Para responder a esta pregunta, la UNAM formará investigadores multidisciplinarios que ofrezcan respuesta y solución a las pasiones que generan en sus habitantes esta gran metrópoli.
La Ciudad de México es un caos, pero sin duda es amada y odiada por los capitalinos. Una metrópoli que provoca una serie de emociones encontradas dependiendo del lugar en el que estés, hacia donde te dirijas y qué ruta tomes. Para conocer, trabajar y dar orden a las pasiones y emociones que se desatan en una ciudad encaminada a la sustentabilidad, la UNAM creó el Proyecto Laboratorio Grupo Estudio de las Emociones (GEE-MX Lab).
El Laboratorio, que comenzará actividades en septiembre, está organizado por la Facultad de Arquitectura, a través de la Coordinación de Investigación en Arquitectura, Urbanismo y Paisaje (CIAUP), y tiene como objetivo formar equipos transdisciplinarios de investigadores, profesores y estudiantes.
A través de un comunicado, la UNAM detalla que las disciplinas participantes serán historia, sociología de las emociones, estudios culturales, urbanismo, artes, arquitectura, economía y política social, filosofía, antropología social, psicología, ciencias neurobiológicas, ciencias de la salud, historia de la ciencia y tecnología.
El proyecto está a cargo de la doctora Johanna Lozoya Meckes, quien define a la ciudad emocional como una compleja dinámica identitaria de cohesión social urbana basada en afectos, pasiones y emociones como constructos culturales narrativos sometidos al tiempo y al espacio. El Laboratorio de las Emociones es un proyecto piloto que se desarrollará durante 5 o 6 años, tiempo promedio para formar grupos multidisciplinarios y una nueva generación de investigadores.
Otras instituciones que respaldan este Laboratorio son: el Departamento de Psicología de la Facultad de Estudios Superiores (FES) Iztacala; Seminario Universitario Interdisciplinario sobre Envejecimiento y Vejez (SIUEV); Investigación en Salud (PUIS), de Medio Ambiente (PUMA), de Estudios de Ciudad (PUEC); de Estudios de Desarrollo (PUED) y México Nación Multicultural (PUMC).
Es un disidente de la danza. Con su aspecto de tipo rudo y después de varios desplantes de rockstar a maestros, coreógrafos y compañías, el bailarín ucraniano Sergei Polunin volvió a la escena internacional en el Moscow Stanislavsky Ballet y ahora protagoniza The Fragile Balance, el nuevo filme de Jem Goulding. “Sergei es un adicto a la adrenalina, un buscador de emociones”, afirma la cineasta.
Lo caracterizan sus tatuajes y su impecable técnica. Sergei Polunin se convirtió en una estrella del Royal Ballet de Londres, donde llegó a formarse en plena pubertad. Y lo más increíble: a los 19 años de edad logró ser el primer bailarín más joven de la compañía en toda su historia, a la cual dejó plantada hace un año. El escándalo le dio más fama y también trabajo.
(Fuente: www.nowness.com)
“Ser un bailarín de ballet no es cool. El futbol, el box, el hockey… ellos son cool. Y hacen más dinero”, declaró recientemente a la prensa británica. El aspecto económico es una de las hipótesis que más pesa sobre el abandono sin previo aviso de su empleo en el Royal Ballet. Luego consiguió contratos con un pago más elevando. Además de la danza, Sergei puso un negocio de tatuajes.
Pero su historia de escapes imprevistos no acabó ahí. En abril de este año dejó de asistir a los ensayos, ya casi para estrenarse, de la adaptación dancística de Expreso de Medianoche que preparaba el Peter Schaufuss Ballet. Ahora con 23 años de edad, Sergei es considerado por los críticos como el heredero de Rudolf Nureyev y Mikhail Baryshnikov, dos de los más grandes bailarines del siglo XX.
Fuente: Zoo Magazine
En mayo, junto a la bailarina Tamara Rojo, Sergei se presentó en la clausura de los premios Benois 2013 en el Teatro Bolshoi de Rusia. El crítico Roger Salas describió así su acto en la gala: “Vestido de caballero romántico decimonónico aunque estilizado, nadie diría que es el mismo de antes. Hasta su corte de pelo se atiene al canon. Dúctil, expresivo, con una facilidad en el salto y la ligazón del fraseo, Polunin se mostró grande y centrado.”
Su rigor como intérprete es innegable. La película de Goulding lo retrata. La cineasta se propuso seguirlo tanto en el escenario como en sus momentos de descanso mientras preparaba el ballet Coppelia con el Stanislavsky Ballet. Aunque cree que Sergei actúa a partir de una especie de ingenuidad juvenil, para ella su postura frente al arte y la danza sigue siendo convincente.
La música no solo tiene que ser un producto grabado en estudios o hecho por músicos profesionales; de hecho, si te paras y te tomas el tiempo para escuchar al rededor, te das cuenta de que estás rodeado constantemente de una banda sonora siempre cambiante y flexible. El músico inglés Cosmo Sheldrake, que empezó a tocar música a los cuatro años y que toma inspiración de diversas tradiciones musicales -las cuales usa en los talleres de improvisación vocal y beatboxing que ofrece en varias escuelas inglesas cuando no está tocando con su banda, Gentle Mystics, o cuando lo hace solo- lo sabe más que nadie.
Sheldrake viajó a Bulgaria para participar en el festival de música «Meadows in the Mountains«. Durante sus tiempos libres, decidió explorar los sonidos del país y grabar una nueva canción. Como se ve en el video, el multi-instrumentista (que toca banjo, bases de loops, piano, contrabajo, batería, didgeridoo, flauta metálica irlandesa y tuba, entre otros instrumentos) empezó a grabar puertas cerrándose de golpe, caminatas de los caballos locales y pasos de gente a quien conoció durante sus viajes por el país.
El cineasta Ruben Woodin, quien grabó el video de las exploraciones sónicas y geográficas de Sheldrake, dijo, «Cuando Cosmo recibió la oferta de tocar en Bulgaria, pensamos que era la oportunidad ideal para grabar sonido y video en el rústico mundo balcánico. Esta vez, tuvimos más tiempo y él quería incorporar elementos locales en su canción para desarrollar aún más sus ideas de relaciones sónicas entre especies. Coleccionamos audio y video de perros rabiosos, pipas oxidadas y erizos para que él pudiera usar dichas grabaciones en su mezcla. Era una manera fascinante de interactuar con e interpretar un sitio. La gente local estaba entusiasmada y confundida por nuestro proyecto.»
Homofobia, misoginia, fanatismo religioso, ignorancia, promiscuidad, xenofobia, incesto, doble moral en la sociedad y canibalismo, todo ello retratado de una manera ácida, estridente, mala leche y, en algunas ocasiones, extremadamente fársica. Así, es un hecho que nunca se podrá ver en salas convencionales, una película como Los Chidos (2012), el segundo trabajo como realizador del músico multi instrumentista puertorriqueño Omar Rodriguez López (famoso integrante de las desaparecidas bandas At The Drive-In y The Mars Volta).
Como reza el slogan de la película, “El que no critica su cultura, no ama a su madre” (tomando en cuenta que a pesar de su nacionalidad, Rodríguez López ha transitado gran parte de su vida por Estados Unidos y México en sus respectivas ciudades fronterizas); Los Chidos es una mirada incisiva hacia los peores defectos de la arquetípica familia clasemediera mexicana (¡y provinciana!) y su arraigadas costumbres que resultan un lastre.
Los González es una familia de Ciudad Juárez integrada por toda clase de pránganas; padres y cuatro hijos que en apariencia mantienen una refaccionaria a las afueras de una carretera, la cual le da nombre a la película; pero que en realidad sobreviven…aprovechándose de quien se deje, robando, endeudándose, embaucando y haciendo negocios ilegales. Hasta que un día llega a su entorno Kim, un joven estadounidense que ha tenido un percance con una de las llantas de su automóvil, y necesita ayuda ya que debe de llegar a tiempo a su boda. Lo que parecería un inconveniente menor; resulta la experiencia más pesadillesca que vivirá este joven ingenuo cuando su carro sea robado, y los González lo adopten con la intención de sacarle hasta el último dólar que tenga en la cartera.
Paralelamente a esto, enfrente de la carnicería donde trabaja el amante de la madre y cabeza de la familia, vive un matrimonio cuya dinámica diaria es la de la humillación exacerbada por parte del marido y un sometimiento patológico por parte de su mujer (golpizas hasta dejarla inconsciente, lluvias doradas, violaciones, celos, etc.). Eventualmente, estos dos mundos deberán de colisionar con resultados esperpénticos.
Los Chidos es una extravagancia fílmica, una que se mueve sin problema en el humor negro (la secuencia donde el marido abusador y machista, deja regados en el piso pedazos de vidrio para que su esposa se los clave en los pies, la escena de la tortura en la recta final, por ejemplo), y el mero divertimento (exceptuando a Kim, todos los personajes tienen notoriamente las voces dobladas, la fotografía tiene puros colores chillantes…). No faltará entonces quien se sienta ofendido…por identificarse plenamente. La imagen de la familia, lo más sagrado de la idiosincrasia nacional ha quedado por los suelos con esta comedia.
Mientras que esperamos que algún festival o un cineclub alternativo tome la decisión de estrenarla, aquí se puede ver el trailer de Los Chidos:
Y aquí se puede ver completa (y de manera legal) The Sentimental Engine Slayer (2010), la ópera primera de Omar Rodríguez López:
Como parte del Simposio Internacional de Teoría sobre Arte Contemporáneo (SITAC) conversamos con el escritor Mario Bellatín, ponente en una de las mesas de dicho encuentro. Acaba de publicar hace unos meses, en la editorial Sexto Piso, «Gallinas de Madera» , En España se ha editado la primera parte de su obra reunida y, antes de fin de año, aparecerá su libro «Texto para introducir al Cerdo».
Reconocido por su formato de novelas breves, Mario se encuentra actualmente embarcado en una serie de proyectos editoriales rompedores y experimentales, hasta tal punto, que uno de ellos, el denominado «Libro Fantasma» ha sido rechazado por múltiples editores.
Se trata de una edición paralela a la tradicional, en la que el libro original es editado también en una segunda versión -con menos tiraje y diferente formato- prescindiendo de carátula, foto de autor, espaciados de páginas, etc. La idea es que a esta edición «fantasma» puedan acceder los lectores de manera gratuita, a manera de promoción de la obra. Paralelamente, se ha propuesto la titánica cifra de editar, él mismo, 100 mil libros.
Fantasma
«Con el Libro Fantasma, tengo dos objetivos. Uno retórico: el de que una editorial sea la primera en preocuparse por los lectores. El otro, el de individualizar los libros, sacándolos del montón. En este caso, si hay un libro de que también lo puedes obtener gratis completo, ya es una forma de individualizar la producción pues tu libro deja de ser uno más para convertirse en algo excepcional. Pese a ser esto, los editores no están dispuestos a sacarlo.»
«La industria editorial está ahora en un terreno blando, aquel en que todo está por hacerse. Si ella se sigue aferrando a viejos modos que no dan más de si y están incapacitados para mirar a su alrededor y reinventarse, están condenados a la extinción. «
100,000
«Los 100 mil libros es una cifra utópica porque nunca voy a llegar a ella. De acuerdo al formato que tienen, podré publicar unos 55. Lo veo como un tema de seguir avanzando, como una especie de meta de vida, el empezar a dejar de contar mis años en años para hacerlos en libros. El proyecto está fuera de las leyes del mundo editorial y no tiene ninguna presión comercial por vender. Los 10 títulos que tengo hasta editados no están a la venta, están a disposición.»
«Los autoedito a mano. Tengo una prensa en mi casa, los firmo y les pongo mi huella. Los intercambio sin precio definido y dependiendo del contexto. Lo que tu me ofrezcas, lo acepto o no: así, los he vendido desde 2 pesos hasta 5 mil pesos. Esto me permite jugar también, hacer una especie de happening sobre el intercambio del dinero.»
Romper el sistema
«En los últimos años, en América Latina, se le ha quitado a la escritura su caracter artístico para imponerle temas de orden sociológico, antropológico, etc. Desde que comencé a escribir me encontré con un camino lleno de prohibiciones y llenos de «deberes ser» que me hicieron tratar de escapar de ello para reivindicar dentro de mi escritura un carácter que va mas allá de ciertos patrones impuestos por la industria editorial, la academia, etc.»
Arte en tiempos del iPhone
«Ahora, para mi es más fácil escribir en iPhone que en una computadora. Pongo en tela de juicio todas las ideas acerca de que hay que escribir en un estudio. Me voy a un bosque con mis perros de carrera, llevo mi iPhone, un stylus larguísimo, me siento bajo un árbol y allí trabajo mejor que en mi propia casa.»
La sustentabilidad está llegando hasta los materiales de construcción para edificios, para decoración de interiores, hasta para alumbrar calles. Uno de esos materiales son las losetas luminosas que ya existen para decorar el hogar y a gran escala se trabaja en proyectos para iluminar calles y ciudades enteras. A continuación te contamos de algunos losetas o baldosas inteligentes, vamos de lo macro a lo micro.
El británico Laurence Kemball-Cook, estudiante de diseño industrial de la Universidad de Loughborough, creó el proyecto baldosas Pavegen que consiste en losetas que se coloca en el suelo y se hunde cinco milímetros para generar 8 vatios de energía con cada pisada gracias a materiales piezoeléctricos.
Las losetas de 45×60 centímetros podrían ser colocadas en una avenida de gran tránsito y servir para prender el alumbrado público, señalizaciones, publicidad, cargar teléfonos móviles o dispositivos de sonido.
Cuando alguien pisa la loseta se enciende una lámpara en el centro del cuadrado y el resto de la energía se almacena en una batería que podría ser usada para prender otros dispositivos. Las losetas Pavegen fueron usadas en el acceso al Parque Olímpico de Londres, donde se capturaron 12 millones de pisadas que produjeron 72 millones de julios, para cargar 10 mil teléfonos móviles en una hora.
En Londres hay varias escuelas y oficinas que empiezan a probar el sistema para iluminar pasillos, inclusive se usa en la estación de West Ham en Londres.
Aquí un video de cómo funciona.
Opciones para el hogar
Mientras esperamos que estos proyectos lleguen a Reforma o Insurgentes, o al Centro Histórico, aquí te presentamos algunas opciones para el hogar.
Losetas LED. Existen en el mercado focos losetas led rectangulares de colores que pueden usarse para iluminar baños, cocinas y pasillos. Algunos módulos son de un solo color y otros se pueden cambiar de color.
Losetas de gel. Están fabricadas con poliuretano, son blandas, flexibles y sirven para decorar. La parte posterior de las baldosas es autoadhesiva, lo que significa que se pueden colocar en reiteradas ocasiones según el gusto de los usuarios. Son resistentes al agua y se pueden aplicar sobre cualquier superficie lisa y limpia, como metal, cristal o cerámica esmaltada. Se pueden integrar en suelos, paredes y techos, siempre y cuando se cuente con una instalación de luz.
Erick Meyenberg es un artista mexicano que se encuentra haciendo una residencia en Escocia. ¿Qué hace allí? investiga lo que él ha denominado el Black Spirit: evaporación de las barricas de Whisky provenientes de la destilería Glenfiddich. Ésta, impregna los bosques cercanos no solo con su aroma a etanol, sino que propicia el crecimiento de un hongo negro, el Baudoinia Compniacensis, que cubre árboles, casas, almacenes, letreros y cualquier objeto a la intemperie, dándoles un aire ominoso.
«Reflexiono sobre la doble huella de la industria sobre la naturaleza y de la naturaleza sobre la industria. Máquina industrial vs máquina natural. Lo que me fascina de la máquina es su poder de sistematizar y ordenar el caos que se halla en la potencia y la fuerza de la naturaleza. La máquina refleja también la potencia de la organización humana ante este desorden, un momento de confrontación entre lo aparente y lo inasible de la naturaleza. «
«Los bosques negros producen una sensación de respeto ante algo que te sobrepasa. Hay una sensación mezclada entre fascinación y perturbación (parecida a la que siento con la máquina) que me obliga a quedarme frente al bosque, pero siempre buscando los límites en donde uno va perdiendo su zona de seguridad. Me gusta experimentar la sensación de descontrol que te puede llevar hasta el terror, cuando decides romper estos límites.»
«Para la residencia realizaré dos instalaciones que intentan recolectar mis experiencias en la destilería y mis primeras cavilaciones alrededor del tema: la máquina y la naturaleza. Una de ellas se apega más a mi investigación in situ, con toda la historia del hongo, llamada Black Spirit- Valley of the deer, pues es el significado en gaélico del nombre que tiene el whisky: Glenfiddich; y, la otra, es sobre cómo utilizamos a la naturaleza como un receptáculo de nuestras propias proyecciones como angustias, miedos, etc, llamada Black Spirit-Cancer.»
«El curador y yo nos robamos unos cuantos polines arrumados y apilados en una especie de basurero de la destilería. También , me dediqué a la búsqueda exhaustiva de pedazos de madera abandonados y casi pudriéndose en los alrededores de dicha instalación, punto limítrofe con el ‘bosque negro’. No fue por pura necedad utilizar este material, pues de nada servía ir a una maderería a comprar nuevos polines, sino que lo que me interesaba era recuperar aquellos que, al haber estado a la intemperie por tantos años, se habían tornado negros por la acción colonizadora del hongo.»
«La idea fue reconstruir, sin tratar de imitar ni representar al objeto original, utilizarlo como una manera de entender mi interés y fascinación cuando lo vi por primera vez, tratando de acentuar las sensaciones de espacio, de vacío, de angustia e incertidumbre, de forma y contraste, que descubría en mis paseos por los bosques y sus árboles negros.»
«La oscuridad siempre nos atrae y es la imposibilidad de su lectura lo que me invita a acercarme a ella.»
Merce Cunningham (1919-2009) es el coreógrafo más representativo de la danza contemporánea del siglo XX. Después de trabajar con Martha Graham, la matriarca de la danza moderna estadounidense, Cunningham originó la ruptura. Su trabajo se basó en la experimentación coreográfica abstracta y la colaboración que emprendió con algunos artistas visuales dejó huella sobre los escenarios.
1. Andy Warhol
En 1968, Cunningham compuso la coreografía RainForest, en la cual la instalación Silver Clouds, de Andy Warhol, convivió con los bailarines en el escenario. El espacio fue invadido por almohadas plateadas infladas con helio.
2. Roy Lichtenstein
En la coreografía Pond Way de 1998 aparece un telón de fondo basado en la pintura Landscape with Boat, de Roy Lichtenstein, otro de los representantes del arte pop.
3. Frank Stella
El pintor y grabador estadounidense Frank Stella trabajó con Cunningham en los decorados y el vestuario de la pieza Scramble, de 1967. Stella se perfiló como un artista de la abstracción y trabajó con los patrones geométricos.
4. Robert Rauschenberg
El equipo de trabajo que formó Cunningham con el compositor John Cage y el pintor y Robert Rauschenberg ha sido uno de los más fructíferos en la historia del arte. En Summerspace (1958), Rauschenberg creo el vestuario y los decorados.
5. Ernesto Neto
En Views on Stage (2004), el artista contemporáneo Ernesto Neto, originario de Brasil, dispuso un aparato escultórico sobre el escenario para completar la pieza de Cunningham.
6. Dove Bradshaw
La artista Dove Bradshaw colaboró con Cunningham en Fabrications, de 1987. Bradshaw, pionera de la indeterminación de materiales en el arte contemporáneo, diseñó el vestuario y creó un telón de fondo para la coreografía.
Hoy, 28 de agosto, se inaugura una nueva Mostra de Cine de Venecia. En su septuagésima edición, la lista de películas en competición es variopinta y, como siempre, atractiva. A directores consagrados como Terry Gilliam , Stephen Frears o Hayao Miyazaki, se unen otros como Gia Coppola o el griego Alexandros Avranas, director de Miss violence, película que narra la historia de una niña se suicida el día que cumple 11 años. Aquí que te dejamos una lista con las imprescindibles del festival:
1. Palo Alto. Gia Coppola
Película que trata de la angustia adolescente y la ineptitud de los adultos. Palo Alto es el debut de Gia Coppola. En su historia, Teddy, Abril, Fred y Emily usan alcohol, marihuana y sexo para conseguir soportar la confusión de la adolescencia.
2. Gravity. Alfonso Cuarón
El doctor Ryan Stone es un ingeniero médico brillante en su primera misión de un transbordador en la que viaja junto al veterano astronauta Matt Kowalsky. Pero una caminata espacial, aparentemente de rutina, termina siendo un desastre. El transbordador se destruye, dejando a Stone y Kowalsky completamente solos, atados a la nada, pero hundidos en una espiral hacia la oscuridad.
3. The Zero Theorem. Terry Gilliam
Un genio de la informática excéntrico y solitario, plagado de angustia existencial, trabaja en un misterioso proyecto dirigido a descubrir el propósito de la existencia -o su ausencia- de una vez por todas. Sin embargo, una vez que él experimenta el poder del amor y el deseo, comprende que es capaz de entender su razón de ser.
4. Philomena. Stephen Frears
Embarazada cuando era adolescente en Irlanda, Filomena fue enviada al convento de Roscrea para ser atendida como una «mujer en desgracia». Cuando su bebé nació, le fue arrancado por las monjas para ser adoptadoen Estados Unidos. Philomena pasó los próximos cincuenta años en busca de él, pero sin éxito. Entonces conoció a Martin Sixsmith, periodista político que le ayudará a encontrarlo.
5. Child of God. James Franco
Cinta basada en la novela de homónima de Cormac McCarty. Situado en el Condado montañoso de Sevier, Tennessee, Child of God cuenta la historia de Lester Ballard, un desposeído, un hombre violento que se describe como «un hijo de Dios tanto como usted, tal vez.» La vida de Ballard es un desastroso intento de existir fuera del orden social, cayendo en lo más profundo de la delincuencia y la degradación.
6. Kaze Tachinu. Hayao Miyazaki
Jiro sueña con volar y diseñar hermosos aviones. Como sufre de miopía desde pequeño, por lo que no puede convertirse en piloto, Jiro se une a la división de aviones de una importante empresa de ingeniería japonesa en 1927. Su genio es pronto reconocido, y aumenta hasta convertirse en uno de los diseñadores más reconocidos del mundo.
El 5 de julio El Shirota, una banda de garage-punk que hace «rock prendido para la bandera,» tocó una canción suya, titulada «Aquí hubo escena,» durante la primera presentación de Aquí No Hubo Escena, una serie de «shows mensuales en lugares inhóspitos con el fin de promover bandas independientes.» El título de la canción y su música acompañada armonizaban bien con la meta de los organizadores del concierto: abrir espacios para la gente que no asista a conciertos por los precios «sin fines de lucro, sin fines de fama, con fines de amistad.»
Ocupando una casa en Atzapozalco, ANHE ofrece conciertos semanales a su público atzapozalquense y en CCH Vallejo, entre otros espacios, en los cuales han tocado grupos como Beztia, Los Especialistas, Ay Qué Rico, Buried Under Stars yLittle Jesus, entre otros.
Sus siete organizadores están agendando su segundo festival para noviembre y piensan montar happenings y exposiciones en varios espacios por toda la ciudad. Fundado por «la escasez que hay de eventos» no sólo en Atzapozalco sino también en toda la ciudad, el colectivo ahora llevará a ANHE a otros estados, incluyendo a Guadalajara y León. Hablamos con cuatro de los fundadores sobre el proyecto, su presente y su futuro.
Yair: Creemos que una banda puede tener su demo muy bien grabado, puede sonar impecable, pero en vivo siempre cambia la cosa, siempre te sorprende o te decepciona. Buscamos trabajar con bandas que quieran tocar, a quienes les guste tocar, sea donde sea… Queremos ver a las bandas que nos gustan allí en Azcapotzalco, pero también es un hambre que tenemos nosotros, que la gente se voltee y diga, ‘Oye, están pasando cosas chidas aquí.’ Queremos que la gente se anime para hacer shows en nuevos espacios y para pensar en grande.
Chazz: Queremos que una banda que toque en ANHE sea un paquete entero, que sea buena gente, que toque buena música, que no vaya con la intención de buscar dinero. Nosotros nos portamos bien con ellos y queremos que nos traten igual… La idea es crear un nombre, un concepto, hacer un concierto accesible, con bandas que regularmente cobran mucho para sus conciertos, y que sea en un lugar donde casi no hay conciertos…
Moy: La idea es llevar a las bandas más allá del circuito de Roma-Condesa y llevarlas a sitios donde hay pocos conciertos… En el DF, siempre es una cuestión de contactos. Las bandas que entran a los grandes festivales siempre tienen sus conexiones. Queremos democratizar el proceso… La gente lleva su comida, sus bebidas… No queremos que gasten mucho en asistir a los conciertos. Deben ser eventos abiertos a todos.
Fabro: No hay lugares donde puedes expresarte. Hay lugares donde llegas y te piden cosas, dinero, gente… y cobran mucho por las entradas. No queremos hacernos ricos. Queremos apoyar a las bandas desde abajo, a las bandas emergentes para que crezcan… También hay que agradecer a la gente, no sólo de las bandas sino también del público porque sin todos ellos, no existimos. Hemos crecido gracias a ellos.
Con el objetivo claro de reflexionar -teniendo como herramienta el género documental- acerca de la identidad de las sociedades contemporáneas, del presente y futuro de los derechos humanos y de la libertad de expresión; la Asociación de Documentalistas de México, el Instituto Mexicano de Cinematografía (IMCINE) y el Centro de Cultura Digital organizan el ciclo El Orden que Tramonta, mismo que proyectará durante los últimos cinco meses del año, una serie de 39 películas iberoamericanas (en la mayoría de los casos, semi-inéditas), en la Sala Nellie Campobello del propio CCD (Paseo de la Reforma s/n, esquina Lieja, Col. Juárez).
Cabe subrayar que prácticamente todas los filmes documentales a exhibirse fueron realizados en condiciones adversas, incluso de manera clandestina (debido a guerrillas, revueltas, locaciones de alto riesgo, personajes inalcanzables para retratar, etc.) por lo que sus respectivos directores no sólo tuvieron que recurrir a métodos ingeniosos para llevarlos a cabo, sino voluntaria o involuntariamente participaron de forma activa en el núcleo de las problemáticas de las que hablan. No es de extrañar pues, que varias de estas producciones sean contadas en primera persona.
Las funciones de El Orden que Tramonta se realizarán los fines de semana a mediodía (la entrada será libre), y los sábados se contará con la presencia de los directores o de algún especialista, para buscar entablar diálogos y retroalimentación con el público, pieza clave de cualquier cineclub que se respete; convirtiéndose así en un interesante rescate de la memoria audiovisual tanto a nivel local, como continental.
Para consultar la programación completa y las fechas de exhibición:
Domingo 14 de julio 2013. Una línea de 50 mujeres vestidas de rojo caminaba hacia el Palacio de Justicia, la sede principal de la corte suprema peruana. Subían por sus escaleras grises y se acostaban una por una en cada escalón de la entrada principal, creando así una alfombra roja para el edificio gubernamental que, en vez de marcar la ruta de los jefes del estado, termina frente a sus puertas de oro con un cartel que dice, “No más crímenes de odio, el Estado y sus leyes nos están matando.”
El otro lado del cartel decía “Educación sexual para decidir, anticoncepción para no abortar, aborto legal para no morir.” En el Perú, 13.5% de las adolescentes ya es madre y un 44% de ellas desconoce métodos de protección sexual. A pesar de tales condiciones extremas, a finales de junio el Congreso Nacional aprobó el “Nuevo Código de los niños, niñas y adolescentes,” legislación que hace responsable a los padres de la educación sexual de sus hijos mayores de 14 años y que niega a dichos jóvenes el acceso a servicios de salud sexual y reproductiva.
Cuatro de las participantes de la acción pública, María Ysabel Cedano, Alejandra Ballón, Natalia Iguiñiz y Laura Arroyo, hablaron del asunto justo después de su avance por la cámara legislativa. Decidieron formar su colectivo, Alfombra Roja, ese mismo día e imbuir a dicho espacio reservado para gente importante con un sentido de protesta comunitaria y civil mediante acciones públicas por toda la ciudad. Más de 400 personas se han incorporado al tejido social del movimiento durante los últimos meses, vistiéndose de rojo, acostándose en el suelo de más de siete lugares públicos de alta importancia en Lima e intercalando pies con cabezas para visibilizar el impacto cotidiano de las leyes peruanas en los cuerpos femeninos.
Las ocupaciones espaciales del colectivo, a pesar de ser silenciosas, han fomentado diálogos civiles con su público tanto en plazas públicas como en plataformas digitales (como la página de Facebook del movimiento). Dichas conversaciones interdisciplinarias se han extendido más allá de Lima a otras ciudades de Perú y a Santiago de Chile, donde también se han montado manifestaciones parecidas para insistir en que, como decía otro cartel suyo, “Los Derechos Humanos no se negocian.”
Lo que sí se negocia mediante los performances públicos de Alfombra Roja es la necesidad de encontrar un nuevo camino en materia de derechos sexuales y reproductivos junto con los espectadores peruanos y otros miembros de la sociedad civil si no con poderes gubernamentales. Hablando del alcance de su movimiento, las fundadoras comentan que “La alfombra roja, extendida en los diversos espacios públicos y hecha del cuerpo de una sociedad civil organizada, quiere mostrar una nueva ruta a los jefes del estado en materia de derechos sexuales y derechos reproductivos y denunciar el abandono de la ruta de la igualdad.”
En este contexto, la alfombra roja pertenece a la sociedad civil, no al mundo del espectáculo. Al juntarse físicamente en los espacios públicos en Perú, Chile o en otros países, los participantes reclaman el poder político, físico y metafórico de sus propios cuerpos, buscan la autonomía corporal para todos y así iluminan veredas comunitarias performáticas y reales que dan al cuerpo femenino el espacio y el respeto que merece.
El proyecto aún vigente llamado Danza Mínima, de la coreógrafa mexicana Evoé Sotelo, está compuesto por siete propuestas. Fue concebido, según Mauricio Ascencio, colaborador de la compañía Quiatora Monorriel que dirige Sotelo, como una forma para visitar las habitaciones clausuradas u olvidadas dentro de la mente.
De acuerdo con Evoé, una de las creadoras dancísticas más reconocidas a nivel nacional, Danza Mínima es un caldo de cultivo originado por el ‘razonamiento’ —así lo entrecomilla— del propio inconsciente, que “discrimina, elige, pondera, con total autonomía, los elementos que constituyen el universo personal.” Aquí la improvisación es la técnica que predomina.
Esta obra ha generado dos antesalas, la primera con cuatro versiones y la segunda con tres; la primera implica el diálogo improvisado entre el cuerpo, el sonido y la luz, mientras que a la segunda se le aumenta la intervención del video en tiempo real. Por su rareza y aspecto alternativo ante el código dancístico, Danza Mínima fue elegida para inaugurar en marzo de 2010 las funciones del Salón de Danza de la UNAM, un lugar donde se promueve la experimentación y el montaje de “propuestas artísticas arriesgadas”.
También fue arriesgado, recuerda la crítica Hayde Lachino, programar la pieza en el Festival de Artes Electrónicas y Video Transitio_MX 02. Encargada de escribir un texto para el catálogo, registró la rigidez de la mirada, con respecto a la danza, de varios espectadores, entre ellos varios artistas visuales.
“La comprensión general de la danza está vista desde el espectáculo, no como una práctica artística. Resulté indignada frente a la comunidad de creadores, algunos de ellos con propuestas muy radicales dentro de sus disciplinas, cuya crítica recaía en que Evoé ‘no bailó’. Reducir la danza a la ejecución de pasos es empobrecer lo que la danza puede hacer potencialmente”, relata aún sorprendida.
Explica Lachino que “Evoé investiga sobre la temporalidad y plantea estructuras de representación que no están atadas a la lógica aristotélica, del principio, desarrollo y fin, o de contar una historia por medio de estructuras narrativas lineales. Se instala en otras formas de representación donde la inmovilidad, el mínimo movimiento, se instituye como alternativa para la danza”.
La fotografía de arquitectura es todo un género. Los fotógrafos documentan desde la construcción hasta la habitación de un edificio, en su contexto y en su interior. Por lo regular se capta a los espacios con un juego de luces y de sombras, ángulos, simetrías y formas.
Este tipo de imágenes son muy demandas para páginas web, despachos, revistas especializadas, libros o publicidad. Existen muchos fotógrafos especializados pero para que vayas reconociendo algunos y conozcas su técnica aquí te presentamos 6 excelente fotógrafos basados en una lista del sitio Photocertamen, que organiza diversos concursos para los artistas de la lente.
Es un fotógrafo holandés que comenzó a especializarse en el tema de la arquitectura en 2005 cuando le propuso al arquitecto Rem Koolhaas, Premio Pritzker 2000, documentar la construcción de la Televisión Central China de OMA. Tiempo después estaba fotografiando proyectos institucionales, públicos y privados de arquitectos de renombre como Frank Gehry, Toyo Ito, Steven Holl, Diller Scofidio+Renfro, Zaha Hadid, entre muchos otros.
Su obra se caracteriza por la representación de la gente en la arquitectura, el contexto, la sociedad y el medio ambiente entorno a la arquitectura.
Fotógrafo suizo que comenzó a hacer imágenes editoriales en 1974 para las mejores revistas alemanas y en 1977 inició su camino por la fotografía de arquitectura. Su trabajo, publicado en revistas, libros, exhibiciones y calendarios, tiene un excelente sentido de composición y humor visual. Mayer se ha definido a sí mismo como un fotógrafo reportero de arquitectura, porque se acerca a los edificios y lugares para investigar y mostrar el diseño y la vida dentro de éste.
Es un fotógrafo español comenzó su carrera estudiando arquitectura en Sevilla, pero encontró su vocación en la fotografía y ahora asegura que en su jubilación quizá sea un arquitecto. Le gusta fotografiar la arquitectura social más que la instrumental. Antes de fotografiar un proyecto, se encierra con el arquitecto para hacer una radiografía de su visión sobre la obra que al final ayudará al resultado de la fotografía.
Es una fotógrafa de origen suizo-francés que durante 25 años ha fotografiado obras de arquitectos de renombre como Zaha Hadid, Peter Zumthor, Caruso St John. En su trabajo ha documentado desde la construcción hasta la habitación de los edificios. Tuvo la fortuna de fotografiar obras de arquitectos como Le Corbusier, Alvar Aalto, Sigurd Lewerentz.
Binet ha sido una defensora de la fotografía analógica, por lo que por mucho tiempo trabajó exclusivamente con rollos fotográficos.
Pie de foto: Complejo Multiusos. Montpellier, Francia. Fuente: ArchDaily.
Este fotógrafo portugués también es arquitecto. Trabaja en sociedad con su hermano Sergio en el despacho FG+ SG y ambos difunden la arquitectura contemporánea portuguesa. Este despacho colabora con diversos arquitectos portugueses como Álvaro Siza, Carlos Castanheira, Manuel Mateus, Manuel Graça Dias, entre otros, adema´s de arquitectos internacionales como Márcio Kogan, Isay Weifeld , Arthur Casas, Zaha Hadid, Pei Cobb Freed & Partners, etc.
Guerra tiene la ventaja de que puede leer las obras con su lente gracias a sus conocimientos como arquitecto.
Pie de foto: Spark architects en Raffles City, Ningbo, China.
Fotógrafo mexicano socio de archphoto, una agencia de fotografías de arquitectura, en donde colabora con Eduard Huber, Inés Leong y Andrew Rugge, y donde se pueden ver grandes obras arquitectónicas en todas partes del mundo. Rivera ha realizado fotografías de proyectos mexicanos a cargo del arquitecto Rojkind.
Pie de foto: Nestlé Lab en Querétaro, México, Rojkind Arquitectos.
Dentro del panorama de proyección de cine en la Ciudad de México, el Cine Tonalá es, sin duda, una de las mejores opciones en cuanto a cine independiente / no comercial que existe. En este lugar enclavado en la colonia Roma Sur, el cinéfilo puede encontrar una variada oferta no solo con lo último de la cartelera mundial indie, sino también con lo más destacado del cine mexicano. También, cuenta con una importante programación musical que poco a poco va consolidándose como referente en el DF.
Para conocer más de su programación y eventos, puedes visitar su web: www.cinetonala.com
Aquí te dejamos el video con nuestra visita a las instalaciones del cine y la charla que tuvimos con sus organizadores.
Con buena respuesta, hace dos meses, se estrenó en el Grindhouse Film Festival de Oregon, That’s Sexploitation, el documental dirigido por el siempre inclasificable y rebelde Frank Henenlotter, y producido por Mike Vraney, el fundador y director de la célebre compañía distribuidora de cine de explotación y psicotrónico Something Weird Video; el cual hace un repaso por cuarenta años de roughie movies, nudie cuties y shows de burlesque retratados en pantalla. Aprovechando tal ocasión, el top 6 de esta semana gira en torno a documentales que hablan acerca del cine mismo y sus particulares fenómenos industriales.
1. This is Nollywood (Franco Sacchi y Robert Caputo, 2007, Estados Unidos)
Entre 2007 y 2008, se produjeron tres documentales relacionados con Nollywood, la industria de cine popular de Nigeria. Y no es para menos. Esta pequeña ola no se dio por ese exotismo que ofrece el tercermundismo de Lagos, ni tampoco por ser el segundo mercado más importante del mundo (con doscientas películas realizadas anualmente para el consumo casero, arriba de Estados Unidos, y sólo debajo de India); sino por su particular concepción del quehacer cinematográfico, trasladando la idiosincrasia del país, a pantalla (un porcentaje alto de los filmes nigerianos tienen connotaciones cristianas, la homosexualidad es tratada como una maldición originada por brujería, el papel de la mujer es peyorativo, se filma en locaciones cercanas y tangibles, etc.).
2. Bollywood: The Greatest Love Story Ever Told (Rakeysh Omprakash Mehra y Jeff Simbalist, 2011, India
Ahora que el cine indio cumplió su centenario este 2013, la revisión de este documental es más que pertinente. Al momento, este documental es el más completo para poder entender los códigos y lenguajes que permean en el cine bollywoodense, generando una fascinación global (y que ha sido adoptado por otros mercados regionales en el país sudasiático, como Tollywood o Mollywood); contando con los testimoniales con algunas de las personalidades más representativas de esta industria como el icónico actor Amitabh Bachchan, Madhuri Dixit, el director Shekhar Kapur, o la querida “Reina de Bollywood”, la ex Miss Mundo, Aishwarya Rai.
3. Not Quite Hollywood: The Wild, Untold Story of Ozploitation (Mark Hartley, 2008, Australia-Estados Unidos)
Después del éxito mundial de Mad Max (George Miller, 1979), se generó una fructífera “Nueva Ola de Cine Australiano”, mejor conocida como Ozploitation, cine serie B, donde sexo y violencia hacían una mancuerna infalible. El documental hace un repaso cronológico por las sexy-comedias, el cine de terror o de acción hecho por directores aussies, durante prácticamente todo los 80’s; productos que en muchos casos se quedaron perdidos en algún VHS cochambroso. Mientras avanza Not Quite Hollywood, a uno le nace un antojo incurable por ver todas las películas de las que se muestran extractos, cada uno más demencial que el anterior.
4. Maldito: El Extraño Mundo de José Mojica Marins (Maldito: Estranho Mundo de José Mojica Marins, André Barcinski e Ivan Finotti, 2001, Brasil)
Pionero y visionario si los hay del cine de terror en Brasil apenas comenzaron los años 60’s. Creador de uno de los personajes más representativos de la cultura pop del país carioca (el amoral y siniestro Zé do Caixão, el cual eventualmente se volvería en una suerte de alter ego). En su momento, persona non grata por el grueso del público. Mito redimido por una nueva generación de afectos al cine de género. Y esta película, galardonada por el jurado en Sundance, retrata al heterodoxo José Mojica Marins, cuyo eterno entusiasmo por hacer cine lo ha llevado, a través de su vida, a vivir algunas de las experiencias más bizarras que un autor pudiera tener. Un tip: vean el documental (en el link se puede ver completo por You Tube): pronto, muy pronto se tendrán noticias acerca de ese identificable realizador septuagenario de larguísimas uñas.
5. Zombie Girl: The Movie (Justin Johnson y Aaron Marshall, 2008, Estados Unidos)
En 2006, Emily Hagins, una niña de doce años influida por el cine indie de Cameron Crowe decide realizar Pathogen, su primer largometraje, con la peculiaridad que este es acerca de una epidemia causada por una bacteria que produce una invasión zombie en Austin, Texas; misma que únicamente puede ser detenida por una adolescente cuyos sueños recurrentes están ligados con dicha contingencia. Zombie Girl: The Movie, registra cómo Emily se embarca en el reto de producir artesanalmente un filme con estas características, contando con un presupuesto limitadísimo, el apoyo de su familia y amigos, una pequeña cámara de video, pero sobre todo muchas ganas de concretar su inquietud. Una verdadera lección para todo aquel cineasta en ciernes, acerca de cómo la falta de recursos, nunca debe ser un obstáculo para poder filmar lo imposible.
6. Sadistic and Masochistic (Hideo Nakata, 2001, Japón)
Durante toda la década de los 70’s, la reina por antonomasia dentro de las películas sexploitation japonesas se llamó Naomi Tani. Esta actriz se distinguió del resto, además del físico, por su dedicación y su completa disposición a participar en cualquier secuencia por más arriesgada, explícita o demandante que resultara. En su imprescindible libro “Behind the Mask: On Sexual Demons, Sacred Mothers, Transvestites, Gangsters, Drifters, and Other Japanese Cultural Heroes”(1984), el académico alemán Ian Buruma, le dedicaría un capítulo, declarando que el atractivo de Tani para el público masculino residía en la combinación del aspecto salvaje del bondage que practicaba y un carácter maternal.
En 2001, a veintidós años de su repentino e inesperado retiro del cine y de los reflectores, el famoso director Hideo Nakata, la contacta para ponerla frente a frente con el realizador Masaru Konuma, el responsable de una de las películas más importantes de Tani, Wife to Be Sacrificed (1974); haciendo que la vuelvan a ver en una sala de Tokio y posteriormente discutirla apasionadamente en un restaurante. El documental se incluyó como extra en la edición Región 1 de Wife to Be Sacrificed en DVD (en 2007).
El performance como expresión artística siempre tiene que ver con el paso de tiempo; la presentación de un performance cambia cada vez que se presenta y sus diálogos se transforman también con el espacio en el que toma lugar, con el público que lo ve y con el tiempo en el que se expone.
La artista inglesa Sarah Sanders documenta el transcurso del tiempo mientras escribe en el suelo como parte de su performance continuo titulado, «I used to.» La artista presenta un proceso ceremonial para hablar de temas de tiempo, memoria, identidad y evolución a través de la repetición de sus propios movimientos. Se desplaza lentamente por el espacio mientras libera palabras encerradas su mente para revelar un ser suyo de tiempos pasados.
La pieza muestra la aplicación de texto y movimiento dentro de un espacio para mostrar físicamente el transcurso del tiempo. A la vez se habla de los pensamientos de la artista sobre sus experiencias e identidades previas. Cada línea de su instalación escrita empieza con «Yo solía» y viene seguida de una descripción de algo que ella ha hecho o de palabras que describen su ser anterior.
En las fotos aquí mostradas, Sanders montó su performance en un edificio abandonado en el que escribió sus frases por todo el edificio, cubriendo todos sus pisos con frases como «Solía disfrutar mirar comedias» y «Solía hacer cosas significativas.» La pieza es una documentación reveladora de la identidad de la artista y sus cambios, sirviendo como una examinación personal y pública a la vez.
“Violenta, realista, obscena, amoral y sin normas… ¡Bienvenidos al infierno!”
“Es una molotov en envase pequeño. Su escatología podría hacer ruborizar a John Waters y su violencia descarnada podría dejar a Jörg Buttgereit pareciendo un niño de kinder”.
Estas son palabras de los cineastas Ulises Guzmán y Adrián García Bogliano respectivamente para referirse entusiastamente a Atroz (2012), toda una anomalía dentro del mundo del cortometraje mexicano. Retomando la fascinación del mito del snuff y recurriendo a la tendencia del found footage, Lex Ortega, su director, propina quince minutos insanos como pocas veces se ha visto en nuestra cinematografía. La mezcla entre ocio, drogas, machismo lacerante y una videocámara a la mano es suficiente para que un par de amigos, secuestren a una prostituta transgénero e inicie su calvario de humillación y tortura. Una pequeña película más cercana a la trilogía de August Underground que a la timidez de un filme como Mártires.
Con Atroz, Lex Ortega continúa con su escalada de violencia para desentrañar qué se esconde en la aparente cotidianidad citadina (Devourment), qué oscuros pensamientos mantienen sus habitantes (Frio), y qué pesadillas se albergan en sus hogares (T is for Tamales).
Esa agresividad, escatología, misoginia, y visión retorcida de lo que se encuentra a su alrededor, ha llevado a Lex Ortega a ser el representante de México en el proyecto más ambicioso que al momento se haya realizado a cabo dentro del cine de terror de Iberoamérica, titulado ¡Alerta! Recuento de Cadáveres; película colectiva formada por ocho cortometrajes de algunos de los directores más interesantes de la región (como Jorge Molina de Cuba, Patricio Valladares de Chile y Demián Rugna de Argentina); y cuyo slogan advierte que se verá una colección de crímenes brutales que estremecerán al mundo. Su estreno está previsto para finales de año.
Y aquí el trailer de Contra Natura, el segmento con el que participa en ¡Alerta! Recuento de Cadáveres:
Ambos cortometrajes estarán participando en la doceava edición de Macabro – Festival Internacional de Cine de Horror de la Ciudad de México en los programas, “Bloody Shorts” y “Dios, Brujas y Demonios”, respectivamente. Consulta el sitio oficial del festival para conocer fechas y horarios de exhibición: http://macabro.mx
