (quizá aislante) de tales artistas quienes no «caben» ni en la música mainstream afroamericana ni en el mundo indie (en el cual domina artistas blancos).
Solange, la hermana menor de Beyoncé, lanzó su nuevo video para su sencillo «Lovers in the Parking Lot» (fácilmente la mejor canción de su reciente EP, True) la semana pasada en colaboración con The Creators Project (un proyecto de Vice). Grabado en un mercado de pulgas en Houston, el video aisla a Solange dentro de un espacio oscuro y lleno de objetos abandonados y arcaicos. Mientras ella baila por el mercado, cantando «I played around with your heart, now I’m playing around in the dark,» comenta sobre su estatus solitario no sólo íntimo sino también en el mundo de la música. A pesar de su posición culta en el mundo indie, sigue siendo una anomalía, rebotándose de un sello discográfico a otro mientras experimenta con nuevos sonidos sola «en la oscuridad» y así expande nociones contemporáneas sobre la música afroamericana.
Solange también hizo un video buenazo para su sencillo «Losing You,» el cual tomó lugar en Sudáfrica y que tiene similitudes visuales con el video de Blood Orange para su propio sencillo, «Chamakay.» De hecho, Dev Hynes, el cerebro detrás del grupo de R&B, trabajó como productor en el EP de Solange. De todos modos, en vez de reapropriar el entorno juguetón de la música pop-R&B que impregna el video de Solange, Hynes regresó a su país natal de Guyana para hablar (de nuevo) del aislamiento emocional no sólo musicalmente sino también visualmente. El intercambio vocal entre Hynes y Caroline Polachek crea un abismo entre los dos que se amplifica por olas tras olas de synths y bajo mientras Hynes explora (más o menos solo) la ciudad donde nació su mamá, así recuperando por su cuenta un pasado que nunca conoció.
Los dos videos anteriores obviamente se relacionan entre ellos por las colaboraciones musicales en las que han trabajado Solange y Dev Hynes juntos; de todos modos, es interesante ponerlos en un contexto más grande, específicamente en cuanto al mundo indie, para poder así establecer un diálogo entre el duo y sus videos y otros artistas que están experimentando con nociones similares de aislamiento (visual y musical) y que juegan también con géneros para poder así expandir el alcance de la música afroamericana. Chaz Bundick ha producido música bajo el nombre Toro y Moi desde 2009 y es conocido por su participación en la movida chillwave de los años 2010 y 2011 (un tipo de música conocido por su uso de sintetizadores, loops, muestros musicales y voces filtradas con melodías sencillas). En enero, se estrenó un video para «Say That» en el que Bundick aparece sólo en varios laderas y panoramas mientras canta, «I never left, don’t think like that!»
De hecho, quizá dicha letra debe ser la consigna de esta época de experimentación musical por parte de los músicos afroamericanos- nunca se han ido. Siempre han sido parte del desarrollo de la música en todas sus formas. Hay que repensar tales géneros para darles espacio a estos innovadores y bailar juntos con ellos.
Grace Remington
Como parte de las actividades del Gallery Weekend que empieza este viernes 27 en nuestra ciudad, GASTV ha organizado unos recorridos especiales en el que los visitantes podrán disfrutar de la guía especializada de las mismas galerías con las exposiciones en ellas expuestas. De esta manera, el visitante sólo tendrá que elegir los horarios que más se acomoden a su agenda y acudir a la galería respectiva. Cabe mencionar que el transporte entre las diversas galerías es gratuito y lo proporcionan los organizadores.
Podrás encontrar aquí los horarios de nuestros recorridos GASTV:
RECORRIDO 1 (Anahuac – Polanco)
– Galería Luis Adelantado 11:30 am
– Patricia Conde Galería 12:30 pm
– Galería Pablo Goebel Fine Arts 13:30 pm
RECORRIDO 2 (San Miguel Chapultepec – Condesa)
– Nina Menocal 14:00 pm
– Kurimanzutto 14:45 pm
– Labor 15:30 pm
– Proyecto Paralelo 16:15 pm
– Le Laboratoire 17:00 pm
– EDS Galería 17:45 pm
RECORRIDO 3 (Roma – Juárez)
– Tal Cual 14:00 pm
– Ethra 14:45 pm
– Arróniz Arte Contemporáneo 15:30 pm
– OMR 16:15 pm
– Proyectos Monclova 17:00 pm
– Altiplano Galería 17:45 pm
Gallery Weekend México es el fin de semana dedicado al arte contemporáneo que tiene por objetivo reunir a la comunidad artística y al creciente número de seguidores del arte más reciente. Las galerías más destacadas de la ciudad de México inaugurarán una de sus mejores exposiciones del año la noche del 27. Asimismo extenderán sus horarios de visita: el sábado de 11 de la mañana a 7 de la noche y el domingo de 11 a 5 de la tarde.
Podrás encontrar el listado de galerías y las rutas oficiales en este enlace:
http://www.galleryweekendmexico.com/seccion/mapa/
Mientras que un servidor escribe este top 6, en Austin, Texas se dan los resultados del Fantastic Market – Mercado Fantástico, el primer foro de pitching de proyectos iberoamericanos de cine de género que se encuentran en su fase de pre-producción, los cuáles buscan los recursos para poder concretar su filmación y a la postre, su ansiada distribución. Este mercado, que se forma entre la alianza de Kristen Bell y Rodney Perkins (directora y programador del Fantastic Fest, respectivamente) y la compañía mexicana Canana, recibió en esta primera edición,dieciséis carpetas que reafirman el buen estado de salud del fanta-terror hecho por una generación latinoamericana interesada en sentar declaraciones de principios y nuevos dogmas (totalmente alejados del j horror, el torture porn estadounidense, la Nouvelle Horreur Vague francesa o la camada escandinava).
A continuación seis títulos (alguno de directores que ya han dado de qué hablar, otros con su ópera prima bajo el brazo), que seguramente volarán cabezas el próximo año:
1 – Club Pánico (Adrián García Bogliano – México)
El año pasado, el argentino García Bogliano estrenó la brutal Ahí Va el Diablo, una anomalía en nuestra cinematografía (donde cabían posesiones, incesto y violencia doméstica). Y mientras prepara la premiere su película de hombres lobo Late Phases (su debut hollywoodense), ya está desarrollando esta nueva historia acerca de un joven estadounidense que sigue a su ex novia hasta la frontera de Tamaulipas, para arreglar su relación, sólo para percatarse que la chica es la elegida para ser sacrificada en un bizarro ritual satánico. Club Pánico ganó el segundo lugar dentro del Fantastic Market, por lo que su filmación es inminente.
2 – El Incidente (Isaac Ezban – México)
Su mediometraje Cosas Feas (2010), planteaba temas como el bullying, el despertar sexual y los estereotipos de la familia clasemediera mexicana, todo ello contado en un tono macabro. Un trabajo que no solo recorrió el mundo entero, sino que recibió comentarios halagadores por parte de gente como Guillermo Del Toro. Ahora, es tiempo de su primer largometraje, algo totalmente diferente a lo que había hecho: una película de ciencia ficción que busca reflexionar sobre el paso del tiempo y la felicidad, esto, pensando qué pasaría si un grupo de personajes se encontrarán atrapados en un pesadillesco camino-loop y donde no existe ninguna salida. El Incidente ganó una mención honorífica en el Fantastic Market.
3 – El Plata (Tamae Garateguy – Argentina)
Apenas la directora Tamae Garateguy debutó este 2013 con el celebrado thriller erótico con toques de explotación, protagonizado por una asesina serial de personalidad múltiple, Mujer Lobo y ya está decidida en volver a estar detrás de cámaras. Esta vez con la trama del brutal asesinato de la hija de un senador, cuyo cadáver misteriosamente desaparece. El crimen arrastra a su hermano a comenzar una investigación que lo llevará a descubrir que dentro de las cúpulas del gobierno, se encuentran vampiros infiltrados.
4 – Tatewari (Edgar Nito – México)
Este director es el autor de Y Volveré… (2010), un delirante cortometraje enmarcado en el sub-género de explotación conocido como rape & vengeance film. Para su debut en un formato extenso, Nito ideó un viaje por peyote que deciden vivir dos jóvenes estadounidenses y una chica canadiense en el desierto mexicano. El problema es que su experiencia mística y trascendental, se convertirá en una pesadilla.
5 – Cross of Souls (Dennison Ramalho – Brasil)
El famoso cortometrajista gore carioca, por fin da el salto al largometraje con un guión que involucra a una mujer de mediana edad con problemas psicológicos y emocionales, quien después de haberse divorciado y perderlo todo; desea regresar con su familia, a como dé lugar… aunque para esto deba de recurrir de la magia negra.
6 – El Árbol del Olvido (Rodrigo Gudiño – Canadá)
Sí, sí, la película es canadiense, pero el director es mexicano. Y no es cualquier director. Es el fundador de Rue Morgue, la revista de cine de terror más vendida en el mundo entero. Posterior a su debut con The Last Will and Testament of Rosalind Leigh (2012), llena de fantasmas, personajes con problemas psiquiátricas y casas abandonadas con un terrible secreto en su interior; regresa a su natal Tijuana para contar la historia de un policía a quien le encomiendan la investigación de una serie de asesinatos a menores de edad. Como en varios de los proyectos aquí comentados, sus andanzas para encontrar pistas, lo llevará a destapar una cloaca de donde saldrán sus peores temores.
Alberto Acuña
¿Qué se puede encontrar una persona al regresar a su terruño después de varios años? ¿Qué puede ocurrir al desentrañar en su pasado? ¿Cuál puede ser el resultado de cuestionarse en dónde se está parado hoy día? Y si esa persona es un cineasta, ¿de qué manera podrá capitalizar esos recuerdos de una manera artística?
Eso sucede en Mosca (2011), documental de Bulmaro Osornio. Después de decantarse por abandonar Santa María de Guadalupe (un barrio en Cuautitlán Izcalli, dentro del Estado de México), para estudiar cine y tener una estancia en Barcelona, el realizador regresa para saber qué había sucedido con sus amigos de la adolescencia, quienes, en la mayoría de los casos, nunca se movieron de ahí, convirtiéndose en una inquietud lista para ser filmada.
Conforme se ponía al corriente de la vida de sus amistades, todos ellos con familia y más o menos algún logro conseguido, se topó con Óscar, mejor conocido como “El Mosca”, el representante perfecto de una generación perdida en la nada: taxista nocturno, viudo, con dos hijas, el cual vive atormentado, añorando algo que fue y ya nunca más será.
Mosca engrosa una lista de documentales mexicanos (unos mejor resuelto que otros) acerca de personajes outsiders urbanos encriptados en un tiempo pretérito nebuloso, mismos que son retratados por un director porque este tiene algún vínculo cercano (de la emotiva película Mi Amiga Betty, aquí ya comentada, a las olvidables El Hombre que Vivió en un Zapato o Retrato de Familia).
Este trabajo se encuentra en punto intermedio: a ese interesante drama que se narra por la nostalgia y el vacío que ha dejado la muerte de Teresa, su mujer, se cruzan ciertos tics propios del género hecho en el país (lo estudiado que se nota el poner a pasajeros anónimos que abordan el taxi de Óscar; lo obvio que es usar grabaciones caseras para remarcar el estancamiento del personaje; esa cámara que desea acercarse de más, pero no sabe cómo hacerlo…)
Un dato de trivia: Gerardo Barroso Alcalá y Lisa Tillinger, el matrimonio responsable de Calle López, participan en la fotografía y la post-producción, respectivamente.
Alberto Acuña
La nueva colección de Rick Owens en el París Fashion Week 2013 llamó la atención de todos. ¿La razón? Pues la celebración de la diversidad racial y física en sus modelos. El uso por parte del diseñador de modelos multiétnicas y con cuerpos de medidas reales, en contraposición de la mayoría de modelos hiperdelgadas que es la norma, marcó una diferencia con el resto.
Pero el detalle es que estas modelos no eran tales, sino que eran integrantes de lo que se denomina «Step Team«, grupo de bailarinas afroamericanas de Nueva York, quienes desfilaron por la pasarela luciendo los modelos del diseñador y haciendo gala de su capacidad dancística.
Las bailarinas (que fueron reclutadas en los Steps Teams de los campus universitarios estadounidenses) salieron en fila, en actitud ruda y llevando diseños también duros, caracterizados por el abundante uso del cuero y las zapatillas de gran tamaño, luciendo como guerreras salidas de una película de Mad Max. Al final, la colección de Rick Owens es la celebración de la mujer real. ¿Señal de una nueva época en las pasarelas? El tiempo lo dirá.
La biblioteca como un núcleo de actividad, investigación y actividad cultural, académica y comunitaria atraviesa un periodo de incertidumbre. En una época en la que todo el mundo puede bajar libros digitales desde cualquier sitio de Internet a sus tabletas,smartphones u otros aparatos portátiles ¿qué papel puede jugar la biblioteca como fuente de información y espacio comunitario? La biblioteca de Birmingham, Inglaterra, recientemente abrió sus puertas como la biblioteca más grande de Europa pero también como un espacio de experimentación donde se puede jugar con ideas sobre el concepto de la biblioteca y las nuevas tendencias individualizadas y creativas.
Para conmemorar la apertura del espacio, Morag Myerscough y Luke Morgan construyeron un pabellón neón de uso múltiple que funcionará como un centro de actividad para la programación pública de la biblioteca (programada por la productora Capsule) que celebrará la apertura de la biblioteca. El espacio será un laboratorio para una serie de artistas en residencia que ocuparán la estructura por periodos de una semana mientras ofrezcan talleres, ponencias, proyecciones e intervenciones dentro del espacio multi-uso.
El pabellón fue construido a mano y fue diseñado para reflejar la diversidad del programa artístico: Myerscough pintó las paredes exteriores con símbolos usados en la comunicación digital (así combinando tendencias analógicas con sus homólogos digitales) y el grupo coronó el espacio con letreros escritos con palabras elegidas por jóvenes que participaron en los primeros talleres artísticos del espacio.
Hablando del proyecto, Myerscough dice, «Queríamos dar la bienvenida a los visitantes con una sonrisa y una celebración de la palabra. El espacio estimula la conversación y levanta el espíritu. El pabellón también sirve de ‘una caja de curiosidades’ que se cierra el domingo por la noche para abrirse de nuevo el martes bajo la dirección de su nuevo residente, convirtiéndose así en un espacio completamente nuevo dependiendo de los planes de su nuevo habitante.»
Como consecuencia, el interior de la estructura es sencilla para así permitir a cada residente cambiar el espacio según sus propias necesidades. Tablas de madera pueden servir como estantes; el techo abierto provee una vista de los carteles arriba y crea un efecto de iluminación moteada dentro del espacio y dos lados de la estructura tienen puertas de dos hojas que pueden permanecer abiertas (para así abrir el espacio aún más) o cerradas (para así crear un espacio más íntimo para proyecciones). Se levantó el pabellón en dos semanas, el cual buscará un nuevo hogar después del periodo de programación en la biblioteca. ¿Quién lo quiere?
Grace Remington
Eli Broad, empresario estadounidense, es la única persona que ha fundado dos empresas de Fortune 500 en dos industrias distintas; ahora se ha enfocado en la conquista del mundo del arte, saltando de su puesto como consejero del LACMA (Los Angeles County Museum of Art) para abrir el Broad, un nuevo museo de arte contemporáneo que se abrirá al público a finales del 2014.
El museo será el hogar para las más de 2 mil piezas de arte que tienen la Fundación Broad y la familia Broad en sí. Ambas colecciones están entre las propiedades más conocidas de arte de posguerra y contemporáneo al nivel mundial. Hablando durante un tour de la construcción, Broad dijo, «Siempre hemos tenido como meta la idea de asegurarnos de que las piezas contemporáneas en la colección Broad se vean por el público más amplio posible. Creemos que la entrada gratuita al Broad ayudará a atraer a los visitantes a la avenida Grand donde se encuentra el museo.»
Más allá de llenar el museo con sus 2 mil piezas, la familia Broad ha donado 395 millones de dólares para construir el edificio y dotarlo convenientemente. Contrataron a la firma neoyorquina arquitectónica Diller, Scofidio + Renfo para realizar la construcción del espacio.
Hablando del diseño del museo, los arquitectos lo describen así: «Apodado ‘el velo y la cúpula,’ el diseño del museo fusiona a los dos programas fundamentales del edificio: el espacio público para exposiciones y el archivo que apoyará las actividades de intercambio de cuadros que maneja la Fundación Broad. En vez de darle un estatus secundario a su almacén, ‘la cúpula’ juega un papel fundamental en dando forma a la experiencia del museo desde la entrada hasta la salida… La cúpula se envuelve por el velo, una estructura exterior porosa y que se ve como un panal… El velo se levanta por sus esquinas para así dar la bienvenida a los visitantes para que entren al vestíbulo y la librería. Después de entrar, el público se mueve hacia arriba mediante un ascensor, pasando así por el archivo y llegando a casi un acre de espacio libre para exposiciones.»
Dado el entusiasmo de sus fundadores y el concepto arquitectónico innovador del espacio, seguro que las obras de Beuys, Koons, Lichtenstein y Sherman, entre otros artistas representados en la colección, tendrán una nueva casa impresionante que no sólo revitalizará la zona alrededor del museo sino también, como comentó el alcalde de Los Ángeles, Eric Garcetti,»dará a nuestra ciudad una colección distinta y un museo distinto arquitectónicamente hablando mientras garanticen que quienquiera que quiera visitar tenga acceso.»
Grace Remington
En el proyecto Rurubu, la fotógrafa canadiense Haley Friesen colaboró con el artista japonés Nobuhiro Sato para hacer converger la danza y la caligrafía a través de una serie de fotos intervenidas por la plástica. La apuesta de Friesen fue crear belleza, movimiento y energía al mezclar diferentes formas de expresión artística. Aquí seleccionamos seis imágenes del portafolio.
1. Danzar y fluir
En japonés Rurubu significa danzar y fluir lentamente. Estas fotografías de Friesen registran un fragmento del movimiento de las bailarinas, detienen la acción y ofrecen detalles del hecho dancístico.
2. Cuerpos en movimiento
Además del trabajo visual, para ser posible, el proyecto requirió la interpretación y la creatividad de dos bailarinas de ballet que fungieron como modelos: Kathleen Legassick y Meaghan Silva.
3. La intervención plástica
Establecido en San Francisco, el artista Nobuhiro Sato decidió colaborar en el proyecto de Friesen y trabajaron a distancia. Después de terminar las fotos, ella se las envió para que fueran intervenidas plásticamente con la caligrafía japonesa.
4. Dos pasiones
De acuerdo con la fotógrafa, la danza y la cultura japonesa son dos de sus pasiones. En Rurubu pudo unirlas gracias a la relación de movimiento que encontró entre el cuerpo y los trazos de la caligrafía.
5. Fotografía y danza
El investigador Alberto Dallal afirma que la fotografía de danza no solo registra sino que revela y permite saber sobre las condiciones físicas y de sentido de una propuesta dancística.
6. La experiencia capturada
En el libro El aura del cuerpo, Dallal enfatiza: “Casi podemos deducir, al contemplar una fotografía de danza, hasta dónde pudo llegar ese cuerpo en tensión, hasta qué punto del espacio fueron alcanzados esos proyectos de materialización de lo pensado o lo sentido”.
Silverio Orduña
La revalorización de la historia defeña, la apropiación del espacio público, el espíritu aventurero para descubrir las locaciones más insospechadas de la geografía capitalina, y los particulares habitantes que la conforman, no sólo son la materia prima para poder editar mensualmente una publicaciones como nuestros hermanos de Time Out México, estrenar sitios de Internet dedicados al espíritu lúdico de esta ciudad o para que algún locutor tenga intervenciones en el radio recomendando restaurantes, museos y mercados; sino son los elementos que está utilizando una reciente camada de documentalistas con una óptica muy fresca acerca del lugar donde viven y transitan diariamente.
Para ejemplificar lo anteriormente dicho, se encuentra Calle López (2013), dirigida por el matrimonio formado por el mexicano Gerardo Barroso Alcalá y la austriaca Lisa Tillinger, y que muestra una sinfonía urbana en la mejor tradición de Alberto Cavalcanti y Walter Ruttmann.en los años 20. La cinta está ambientada en la bulliciosa e impredecible calle del título, ubicada en el Centro Histórico, paralela al Eje Central, donde congales de dudosa reputación y bares clandestinos, conviven con variopintos negocios familiares y vecindades que se caen a pedazos.
Al mudarse a esta calle, que parte de Juárez (frente al Palacio de Bellas Artes) y concluye en Avenida Arcos de Belén (a las afueras de la estación Salto del Agua) este par de fotógrafos se percató de esa precisa maquinaria de relojería que funciona diariamente en esas ocho cuadras anacrónicas, gracias a la gente que trabaja en estas, por lo que decidieron retratarla en un blanco y negro granuloso (acentuando ese carácter decadente) para conocer un día de ajetreo, de vértigo, de momentos irrepetibles e impredecibles.
Si bien es imposible creer que todo lo que vemos está basado en la espontaneidad (“No hay ninguna cosa planeada. Éramos un crew muy pequeño y seguíamos a nuestros personajes en su rutina natural sin decirles qué hacer. comentaba el co-director en una presentación reciente en Cineteca Nacional) misma afirmación que queda en entredicho con la puesta en escena sin margen de error. Calle López sí logra que uno sienta cercana a las personas que capta (ese maratonista que atiende un local de jugos, la chica que se dedica a lavar automóviles, el barrendero con el que abre y cierra el documental…) capturando una esencia urbana difícil de conseguir.
La cinta estará participando en la sección “Hecho en México”, dentro de la 8° edición de DocsDF – Festival Internacional de Cine Documental de la Ciudad de México (del 24 de octubre al 3 de noviembre).
Alberto Acuña
A 124 kilómetros de la Ciudad de México se ubica Tlaxcala – “Lugar del pan de maíz”-, un estado con una deliciosa gastronomía, coloridos pueblos mágicos y fiesta brava. Allá donde se respira un aire colonial, podrás encontrar haciendas del siglo XVI dedicadas a la producción de pulque, ganaderas, hoteles boutique y hasta locaciones cinematográficas de películas mexicanas de la época de oro y actuales.
Las haciendas en Tlaxcala tuvieron su época de oro a finales del siglo XIX gracias a la presencia del ferrocarril Mexico-Apizaco-Puebla, pero después de la Revolución comenzaron a decaer. Hoy existen en este estado hay 40 haciendas ocupadas por la actividad de la cría de toros de lidia y 146 son ex haciendas que algún día se dedicaron a la producción de pulque. Para disfrutar de esta herencia de la época colonial, a continuación te damos sólo una probadita de las 200 haciendas que puedes visitar la próxima vez que vayas a este estado.
Construida en el siglo XVIII y declarada Monumento Histórico de la Nación, se ubica en el municipio de Huamantla. Fue set de la película mexicana “Arráncame la vida” –una adaptación de la novela de Ángeles Mastreta- y una gran productora de pulque. Dentro se ubica la Capilla de San Pedro, con frescos recientemente restaurados, donde la imagen de San Pedro domina la vista desde el altar.
Esta hacienda ex pulquera del siglo XVII con fachada estilo medieval, alcanzó gran reconocimiento por ser sede de filmación para la película “La Escondida” de Roberto Gavaldón, donde participan María Félix, Pedro Armendáriz y Andrés Soler. Actualmente es uno de los mejores hoteles con una gastronomía reconocida a nivel internacional. Esta hacienda incluye un Museo del Pulque donde se le rinde culto a la bebida de los dioses y a todos los instrumentos utilizados para su elaboración.
Esta ex hacienda también es conocida como Casa Malinche porque se ubica a las faldas del volcán. Actualmente es un hotel tipo casa de huéspedes para los visitantes que acuden a subir el volcán o a volar en globo aerostático.
Guadalupe García
En la danza actual la búsqueda de explicarse y redefinirse es constante. Nuevos procedimientos escénicos, adelantos tecnológicos e innovadoras formas de aproximarse al cuerpo son las estrategias para conseguir un estilo que se diferencie de los valorados antecedentes históricos y las tendencias en boga del mundo dancístico. Con una carrera coreográfica que empezó en 1999, el belga Sidi Larbi Cherkaoui es uno de los nuevos contemporáneos.
Formado entre la danza contemporánea y el hip hop, desde el inicio demostró una propuesta ecléctica al diseñar la coreografía del ‘musical contemporáneo’ Anonymous Society, de Andrew Wale. Sus primeras obras las hizo para el colectivo Les Ballets C. de la B., en el que se integró en 1997, pero simultáneamente se desempeñó como colaborador en otros grupos y con otros creadores, como Akram Khan y María Pagés.
De 2004 a 2009, Cherkaoui se estableció en la ciudad belga de Antwerp como artista residente del teatro Toneelhuis. Ahí compuso Myth (2007) y Origine (2008). En ese mismo contexto estrenó en el teatro Sander’s Wells una de sus piezas más famosas y aclamadas: Sutra (2008), en la que colaboró con el escultor británico Antony Gormey y un grupo de monjes Shaolin.
En enero de 2010 Cherkaoui fundó su propia compañía a la que llamó Eastman y cuyo proyecto artístico incluye a la danza contemporánea, el teatro, el ballet, la ópera, el musical y otras disciplinas performáticas. Durante esta etapa ha producido Babel (words), Play, Rein, TeZukA, Puz/zle y 4D. Debido a su creciente fama, también fue contratado para diseñar el lenguaje corporal y la coreografía de la adaptación cinematográfica de Anna Karenina (2012), dirigida por Joe Wright.
De acuerdo con Sanjoy Roy, crítico de The Guardian, Cherkaoui es ecléctico en las técnicas de composición de su trabajo y, de igual manera, con el tema y el tono de sus obras que van desde lo sagrado a lo profano y del drama a la comedia. Los tópicos recurrentes en su trabajo son las diferencias personales y culturales, la religión y la espiritualidad.
En 2012, Cherkaoui fue elegido por la UNESCO para emitir el mensaje del Día Internacional de la Danza: “A lo largo del tiempo, a través de los años, lo que permanece es, ante todo, el arte. Aquello que el ser humano deja a sus herederos parece ser, al fin y al cabo, arte, bien sea en forma de edificios, libros, pintura o música. O movimiento o danza. En este sentido, pienso en la danza como en la lección de historia más actual y más actualizada que existe, ya que está en constante relación con su pasado más reciente y sólo puede ocurrir en el presente.”
Silverio Orduña
A todos los hinchas de la música trip hop, ahora les toca dejar caer un sólo teardrop (quizá mientras escuchan la canción del mismo titulo): Massive Attack ha regresado al mundo multimedia con un one-two punch que promete dejarles inspirados y alucinados.
La música de Massive Attack siempre ha sido conocida por sus experimentaciones atmosféricas, pero antes de la fundación del grupo, su co-fundador, Robert Del Naja, estaba jugando con tales nociones espaciales como un artista callejero en las calles de Bristol antes de convertirse en un rapero y productor como parte del colectivo Wild Bunch.
Su graffiti aún servía como fuente de inspiración para Banksy, quien dijo a la revista Swindle, «Cuando tenía 10 años, un tipo llamado 3D estaba pintando las calles a su máximo. 3D dejó de pintar y formó la banda Massive Attack, lo cual quizá fue bueno para él pero fue una pérdida enorme para la ciudad.»
Para rescatar esta historia artística de las calles y rincones olvidados de Bristol, The Vinyl Factory lanzará un libro de mesa y un recopilatorio titulados 3D and the Art of Massive Attack en una edición de 350 copias. Según la editorial, será «el primer libro sobre la historia visual de una banda que ha vendido más de 11 millones de álbumes mundialmente compilado y diseñado por 3D usando imágenes de su archivo personal.
El arte de Robert define el estilo emblemático de su grupo y el libro explora su historia visual, presentando así obras conocidas y nunca antes vistas, desde su graffiti influyente a sus diseños para cubiertas de los álbumes de Massive Attack.» El kit consiste en un libro de 400 páginas, una serigrafía del artista, un vinilo 12″ y una caja de cartón diseñado especialmente con arte de 3D. Todo puede ser tuyo por el precio de 350 libras.
Si el precio te parece demasiado alto, anda a checar el estreno estadounidense de «Massive Attack v Adam Curtis,» una experiencia multimedia que Robert describe como «una alucinación colectiva» y que empezará el 28 de septiembre en el Park Avenue Armory en Nueva York.
La pieza consiste en once proyecciones simultáneas de música, spoken word y rodaje de archivo que, según su trailer, se tratará de las historias de «Donald e Ivana Trump, Nicolai y Elena Ceausescu, Jane Fonda y Ted Turner, Hamid Karzai y sus hermanos, todos los de Goldman Sachs que les hicieron un montón de plata en 2008, la bomba atómica, el movimiento punk siberiano, Bambi y todos tus propios temores.» La colaboración entre el cineasta experimental y los músicos intensos, la obra promete ser provocadora y cargada políticamente mientras «posiciona al público en el centro de historias impresionantes de políticas y poder durante los últimos 30 años.»
Grace Remington
Entre el 20 y el 29 de septiembre se viene realizando en nuestra ciudad el Festival Internacional de Artes Electrónicas y Video Transitio_mx. Este festival consiste en una plataforma para la expresión y análisis de las prácticas contemporáneas de creación artística con medios electrónicos y cultura digital. Tiene un carácter bienal, y comprende tres actividades centrales: simposio, muestra y concurso que giran en torno a un concepto central: «Biomediaciones«.
El término consiste en el «dinamismo inherente de la vida que se desarrolla en los niveles ambiental, social y celular. Además captura la naturaleza creativa, dinámica y en constante evolución de los medios. Transitio_MX 05 Biomediaciones explora este proceso entrelazado, conforme al cual la vida siempre es mediada y en el cual los medios por sí mismos son vistos como algo vivo» como señalan los organizadores en su web.
De esta manera, en el festival se puede encontrar una gran diversidad de medios que tratan este concepto a través de múltiples soportes multimedia como video, arte sonoro, visualización de datos, arte digital y electrónico, instalaciones y performances. También se desarrolla un novedoso concepto artístico, el denominado «bioarte«, que consiste en el uso de genes, tejido vivo, sangre, virus y bacterias como material de trabajo por parte de los artistas.
Los simposios, talleres y exposiciones del festival se llevan a cabo en diversas sedes de la ciudad como el Centro Nacional de las Artes, la Fonoteca Nacional, el centro Cultural de España, el Laboratorio Arte Alameda, el SAE Institut, el Ex Teresa Arte Actual y el Centro de Cultura Digital Estela de la Luz. Para conocer más detalles de la programación de las actividades, visita la web http://transitiomx.net/programa.php
También, puedes seguir el evento en directo vía live streaming aquí:
http://transitiomx.net/envivo.html
Este jueves 26 inicia en Pekín el «Beijing Design Week 2013«. Este evento cuenta con siete secciones principales: la ceremonia de apertura, Beijing Design Awards, Beijing Design Fair, exposiciones temáticas, Foro de Diseño de Beijing, City Guest Hop y Diseño. El tema de esta edición tiene dos áreas: «Design City – Smart City». De esta manera se propone la creación de la primera ciudad mundial dedicada al diseño para lo cual se reunirán representantes y talentos de las ciudades internacionales donde el diseño tiene un importante desarrollo para discutir la construcción y la cooperación en la creación de esta posible urbe.
También se trabajará en la implementación de lo que se ha venido en llamar «Ciudad Inteligente«, concepto que implica ciudades en donde se procesan ingentes cantidades de datos en áreas como la planificación urbana, el desarrollo industrial y la mejora de la calidad de vida de los ciudadanos. Durante la semana de conferencias, que terminan el 3 de octubre, participarán importantes personajes del mundo del diseño, la cultura y asuntos públicos como Dan Roosegaarde, Michel de Boer, Florentijn Hofman o Marcel Wanders.
Los Drama Queers son una banda desmesurada, rimbombante, operística. Es decir, dramática. Son 5 chavos que se juntaron para hacer música y ser felices en una ciudad donde lo queer y lo diverso tiene su sitio y su expresión. Su carrera musical va en ascenso y han tocado en importantes festivales como el Vive Latino. A continuación, te dejamos con la charla que tuvimos con ellos en el backstage antes de su concierto en el Museo del Chopo.
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