La obra de THE, Thomas Eller, es el impacto de la distorsión dimensional, la captura de la velocidad y el juego del ego.  Ingredientes en la receta para crear posmodernidad eficiente y formal. Nació en el 64 y se ha pasado la vida viajando por el mundo, estudiando filosofía, religión y artes, y exponiendo sus obras en América, Asia y Europa. 

1. Distorsiones

THE recorta imágenes, tomándolas de su «marco» original para enfrentarlas con otras, creando así un conflicto entre ellas y el propio campo visual de quien las ve. «Cada lugar es una distorsión de la realidad. Tendemos a creer que lo que vemos es la verdad…podría ser la realidad pero ¿es realmente la verdad?»

«Una cosa está clara: realmente no vivimos en un continuo espacio-tiempo consistente y medible, igual para todos, sino que tenemos una perspectiva más o menos diferente de las cosas.» Así, THE desafía al espectador, haciendo que se cuestione de dónde es realmente y que sea consciente de su propia perspectiva de las cosas.

El pase de diapositivas requiere JavaScript.

2. Velocidad del Espacio-Tiempo

«En mi mente yo vivo en Nueva York, Berlín, Pekín y México. Puedo ‘viajar’ a cualquiera de estos lugares en una fracción de segundo y hablar con mis amigos que están tan presentes en mi vida como solo un buen amigo lo puede ser… se trata de la multi-localidad de la existencia, que es casi una aproximación a la velocidad absoluta, la velocidad de la luz.»

Pero también la velocidad es relativa y medible, detalle que expresa en sus obras y que constituye un aspecto contradictorio de la realidad. Una vez, THE sufrió un accidente automovilístico. Iba a 210 km/h en una autopista y, en su propia percepción, el tiempo se iba estirando  a tal extremo que pudo registrar una infinidad de detalles durante 10 minutos. En realidad, todo el evento duró 0,5 segundos, según le contó luego la policía.

El pase de diapositivas requiere JavaScript.

3. Cogito Ergo Sum

Nuestro cuerpo es, como alguna vez escribió Yourcenar, habitáculo de nuestra alma. Para THE, su propio cuerpo es arte, expresión de su alma.

«Pienso en mí mismo como el ‘lugar’ donde se produce el cambio. Si no me tomo las cosas en mis manos, nada volverá a suceder. Puesto que el arte es un campo simbólico, lo que intento transmitir es: SÉ TÚ MISMO…si quieres amar a alguien, tienes que ser capaz de amarte a tí también.»

El pase de diapositivas requiere JavaScript.

4. Mundo Matrix

«Hace poco me puse a pensar mucho sobre cómo cambia la revolución digital nuestras vidas, y ésta hace un número de nosotros. En diez años ¿cuál será mi nombre en clave?¿cuán prescindible seré?¿es que acaso no vivimos en la matriz ya?

Al final, THE nos lanza una advertencia ominosa: «Hay un enorme y espantoso cambio por delante de nosotros…debemos de estar preparados» sentencia.

El pase de diapositivas requiere JavaScript.

– Renzo Vergara

David Hockney, artista inglés, comentó una vez que el dibujo es como el ajedrez: “la mente corre delante de los movimientos que finalmente terminas haciendo.” Tomando esta idea como fuente de inspiración, el proyecto [ Es.ka.ke. ] (parte de Puerto Turín Residencias Artísticas) ha desarrollado varias intervenciones públicas basadas en el ajedrez en las que, según los organizadores, “inciden el diálogo crítico y horizontal en el que participan estudiantes de arte, artistas emergentes y consolidados, investigadores, curadores, teóricos y consumidores de arte.”

Las ocupaciones del grupo, las cuales toman lugar en estaciones del metro por toda la Ciudad de México, se inspiran del formato de una competencia de ajedrez. Se ponen tres o más “mesas de juego” en el espacio elegido. Dos artistas invitados se sientan en cada una, llevando consigo un pieza creativa suya sobre la que debaten por un periodo de entre 30 y 45 minutos por partida. Después de la conclusión de cada partido, uno de las artistas cambia de mesa y así presenta su proyecto a otro contrincante. El juego termina después de que todos los artistas  hayan “jugado” entre ellos.

Cualquier partido público de ajedrez, el público también tiene la oportunidad de observar dichas interacciones e intervenir en las discusiones entre los artistas. El público ambulante del metro da a los organizadores  la oportunidad perfecta de formar “nuevos públicos para el consumo informado del arte” y así establecer, según ellos, “un contacto directo entre productores y consumidores de arte cuya interacción directa en el entorno actual es prácticamente inexistente.”

La próxima edición de este juego de ajedrez urbano y artístico buscará fortalecer dichas interacciones nacientes mediante partidos sobre arte para la integración de comunidades, experimentación sonora, investigación de procesos pictóricos y lecturas críticas de la actualidad social de México. Será hoy miércoles 31 de julio en la estación del metro Copilco empezando a las 10:30 am. Contará con la participación de Limonada Taller, La Pajarera (Puebla), IntermediaLab, Aureliano Lecca (Perú), Javier Mármol (Hidalgo), Katnira Bello, Sandra Zetina, Juan Caloca, Félix Luna, Pamela Castillo y Ricardo Velazko. Todos los participantes, tanto los artistas como el público, jugarán con ideas innovadoras que, según Goethe, son como “piezas de ajedrez moviéndose hacia adelante. Pueden ser vencidas, pero a la vez pueden iniciar un juego triunfador.”

– Grace Remington

Documental dirigido por Felippe Schultz en 2012, cuyo visionado resulta pertinente a propósito de las recientes revueltas populares que sacudieron Brasil durante las últimas semanas.

Desde hace casi dos décadas diversas agencias de viaje han visto en el exotismo y la miseria de las favelas de Río de Janeiro -aquellos barrios marginales de crecimiento acelerado e improvisado-  novedosos productos perfectos para explotar y vender, creando “tours alternativos” para viajeros y aventureros europeos.

Así, En busca de un lugar común sigue a un puñado de guías en un día cualquiera de trabajo, llevando por pasillos, recovecos y espacios congestionados, a turistas curiosos, expectantes de ver lo que el brasileño promedio desea ignorar. Y, evidentemente, serán los guías pertenecientes a las propias favelas no sólo los que logren las excursiones más atractivas (ingresando a casas particulares desde cuyas azoteas se encuentran los puntos más fotogénicos de la ciudad, o haciendo una parada en sus famosas escuelas de baile); sino los que evidencien como se ha idealizado (o estigmatizado) estas zonas en gran medida gracias a filmes como Ciudad de Dios,  El Invasor o Tropa de Élite.

Villorrios cuyas carencias han sido vistas apenas por encima, más para dejar buena impresión en la FIFA y en el Comité Olímpico Internacional, que por interés de tratar el problema desde sus entrañas (para ejemplificarlo, la secuencia donde se muestra decenas de casas, con fachadas pintadas y luciendo colores brillantes, pero que son solo aquellas que se encuentran en el límite entre las favelas y las regiones industriales de Río de Janeiro).

En Busca de un Lugar Común es un documental perfecto para aquellos que se inscriben a recorridos por Tepito, Tacubaya o el Peñón de los Baños, más por el enfoque sociológico que por querer comprar un poco de arrabal en presentación light.

– Alberto Acuña

Enormes, rígidas, aterrantes e imponentes… así son las arañas de la artista originaria de Francia Louise Bourgeois, quien hizo de los arácnidos parte de su lenguaje personal.

“Mis emociones no son apropiadas para mi tamaño. Mis emociones son mis demonios”, manifestó la artista en el documental Louise Bourgeois: l’araignée, la maîtresse et la mandarine (Louise Bourgeois: la araña, la maestra y la mandarina). En sus esculturas, instalaciones y dibujos se expresan metáforas de sus propios miedos, obsesiones y molestias.

La intensidad de sus piezas demuestra que la escultura se volvió una forma de liberación para la artista. Bourgeois se dedicó a modelar en el espacio construcciones ligadas a un mundo muy personal e íntimo, por lo que en su trabajo se traslucen las huellas de sus vivencias personales de la infancia como la infidelidad de su padre.

Las arañas poblaron no sólo la mente sino la obra de Louise Bourgeois. La primera aparición de éstas en su trabajo comenzó en sus dibujos y grabados de la década de 1940, sin embargo este motivo continuó en su producción durante muchos años. Pero, ¿por qué las arañas?

El pase de diapositivas requiere JavaScript.

Las arañas no son seres a los que se debe temer o evitar —pensaba la artista—. Para ella representaban los recuerdos de su madre: “La araña es una oda a mi madre. Ella era mi mejor amiga. Como una araña, mi madre era una tejedora. (…) Las arañas son seres amigables que devoran a los mosquitos. Sabemos que los mosquitos propagan las enfermedades y, por lo tanto, son no deseados. Por ello, las arañas son benéficas y protectoras, como mi madre”. Al mismo tiempo, éstas eran un símbolo de la historia infinita de la vida y los cambios.

Un ejemplo de sus esculturas es Maman, una obra clave en el trabajo de Bourgeois. Esta escultura monumental de bronce es tan amenazadora como fascinante. Esta araña de 10 metros ha tenido un largo recorrido por todo el mundo, se ha presentado tanto en el Tate Modern de Londres, en el Jardin des Tuileries de París como en el Museo Guggenheim de Bilbao o en el Ermitage de San Petersburgo.

Louise Bourgeois es una de las principales artistas del siglo XX y fue la primera mujer en tener una retrospectiva en el Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1982. Su trabajo es una explosión de libertad, fundado en sus emociones y sus recuerdos personales.

Con diferentes formas, estilos, colores y materiales, el ejercicio del portarretrato implica una aproximación más íntima con el trabajo del artista. He aquí seis pintores cuyos trabajos miraron a sí mismos durante el siglo pasado.

1. Autorretrato, 1982. Jean-Michelle Basquiat

“Créanlo o no, en efecto puedo pintar”, dijo alguna vez el pintor de Brooklyn. Este cuadro se presentó en su primera exposición individual en Estados Unidos en 1982 junto a otros trabajos como Arroz con Pollo, Untitled (Per Capita) y Untitled (Two Head on Gold). Con las influencias del expresionismo abstracto y del antiguo arte africano, su figura aparece en el cuadro con trazos agresivos. Basquiat es sin duda uno de los iconos trágicos del arte moderno que murió con tan sólo 26 años. También puedes ver los retratos de este pintor neoexpresionista de la autoría de Andy Warhol, con quien sostuvo una entrañable amistad.

2. Autorretrato, 1911. Egon Schiele

Considerado una de las figuras más representativas del expresionismo, este pintor austriaco falleció a los 28 años con una producción de cerca de cien autorretratos. Sin fondo, en la acuarela destaca su figura perturbada, desnuda, con trazos rígidos y una fuerte tensión emotiva en el rostro, producto de una cuidadosa observación de sí mismo.

3. Autorretrato, Lucien Freud

Para Freud todo su trabajo era autobiográfico y tenía que ver con él y su entorno. A lo largo de toda su vida, el nieto de Sigmund Freud realizó toda una serie de autorretratos. Huellas del tránsito del tiempo, el pintor británico queda desprovisto de apariencias, su rostro muestra cada uno de los pliegues que forma su piel y su cuerpo se vuelve inquietante y avivado. La pintura realista de Freud muestra el cuerpo como un reflejo de la naturaleza animal del hombre, por ello, también la importancia de la desnudez del cuerpo.

4. Autorretrato con un vaso de cigarro, 1923. Max Beckmann

Los autorretratos del pintor alemán forman parte de las más de 370 pinturas que produjo durante su vida. Caracterizado por composiciones alegóricas, Beckmann muestra las tribulaciones de la condición humana en la vida moderna, como en este cuadro donde se mofa de su apariencia de hombre de negocios al colocar una bolita roja que alude a la figura de un payaso.

5. Estudio de un autorretrato, 1976. Francis Bacon

Miembro de la Escuela de Londres, el pintor irlandés muestra en su autorretrato el cúmulo de emociones que se trasladan a las formas imprecisas de su cuerpo. En el fondo las formas geométricas contrastan con la figura desolada y en decadencia del centro. Este año, su tríptico Three studies of a self portrait fue vendido por 21.53 millones de dólares.

6. Autorretrato, 1966. Andy Warhol

Estrella del arte pop, Andy Warhol exploró con su serie de autorretratos sus estados de ánimo  y los cambios en su apariencia a través del tiempo. Con esta especie de biografía visual pudo comprender desde su persona los estrechos vínculos entre la cultura y el culto a la personalidad. En este cuadro se aprecia el estilo que caracterizó al artista estadounidense, donde la intensidad de los colores primarios y secundarios se emplea en la reproducción de una misma imagen.

Entre el próximo 7 y 11 de agosto se llevará a cabo en Lima, Perú, la nueva edición del Lima Photo 2013, feria internacional de fotografía contemporánea en la que participarán diversas galerías especializadas de  Argentina, Bolivia, Canadá, Colombia, España, EEUU, Perú, México, Suecia, Cuba y Uruguay.

El pase de diapositivas requiere JavaScript.

Entre ellas destacan 80 m2, conocida galería limeña presente con artistas como David Zink Yi y Juan Diego Tobalina; Aldo de Sousa Gallery/Galería Rubens Internacional con artistas como Pablo Lehmann y Juan Doffo; Pepe Cobo Madrid con fotógrafos de la talla de John Baldessari y Robert Mapplethorpe; o Rolf Art con artistas como Jacques Bedel, Graciela Sacco y Tatiana Parcero.

Además de las exposiciones se realizará también la conferencia «La vigencia del documento fotográfico» en donde se propone como tema de conversación el estatuto público de la imagen fotográfica. También, este es el tercer año que se realiza el Premio Repsol. en que los ganadores recibirán importantes premios en metálico: El 1º premio US$ 3,500 (dólares americanos) y el 2º premio: US$ 1,500 (dólares americanos). La cita será en el Centro de la Imagen del limeño distrito de Miraflores.

¿Por qué nos gusta lo vintage? Los objetos antiguos contienen un gran valor emocional asociado a la nostalgia, a lo heredado y a lo histórico. Estas piezas, sean ropa, muebles o accesorios, se les toma por únicas y originales y nos ayudan a buscar en el pasado algo reconfortante que se espera sirva para el futuro.

Esta tendencia en la moda y la decoración ha revivido los estampados florales, los colores cálidos, los cuadros y espejos antiguos, los sillones con terminaciones barrocas, los muebles con líneas rebuscadas, entre otros elementos de los años cincuenta, sesenta y setenta. Una decoración de interiores vintage combina muebles antiquísimos y modernos para darle al espacio un toque romántico y elegante.

El termino vintage proviene del anglicismo vendimia que se utilizaba para nombrar a los vinos más añejos de una bodega, pero que con el tiempo se utilizó para llamar a los objetos cuya antigüedad de fabricación tiene un mínimo de 30 años y un máximo de 100 años y que se encuentran en buenas condiciones, de lo contrario podrían ser antigüedades. Dentro de esta tendencia se identifican dos estilos: vintage retro y vintage romántico.

Para el primer caso puedes comprar lámparas de araña, tapizar el sofá con estampados vanguardistas, mezclar la mesa con sillas transparentes de los años 70’s y tapizar la pared con dibujos geométricos.Para el segundo te convendrá jugar más con colores claros y el blanco, además de usar muebles estilo francés. Revisa los siguientes tres elementos claves para una decoración vintage.

El pase de diapositivas requiere JavaScript.

Muebles

Los muebles estilo francés son los más usados en la decoración vintage, se trata de sillones de madera con un estilo romántico, blancos o de tonalidades claras, renacentista, Luis XIII, Barroco Luis XIV, el Rococó Luis XV o Neoclásico Luis XVI. También se usan muebles de metal y acero, butacas orejeras, sofás chéster, sillas y mesas con patas torneadas y trabajos de ebanistas.

Colores

Uno de los colores más utilizados es el blanco, los tonos pastel y crema. En el suelo se pueden usar alfombras en tonos marrones, beiges o tierra. Mientras los tonos más vivos se pueden usar en diversos accesorios.

Accesorios vintage

En la decoración es ideal no cargar toda la habitación de elementos antiguos, sino lograr un equilibrio con muebles modernos y accesorios como lámparas, tinas de baño ovaladas, cojines para sillones, libreros, sillas de brazos anchos y espejos con marcos barrocos, entre otros.

Los departamentos del futuro.

Las ciudades cosmopolitas suelen ser espacios donde vive gente joven sin hijos que viaja por el mundo y no requiere mucho espacio para desempeñar sus actividades. Nueva York es una de esas ciudades donde los hogares están conformados por una o dos personas que buscan rentar estudios o un departamento con una sola habitación con la intención de reducir los costos.

Este panorama ha generado un desafío urbanístico para Nueva York, por ello el Departamento de Preservación y Desarrollo de Vivienda de la ciudad lanzó el año pasado un concurso para obtener propuestas de diseño de microdepartamentos. El reto para los participantes era desarrollar un diseño de departamento en un espacio de 23.2 y 34.4m2.

El diseño ganador tendría la concesión de construir un edificio compuesto por microdepartamentos en Manhattan, una de las ciudades con mayor densidad de población, en el Upper East Side de New York.

El pase de diapositivas requiere JavaScript.

La propuesta

A un año de lanzarse el concurso, el alcalde de Nueva York, Michael Bloomberg, anunció que el ganador fue el  proyecto “Mi Micro NY” del equipo de trabajo conformado por Monadnock Construction, Actors Fund Housing Developmente Corporation y nARCHITECTS.

El espacio reducido ofrece una cama oculta en la pared,  mesas plegables, armarios ocultos detrás del televisor y muebles con doble uso. Los departamentos tienen techos de 3 metros de altura y balcones al exterior, según describe el diario estadounidense The Huffington Post que acudió a la exposición sobre el concurso realizada en el Museo de la Ciudad de Nueva York.

El edificio contempla una azotea con jardín, un café, una sala de actividades en la planta baja, un gimnasio, un área de lavado, fregaderos y espacio para estacionar bicicletas.

Actualmente en Nueva York la ley de zonificación vigente establece que los departamentos debe medir mínimo 37 m2. Si el programa piloto tiene éxito, la ciudad podría derogar la normativa de 1987 para poder construir más edificios de microdepartamentos y permitir que más gente joven encuentre una vivienda para rentar a baja costo.

Más información

Consulta en el Museo de la Ciudad de Nueva York la exposición Making Room: New Models for Housing New Yorkers que estará hasta septiembre.

– Guadalupe García

“Oh, Jeff… I love you too… but…”, dice una atractiva chica rubia, con ojos azules desilusionados, mientras sostiene el auricular del teléfono. Esta escena extraída de una historieta es una de tantas que forman parte de la obra del artista estadounidense Roy Lichtenstein y que ahora se presentan en el Centre Pompidou de la capital francesa.

Después de 30 años, Lichtenstein regresa a París con una retrospectiva que explora vertientes poco conocidas de su obra.  Aunque es considerado uno de los principales representantes del arte pop junto con Andy Warhol, también se sitúa como uno de los primeros artistas posmodernos.

Con una técnica muy particular caracterizada por el uso de puntos y de colores primarios —azul, amarillo y rojo—, Lichtenstein retomó los objetos de consumo de la sociedad de los años 60, como los cómics, y se los apropió de forma irónica. Atrás quedaron las duras críticas de la época en que el norteamericano comenzó su trabajo por retomar viñetas de historietas y plasmarlas en obras de arte. ¿Quién podría olvidar el cuadro donde Donald y Mickey se encuentran en un muelle pescando y de pronto el primero dice: “Look Mickey, I’ve hooked a big one!!”?

La exposición Roy Lichtenstein, organizada por el Tate de Londres y el Art Institute de Chicago junto con la colaboración del Centre Pompidou, es un recorrido artístico por 124 cuadros, esculturas y estampados del estadounidense. Su trabajo es un entramado de referencias y reinterpretaciones de otras obras y artistas como Matisse, Picasso y Mondrian. Entre las piezas de esta retrospectiva se encuentra La Catedral de Rouen que es una alusión a la serie del mismo nombre del pintor Claude Monet.

A partir de 1965 su obra tomó otra dirección y es precisamente esta parte  de su trabajo la peculiaridad de la exposición, que se puede observar en las salas “Una especie de sentimiento sobre Matisse”, “Desnudos: la separación entre la realidad y la convención artística” y “Una versión impresa del Zen”, donde se abordan temas como la naturaleza muerta, el desnudo y el paisaje. Se podrá disfrutar de esta primera retrospectiva francesa dedicada a Roy Lichtenstein hasta el 4 de noviembre.

Aprovechando el lanzamiento directamente a DVD del documental We Are Modeselektor (Romi Agel y Holger Wick, 2013) dedicado al famoso dúo de techno-glitch formado en Berlín durante 1996 por Gernot Bronsert y Sebastian Szary, vale revisar otras películas enfocadas en la influencia que ha ejercido en las últimas dos décadas Alemania al mundillo de la música electrónica y a la sub-cultura clubber. Aquí un top seis al respecto:

1. DNB 1996 (Minou Op Den Velde, 1996, Alemania).

Rarísimo documental transmitido en televisión dentro de la serie Lola Da Musica, el cual indaga en los orígenes del drum & bass y del jungle, entrevistando a artistas como Photek Source Direct o Squarepusher mientras que se encuentran en sus respectivos procesos creativos; paralelo a que se cuenta como este par de géneros, tuvo su impacto en los ghettos multirraciales, primero en Inglaterra y posteriormente gran parte del mundo.

2. 196 BPM (Romuald Karmakar, 2003, Alemania).

Primera parte de la trilogía conceptual de Romuald Karmakar, acerca de la masificación de la música electrónica en el país europeo. Como sería una constante en el resto de sus películas, el director pone la cámara fija en un punto específico, casi no habrá cortes, esto para registrar la actividad del ahora ya fenecido festival Love Parade en la edición del 2002, teniendo como figura central a Helmut Josef Geier, mejor conocido a nivel mundial como DJ Hell.

3. Feiern (Maja Classen, 2006, Alemania).

Feiern significa “fiesta” en alemán, nombre apropiado para este documental que se interesa en Berlín como el epicentro del desarrollo que el techno (y todas sus ramificaciones) ha experimentado: sus antros más representativos (Berghain, Watergate, Robert Johnson, Panorama Bar), sus artistas más apreciados (Ricardo Villalobos, Luciuen Nicolet, André Galluzzi y un largo etcétera) y su público el cual semana tras semana revienta como si no hubiera mañana (alcohol, estupefacientes varios y sexo promiscuo incluidos).

4. We Call It Techno! (Maren Sextro y Holger Wick, 2008, Alemania).

Registro histórico donde los haya, debido a que este tiene como punto de partida el Verano del Amor berlinés de 1991 y un periodo clave (de 1988 a 1993), presentando material de archivo hasta ese momento inédito, de las primeras fiestas y los incipientes eventos a gran escala; cuando los fans decidieron dejar de ser sólo eso, y se convirtieron en DJ’s, promotores o dueños de algún club. El resto, ya es conocido.

5. Berlin Calling (Hannes Stöhr, 2008, Alemania).

Ficción protagonizada por el DJ Paul Kalkbrenner, en el cual interpreta una versión caricaturizada de sí mismo, un productor cuyo éxito en los festivales europeos, el talento empleado para la grabación de su nuevo álbum y sus relaciones tanto con su novia-manager-niñera húngara bisexual; así como con la dueña de su disquera, se ven opacados por su adicción a cualquier droga que llegue a sus manos, hasta colapsar y ser internado en una clínica dirigida por una estricta doctora que lo confrontará: ¿seguir con su ambicioso disco o sumergirse en la mediocridad que dicta el mercado musical?

6. Totally Wired (Niamh Guckian, 2009, Inglaterra).

Documental que visita Schneider’s Buero, taller de experimentación-centro de reunión-tienda-despacho de Andreas Schneider, un obsesionado con la tecnología análoga, el cual está encriptado en el tiempo, como si siguiera viviendo en la Alemania comunista, recuperando y restaurando todo tipo de instrumentos y parafernalia; transformándose en referencia obligada para artistas como Junior Boys o Daniel Miller, cuando han querido crear nuevos sonidos en sus estudios y no hallan la manera de generarlos.

– Alberto Acuña Navarijo