Archivo para el mayo, 2013

Bajo la lluvia

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Está lloviendo adentro del museo pero no te mojas.

Por Cynthia Arvide

 

Imagina que vas caminando por el pasillo de un museo. De pronto, se oscurece y empiezas a oír el sonido de chorros de agua cayendo. Llegas a una sala y lo que hay es lluvia. Te acercas, caminas bajo ella pero no te mojas. ¿Cómo reaccionarías?

Así grosso modo es la instalación multisensorial llamada Rain Room (Cuarto de lluvia) creada por el estudio Random International, la cual se estrenó en Londres en 2012 y ahora llegó de este lado del mundo, al Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA), como una de las piezas centrales de la muestra EXPO 1: New York, un concepto que agrupa arte contemporáneo en torno a temas ambientales y sociales.

 

 

El colectivo Random International se interesa por estudiar el comportamiento de la gente y realiza experimentos que suelen captar el movimiento de la gente y actuar en función de ello con elementos como luz y sonido. En 2011, por ejemplo, la pieza Study of You actuaba como un espejo, compuesto de luces OLED que reflejaban al espectador. O Future Self, una pieza que captaba el movimiento creando una escultura ‘viva’ de luz y que inspiró una coreografía contemporánea de Wayne McGregor.

El Cuarto de Lluvia tiene sensores en el techo que siguen al espectador y evitan que llueva sobre él mientras que a su alrededor sigue cayendo agua. La gente mira fascinada a su alrededor, caminando bajo la lluvia y tratando de mojarse de alguna forma, de ‘ganarle’ al sistema.

La curadora Natalie Kovacs dijo en una entrevista para VernissageTV que es difícil definir este tipo de obras; si acaso, se trata de un nuevo medio, que ella llamaría arquitectura performativa. Pero en realidad no es tan importante porque lo que cuenta es que la experiencia es  abrumadora e inolvidable.

 

 

 

Foster+ Partners desarrolla “nave espacial” de Steve Jobs

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Las empresas tecnológicas como Google, Apple e IBM, tiene lugares de trabajo con los que todo mundo sueña, aunque pocos los conozcan realmente.

Por Guadalupe García

 

Edificaciones con cafeterías, espacios de recreación, tiendas, jardines, salas de juntas informales divididas por enormes paredes  de cristal y laboratorios con tintes futurista para probar tecnología, son algunos de los espacios particulares que tienen empresas del calibre de Google y Apple.

 

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El 7 de junio 2011,  casi cuatro meses antes de fallecer, el genio de Apple presentó su proyecto de nuevo campus  para albergar a 12 mil empleados en un edificio circular que dijo sería como “una nave espacial”. “No habrá una sola pieza recta de vidrio en el edificio”.  Un enorme anillo de 4 pisos construidos sobre 2.8 millones de metros cuadrados, dos terceras partes del tamaño que tiene el Pentángono de EU.

Frente al Consejo Municipal de Cupertino, Jobs dijo que construirían “el mejor edificio de oficinas en el mundo. Los estudiantes de arquitectura vendrán aquí para verlo”.

El genio de Cupertino proyectó que en los alrededores se añadieran 6 mil árboles y los autos se ocultarían en el paisaje a través de estacionamientos subterráneos. Además de un gran número de cafeterías y en especial una para atender a 3 mil empleados.

 

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“Esta no es la forma más barata de construir algo…” dijo Jobs, debido  a que los acabados serían de lujo con vidrio cóncavo alemán, suelo de cerámica de “calidad de museo” y los techos de cemento pulido.

Por supuesto,  con una visión “eco friendly”,  el techo tendría 700 mil metros cuadrados de paneles solares para generar toda la energía que necesita el lugar . Y como todas las oficinas de ensueño,  el edificio con forma de nave espacial, incluiría gimnasio, centro de investigación y una planta central a la que se entraría por túneles subterráneos.

 

Costos de proyecto generan críticas

 

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De acuerdo a un reporte de Blomberg Businessweek,  el Campus 2 de Apple tenía un presupuesto de 3 mil millones de dólares y se ha incrementado hasta 5 mil millones de dólares; cifra que supera por mucho al complejo del World Trade Center en NY que costó 3.9 mil millones de dólares.

El prestigioso despacho de arquitectos Foster+ Partners lidera el proyecto acompañado de las contratistas DPR Construction, en Redwood City, California, y especialistas de prefabricación Skanska, EU. El mismo reporte asegura que en junio próximo se empezarán a derribar 26 edificios que se encuentran en el lugar para comenzar la construcción.

La marca más valiosa del mundo, según el top 10 BrandZ de la consultora Millward Brown, dominante en el mercado de los smartphones y tabletas, ha recibido críticas de sus accionistas por los gastos del proyecto que aseguran son exagerados.

 

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Tim Cook, el sucesor de Jobs, ha informado que el proyecto funcionará hasta el 2016 y ahora mismo negocia para reducir en mil millones los costos.

 

Más información

Las tiendas de Apple en la Quinta Avenida en Nueva York y la Regent Street en Londres fueron diseñadas por el despacho Bohlin Cywinski Jackson.

Fuente:  Asensio , Ana . «Foster: La sede de Apple supera el presupuesto en 2 mil millones de dólares» 16 May 2013. ArchDaily.

 

 

El Gran Continental promueve convivencia comunitaria

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¿Quién no ha bailado No rompas más, de Caballo Dorado, en una boda o pachanga? ¿Han logrado aumentar la velocidad sin perder la coordinación con Payaso de rodeo?

Por Silverio Orduña

 

Llamado danza en línea, este tipo de baile tiene sus antecedentes en las danzas folclóricas europeas que pasaron con la colonización de Norteamérica a los Estados Unidos y Canadá, ensalzando el ritmo country.

Originario de Montreal, el coreógrafo Sylvain Émard propone, basado en la danza en línea, la versión latina de su trabajo Le Grand Continental, un ejercicio dancístico multitudinario para fortalecer la participación comunitaria que, según la directora del proyecto en México, Mariana Arteaga, urge en el contexto nacional.

En octubre de 2013 se efectuará la segunda edición de El Gran Continental, que hace dos años reunió a 114 voluntarios y se presentó en La Plaza de las Tres Culturas y la explanada del Palacio de Bellas Artes. Esta vez se busca reunir a 150 voluntarios, quienes no tienen ninguna condición específica para participar, más que tener entre 10 y 75 años de edad pero, sobre todo, muchas ganas de bailar.

 

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Mariana Arteaga cuenta que para adaptar la coreografía de Sylvain Émard al cuerpo mexicano, llevó a pasear al canadiense por la Plaza de la Ciudadela, el Rodeo Santa Fe, el Patrick Miller y la plancha del Zócalo para que se empapara con los ritmos populares, desde el danzón hasta la quebradita, el techno y la danza de los concheros. Para la edición de 2013 de El Gran Continental se contará con la musicalización guapachosa/experimental del Instituto Mexicano del Sonido (IMS)  y de Taniel Morales.

“Rescato de este proceso cómo se aborda la idea de comunidad y trabajo colectivo”, apunta Arteaga, “pues reúne a un número considerable de personas de distintas geografías y edades para completar un fin común: bailar”. Agrega que existe una gran variedad de propuestas dancísticas que investigan sobre la idea de lo comunitario pero, a diferencia de la inclusión que propone El Gran Continental, trabajan desde un  punto de vista de las comunidades marginadas por la preferencia sexual o la periferia económica.

“Durante este tipo de baile, de danza en línea, sucede una especie de liberación y acompañamiento con el grupo, una preocupación de cómo nos movemos para no afectar al colectivo. Este proceso se convierte en un ejercicio de tolerancia y de comprensión con el otro”, concluye.

 

Top 6, las portadas de discos más memorables de la historia

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¿Qué es más importante en un disco? ¿La música o el arte? ¿ambas?… No cabe duda que un disco, como objeto físico completo, basa su éxito en las canciones que contiene, pero también, se puede volver un icono representativo gracias a su portada.

En un ejercicio de retroalimentación con su público, la revista Rolling Stone pidió a sus lectores que eligieran las portadas que, para ellos, son las mejores en toda la historia de la música. Aquí retomamos ese conteo y te presentamos las seis tapas que se volvieron iconicas para la industria musical.

 

1. The Beatles, Sgt. Pepper’s lonely hearts club band (1967).

La ganadora como la mejor portada de la historia, según las votaciones de la web americana. Es, sin lugar a dudas, una de las imágenes más icónicas de la historia del rock and roll. La foto originalmente iba a mostrar a los Beatles (con sus trajes de sargento Pepper) ​​jugando en un parque. Poco a poco evolucionó hacia el concepto final, donde están parados en medio de recortes de cartón de sus héroes. La banda había previsto inicialmente la inclusión del actor Leo Gorcey, Gandhi, Jesucristo y Adolf Hitler.

 

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2. Pink Floyd, Dark side of the moon (1973).

Hasta Dark side of the moon, las portadas de Pink Floyd no habían sido muy memorables. Hipgnosis, el estudio de diseño británico, no había hecho trabajos muy buenos con los anteriores dos discos de Floyd. Pero tenía un buen historial con portadas de otros grupos, por lo que el estudio fue contratado de nuevo.“Rick Wright (teclista de Pink Floyd) sugirió hacer algo limpio y gráfico, pero no una fotografía”, dijo el diseñador Storm Thorgerson. Su inspiración inicial fue una foto del prisma que hay en la parte superior de algunas partituras.

 

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3. Nirvana, Nevermind (1991).

Spencer Elden, el bebé desnudo en la portada de Nevermind, dijo en una entrevista con MTV: “Es algo espeluznante que millones de personas me hayan visto desnudo”, dijo:“Me siento como la más grande estrella del porno del mundo”. A sus padres sólo les abonaron 200 dólares por la sesión, pero a Elden le han pagado mucho más para recrear la famosa foto.

 

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4. The Beatles, Abbey road (1969).

Muchos creían que el Beatle Paul McCartney murió en 1967 y había sido reemplazado por un doble en la portada de Abbey Road. Se veía la a foto como un cortejo fúnebre: John (de blanco) es el predicador, Ringo (en negro) es el doliente, George (en algodón) es el sepulturero y Paul (descalzo) es el cadáver. Una placa al fondo se puede leer “281f”. McCartney tenía 27 años cuando el disco salió, y eso hizo que mucha gente pensase que el mensaje quería decir que hubiera cumplido 28 años si no hubiera muerto. La fotografía se tomó el 08 de agosto 1969 fuera de los estudios Abbey Road.

 

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5. The Clash, London calling (1979).

Pennie Smith estaba tomando fotos de The Clash en el Palladium de Nueva York en septiembre de 1979 cuando capturó una de las imágenes más icónicas de la historia del rock. Paul Simonon, el bajista, estaba molesto porque la audiencia se encontraba muy tranquila, así que empezó a romper su bajo contra el suelo. “El Palladium había puesto sillas para que el público se sentase, y eso hizo que la gente se congelase”, ha declarado Simonon.

 

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6. The Rolling Stones, Sticky fingers (1971).

Este álbum diseñado por Andy Warhol fue el primer disco de los Rolling Stones que grabaron para Atlantic Records, lo que les dio la libertad y el presupuesto necesarios para fabricar esta portada con una cremallera real. Cuando se abre la cremallera, se ve la ropa interior blanca con el logotipo de los Rolling Stones. Contrario a la leyenda, el hombre de la ropa interior no es Mick Jagger, sino uno de los colaboradores de Warhol.

 

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Con información de rollingstone.es

Spiritualized y los secretos de su música

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Durante la última visita de Spiritualized a la Ciudad de México, G.A.S. TV tuvo la oportunidad de charlar con su vocalista, Jason Pierce. En este video, te presentamos esta entrevista, donde el frontman nos cuenta el proceso creativo de la banda, el significado que tiene la música para ellos y la experiencia de componer canciones.

 

 

BNRK y sus polémicos proyectos

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Arquitectura que reta las normas

Por Guadalupe García

 

Esteban Suárez era un preparatoriano cuando ya sabía lo que quería hacer toda la vida: tocar la guitarra. En compañía de sus amigos de la secundaria fundaron la banda mexicana de indie rock Chiquita Violenta. Sin embargo, cuando llegó el momento de entrar a la universidad, el papá de Esteban le dijo:  “Antes de que eches tu vida a la basura mejor estudia una carrera seria”, Así fue que decidió estudiar arquitectura.

 

 

En 2005, con ayuda de su hermano Sebastián Suárez, fundó un despacho de arquitectura, urbanismo e investigación, que hoy es uno de los más reconocidos por sus proyectos de investigación con carácter futurista. Esteban consiguió el sótano de un edificio en la avenida Insurgentes, montar su estudio, y con el tiempo le  denominó el búnker: BNRK.

La joven firma BNRK se dio a conocer en 2009 cuando quedó finalista de concurso Skycraper Competition realizado por Evolo Magazine con un proyecto de investigación provocador: “Earthscraper” o “El Rascasuelos”, cuya propuesta es una pirámide invertida con un vacío de 300 metros de profundidad, nada más y nada menos que, en la plancha del Zócalo Capitalino.

Un desarrollo que buscaría reorganizar el Centro Histórico e incluir esos espacios que faltan para oficinas, comercios y viviendas, y se contrarrestaría el crecimiento horizontal de la mancha urbana, apostando a la construcción subterránea.

Este polémico proyecto generó una serie de reacciones en México y el mundo, ya que en otros países también se vive la falta de espacios para nuevas construcciones.

La firma de arquitectura, que ha estado nominada al LEAF Awards 2011 de Londres en la categoría de “Arquitecto Joven del Año” y el “World Architecture Festival Awards” en Barcelona, tiene todo tipo de obras, desde las pequeñas capillas que simulan rocas hasta el plan maestro de Ciudad Guzmán, en Guadalajara.

A continuación te presentamos sólo tres de sus interesantes propuestas para resolver algunos problemas urbanos.

Puente Bahía de Acapulco, Guerrero

El “Viejo Acapulco” y “Acapulco Diamante” están comunicados por la avenida costera y la Carretera Escénica, que con el tiempo se han vuelto insuficientes, generando severos problemas de tráfico.

La propuesta de BNKR fue construir un puente de 3 kilómetros de largo con una estructura habitable, para que los desarrolladores inmobiliarios vendan propiedades frente al mar; es decir, que no sólo sea un puente, sino una estructura con centros recreativos y viviendas.

El proyecto fue desechado por el Gobierno de Guerrero por considerarlo costoso y utópico; sin embargo, el despacho no claudica en la posibilidad de que sea acogido por la inversión privada.

Casa de paja en Tepoztlán, Morelos

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BNKR convenció a su cliente de construir una casa de paja que no necesitará aire acondicionado durante la temporada de calor.  Muy cerca del cerro del Tepozteco se diseña una casa con módulos individuales: las recámaras, la sala, comedor, cocina y estudio que sólo están unidos por plataformas escalonadas. Los módulos son de rocas volcánicas talladas y labradas por el escultor Jorge Yazpik. Como la zona es irregular, algunas áreas se construirían en cantilever o estructuras voladizas.

Este proyecto es una casa piloto que buscaría desarrollarse a la escala de un fraccionamiento sustentable, pero el dueño del predio se ha encontrado con la negativa de las autoridades municipales para desarrollarlo.

Casa del Estudiante en Cholula, Puebla

www.mexican-architects.com

La Universidad de las Américas en San Andrés Cholula atrae a esa zona residencial de baja densidad, cerca de 8 mil estudiantes al año, los mismos que buscan alojamiento en la comunidad. Esta demanda ha provocado que cada vez se creen desarrollos destinados para los estudiantes.

La propuesta de BNKR es construir una residencia estudiantil con 41 habitaciones en un barrio residencial de Cholula, con espacios para satisfacer las demandas de la vida social estudiantil.  El proyecto es un edificio cerrado de tres niveles, para no perturbar la tranquilidad de la comunidad, con un patio central.

Las habitaciones proyectadas serían compactas, pero con lo necesario: recámara, cocina, estudio y cuarto de baño. La planta baja se destinaría a ser el área comercial rentable. La estructura no es totalmente cuadrada, sino que ligeramente alzada en dos de los extremos para permitir el acceso.

Este proyecto se encuentra programado para terminarse en inverno de este año.

 

+Información

Te recomendamos estar pendiente de nuestros podcast, pues charlaremos con los responsables de este despacho.

Andy Warhol, 15 minutos eternos en Shanghai

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The Power Station of Art o «La central eléctrica de Arte», es un espacio de exhibiciones artísticas en Shanghai que presenta actualmente la mayor retrospectiva de Andy Warhol que se haya expuesto en Asia.

 

 

El museo ha logrado recopilar las obras del artista norteamericano desde 1940 hasta 1980. Cuenta con más de 400 pinturas, fotografías, serigrafías, dibujos y esculturas. Estos trabajos incluyen algunos emblemáticos como la famosa lata Campbell’s, (1961), «Silver Liz» (1963), ‘Jackie’ (1964), ‘Silver Clouds’ (1966), ‘Marilyn Monroe’ (1967) y ‘Autorretrato’ (1986).

Además, de la obra plástica, la exposición incluye ejemplos clave de las películas de Warhol – como “El imperio” (1964), y pone de manifiesto su continua influencia en las generaciones más jóvenes de artistas cineastas y de video.

La exposición también da una visión en la vida de Warhol y el mundo social a través de la fotografía y ejemplos de sus «cápsulas de tiempo» – una obra de arte en serie, que abarca un período de treinta años a partir de la década de 1960 hasta su muerte en 1987, que consta de 612 contenedores (principalmente del tamaño de cajas de cartón), que Warhol utilizó para organizar la enorme cantidad de material que recopiló a través de su vida.

La exposición, patrocinada por BNY Mellon y presentado conjuntamente por PSA y The Andy Warhol Museum, es una crónica de la amplitud de la carrera de Warhol y demuestra el alcance de sus intereses e influencia.

 

ANDY WARHOL: 15 MINUTES ETERNAL

29 abril 2013 hasta 28 julio 2013- The Power Station of Art, Shanghai

Obtén más info de esta exposición en powerstationofart.org

 

 

Las tipografías más populares

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Todo diseñador conoce la importancia de elegir una buena tipografía que vaya acorde a las necesidades de lo que va a comunicar. Los tipógrafos saben que la construcción de una letra cambia radicalmente la intención de un discurso e incluso, la velocidad de la lectura.

Hoy hacemos un recuento de algunas de las tipografías más populares entre los diseñadores con un poco de su historia.

 

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1. Helvética

Sin duda, la reina de las tipografías. Su año de creación es 1957 y las manos de las que surgió esta letra de líneas simples y que aún hoy se considera de estilo moderno son las de Max Miedinger y Edouard Hoffmann. La empresa que encarga este proyecto es la fundición de tipografías Haas’sche Schriftgießerei (Haas), para modernizar el tipo sans-serif (sin serif o adornos) que disponían, el Haas Grotesk. En sus comienzos esta tipografía compartía nombre con su creador Miedinger, pero la compañía debido a unos cambios de dueños y a la ampliación de esta, creando diferentes variantes de la misma, decide rebautizarla con el nombre de Helvética (que en latín significa Suiza).

 

2. Trajan

Creada en 1989 por Carol Twombly para Adobe, está inspirada en tiempos más lejanos en los que Roma era el centro del mundo. Pues se basa en las letras grabadas en la Columna de Trajano, que podemos encontrar en Roma. Este monumento conmemorativo construido por orden del emperador Trajano data del año 114. Por lo que sin duda, ha inspirado una tipografía de lo más clásica. No obstante, no se trata de la única tipografía inspirada en este monumento. La tipografía Weiss (1926), Goudy Trajan (1930) o Trajano (1939) son otros ejemplos. Sin embargo, es la Trajan la que realiza una versión más literal.

 

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3. Futura

Esta obra del diseñador alemán Paul Renner es su trabajo más conocido. Fue diseñada entre 1926 y 1927 y es considerada una de las más conocidas y utilizadas de la tipografía moderna. Esta tipografía san serif se basa en las formas geométricas simples del círculo, el cuadrado y el triángulo. Aunque Paul Renner, no perteneciera a la Bauhaus, la Futura se basa en las mismas bases del diseño de esta. Por ello, se la considera también un perfecto ejemplo tipográfico del diseño de esta escuela alemana. Siendo también la base del diseño moderno.

 

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4. Frutiger

Su creador, Adrian Frutinger, se encontró en 1968 con un encargo. Este consistía en el diseño de la señalización del nuevo aeropuerto de París, Charles de Gaulle. Un reto difícil, pues no sólo tenía que combinar con el estilo moderno y vanguardista de la arquitectura, también debía ser extremadamente legible. Los pasajeros tenían que ser capaces de leerla desde lejos y andando deprisa. Para ello, el señor Frutinger, al contrario de los que muchos pensaron, desechó la idea de usar la tipografía Univers y decidió diseñar esta familia tipográfica de la que hoy hablamos. Esta nueva creación se bautizó con el nombre de Roissy, dada a conocer en 1975 por La Fundición Stempel. No obstante, no acogería esta denominación durante mucho tiempo, pues en 1978, cuando Lynotipe compra los derechos de reproducción de la misma, pasa al nombre por el que hoy la conocemos.

 

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5. Bickham Script

Está inspirada en la escritura caligráfica propia del siglo XVIII. Su creador Richard Lipton ha explorado las orgánicas y fluidas líneas de esta forma de escritura, diseñando un tipo de letra que bien podría haber surgido de una pluma hábil. Su nombre nace del mismo lugar donde Richard Lipton encontró la inspiración del maestro escritor y grabador George Bickham.

 

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6. Eurostile

Tipografía que nació en la década de los 60, inspirada en las líneas modernas que llegaban en esta época, en aparatos como los televisores que se convertían en un electrodoméstico fundamental. La tipografía Eurostile fuecreada en 1962 por Aldo Novarese, un diseñador italiano de cuyo ingenio surgieron multitud de tipografías, para la fundición italiana Nebiolo. Su inspiración radica en la tipografía Microgramma, otra tipografía de líneas similares que se creó una década antes y en la que trabajo también Novarese junto a Alessandro Butti.

 

 

Con información de xombit.com

Peaches Does Herself

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El documental Peaches Does Herself, dirigido por la cantante, es parte de la programación de Distrital 2013.

Por Alberto Acuña Navarijo

 

Peaches Does Herself

 

El año pasado, la famosa cantante canadiense de electroclash y performancera Merrill Beth Nisker, mejor conocida como Peaches, decidió que después de cuatro discos de estudio, remixes producidos para aventar, polémicos e incendiarios conciertos alrededor del mundo y 46 años de edad a cuestas, era tiempo de contarle al mundo su historia. Y para ello escribió, dirigió y protagonizó un espectáculo montado en el Hebbel Haul Theater de Berlín (ciudad donde actualmente reside).

Y claro, no es extraña la inquietud: ¿qué puede resultar de Peaches versión directora? Una ópera rock transexual, donde combinó el inicio de su carrera al interior de su habitación, una historia de amor frustrada, sus reconocibles singles dance punk, el mundo post queer, y la herencia del manifiesto de las riot grrrls. Y Peaches Does Herself es el registro de esa noche llena de striptease (gerontofílico), coreografías y vestimentas multicolores.

El festival multidisciplinario Distrital – Cine y Otros Mundos, inaugura su cuarta edición el próximo martes 4 de junio a las 9:00 pm en el Teatro Fru Fru (Donceles 24, Col. Centro) con la proyección de este documental. El motivo no sólo es porque la película perteneciente a la sección Cuadrante (dedicada a la relación intrínseca entre cine y música) sea divertida y contagiosa ideal para verse con la mayor cantidad de gente posible; sino porque es una gran representante del espíritu del evento: un proyecto transgresor hecho y contado en primera persona.

De algún modo, más que en años anteriores, en 2013, esta será la constante con la que el espectador se topará: el cine autobiográfico exorcizante.

Si no puedes asistir a la función inaugural, Peaches Does Herself tendrá una segunda exhibición el domingo 9 de junio a las 7:00 pm en el  Cine Tonalá (Tonalá 261, Col. Roma Sur). Mientras tanto vean el trailer:

Herbert Baglione. Anuncio de muerte

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En estas pinturas el artista dejó parte de sí mismo, literal.

Por Cynthia Arvide

Habíamos visto algunos de sus fascinantes murales en el D.F. Justo  acaba de intervenir  el Mercado Condesa (en respuesta al artista David Choe, que le había dejado el espacio y una nota invitándolo a terminar) pero lo nuevo, y que no debes dejar de ver, del artista brasileño Herbert Baglione es la exposición Obituary que se presentó el año pasado en el Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá y ahora está en la galería FIFTY24MX.

Se trata de una exploración sobre la muerte, con piezas de dibujo, pintura e instalación, que al mismo tiempo relatan un proceso creativo del artista en el que de alguna manera entierra objetos y vivencias del pasado, para dar paso a una nueva vida, un renacer.

Cuando se presentó esta muestra en Bogotá, el artista hizo un performance con una de sus pinturas, en la que extraía su propia sangre para depositarla en una copa, y con ella y un pincel delineaba la imagen de un cráneo, en una especie de ceremonia de muerte y resurrección. Aquí trajo cuatro pinturas hechas con su sangre.

Aunque ha cambiado de formatos y técnicas, Baglione conserva los elementos que lo distinguen desde que era un famoso artista urbano, como el uso de blanco y negro, personajes estirados o distorsionados, así como la presencia de caligrafía.

 

Más info:

herbertbaglione.blogspot.mx

facebook.com/pages/herbert-baglione/

 

Galería FIFTY24MX

Colima 184, Roma. México DF

fifty24mx.com

 

 

Gao Xiaowu y Joyce Tsai You Ho, lo nuevo en el MOCA Shanghai

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Fotos: Paola Palazón/G.A.S. TV

 

El Museo de Arte Contemporáneo de Shanghai (MOCA) ha puesto en marcha sus primeras exposiciones duales de 2013. La primera planta del museo presenta una serie de esculturas de gran formato pertenecientes a la exhibición «Quest» de Gao Xiaowu, un artista muy conocido en el escenario artístico de Asia. Por otra parte, en el segundo piso, el artista de la nueva generación, Joyce Tsai You Ho de Taiwan, está exponiendo sus observaciones con el tema «Mimesis» con la creación de pinturas e instalaciones.

 

 

Gao Xiaowu: Quest

Gao Xiaowu, que es tan conocido por sus esculturas que muchas de sus obras se han copiado e imitado. En esta nueva exposición, el artista tiende a mostrar su preocupación humanista en sus obras e instalaciones. Gao Xiaowu considera la importancia del arte en la sociedad puesto que «el arte debe desempeñar un papel como un recordatorio, para enviar el mensaje de advertencia al mundo.»

Joyce Tsai You Ho: Mimesis

Joyce Tsai You Ho emigró a Estados Unidos desde Taiwán cuando tenía 14 años de edad, donde pudo disfrutar de una vida liberadora en ese país. Esta experiencia tuvo un gran impacto en Joyce Tsai y por lo tanto a su obra de arte. Las imágenes que pinta siempre contienen algún ambiente inquietante, ya sea el ángulo de la cabeza del personaje o la torpeza de los cuerpos distorsionados.

 

+info:

El museo MOCA Shanghai es el Museo de Arte Contemporáneo, que está en la ciudad de Shangai en China. Está dedicado a promover el arte contemporáneo chino e internacional. Ubicado en el Parque del Pueblo, desde su arquitectura demuestra lo contemporáneo, al igual que sus exposiciones. También es un gran sitio para asistir a talleres y conferencias de arte.

Esta exposición estará abierta al público hasta el 7 de junio de 2013, pero puedes disfrutar de ella desde la comodidad de tu computadora a través de este recorrido por su página web.

 

 

Bamboocycles

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Para el diseñador industrial de la UNAM Diego Cárdenas, las bicicletas de bambú representan su sueño y su empresa: Bamboocycles. Todo empezó en 2007 en Francia, en un taller de diseño industrial  donde pudo aprender sobre las cualidades y aplicaciones de esta planta.

Te presentamos este podcast donde entrevistamos al creador de las bicicletas que están redefiniendo los esquemas del transporte sustentable.

Accede al portal de Dixo y descarga nuestro podcast a través de este link. 

Obtén más información de estas bicis en su página bamboocycles.com

 

¿Te gustó la música de este podcast? Ingresa a Terrícolas Imbéciles y descubre más música.

 

 

Construcciones para la música. El Plaza Condesa

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Lograr una excelente experiencia en un concierto, no sólo depende de tu artista favorito. 

Por Guadalupe García

 

Los recintos juegan un papel primordial al reunir los elementos suficientes para una buena acústica y el espacio para que los asistentes se sientan libres de moverse a cualquier ritmo.

En esta ocasión recorreremos sólo uno de los tantos multiforos para espectáculos construidos o remodelados en los últimos dos o tres años en la Ciudad de México: El Plaza Condesa. Se trata de un inmueble construido en los años 50’s en la colonia Condesa para exhibir películas y que hoy es un espacio donde artistas del género pop, rock, funk y balcánico.

 

www.sindicatodelsonido.com

 

El multiforo tiene una capacidad de 1,900 personas y se ubica justo en el corazón de la Condesa –en medio de los parques España y México–, rodeado además de restaurantes, librerías, galerías de arte y tiendas especializadas.

Ocesa inició el desarrollo el inmueble con apoyo de los arquitectos Antonio Muñohierro y Héctor Esrawe (del despacho Esrawe), quienes implementaron una remodelación para incluir mejoras acústicas, iluminación, ampliación y modernización de camerinos, rampas para personas con discapacidad, sanitarios y taquillas.

El edificio construido entre 1952 y 1973, durante la transición de la modernidad y la posmodernidad, por lo que la tendencia que siguió la edificación fue del funcionalismo. El Plaza Condesa tiene una extensión de 5, 200 metros cuadrados en un espacio de 6 niveles, 1 mezzanine y 1 sótano.

La fachada de El Plaza Condesa incluye tres niveles: taquilla, recepción al elevador y la tienda de souvenirs; después, dos corredores para ingresas al primer nivel desde podrás ver el escenario. Pero desde la entrada notarás que en las paredes hay lambrín –recubrimiento de loseta cerámica- de madera en las paredes, como si se tratara de un panal de abeja,  que va desde el exterior hasta el interior.

 

 

Después de las puertas está un vestíbulo con espacios repletos de arte objeto y el guardarropa, enseguida, el lambrín se interrumpe por la creación de dos umbrales que conducen a otros espacios del edificio.

El vestíbulo para entrar tiene un techo de dos pisos que se conservó y se les incorporaron lambrín de tal forma que se reduce la altura en el primer acceso.

 

+info:

El recinto destinado principalmente a los conciertos recibió el premio Best Of Year en la categoría Institucional  en 2012, además fue ganador del Good Design Awards por Bancos BAN 2012.

Más sitios dedicados a los conciertos y de reciente apertura: Auditorio BlackBerry, La Arena Ciudad de México, Pepsi Show Center.

 

 

Pablo Madrigal, la nueva danza gay

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Ser homosexual no implica solamente un riesgo o el estigma de la homofobia y la violencia. Eso piensa Pablo Madrigal, director del grupo Aoyama Danza Contemporánea.

Por Silverio Orduña

 

Pablo Madrigal, director del grupo Aoyama Danza Contemporánea, tiene en puerta varios proyectos coreográficos relacionados con la temática gay. En México, el antecedente más visible es la compañía La Cebra, dirigida  desde 1996 por el coreógrafo, bailarín y activista José Rivera Moya.

En Red Candy (2012), la primera exploración de Madrigal sobre la diversidad sexual, propuso que el deseo no solo se comunica con la mirada, sino con el cuerpo en su totalidad. Esta coreografía reflexiona sobre el argumento de Caperucita Roja, pero los dos personajes son dos hombres homosexuales, uno mayor y otro menor, según la estructura corporal de los bailarines que emplea, para configurar la idea de la corrupción y la inocencia. Bajo la perspectiva de Madrigal, el deseo es mutuo.

 

 

Actualmente se encuentra en la posproducción del video, dirigido por Mauricio Ascencio, de Red Candy. También estrenará la coreografía XXX en el 17 Festival Mix de diversidad sexual en cine y video; y de forma conjunta, prepara un taller sobre la performatividad desde el punto de vista de género y un performance para el Museo Universitario del Chopo.

Pablo Madrigal afirma que la inquietud de hablar sobre el mundo gay le vino como un proceso natural, debido a la condición de sus preferencias sexuales. “Mi mirada trata de ser honesta y mi objetivo es hablar desde mi propia realidad. Es indudable que lo sexual y lo social estén presentes en el ámbito gay, pero no creo que sea lo único que se pueda explorar. Me interesa hablar de cualquier tema a partir de mi mirada como homosexual.”

 

aoyamadanzacontemporanea.blogspot

 

Madrigal explica que la danza es una disciplina artística idónea para abordar esta temática. “El cuerpo es la mejor materia para hablar sobre esto sin tapujos ni tantos prejuicios. Tal vez  un tipo de limitante consiste en la ausencia de la palabra, pues al no poder conceptualizar lo que se observa sobre el escenario, el público quizá llegue a diluir el discurso”.

Según este joven coreógrafo de 23 años de edad, sus piezas no demuestran un activismo explícito, aunque permanece consciente de lo política que puede llegar a ser su propuesta. “Pienso en una aceptación total de la propia comunidad gay y la tolerancia del mundo externo; también la aceptación de los nuevos géneros y de los cambios en los ya existentes y, lo más complejo, una aceptación de nosotros mismos como individuos, bajo las condiciones de la preferencias sexual, el cuerpo y las diferentes realidades”.

 

 

Top 6, las construcciones más creativas del mundo

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A lo largo de todo el mundo existen modernas construcciones que no sólo albergan museos o empresas, sino que son en sí, obras de arte. El trabajo de estos arquitectos está rompiendo esquemas con las construcciones más imaginativas del mundo.

 

Vía abc.es

1. El edificio con forma de cesta es la sede corporativa de la empresa Longaberger Basket Company, especializada en fabricar cestas de madera de arce hechas a mano. Dave Longaberger, fundador del grupo, ideó este original inmueble basándose en su producto más vendido, la cesta de picnic. El edificio, con una base de 59 metros de largo y 38 de ancho, posee siete plantas y el techo de cristal permite ver sus asas superiores. Una construcción que se ha convertido en la estrella arquitectónica de Newark.

 

Vía abc.es

2. La Biblioteca Pública En Kansas City (Missouri) y muchos turistas acuden a ella aunque no sean amantes de la literatura. La fachada del «parking» -una hilera de enormes lomos de libros- es una explosión de originalidad con un gran poder de atracción. Los títulos de las veintidós obras, elegidos tras una encuesta, reflejan los intereses literarios de los habitantes de la ciudad. Una fusión «arquitecto-literaria» muy tentadora.

 

Vía abc.es

3. Pigeon Forge,Tennesee. Esta singular construcción es WonderWorks, un centro de diversión que alberga en su interior exposiciones, atracciones que simulan los efectos de un terremoto o vientos huracanados y paredes para escalar. Diversión en una casa del revés.

 

Vía abc.es

4. La Casa Danzante (Tančící dům), en Praga, es popularmente conocida como el edificio «Ginger y Fred» -en homenaje a los grandes bailarines de los años 50 Fred Astaire y Ginger Rogers- o la «Casa del borracho». Fue diseñada por el gabinete de arquitectos de Frank Gehry y Vlado Milunic en 1997. Una construcción de estilo deconstructivista basada en la fragmentación de las líneas, curvatura de planos y manipulación de estructuras.

 

Vía abc.es

5. MUMOK (Museo Moderner Kunst) es el museo de arte más grande de Austria con más de 7.000 obras de arte moderno y contemporáneo en sus salas. Erwin Wurm, que instaló una casa de campo incrustada boca abajo en la construcción del museo para simbolizar «la estrechez de mente de la vida cotidiana».

 

Vía abc.es

6. En Sopot, localidad costera de Polonia, se encuentra «The Crooked House» (en español, la Casa Torcida o Casa Encorvada), un edificio diseñado en 2004 por los arquitectos Szotyński y Zaleski que se inspiraron en los cómics de Jan Marcin Szancer y Per Dahlberg. Para lograr que se pareciera a las animaciones dotaron al edificio de formas sinuosas, líneas curvas y aspecto irregular.

 

Con información de abc.es

El somni, un banquete en doce actos

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En España hay una gastro-ópera que fusiona todos los talentos artísticos en una experiencia multisensorial.

Por Cynthia Arvide

 

La gastronomía tiene la capacidad de transportarte, de contarte una historia. Esa premisa sirvió de motor para un proyecto único y muy ambicioso que embarcó a los hermanos Jordi, Josep y Joan Roca, los genios que dirigen el mejor restaurante del mundo (S. Pellegrino 2013) el Celler de Can Roca y al artista especializado en video Franc Aleu.

 

http://www.elsomni.cat/

 

El Somni (sueño en catalán) es “una ópera en doce platos, un banquete en doce actos”;  un proceso creativo en donde confluyen la gastronomía y el arte, a través de una cena acompañada de imágenes, palabras y música compuesta expresamente para acompañar el recorrido, el cual ocupa las salas del centro Arts Santa Mònica en Barcelona.

Se trata de 12 espacios que corresponden a los 12 episodios del sueño de la ondina Ástrid, en donde el visitante puede sentir, a través de elementos como objetos, imágenes y música, las diferentes sensaciones que tiene la protagonista a lo largo de este viaje onírico que la lleva por el ciclo de la vida.

El recorrido multisensorial culmina en el recinto central donde se lleva a cabo una cena. El banquete sucede alrededor de una mesa redonda en donde el número 12 define gran parte de la experiencia: 12 comensales, 12 platos, 12 conceptos ilustrados por un juego de cartas.

 

http://www.elsomni.cat/

 

El proyecto asimismo inspiró la creación de un largometraje, la edición de un libro y la exhibición del juego de cartas que se creó como la herramienta creativa, especie de libreto, que da estructura narrativa a esta ópera gastronómica multimedia.

 

+info:

Hasta el 8 de junio en el Centro Arts Santa Mònica, Barcelona.

http://www.elsomni.cat/

 

 

 

Boards of Canada, la expectativa de la niebla

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El regreso de Boards of Canada después de ocho años.

Por Luli Serrano

 

Boards of canada

 

Las campañas de mercadeo para promover música están a la orden del dia. ¿Por qué? Cada vez es más complicado destacar de entre la marea de grupos y sonidos distintos que se producen cada día, en sitios remotos y cercanos, en computadoras portátiles o estudios de grabación en forma.

Es por eso que 2013 muestra una particular inclinación por sobresalir en términos de lo que los artistas y sus estrategas crean para dar a conocer un material.

Aunque los riesgos son varios, el más evidente que la música no esté a la altura de la campaña, lo cierto es que este tratamiento confiere una sensación de expectativa y altura que quizá sea prefabricada pero que también se agradece en estos tiempos grises con demasiadas propuestas y poca sustancia.

Uno de los grupos que han ejecutado este word of mouth de manera más interesante son Boards of Canada. Los escoceses tienen como antecedente una carrera de reputación intachable en la electrónica, formando ramificaciones, subgéneros y nuevas tendencias con sus escasos pero concisos álbumes.

Marcus Eoin y Michael Sandison reposaron su nuevo material por ocho años (uno más que los robots franceses, rivales de promoción) y este 2013 volverán con el que será apenas su cuarto disco de estudio, titulado Tomorrow’s Harvest. El disco, de atinadísimo título, se publica el 5 de junio y ha sido posible encontrar pistas llenas de misterio y teasers de corta duración en sitios y actividades como Record Store Day, los edificios más altos de Tokio, la serie televisiva Adult Swim, entre otros.

Finalmente, el sencillo del álbum, Reach for the Dead fue presentado en el programa del DJ inglés Zane Lowe. La pieza cuenta una manufactura delicada, contiene la oscuridad de caminos bifurcados que caracteriza al dúo, repleta de un pulso tan urgente como grácil.

Habrá que seguir la pista de BoC, uno de los grupos más reverenciados de los últimos años. Uno que, para variar, es alabado con justa razón.

 

 

Ai Weiwei: Never Sorry. Un artista tras las rejas

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Ai Weiwei: Never Sorry es el primer largometraje sobre el artista y activista chino de renombre internacional, Ai Weiwei, quién en los últimos años ha captado la atención internacional tanto por su ambiciosa obra como por sus provocaciones políticas.

 

Esta es la historia de un disidente de la era digital que inspira a las audiencias globales y desdibuja los límites entre arte y política. Su retrato detallado ofrece una exploración sutil de la China contemporánea y una de las figuras públicas más convincentes del arte mundial.

Ai Weiwei podría ser simplemente un artista cotizadísimo en la floreciente nueva China. El estadio olímpico que diseñó para los Juegos de Pekín 2008, popularmente conocido como El Nido, o algunas instalaciones como sus construcciones a partir de sillas o esa enorme explanada con más de 100 millones de pipas de girasol de porcelana, serían suficiente para que mereciera un documental.

Su intenso activismo político y social, denunciando el inmovilismo del gobierno de su país con herramientas originalísimas, le ha dado sin embargo una dimensión extraordinaria que complementa su faceta creativa.

Durante dos años la cineasta Alison Klayman siguió a Ai Weiwei, presenciando en primera persona las represalias que sufrió por parte de las autoridades, desde vigilancia injustificada o desahucios a agresiones y privaciones de libertad.

 

 

 

Ai Weiwei en la Bienal de Venecia

El 3 de abril de 2011 dos hombres asaltaron al artista chino Ai Weiwei en el aeropuerto de Pekín y no se supo nada más de él. La reverberación que su desaparición alcanzó a escala internacional –incluyendo una enorme leyenda en la fachada de la Tate Modern de Londres que pedía su liberación, por poner solo un ejemplo– obligó al gobierno de la República Popular a pronunciarse. Weiwei había sido detenido por cometer «delitos económicos», informó la agencia de noticas oficial Xinhua. Y así estuvo durante 89 días, recluido en algún lugar incógnito de la capital, hasta que salió en junio bajo fianza.

Weiwei, que ha calificado el episodio en varias ocasiones como «el peor momento de su vida», no se ha cansado de denunciar desde entonces las detenciones ilegales y las torturas en las cárceles chinas. Las maquetas, que ya han llegado a la Zuecca Project Space en la isla Giudecca de Venecia, son su último modo de hacerlo y, con toda seguridad, el más elocuente de todos. Han sido reconstruidas de memoria, según el artista ha explicado escuetamente al diario The New York Times, con la ayuda de un equipo especializado en escultura en fibra de vidrio que ha estado trabajado durante meses en Pekín. No persiguen un propósito artístico elevado, al menos no si la política no lo es. Solo quiere «que la gente entienda claramente las condiciones» de su detención, dice el artista.

Las escenas, en las que además vemos a Weiwei duchándose, siendo interrogado y sentado en el váter, se podrán contemplar durante la inminente Bienal de Venecia, aunque no forman parte de la agenda oficial. Se expondrán en la antigua iglesia renacentista de la sala aisladas de su hermosura –y de todo, en realidad– por las pesadísimas cajas de hierro en las que han sido transportadas desde china sin que Weiwei, por cierto, haya querido explicar cómo.

 

Coqueteando con la música

S.A.C.R.E.D., que así se titula la colección, acompaña de esta manera el lanzamiento la semana pasada del primer disco de Weiwei –La Divina Comedia, por aquello de pasear por el infierno– y de su primer single, Dumbass. El tema –heavy metal compuesto por Zuoxiao Zuzzou, también disidente, con letras y voz a cargo de Weiwei– habla de su detención en 2011 y nace acompañado de un videoclip firmado por Christopher Doyle y protagonizado por el propio artista conceptual.

El vídeo, de tono satírico y con escenas muy explícitas, narra las condiciones de la detención de Weiwei en unas instalaciones paramilitares pekinesas en 2011.

 

 

El Fanzine presenta su noche de #FanCine con Ai Weiwei: Never Sorry. Gana tus entradas a través de nuestro Twitter @GAS_TV.

 

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