Archivo para el junio, 2013

MAFI/Mapa fílmico de un país

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Una nueva plataforma para producir y exhibir cortometrajes documentales chilenos.

Por Alberto Acuña Navarijo

 

MAFI es una página web creada por un colectivo de directores chilenos, la mayoría de ellos muy jóvenes, que desde hace un año se ha dedicado a producir y subir cortometrajes documentales con características específicas (un solo plano, filmado en una toma, el uso del tripié, sonido directo, una duración máxima de tres minutos); para hablar y reflexionar acerca de la sociedad actual de su país; dividiendo los trabajos en cinco secciones: Política, Espectáculo, Estilo de Vida, Ecología y Tecnología.

mafi

 

“El origen de MAFI es que pensamos que para un director le lleva mucho tiempo tratar de que su película conecte con la audiencia local por los medios de distribución tradicional. Existen los apoyos gubernamentales, siempre podrían ser más, pero existen; se han abierto escuelas de cine desde finales de los años 90’s, cada semana se estrena al menos una película chilena, algo que hasta hace un par de años no ocurría; pero queda pendiente esa relación con el público”; comenta Christopher Murray, uno de los artífices del proyecto, a propósito de una breve estancia en la Ciudad de México.

“También tienen que ver los nuevos consumos de medios audiovisuales. El público más joven no está acostumbrado a ir a salas, y necesita que el contenido que va a ver sea corto y conciso”; explica Antonio Luco, otro de los fundadores de MAFI.

Habiendo ya rebasado la cantidad de cien documentales realizados, con un grupo que cada vez crece más rápido (al momento hay veinte directores, ente ellos Ignacio Agüero, Cristián Jiménez y Pablo Carrera; además de un nutrido núcleo de fotógrafos, editores, sonidistas, investigadores, etc.); este par pretende que el siguiente paso de MAFI ya no sólo es recorrer Chile registrando noticias de actualidad; sino compartir un mirada crítica del entorno con creadores latinoamericanos.

“Ya hemos estado presentándonos en Lima, Bogotá, ahora en la Ciudad de México, debido a que MAFI es muy moldeable, muy incluyente. Chile es un país muy centralista, así que buscamos expandirnos, porque sabemos que hay toda una contingencia de cine latino que está comprometido con el territorio donde se realiza”; afirma Murray.

Y así lo demuestran películas como la peruana Zoom (una idea similar a MAFI, extendida a una hora, registrando el día a día de Lima); la brasileña En Busca de un Lugar Común (que muestra como el exotismo y la miseria de las favelas de Río de Janeiro, pueden ser redituables para varias agencias de viaje); o la mexicana Mitote (en donde el Zócalo es el escaparate para la idiosincrasia nacional).

Si estás interesado en conocer esta propuesta, puedes visitar su página, aquí: http://www.mafi.tv

 

 

 

El ouroboros de la música, la nostalgia sin fin

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La carencia del talento e identidad propia en las bandas actuales y la nostalgia que nos hace mirar al pasado.

Por: Luli Serrano Eguiluz

 

Retromanía

 

No es secreto para nadie que la música vive un momento de profunda revisión al pasado, mucho más que en otras épocas de nuestra historia. El talento actual, en su mayoría, carece de un estilo personal que lo distinga de propuestas pasadas y presentes, mientras que el talento viejo se hace eso, viejo, y aunque las diferencias que pudieron tener en el pasado provocaron rupturas que rompieron la vida de sus fanáticos y las suyas propias, en algún momento todos hicimos las paces con la desaparición de algunos grandes nombres de la música. Hoy nada está perdido. Mientras todos los integrantes de un grupo sigan con vida (y algunas veces aunque no sea éste el caso) los grupos tienen todas las posibilidades de volver al escenario, ya sea que su separación se haya producido hace 15 años o hace 3. Ya no importa.

Uno de los casos más recientes de este singular fenómeno ocurrió con la separación de Oasis. Los hermanos Gallagher pusieron fin a casi dos décadas de jaloneos, peleas públicas y privadas y escándalos de todo tipo con el anuncio del término de sus actividades en conjunto. Sin embargo, a propósito del aniversario número 20 de su álbum clásico Definitely Maybe tanto Noel como Liam han sido citados en la prensa como proclives a arreglar un encuentro con este motivo, aunque sea uno fugaz. El grupo lleva solamente cuatro años roto, con juramentos de ambos bandos sobre lo cerrado que estaba el tema, y ya están pensando en reunirlo.

 

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Simon Reynolds, el gran crítico musical y comentarista de temas de cultura popular, afirma en su reciente libro Retromania que el gran peligro de la nostalgia que restaura, la que restituye un fenómeno cuya caducidad y tiempo han expirado, es que provoca la creencia de que este ente mutilado puede ser reparado. Es mentira. El elemento nostálgico contiene una pérdida irrecuperable que puede producir una catástrofe ecológica en términos culturales. ¿Qué va a pasar cuando las reuniones se nos terminen? Los archivos de la historia del rock y la música popular cada vez se agotan más. No hay solución en este tema, sólo reflexión necesaria para encontrar como consumidores de cultura una solución al hartazgo moderno y a la necesidad de volver constantemente hacia atrás, imposibilitados para mirar al futuro.

Revisen la entrevista que le hizo el sitio The Quietus al escritor sobre Retromania.

Papalote Verde, museo sostenible en Monterrey

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“Juega, toca y aprende” es el eslogan del Papalote Museo del Niño, un espacio interactivo diseñado para que los niños y los adultos vayan de un lugar a otro sin restricciones, dejando volar su imaginación y aprendiendo lecciones de ciencia, biología, salud y medio ambiente.


Por Guadalupe García

 

 

www.parquefundidora.org

 

Este museo tiene ahora una sede en el Parque Fundidora en Monterrey, llamado Papalote Verde, cuyo concepto es traducir el tema del cuidado del medio ambiente a todo el recinto, incluyendo su arquitectura. El recinto fue diseñado por el arquitecto mexicano Iñaki Echeverría bajo la coordinación con la consultora Siete Colores Diseño Interactivo, una empresa fundada por Marinela Servitje, especializada en la creación de espacios públicos como museos, parques y acuarios.

Estructura del museo

Ubicado en el interior del Parque Fundidora, el museo se construye sobre una extensión de casi 10 mil metros cuadrados y cuenta con seis salas, un taller de reciclado, pared de clavos, laboratorio de experimentación, sala de telepresencia, cabina de radio, minisúper y megapantalla IMAX con capacidad para 300 personas.

 

www.obrasweb.mx

 

La propuesta arquitectónica del Papalote Verde es sustentable ambiental y socialmente.  Esta conformada por 9 mil 038 m2 de superficie;  7, 578 m2 de área nueva construida; 1, 459 m2 de área reutilizada y 3 niveles subterráneos. La profundidad máxima del lugar es 15.95 m2; 9,000 m3 de concreto; 2,990 m2 de cristal y 1, 282 toneladas de acero.

Se trata de un museo subterráneo que integra tecnología verde en el edificio (sistemas energéticos e hidráulicos, celdas fotovoltaicas) y con una museografía natural, que se integra en el mobiliario y en los elementos de ambientación. Siendo una estructura sumergida a 12 metros del nivel de calle, permite que el espacio sea más fresco y se ahorre 30% en energía y aire acondicionado. Además se contempla 6 mil m2 de áreas verdes divididas en jardines, el patio de acceso y las terrazas ajardinadas.

 

www.obrasweb.mx

 

Cabe destacar que el techo de este museo es un jardín botánico de 3 mil metros de planas endémicas de Nuevo León. El proyecto requirió de una inversión de aproximadamente 30 millones de dólares y busca ser el primer edificio cultural mexicano que cuente con una certificación Leed Platino, otorgada a los complejos sostenibles.

Más información:

– El programa arquitectónico contempla también la restauración de dos estructuras industriales que formaron parte de los antiguos molinos de acero de la fundidora.

– Participan en la construcción  los gobiernos federal y estatal, el Parque Fundidora, la Fundación Soriana, Banorte, el ITESM, la empresa de ingeniería Knippers Helbig, la Universidad Autónoma de Nuevo León (UANL) y Tans Solar.

– Este proyecto inició en 2010 cuando se puso la primera piedra. Su construcción lleva ya tres años y se espera que sea inaugurado para octubre de 2013.

 

 

 

El MAM y la danza, más que una moda.

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Coreografías que escapan de los escenarios

Por Silverio Orduña

 

Durante la dirección de Helen Escobedo en el Museo de Arte Moderno, de 1982 a 1984, la danza contemporánea invadió un espacio que no era suyo. Como parte de las acciones del departamento de servicios educativos del MAM, encabezado por Graciela Schmilchuk, se programaron trabajos coreográficos en distintos lugares del museo, persiguiendo así diferentes sentidos curatoriales.

Desde sus inicios en los años 60 del siglo XX, la danza contemporánea cuestionó las formas y los procedimientos escénicos. Una de las innovaciones que propuso fue la ruptura con los espacios de representación tradicionales. “Algunos artistas pugnaban por realizar danzas fuera de los escenarios, aduciendo que el arte dancístico —como el arte urbano, la escultura y la pintura— no podía permanecer en recintos cerrados, fuera de la mirada de la gente”, explica el especialista Alberto Dallal.

 

 

Fue así como se crearon coreografías para ser puestas en espacios públicos como estacionamientos, gimnasios, vestíbulos y azoteas de edificios.  En México, la postura de llevar la danza contemporánea fuera de los teatros o los foros de representación tradicionales obedeció a un trascendente cambio en la organización de los grupos y las compañías. A partir de 1977, cuando se funda el Forion Ensamble, se considera la aparición de la llamada danza contemporánea independiente mexicana que desataría todo un movimiento en la década de los ochenta.

En el MAM, Mirta Blostein y Sonia Páramos improvisaron a partir de la exposición de las esculturas de Henry Moore; Yaron Margolin y Rebeca Sitt danzaron en las escaleras del museo; y como solista, Blostein presentó Partes (de uno mismo) en la Sala de la Colección Permanente 1920-1960.

Estos ejemplos, ocurridos en los primeros años de la década de los ochenta del siglo pasado, dan pauta para reflexionar sobre el auge de manifestaciones dancísticas dentro del discurso museístico actual. Pensar en que la danza contemporánea programada en los museos es una moda resulta una lectura fácil, pues las características de esta disciplina permiten rastrear de forma lógica la pertinencia de su la invasión que ha puesto en marcha desde sus orígenes.

 

 

 

Los Caprichos del Hombre

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Paralelo al polémico estreno de Heli, la cual, a partir de una serie de imágenes explícitas e incómodas, muestra a un país devastado por la guerra contra el narcotráfico; aparece una película procedente de Torreón, que bien podríamos denominar como  la contraparte de la premiada obra de Amat Escalante.

Por Alberto Acuña

 

La ópera prima de Federico Schott, también se centra en un contexto donde la vida ya es moneda corriente gracias a que la violencia lo ha arrasado todo. Sin embargo, está última nunca aparece ni se hace referencia directa a ella. Para representar este clima social en la frontera, Schott hilvana una serie de secuencias aleatorias, que registra las actividades mundanas de un adolescente anónimo (interpretado por Elías Agüero, amigo del director, sin experiencia previa como actor) que habla de ese desencanto que tiene la población más joven en una región donde el progreso se frenó.

 

 

“Yo vivo desde hace mucho tiempo en New York, y hace un par de años regresé a Torreón, de donde soy originario, para quedarme una larga temporada, justo cuando había iniciado la guerra contra el narcotráfico. Entonces empecé a conocer personajes, situaciones, lugares que representaban esta crisis que estaba callada; se empezaron a vaciar las calles, los restaurantes, las plazas comerciales; así que tomé notas pensando ‘quiero hacer una crónica de esta situación a mi estilo’, una colección de imágenes que te conduzcan a esto”, comenta Schott.

Después de ver Los Caprichos del Hombre, evidentemente queda la duda de cómo habrá sido la escritura del guión. El cineasta explica: “Es una colección de fragmentos que se acercan mucho a la realidad hechos a partir de notas; yo no conozco cada minuto de tu vida, solamente momentos que me cuentas de lo que te pasó ayer, de lo que ocurrirá mañana. Disfruto más dejarle al espectador que una lo que deba de unir, a estar escribiendo un guión perfecto.

Mucho de lo que aparece en las notas de Schott también son producto del ocio. Como su personaje, el director y sus amigos al ver que no había mucho que hacer en la ciudad, iban al lago, pasándose varias horas, tirando piedras y paseando. Se trata pues, de un cine muy libre y periférico.

Los Caprichos de Hombre, posterior a una breve gira festivalera, llegará directamente a Internet.

 

 

 

En julio, ya no serás el mismo

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El próximo 3 y 4 de julio se realiza en nuestra capital el festival TAG DF 2013, evento que busca conectar la tecnología con diversas formas de expresión y entretenimiento. De esta manera, durante sus dos días de duración, se organizarán conferencias, laboratorios, talleres, exposiciones y conciertos cuyas temáticas serán el cine, el arte digital, el gaming, la música, etc.

Por Renzo Vergara

 

 

Sin duda, el plato fuerte de este encuentro serán las conferencias que cuentan con un cartel de lujo: Steve Wozniak (fundador de Apple) James Cameron (director de Terminator o Titanic) Charlie Todd (fundador de Improve Everywere) o Michael B. Jhonson (Pixar).

A este respecto, conversamos con Emiliano Erruecos, organizador de TAG DF, quien nos contó los prolegómenos detrás de la organización. “Elegir el talento fue arduo.  Durante el proceso curatorial procuramos pensar en aquellas personas que han llevado la ciencia ficción, la tecnología o sus herramientas de trabajo al máximo, siendo el resultado final más que satisfactorio”, señaló.

 

 

La música también se hace presente en este festival multidiscilplinar.  Gregg Michael Gillis, mejor conocido como Girl Talk, ofrecerá un concierto en que mostrará sobre el escenario el por qué su música ha sido galardona por medios como Wired; también subirá Brian Eno, leyenda de la música e influencia de decenas de artistas; y un DJ set de Moby, uno de los artistas más reconocidos y admirados de la música electrónica.

 

 

Por su puesto, la música nacional estará presente. Camilo Lara impartirá un taller, Dapuntobeat hará bailar a todos con su fusión electro/funk/disco, y Disco Ruido! enseñará su talento ecléctico a la hora de mezclar rock y electrónica.

 

 

Este festival sirve también para fomentar la innovación  e interacción de todos los asistentes, por lo que se han organizado también más de 15 talleres y laboratorios sobre el uso de la tecnología y creación de contenidos. Para tal fin, se ha convocado, por ejemplo, al Vancouver Institute of Media Arts o a agencias de diseño como FX Fowle.

“La intensión de los laboratorios en TAG DF es de que disfrutes del evento, escuches las diferentes pláticas y luego llegues a los talleres a aterrizar ideas. Se tratará de experiencias 360° que implican ir, oir, practicar”, nos cuenta Emiliano.

 

 

Pero si todo esto no es suficiente, también habrá un área donde se exhibirán películas como el nuevo documental de Girl Talk, la clásica Odisea del Espacio y hasta hitos de la posmodernidad como Avatar. Se instalará además un espacio dedicado al gaming, disciplina que cada vez gana un mayor número de adeptos en todo México, en el que habrá torneos de diferentes videojuegos, consolas, pláticas, etc.

De este modo, TAG DF se constituye en una parada imperdible este verano en el que los visitantes no sólo pasarán un buen rato, sino también aprenderán sobre tecnología, arte digital, cine o música. Como precisa Emiliano, “a través de este festival se planea abrir un nuevo concepto de festivales inspiracionales, que tomen en cuenta a los asistentes no como simples visitantes, sino más bien como un pilar fundamental de un todo”.

Si quieres enterarte más sobre este festival, visita su web: http://www.tagdf.com/

 

 

 

Celebrando la llegada del verano.

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Hoy, viernes 21 de junio, se llevará a cabo en  nuestra ciudad La Fiesta de la Música 2013. Serán jornadas repletas de buena música para todos los gustos en donde el público podrá repartirse entre las 27 sedes distribuidas a lo largo y ancho del DF para ver a los cerca de 400 artistas tanto nacionales como extranjeros. Este evento de escala global nació en 1982 en Francia por iniciativa de Jack Lang, ministro de cultura de dicho país y se celebra precisamente en el primer día oficial del verano septentrional, el solsticio de verano.

Puedes encontrar el programa oficial del evento aquí:

https://www.dropbox.com/s/ceabm7zf3j8m3nn/Programaci%C3%B3n_Fiesta_de_la_M%C3%BAsica_2013.pdf

También, te ofrecemos una selección de lo más destacado que se podrá ver en nuestra capital:

 

Wacholly Broders

Se trata de un colectivo que se define como “música etnoelectrónica”. Mezclan elementos prehispánicos con samplers y sintetizadores, transformando el folklore mexicano en expresión moderna.  ¿Dónde? Museo de Arte Popular (MAP) Viernes 21. 9:00 p.m.

 

 

Les Estuches

Residentes en Francia, donde formaron el grupo, un buen día decidieron regresar a México. Aquí, completaron su banda para ofrecernos un repertorio que ellos mismos definen como «pop rock alternativo». ¿Dónde? Alianza Francesa San Ángel. Viernes 21. 6 p.m.

 

 

Shake Señora

Banda que mezcla rock progresivo, krautrock, postrock y fusión de músicas populares. Propone un espectáculo interactivo, apoyado de medios visuales, con elementos musicales simples y colectividad. ¿Dónde? Foro Honda: Miguel Ángel de Quevedo 531, Romero de Terreros. Metro Universidad. Sábado 22. 4 p.m.

 

 

Not Made in China

Autodenominados los «Chefes de Chefes» estos 4 amigos se han propuesto darle un toque culinario a sus rolas de swing, funk, surf y rockabilly. ¿Dónde? Teatro Ángela Peralta. Mesones 82, Centro. Metro Pino Suárez. Viernes 21. 7:00 p.m.

 

 

 

 

 

 

 

La Casa del Cine. Un lugar para amantes del séptimo arte

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En pleno centro de la Ciudad de México, se encuentra La Casa del Cine, un oasis de buenas películas de autor para todos los públicos. Además de su variada cartelera, ofrecen también cursos y talleres impartidos por reconocidas figuras de la cinematografía nacional. Sus funciones son puntuales y siempre proyectan muchas películas de cine nacional. Si lo tuyo son los cine clubes y las buenas películas, éste es tu lugar.

Puedes encontrar más información sobre sus actividades y programación en su web: http://lacasadelcine.mx/

 

 

Top 6: Cine mexicano y música

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En la historia musical de nuestro país, han sido varios los movimientos  que han dejado una profunda huella en las generaciones que los vivieron. Así, diversos cineastas se han ocupado de retratar estos fenómenos, ahora, ya atemporales. Échale aquí un vistazo a los documentales más interesantes que se han producido en los últimos años sobre este tema.

Por Alberto Acuña

 

1 – Tijuana: Sonidos del Nortec (Alberto Cortés, 2011)

¿Qué factores socioculturales tiene Tijuana (y no otra ciudad en el país), para que haya podido surgir el proyecto nacional más conocido e influyente de música electrónica que se haya exportado al mundo entero? Este documental producido por Canal Once indaga al respecto, entrevistando a sus creadores, así como a músicos y artistas gráficos que han ayudado en su consolidación.  

 

 

2 – Size: Nadie Puede Vivir Con un Monstruo (Mario Mendoza, 2010)

 Como varios de los entrevistados que aparecen a cuadro mencionan, Size llenó de technicolor la escena gris de los 80’s en México, siendo banda pionera donde las haya del post-punk y el new wave. Era obvio, que merecían un documental, mismo que cobró relevancia debido  a que se terminó justo un par de meses antes de que su líder Jaime Keller; mejor conocido como Illy Bleeding, falleciera debido a un accidente automovilístico.  

 

 

3 – Just Like Heaven (Pilar Ortega, 2012)

Película ideal para verse en doble feature junto con el documental de Size. Si Nick Hornby hubiera situado High Fidelity en el Distrito Federal, seguramente la tienda que hubiera atendido Rob Fleming sería el Super Sound. Cofradía para el snobismo y epicentro para la escena alternativa durante toda la década de los 80’s hasta mediados de los 90’s cuando las cadenas trasnacionales absorbieron cualquier comercio artesanal. Just Like Heaven incluye entrevistas con Mateo Lafontaine, Güili Damage, Nacho Desorden, el propio Illy Bleeding entre otros.  

 

 

4 – Notes From The Underground (Ramón Coelho y Feike De Jong, 2013)

Por prácticamente dos décadas, Jazzorca, fundado por el multi instrumentista Germán Bringas y ubicado en la Colonia Portales; se ha erigido como uno de los bastiones para el free jazz y la experimentación sonora. Y este cortometraje da cuenta de una noche en ese local de breves dimensiones, siempre al borde del colapso.

Puedes ver el documental completo siguiendo este enlace: http://vimeo.com/63055290

 

5 – Redegeneración (Te Renuevas o Mueres) (Aisne Saraid Campa, 2013)

Curiosamente, el punk ha sido un género musical que sí ha estado presente en el cine mexicano (como Nadie es Inocente, Semana Santa, Sábado de Mierda, Fonqui, La Década Podrida y un largo etcétera). Sin embargo, ninguna película se ha enfocado en el origen del punk local (todas están contadas en tiempo presente). Así que ahora, una jovencísima directora, que apenas rebasó los veinte años, desea revertir esta situación contando la historia verdadera de este movimiento subsistiendo eternamente en el subterráneo.  

 

 

6 – Discolocos (David Dávila, 2013)

La sub cultura del high energy y el italo disco no es ir a esa versión rebajada de Patrick Miller en la calle de Mérida. Para un grupo de personas ha sido el seguir una suerte de ritual desde los años 80’s, asistiendo cada fin de semana con una vestimenta rigurosa, a los confines de la ciudad, para escuchar y bailar esa rareza que tiene preparada el DJ en turno. La película los presenta ante sociedad, teniendo como eje la vida de Pascal Laguirand, el artífice de Trans X (¡sí, el autor de ese hit llamado Living On A Video!); el cual desde hace ya varios años radica en la ciudad.

 

 

 

 

Damien Hirst y el misterio de los cuadros de puntos.

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La declaración de Hirst que hizo temblar al mundo del arte

Por Beatriz Vernon

 

Cuando Damien Hirst confesó que él sólo había pintado sus primeros veinte cuadros de puntos y que los demás habían sido creados por sus asistentes, el mercado de arte se puso a temblar. Un nuevo gran misterio surgió: ¿exactamente cuántas de estas obras había en el mundo? Ningún especialista supo decir con exactitud. Lo cierto era que, de haber muchos, las pinturas que cuestan millones de dólares hoy, podrían devaluarse rápidamente.

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Ante tal revuelo, Hirst se puso a contar sus cuadros de puntos y los reunirá en un libro tipo catálogo este otoño. Así, la próxima vez que estés a punto de comprar un cuadro de puntos del controversial artista, podrás verificar que sea un auténtico Hirst. La pregunta entonces es, ¿los cuadros creados por sus asistentes tienen el mismo valor? ¿Qué pasa con los cuadros de puntos que Hirst sigue produciendo hoy?

El catálogo que se publicará en otoño es una manera atrevida de ganar confianza en el mercado una vez más, tras algunos años en los que ha tenido dificultades. Después de estar en la cima en 2007, el precio de sus obras ha caído alrededor de 60% debido a la crisis económica y demás factores. Si funcionará su estrategia o no, ya lo veremos. Mientras tanto, te dejamos con la cifra oficial de los cuadros de puntos al día de hoy: 1365. Misterio resuelto.

 

 

El hilarante mundo de Kate Beaton. Hark! A Vagrant

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En el mundo del dibujo existe una serie comics que encantan por un sentido del humor histórico y poco peculiar. Las más de 300 ilustraciones disponibles en el sitio web de su creadora, Kate Beaton, llevan el nombre de Hark! A Vagrant.

Por: Perla Ruiz

 

¿Qué pensarían de unas tiras cómicas que son protagonizadas por Edgar Allan Poe, Drácula, Napoleón y Beethoven? Por extraño que parezca así es Hark! A Vagrant, una serie de webcómics creados por la historiadora y antropóloga canadiense Kate Beaton, quien ha pensado en acontecimientos históricos y los ha combinado con enigmáticos personajes conocidos alrededor del mundo, todo para crear una fuente gráfica de diversión y buen humor.

 

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Hark! A Vagrant es del tipo de comics que tiene un poco de todo. Encontramos desde escenarios tenebrosos que ilustran la admiración que Julio Verne tenía por Edgar Allan Poe, un Beethoven frustrado por no poder transmitir su talento a una sociedad indiferente, el misterio del famoso “Watson” del detective que inundó la infancia de muchos,  los albortos y dramas de la reina Isabel I de Inglaterra, hasta la parodia al estilo de femmes fatales de un sexy Batman que se cubre de vaselina para combatir el crimen.

 

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Pero no todo gira en torno a la vida de estos famosos de múltiples relatos, también hay lugar para personajes genéricos ubicados en épocas históricas revolucionarias y cruciales, zombies del conocimiento que completan uno de los objetivos del trabajo de Kate al dar a conocer de manera pedagógica, graciosa y concisa acontecimientos históricos de los que todos escuchamos alguna vez.

 

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El estilo gráfico del trabajo de Kate, en el mundo de las ilustraciones, está lleno de vida, las historias juegan con el espacio y tiempo de una manera destacable, los personajes logran una conexión especial con los lectores gracias a su lado cómico e hilarante, cuenta con silencios, entradas y salidas precisas, así como con dibujos explosivos que destacan su trabajo creativo en cuanto al diseño de sus historias y el guion.

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Confieso que algunos de los chistes son difíciles de entender, ya que el comic en su totalidad está lleno de referencias culturales y literarias, pero su expresividad, humor negro y la forma en la que los personajes se convierten en seres ordinarios afectados por la realidad, requiere de mucho ingenio y un gran relato. Beaton logra conservar la identidad de cada personaje en cada momento.

No olviden que pueden disfrutar de alguno de los más de 300 comics de Kate Beaton en: http://www.harkavagrant.com/

 

 

 

 

SoloS. La danza del diseño

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Exploración dancística mediante el diseño

Por Silverio Orduña

 

Producido por la escenógrafa Carolina Jiménez, el espectáculo SoloS reunió a varios creativos del diseño y la danza de 12 al 14 de junio en el Salón de Danza de la UNAM. En medio de la interacción entre la luz, el sonido, el video, el vestuario y el cuerpo, esta propuesta, en general, aborda el trabajo colectivo que interviene en una puesta dancística, desde el diseño coreográfico hasta completar el hecho escénico en el foro.

 

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De forma particular, los creativos se concentraron en idear un tipo de vestuario que aportara los elementos necesarios para la exploración dancística, es decir, que no fuera un simple objeto formal, un adorno, sino que incidiera en el sentido de las piezas. Por su parte, los bailarines se encargaron de darle “vida” a los diseños, de aportar su corporalidad y movimiento para poner en acción la danza.

Stephanie García, Patricia Marín Escutia, Ignacio Pereda y Juan Ramírez fueron los intérpretes que llenaron los diseños de vestuario de Carolina Jiménez, Alejandro Magallanes, Al Mendoza, Adriana Ruiz Rosales, Sebastián Solórzano y Víctor de Jesús Zavala Vargas. Todos muy distintos entre sí, los diseñadores partieron de una misma idea: la soledad a la que se enfrenta un artista mientras está en proceso creativo.

 

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“El Diseño Coreográfico es una invitación a reflexionar sobre quiénes somos en soledad y quiénes en interacción, en movimiento, de cómo nos transformamos (al crear), y cómo transformamos nuestro rededor (con la creación). En suma, de cómo todo se modifica después de haber estado en movimiento”, refiere el programa de mano.

En el aspecto sonoro, Juan Pablo Villa, artista vocal y compositor, propuso los paisajes en los que sucedió la danza. Su voz, bajo el efecto de un procesador multipistas, interactuó en vivo con diversos objetos para diseñar también un espacio con los sonidos. El espacio digital y multimedia estuvo a cargo de Jazzael Aché-Sáenz, profesional de iluminación y video, quien de manera conjunta participó para darle sentido a toda la puesta a través de la luz y los complementos visuales.

 

 

Fotografía y arte en una App de iPhone

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KitCam es una aplicación disponible para el sistema iOS que cuenta con una gran variedad de lentes, filtros, películas y marcos para convertir las fotos o vídeos en verdaderas obras de arte.

Por: Perla Ruiz

 

Cuando pensamos en un iPhone, hay ciertas cualidades que enseguida inundarán nuestra mente y una de ellas es que su cámara fotográfica es uno de sus accesorios más destacables e importantes si tomamos en cuenta que una de las principales cosas que hacemos con nuestros teléfonos es tomar fotografías. Por consecuencia, existen diferentes aplicaciones que nos permiten capturar en imágenes de excelente calidad todo lo que queramos como Snapseed o Pixlromatic.

Así, los creadores de la serie PhotoForge,  lanzaron una nueva aplicación para el sistema operativo iOS que lleva el nombre de KitCam y es probablemente la herramienta más completa disponible en App Store e ideal para tomar todo tipo de fotografías ya que cuenta con diferentes modos de captura, funciones de retoque y edición, así como múltiples opciones para compartir nuestras creaciones en la web.

 

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KitCam funciona de manera sencilla. Al abrir por primera vez la aplicación veremos una explicación gráfica de cada elemento de la interfaz: exposición y balance de blancos, acceso a fotografías ya capturadas, modos de disparo, opciones de flash, cambio de cámara entre la frontal y la trasera, etc.

Una vez entendido esto viene el momento de la captura de la imagen y para ello primero que nada hay que elegir el modo de disparo: estándar, temporizador, estabilizador, multi-exposición o multi-disparo. Aquí hay que destacar que KitCam también cuenta con una modalidad dedicada a la grabación de vídeo y otra para realizar Timelapses y que cada opción puede personalizarse.

KidCam también brinda la posibilidad de elegir cuadrantes y proporciones para ayudarnos con la captura de la fotografía, podemos añadir niveles, histogramas y para tener un mayor control fotográfico, así como ajustar la exposición y balance de blancos incluso antes de tomar la imagen.

 

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En la parte creativa y de edición de esta aplicación, encontramos los live effects compuestos por lentes, marcos y películas que se pueden aplicar en tiempo real a cada una de nuestras capturas y de los cuáles puedes adquirir más mediante el sistema de compras in app purchase. En este paso también aparecerán las opciones para modificar brillo, contraste, saturación, balance de color, niveles y nitidez.

Una vez terminada la obra, llega el momento de compartirla y KitCam ofrece diferentes opciones para hacerlo como Facebook, Twitter, Instagram, Tumblr, Flickr o por medio del tradicional correo electrónico. Lo mejor de esta aplicación es que también se puede conectar  a Dropbox, lo cual es muy útil si cuentas con algún servidor web.

 

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Por último, KitCam ha pensado también en el aspecto del almacenamiento y permite guardar los archivos en formato TIFF, similar a RAR, para tener varias ediciones de una misma fotografía sin afectar la original.

Si te gustó esta app y tienes un iPhone, adquiérela por medio de App Store, seguro disfrutarás capturando y editando cada una de tus fotografías.

 

 

 

El cristal como arquitectura. Museo del Vidrio en NY

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¿Cuántos objetos en tu entorno son de cristal? ¿Sabes cómo se hace el vidrio? En el mundo existen varios museos dedicados a este frágil y moldeable material, cada uno de ellos busca ofrecer una experiencia diferente a los visitantes. Es aquí donde la arquitectura juega un papel importante, como un elemento facilitador del espacio y luz adecuados para apreciar joyas, espejos y adornos de cristal.

Por  Guadalupe García.

 

En el corazón del Finger Lakes Wine Country, en el norte del estado de Nueva York, se encuentra el Museo del Vidrio de Corning que alberga una colección de 45 mil objetos que muestran 3 mil 500 años de arte e historia hecha de vidrio. El arquitecto Thomas Phifer fue el encargado de rediseñar el ala norte de museo y diseñar las nuevas galerías para que los visitantes tengan una nueva experiencia en su visita.

 

www.tripadvisor.com

 

Phifer también diseñó el Museo de Arte de Carolina del Norte en Raleigh, el Raymond  y el Pabellón Susan Brochstein en la Universidad de Rice en Houston, Texas. En 2004, ganó la Medalla de Honor del Instituto Americano de Arquitectura.

 

Diseño arquitectónico

www.guiaviajesa.com

 

El arquitecto concibió un espacio donde la luz natural estuviera presente. El edificio es de un nivel en forma cuadrada y las paredes son de cristal. El aluminio blanco que tenía antes será sustituido por un vidrio que permite la entrada de la luz en las galerías, además las paredes del interior serán de hormigón blanco y tendrán una forma curvilínea.

Los techos de las galerías tienen vigas prefabricadas de hormigón que ocultan el sistema de iluminación artificial para la noche, los detectores de humo y aspersores. Las vigas hacen la función de un filtro de luz en un entorno claro. Los techos además funcionan con tragaluces para filtrar la iluminación natural y disfrutar el arte de vidrio de una forma más especial. Así también, al recorrer las galerías, los visitantes se encontrarán con una ventana que da a un campus verde.

A la galería de cristal le sigue la fábrica de vidrio que ofrece demostraciones en vivo de cómo se moldea el vidrio, mientras que el espacio tiene una capacidad de hasta 500 personas. El costo de este proyecto asciende a 64 millones de dólares y tiene una extensión de 100 mil m2.

 

 

 

Top 6. Las obras vendidas más caras de Art Basel

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Para nosotros los mortales, Art Basel arrancó el 13 de junio, sin embargo, los grandes peces del arte estuvieron nadando días antes en el mercado de dos mil millones de dólares en obras. Estas fueron las compras más caras.

Por Beatriz Vernon

 

1.-«Abstraktes Bild»
Artista: Gerhard Richter
Precio: $34.2 millones de dólares
Año: 1992
Características: Color azul y naranja
Vendido por: Dominique Levy

Dato curioso: Apenas en octubre pasado, Gerhard Richter había roto el récord de la obra de arte vendida más cara de un artista vivo, con Abstraktes Bild (809-4), de la colección de Eric Clapton, en $34.2 millones de dólares.

 

 

2.-«Sumac»

Artista: Alexander Calder
Precio: $12 millones de dólares
Año: 1961
Vendido por: Nahmad Gallery

 

 

3.- “Untitled, or The Painting of the Mysterious Shadow”

Artista: Robert Ryman
Precio: Más de $7 millones de dólares
Año: 1966
Vendido por: Dominique Levy

 

 

4.-«Six Benjamin Moore paintings»

Artista: Benjamin Moore
Precio: Más de $6 millones de dólares
Año: 1961
Vendido por: Dominique Levy
Características: seis piezas de 12 pulgadas cuadradas cada una.

 

 

5.-«Untitled»

Artista: Joan Mitchell
Precio: $6 millones de dólares
Año: 1956
Vendido por: Cheim & Read

 

 

6. «Night Sky 3»

Artista: Vija Celmins
Precio: $4 millones de dólares
Vendido por: McKee Gallery

 

 

 

 

 

Ravioles negros, de Villarreal, más allá de las entrañas

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Sepultar el cuerpo con barro; cancelar la posibilidad de hablar y ver, de moverse. En Ravioles negros, el dramaturgo y director Alberto Villarreal confronta la corporalidad desde el teatro, el performance y, quizá de forma involuntaria, la coreografía y la danza.

 Por Silverio Orduña

 

¿Qué hace el cuerpo para comunicar, qué representa? Este monólogo, llevado al Teatro El Granero del 25 de marzo al 4 de junio, es interpretado por el actor Mario Balandra, quien aturde con la complejidad de las palabras y doblega la atención del espectador para que inicie una relación carnal durante la experiencia.

Desde un principio, la pieza de Villarreal deposita el interés en el cuerpo, sus posibilidades y limitaciones. El protagonista, condenado a usar una silla de ruedas para desplazarse, entra al escenario con ayuda de un técnico. Encarado al público, el actor comienza a invadir al personaje que termina comiéndose al actor y transformándolo; las palabras que aparentemente no tienen una relación de coherencia narrativa se escupen a través de la voz pero también de gestos y energía contenida.

 

Alfredo Millán

Alfredo Millán

El texto de Ravioles negros, de uno de los más jóvenes dramaturgos mexicanos, conduce a la reflexión sobre los errores del pasado y la inclemencia de la edad para poder enmendarlos. Se refiere al tiempo que ya no hay. “Una sola consideración, acertada, de juventud. Al envejecer, la nariz debería tornarse blanca. Una sola cana. Al centro de la cara. Lo demás… Intacto. Brillante, revotando la luz. Señalamiento a la muerte. Aquí.”

Las frases y oraciones cortas que Villarreal construye impiden por sí solas impactar con la profundidad de su significado. De manera rigurosa, el director obliga a Balandra a excavar y extraer el ímpetu de las palabras. El lenguaje no se limita al habla sino que se concibe un entramado entre el cuerpo como unidad, el tiempo y el espacio. El actor/performer logra conjurar el propósito de la obra por medio del movimiento y el no movimiento. De pronto se observan imágenes muy cercanas a la experimentación coreográfica.

 

 

Durante un segundo momento de Ravioles negros, el poder de la fisicalidad se hace más notorio. El personaje se despoja de la atadura de la silla de ruedas, se levanta y camina hacia el centro del escenario donde, simulando una plancha de cocina, hay recipientes con agua, pintura y barro. Sin camisa, Balandra vierte los ingredientes sobre su cuerpo cubriendo su cara, sobre todo los ojos y la boca. ¿Para no ver, para no decir? Metáforas corporales que trascienden el performance, el aquí y ahora de la acción y las reacciones, para convertirse en imágenes violentas, memorables.

De forma contradictoria, las capas de arcilla y pintura roja y negra que deberían ocultar, en realidad permiten descubrir. Llegar al interior de un cuerpo, más allá de las entrañas. “Uso esa palabra. Para referirse a mis adentros. Al sucio paisaje de mis adentros.”

 

 

 

Ariel Guzik en la Bienal de Venecia

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Un artista, inventor, herbolario y varios etcéteras: Ariel Guzik.

por Beatriz Vernon

El trabajo de Ariel Guzik, seleccionado para la 55 Bienal de Venecia, ya se escucha en el Pabellón Mexicano. Su obra sonora toma como caja de resonancia gigante y escenario la antigua iglesia de San Lorenzo, lugar que Vivaldi utilizaba frecuentemente por su excelente acústica y en el que Luigi Nono, héroe de Guzik, presentó su ópera Prometeo en 1984.

excelsior.com

Con Cordiox, el espectador puede percibir el trabajo de más de tres décadas de investigación del artista, matemático, físico, biólogo y músico mexicano. Mientras que la máquina hace música con las ondas magnéticas del entorno invisibles para el ojo, también convive estéticamente con el espacio que la rodea.

 

 

Media tonelada, cuatro metros, un tímpano de cuarzo, 180 cuerdas y tres arpas son parte de la pieza que transforma vibraciones y energías invisibles en una armonía un tanto mística. ¿Quién dijo que ya no había hombres renacentistas?

Cordiox estará presentandose del 1 de junio al 24 de noviembre en Venecia.

Más información sobre el trabajo de Guzik:

 

 

 

Cervecería Pearl, un complejo sostenible

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Una combinación entre cultura  y sostenibilidad.

Por Guadalupe García

El Instituto Americano de Arquitectura (AIA,  por sus siglas en inglés) dio a conocer su top 10 de los proyectos arquitectónicos más sustentables por el uso de materiales de construcción, espacios de áreas verdes y el uso de energías limpias.

Entre estos edificios se encuentra la Cervecería Pearl, ubicada al borde del río San Antonio, en Texas, EU,  que más que un inmueble se trata de un destino culinario y cultural.  Este recinto fue una cervecería entre 1883-2001. Shelley Grieshaber, una chef originaria de Texas deseaba crear un complejo sostenible, donde se pudieran consumir buenos alimentos y que  apoyara la educación culinaria.

cerveceria, trip advisor

La antigua cervecería, ahora convertida en un centro cultural y comercial, logró al certificación en nivel oro del Leadership in Energy & Environmental Design (LEED) que se le otorga a edificios sostenibles en Estados Unidos.

Diseño

El complejo contempla el Culinary Institute of America (CIA) dedicado a comida latina y zona de moda para los chefs. Además cuenta con un Mercado-Granja donde los chefs pueden acudir por sus productos, hacer sus compras y después dar un paseo por el Río San Antonio.

siempremujer,com

Además se encuentra el Pearl Brewery, otra parte de la antigua cervecería, que ahora está ocupada por condominios, tiendas y restaurantes como el Farm to Table Café. También hay todo un circuito académico con una librería local culinaria The Twig Book, una tienda de artículos latinos, un estudio de baile, un gimnasio, estudio de música, el Instituto Americano de Arquitectura y una pequeña plaza.

Sostenibilidad

Todo el complejo Pearl cuenta con diferentes materiales y herramientas amigables con el ambiente. Por ejemplo:

1) Paneles solares. Pearl es un centro comercial que recibe energía de un enorme panel solar.

2) Accesibilidad. Se ubica en una zona sencilla de entrar, con estacionamientos para bicicletas y paradas de transporte público cercanas.

Pearl-Brewery1

3) Agua de lluvia. En asociación con San Antonio Water System (SAWS) utilizan agua reciclada o capturada de la lluvia para usos no potables. Además de usar accesorios de plomería de alta eficiencia.

4) Reforestación. A 2012 han plantado 662 árboles en toda la propiedad.

5) Espacios con luz natural. El diseño permite la entrada de la luz del día mientras se mantiene la temperatura interior confortable. Las ventanas son de doble cristal que les permite ganar calor y minimizar la radiación solar.